Riepilogo della lezione sull'argomento "maschere teatrali". Lavoro di ricerca con la presentazione "La storia della maschera teatrale" Perché un attore ha bisogno di una maschera in teatro

15.06.2019

Antiche muse greche

Per una risposta alla domanda sul perché ciò sia accaduto, bisogna andare alle origini della civiltà europea - la cultura dell'antica Grecia, in cui il dramma stesso è apparso anche prima della nostra era, i suoi rami principali - tragedia e commedia, la loro musa protettrice (Melpomene e Thalia, rispettivamente) e i simboli delle impalcature che rimangono per secoli sono maschere. Attributi teatrali che nel tempo si sono trasformati in emblema. Tutto è iniziato, come al solito, con gli antichi miti greci. Nove figlie di Zeus e Mnemosine (Titanidi, figlie di Urano e di Gaia), che personificarono la memoria, divennero le sante patrone della scienza e dell'arte. Ognuna di loro aveva una propria immagine, corrispondente all'area che lei curava e sovrintendeva.

Da tempo immemorabile

Melpomene e Talia, le patrone degli spettacoli teatrali, sono state fin dall'antichità ritratte come donne che tengono in mano delle maschere. I simboli teatrali presero gradualmente una vita indipendente e iniziarono a personificare il palcoscenico. Ma l'origine di questi attributi risale all'antichità. Ad esempio, Aristotele, educatore di Alessandro Magno, vissuto nel IV secolo a.C., testimonia che anche ai suoi tempi la storia dell'uso delle maschere nell'arena teatrale si perdeva nella profondità immemorabile del tempo. E questo non è sorprendente. Infatti, nell'antichità, tutte le azioni teatrali si svolgevano nelle piazze e nelle arene. Molte persone si sono radunate e per vedere il carattere dei personaggi nelle ultime file, per ascoltare di cosa si discuteva, gli attori hanno iniziato a usare le maschere. Dipinti in modo vivido, esprimendo gioia o rabbia, avevano un corno al posto della bocca, che amplificava il suono.

Varietà di maschere

È impossibile immaginare l'azione antica senza una maschera. Gli attributi teatrali erano una condizione necessaria e principale per lo spettacolo. E, naturalmente, ce n'erano molti: c'erano maschere maschili e femminili, eroi e cattivi, vecchi, giovani e bambini, dei e altri esseri di ordine superiore. Le maschere rappresentavano dolore e gioia. A poco a poco, con la comparsa di edifici teatrali con un palcoscenico e una certa acustica, la necessità di una maschera scompare, ma, avendo servito spettacoli teatrali per il millennio, rimane un simbolo di questa forma d'arte. Due maschere - commedia e tragedia - rappresentano il teatro in generale e, inoltre, ne simboleggiano l'antichità. Entrambi hanno la bocca aperta, anche se non ci sono amplificatori. A Talia, simbolo della commedia, gli angoli della bocca sono alzati, a Melpomene sono mestamente abbassati. Tutti conoscono le maschere teatrali. Le immagini sottostanti mostrano le immagini più comuni del duo.

Trasportato attraverso i secoli

In generale, il ruolo delle maschere nella vita di una persona è molto alto. Non sono mai caduti in disuso, anche quando erano proibiti dalla legge (rivoluzione francese). Ci sono sempre stati rituali, maschere di carnevale. Possiamo parlarne a lungo, se ricordiamo Venezia. Al giorno d'oggi, le manifestazioni di protesta in tutti i paesi del mondo raramente fanno a meno delle maschere, personificando questa o quella figura politica. La maschera è diventata un simbolo di segretezza. Che ha dato origine a molte espressioni con questa parola, implicando mistero, insincerità, mistero. Ci sono infinite maschere. Un posto speciale tra il numero totale è occupato da una varietà di maschere teatrali. Di seguito è possibile vedere le immagini di alcuni.

Oro di altissimo livello

Un posto speciale è stato assegnato alla maschera d'oro. L'oro ha sempre simboleggiato il più alto grado di qualcosa, che si tratti di una medaglia o di una stampella ferroviaria.

Questo è un simbolo del completamento con successo di qualcosa di grande e vitale. Non sorprende che insieme alla maschera veneziana d'oro, che personifica il più alto grado di successo nella società, sia apparsa anche una maschera d'oro teatrale, che simboleggia l'apice della recitazione e della regia. Nel 1994, il tempio russo di Melpomene ha acquisito un proprio festival teatrale di livello piuttosto elevato, poiché i fondatori sono stati il Ministero della Cultura della Federazione Russa e il governo di Mosca, e dal 2002 Sberbank of Russia è diventato lo sponsor generale dell'annuale Festa delle maschere d'oro. Il presidente dell'omonima associazione è Georgy Taratorkin da molti anni. Il festival è preceduto da una selezione rigorosa e professionale di spettacoli, condotta durante tutto l'anno da consigli di esperti, che comprendono coreografi, direttori d'orchestra, registi e attori eminenti e illustri.

Riconoscimento tra pari

Il festival tutto russo si svolge in primavera e termina con una colorata e bellissima cerimonia di premiazione, il cui simbolo è l'immagine di una maschera d'oro, progettata e realizzata dall'artista Oleg Sheintsis con le sue stesse mani.

Il premio teatrale "Maschera d'oro" è previsto in diverse nomination. Ha un marchio di alta qualità: Mikhail Ulyanov ha affermato che il premio viene consegnato da professionisti a professionisti. Non può essere ottenuto per denaro o per conoscenza. Ha uno status elevato: il National Theatre Award, fondato da un'organizzazione così seria come l'Union of Theatre Workers. Il premio non ha equivalente in denaro, il suo merito principale è il riconoscimento del talento e dei risultati conseguiti dai colleghi.

Mascherine per bambini

I bambini hanno i loro hobby e premi che esistono in parallelo con il mondo degli adulti: teatri per bambini, festosi carnevali colorati, recite scolastiche. Tutto ciò richiede spesso maschere teatrali per bambini. E qui c'è già dove possono vagare le fantasie: fiabe, film d'animazione: tutto è al servizio dei bambini. Puoi creare una maschera di Ilya Muromets o Shrek, qualsiasi animale, incluso uno favoloso o una Barbie moschettiere. Inoltre, sono a disposizione di tutti schizzi di maschere per tutti i gusti.

E. Speransky

Per coloro che amano l'arte drammatica, sono impegnati in circoli teatrali, è utile capire questo problema. E forse, avendolo capito, alcuni di voi vorranno "adottare" queste interessantissime tecniche di recitazione: recitare in maschera e senza un testo precedentemente appreso. Ma questa non è una cosa facile. E per rendere più chiaro di cosa stiamo parlando, inizieremo dal più semplice: con una semplice maschera nera...

MASCHERA SEMPLICE NERA

Ovviamente conosci questa benda di stoffa nera che copre la metà superiore del viso. Ha una proprietà magica: mettendoselo in faccia, una persona specifica con un dato nome e cognome temporaneamente ... scompare. Sì, si trasforma in invisibilità, per così dire, in una persona senza volto, diventa una "persona sconosciuta".
Una semplice maschera nera ... Partecipante di carnevali, feste, è associata alla festa, alla musica, alla danza, al serpentino. Le persone hanno a lungo indovinato le sue proprietà magiche. Indossando una maschera, puoi incontrare il tuo nemico e scoprire un importante segreto da lui. In una maschera, puoi dire al tuo amico ciò che a volte non puoi dire con una faccia aperta. C'è sempre qualcosa di misterioso, di enigmatico in lei. "È silenziosa - misteriosa, parlerà - così dolce ..." - si dice di lei in "Masquerade" di Lermontov.
Nel vecchio circo pre-rivoluzionario, la MASCHERA NERA usciva nell'arena e metteva uno per uno tutti i lottatori sulle scapole.

SOLO OGGI!!!

COMBATTIMENTI CON LA MASCHERA NERA! IN CASO DI SCONFITTA, LA MASCHERA NERA APRIRÀ IL VOLTO E DICHIARÀ IL SUO NOME!
Il proprietario del circo sapeva chi si nascondeva sotto la maschera nera. A volte era il combattente più inutile, affetto da obesità del cuore e mancanza di respiro. E l'intero litigio era una truffa completa. Ma il pubblico ha riversato un'asta sulla misteriosa Black Mask.
Ma non sempre una semplice maschera nera era associata a balli, mascherate e lotta classica nell'arena del circo. Ha anche partecipato a imprese più pericolose: tutti i tipi di avventurieri, banditi, sicari si sono nascosti sotto di lei. La maschera nera ha partecipato a intrighi di palazzo, cospirazioni politiche, ha effettuato colpi di stato di palazzo, fermato treni e rapinato banche.
E la sua proprietà magica si è trasformata tragicamente: sangue versato, pugnali lampeggiarono, spari risuonarono ...
Vedete cosa significava un tempo questo pezzo di materia, che copriva la metà superiore del viso. Ma la cosa più interessante è che non parleremo di lui. Dopotutto, abbiamo iniziato a parlare del "Teatro delle Maschere". Quindi, a differenza di una semplice maschera nera, esiste un altro tipo di maschera. Chiamiamolo TEATRO. E ha una proprietà magica ancora più forte di una semplice maschera nera...

MASCHERA TEATRO

Qual è la differenza tra una maschera teatrale e una semplice maschera nera?
Ma cosa: la maschera nera non raffigura nulla, trasforma solo una persona in invisibilità. E la maschera teatrale raffigura sempre qualcosa, trasforma una persona in un'altra creatura.
L'uomo indossò la maschera indossando la maschera della volpe e si trasformò in una bestia astuta dalla favola di nonno Krylov. Ha indossato la maschera Buratino - e si è trasformata in una favolosa immagine di un uomo di legno dal racconto di A. Tolstoj ... E questa, ovviamente, è una proprietà magica molto più forte e più interessante della capacità di una semplice maschera nera di creare una persona invisibile. E le persone hanno a lungo indovinato questa proprietà della maschera teatrale e la usano da molto tempo.

MASCHERE TEATRICI NELL'ANTICO

Tu, ovviamente, sei stato al circo. Quindi, immagina una stanza del circo, ma solo molte volte più grande e, inoltre, senza tetto. E le panche non sono di legno, ma scolpite nella pietra. Questo sarà l'anfiteatro, cioè il luogo dove si svolgevano le rappresentazioni teatrali degli antichi greci e romani. Tali anfiteatri a volte ospitavano fino a 40 mila spettatori. E il famoso anfiteatro romano Colosseo, le cui rovine sono ancora visibili a Roma, è stato progettato per 50mila spettatori. Quindi prova a recitare in un teatro dove gli spettatori dell'ultima fila non vedranno la tua faccia e non sentiranno nemmeno la tua voce...
Per essere meglio visibili, gli attori di quei tempi si alzavano su koturny - un tipo speciale di stand - e indossavano maschere. Erano maschere grandi e pesanti fatte di legno, una specie di mute da sub. E hanno rappresentato diversi sentimenti umani: rabbia, dolore, gioia, disperazione. Una tale maschera, dai colori vivaci, era visibile a una distanza molto lontana. E affinché l'attore potesse essere ascoltato, la bocca della maschera è stata realizzata sotto forma di un piccolo risonatore di corno. Le famose tragedie di Eschilo, Sofocle, Euripide furono rappresentate in maschere TRAGICHE. Le commedie di Aristofane e Plauto, non meno famose, furono rappresentate in maschere FUMETTI.

A volte durante lo spettacolo gli attori cambiavano le loro maschere. In una scena l'attore ha recitato con una maschera di DISPERAZIONE, poi se ne è andato e in un'altra scena è arrivato con una maschera di rabbia o con una maschera di PENSIERO PROFONDO.
Ma io e te non possiamo più aver bisogno di questo tipo di maschere che raffigurano sentimenti umani congelati. Non abbiamo bisogno di risonatori e catturn, anche se gli attori del teatro dei burattini usano ancora i catturn per adattare la loro altezza allo schermo dei burattini. Non abbiamo bisogno di tutto questo perché non abbiamo intenzione di far rivivere il teatro dell'antica Grecia e di Roma e suonare per quaranta o cinquantamila spettatori. Non ci interessano maschere di orrore o risate fragorose, ma maschere-personaggi, maschere-immagini. E quindi, eviteremo maschere che ritraggono qualsiasi sentimento in modo troppo duro e vivido, ad esempio maschere sorridenti e piangenti; al contrario, cercheremo di dare alle nostre maschere un'espressione neutra in modo che in esse possano essere interpretati diversi stati dell'anima umana. E poi sembrerà al pubblico che le nostre maschere stiano sorridendo, ora piangendo, ora accigliandosi, ora sorpresi - se solo i veri occhi dell'attore brillassero da sotto la maschera ...

MASCHERE TEATRICI DI PAGLIACCI E ATTORI

Trovare la propria maschera è considerato un grande successo tra i clown e gli attori del circo. Una maschera trovata con successo a volte trasforma l'intera vita di un attore, lo rende una celebrità mondiale, lo rende famoso.
Ma trovare la tua maschera non è così facile come sembra. Innanzitutto è necessario che tutte le qualità interiori ed esteriori dell'attore coincidano con l'immagine che la maschera raffigura. E la cosa più difficile è indovinare l'immagine stessa, interpretare una persona del genere, un personaggio che assomiglierebbe a molte persone contemporaneamente, incarnerebbe più di un personaggio, ma raccoglierebbe le caratteristiche individuali di molti, cioè in in altre parole, in modo che l'immagine della maschera fosse in modo collettivo o tipico e, inoltre, necessariamente moderna. Solo allora questa maschera risuonerà con un gran numero di spettatori, diventerà una maschera vicina e amata, su cui le persone rideranno o piangeranno. Ma una tale fortuna accade raramente, forse una volta ogni cento o duecento anni.
È successo con il famoso attore Charlie Chaplin. Trovò la sua maschera e iniziò a passare di film in film: baffi neri, sopracciglia leggermente sollevate, come per sorpresa, una bombetta in testa, un bastone tra le mani ... E scarpe enormi che non erano alte . A volte i singoli dettagli del costume cambiavano: ad esempio, sulla testa appariva un cappello di paglia invece di una bombetta, ma la maschera stessa rimaneva sempre la stessa. È vero, per essere precisi, non era una maschera, ma il viso di Chaplin con i baffi incollati. Ma un volto umano vivente a volte può anche diventare una maschera se diventa congelato o inattivo, se lo stesso sorriso o smorfia gioca sempre su di esso.
Un altro esempio di maschera facciale. Il famoso attore cinematografico Buster Keaton non ha mai sorriso ... Non importa ciò che ha vissuto, non importa in quali posizioni divertenti si è trovato, ha sempre mantenuto uno sguardo serio e il pubblico "ruggiva" di gioia, morendo dalle risate. Il suo volto "terribilmente" serio divenne la sua maschera. Ma ecco la cosa interessante: la maschera di Buster Keaton è stata dimenticata e la maschera di Chaplin è ancora viva. E questo perché Chaplin ha trovato per la sua maschera un'immagine tipica che è vicina a ogni spettatore, l'immagine di un ometto divertente che non si scoraggia mai, nonostante la vita lo batta ad ogni passo. E Buster Keaton ha interpretato solo un personaggio separato di una persona mai sorridente. L'immagine di Chaplin era più ampia, più tipica.
Ma sto dicendo tutto questo per niente in modo che tu ti sia subito precipitato a cercare la tua maschera. No, sia meglio che gli attori professionisti siano impegnati in questa difficile faccenda! Naturalmente, ad alcuni di voi può capitare quello che succede una volta ogni cento o duecento anni. Ma mentre sei a scuola, fai arte teatrale perché ami il teatro, e per niente perché vuoi diventare una celebrità mondiale. Anche sognarlo è un'occupazione piuttosto stupida, perché la fama di solito arriva a quelle persone che non ci pensano affatto. Al contrario, chi ci pensa spesso diventa un fallito. No, io e te abbiamo intenzioni più modeste. E quindi non stiamo parlando di una maschera per la quale bisogna ancora inventare un personaggio, un'immagine, stiamo parlando di una maschera che raffiguri un personaggio già esistente e noto al pubblico, tratto dalla vita o dalla letteratura. Ma, oltre alle maschere, volevamo anche capire cos'è l'improvvisazione ... Pertanto, abbiamo sicuramente bisogno di conoscere il "Teatro delle maschere" italiano, in cui c'erano entrambi: maschere e improvvisazione.

"COMMEDIA DEL ARTE" ITALIANA O "COMMEDIA DELLE MASCHERE"

La "Commedia delle maschere" italiana, o, come viene anche chiamata, "Commedia dell'arte", ha origine in un lontano passato. Ma il suo vero periodo di massimo splendore ebbe luogo nel XVII secolo. Quindi i famosi attori preferiti dal popolo iniziarono ad apparire nelle compagnie della commedia dell'arte e le esibizioni di maschere soppiantarono tutte le altre rappresentazioni teatrali.
Cosa erano queste maschere? Dopotutto, sappiamo già che una maschera teatrale raffigura sempre qualcuno. Ecco alcune maschere della commedia dell'arte:
1. PANTALONE è un mercante veneziano. Un vecchio avido e stupido, si trova sempre in una situazione divertente. Lo derubano, lo ingannano e va stupidamente a qualsiasi manifestazione. La sua maschera è un naso da gufo, baffi sporgenti, una piccola barba e un portafoglio con soldi alla cintura.
2. MEDICO - satira su un dotto avvocato, un giudice. Chiacchierone e scalpellino. In una mezza maschera nera, abito nero, cappello a tesa larga.
3. CAPITANO - una caricatura di un avventuriero militare, spaccone e codardo. Costume spagnolo: mantello corto, pantaloni larghi, cappello con piuma. Parla con un accento spagnolo.
Già da queste tre maschere si può capire com'era la commedia dell'arte all'italiana. Si trattava di una raccolta di maschere raffiguranti vari rappresentanti della società italiana dell'epoca. Inoltre, erano tutte esibite in modo divertente, cioè erano maschere satiriche. La gente comune voleva ridere a teatro di coloro che in vita gli causavano molto dolore: il mercante si arricchì a sue spese, il dotto avvocato lo portò in prigione, e il "capitano" lo derubò e lo violentò. (A quei tempi l'Italia era occupata dagli spagnoli, quindi il "capitano" indossava un costume spagnolo e parlava con accento spagnolo.) Tra le maschere della commedia dell'arte c'erano due maschere di servitori, o, come erano allora detto ZANNI: si trattava di maschere comiche raffiguranti un abile tuttofare, valletto e contadinotto contadino. Questi erano già dei veri pagliacci, che intrattenevano il pubblico negli spettacoli secondari. Zanni si chiamavano diversamente: Brighella, Arlecchino, Pinocchio, Pulcinella. Insieme a loro giocavano i servi: Smeraldina, Columbine.
Queste immagini di maschere sono diventate famose in tutto il mondo. I loro nomi risuonavano dal palcoscenico dei teatri, i poeti scrivevano su di loro, erano dipinti da artisti. Perché, ne conosci alcuni. Ricordi Pinocchio? E ricordi cosa vede sul palco del teatro dei burattini? Lo stesso Pierrot, Colombina, Arlecchino.
Oltre alle maschere, la commedia dell'arte si distingueva per un'altra proprietà molto interessante: i suoi attori non imparavano i ruoli, ma pronunciavano le proprie parole nelle recite, quelle che gli venivano in mente al momento dell'azione. Hanno improvvisato.

CHE COS'E' L'IMPROVVISAZIONE

Momenti di improvvisazione si incontrano nella vita ad ogni passo: un discorso pronunciato in maniera estemporanea; senza preparazione, una barzelletta raccontata sul posto... Anche quando uno studente alla lavagna spiega con parole sue una lezione imparata o risolve un teorema, anche questa è una specie di improvvisazione...
Così improvvisarono gli attori italiani della commedia dell'arte. Non avevano ruoli, o meglio, testo di ruolo. Gli autori hanno scritto per loro non opere teatrali, divise in dialoghi e monologhi, ma sceneggiature, in cui si limitavano a delineare ciò che l'attore doveva fare e dire durante la performance. E l'attore stesso doveva pronunciare le parole che la sua fantasia e immaginazione gli suggerivano.
Alcuni di voi potrebbero essere felicissimi. Va bene! Quindi, non hai bisogno di imparare il testo, provare, ma vai dritto e recita il tuo ruolo con parole tue?!
Non è vero! ..

SULLA DIFFICILE ARTE DELL'IMPROVVISAZIONE

Sì, è un'arte allettante, eccitante, ma impegnativa. Richiede all'attore di esercitare tutte le sue capacità, memoria, fantasia, immaginazione. Richiede una conoscenza precisa del copione, cioè di cosa si ha da dire e da fare in scena. "Ex nihil - nihil est" - c'era un tale proverbio tra gli antichi romani: "Nulla viene da nulla".
Quindi, se vuoi iniziare a improvvisare "senza niente", niente funzionerà per te. Puoi controllarlo facilmente. Prendi una qualsiasi storia di A. P. Cechov, ad esempio "Chameleon" o "Surgery", o la storia di un autore moderno e prova a interpretarla sotto forma di scena, in volti, con parole tue, cioè improvvisando. E vedrai quanto sarà difficile. Rimarrai con la bocca aperta e aspetterai che qualcuno te lo dica...
E cosa chiedere qualcosa? Dopotutto, il tuo ruolo non ha parole, l'autore non ha scritto righe separate per ogni personaggio, come si fa nelle commedie ... Quindi, devi assicurarti che le parole stesse nascano nella tua testa e lascino facilmente la lingua.
Ciò significa che devi conoscere molto bene l'immagine che interpreti: il suo carattere, l'andatura, il modo di parlare, cosa fa in questa scena, cosa vuole e in che stato si trova. E poi, devi conoscere bene il tuo partner, essere in grado di comunicare con lui, ascoltarlo e rispondergli. E quando sai tutto questo, devi provare il tuo schizzo molte volte, provare a suonarlo in questo modo e quello, cioè, in breve, devi lavorare, provare ...
E devo dirvi che gli attori-improvvisatori della "Commedia delle Maschere" all'italiana hanno lavorato come animali, preparandosi ad andare in scena: provavano, inventavano diversi trucchi, inventavano battute divertenti. Certo, il fatto che suonassero con le maschere rendeva loro più facile, e le maschere erano famose immagini teatrali che passavano di spettacolo in spettacolo. Eppure hanno lavorato non meno degli attori che interpretano il testo dell'autore. Ma ogni lavoro è in definitiva premiato e gratificante. E tu, naturalmente, proverai anche gioia quando un giorno, durante una delle prove, ti renderai improvvisamente conto che puoi parlare facilmente e audacemente con parole tue a nome del tuo ruolo.
Ciò significa che hai imparato l'arte dell'improvvisazione.

COSA E COME GIOCARE MASCHERE, IMPROVVISANDO!

Ebbene, abbiamo conosciuto due interessanti tecniche di recitazione: il teatro delle maschere e l'arte dell'improvvisazione. E sappiamo già che queste due tecniche di recitazione un tempo si unirono nella brillante arte della commedia dell'arte. Ora ci resta da pensare a come "adottare" quest'arte, per usarla, diciamo, in un club di recitazione.
Qualcuno potrebbe dubitare: un volto umano vivo è meglio di una maschera immobile, e un buon autore è meglio delle "sue parole", l'improvvisazione degli improvvisatori. Vale quindi la pena far rivivere queste tecniche superate della commedia dell'arte?
Ma, prima di tutto, non sono mai diventati obsoleti. Fino a quando le persone non avranno dimenticato come si scherza, si ride, si fantastica, anche l'improvvisazione vivrà. E in secondo luogo, parlando di maschere e improvvisazione, non vogliamo affatto abolire il volto vivo di un attore e una buona commedia di un buon autore. Al contrario, li vogliamo, questi diversi modi di recitare: maschere, improvvisazione e un volto umano vivo, pronunciando il testo dell'autore - tutto questo è esistito uno accanto all'altro, si è arricchito a vicenda.
Perché ognuna di queste tecniche teatrali ha il suo business. Il gioco, scritto dall'autore, ha una trama interessante, caratteristiche psicologiche dei personaggi accuratamente sviluppate. Certo, non ha senso suonare un pezzo del genere per mezzo di maschere e improvvisazione. Ma far rivivere una caricatura politica, mettere in scena una favola, introdurre divertenti intermezzi in una rappresentazione drammatica, rispondere in modo vivido e arguto a qualsiasi evento di oggi è compito degli improvvisatori di maschere, e nessuno può farlo meglio di loro. Ma come fare questo? .. Dopotutto, io e te non abbiamo ancora autori che scrivono sceneggiature speciali per attori-improvvisatori.
Ciò significa che noi stessi dovremo inventare temi e scrivere sceneggiature per le loro esibizioni.

Anche gli eroi delle favole sono essenzialmente delle maschere. Ogni animale ha il suo carattere. Ad esempio, Bear and Donkey (dal Quartetto).

Questo può essere intrapreso da uno dei membri del tuo club di recitazione, che ha la capacità e il desiderio di farlo. Oppure puoi farlo insieme, collettivamente, il che, ovviamente, è molto più divertente.
Ricordiamo cosa dicevamo della maschera teatrale. Dipinge sempre un personaggio già affermato, un'immagine nota sia al pubblico che agli attori stessi. In una maschera del genere è più facile improvvisare, perché l'attore conosce già la sua biografia, o, se vuoi, il suo aspetto, le sue abitudini. E quando scriviamo gli script, dobbiamo tenerlo a mente. E prima di tutto, dobbiamo selezionare un numero di immagini di scena note sia a noi che al pubblico, loro vecchie conoscenze. Ci aiuteranno a comporre questo o quello scenario. Possiamo trovare abbastanza facilmente queste vecchie conoscenze sia nella vita che nella letteratura. Dalle cronache di oggi, l'immagine di un amante della Guerra Fredda può apparirci, diventando l'eroe di uno sketch politico, una caricatura che ha preso vita. Le immagini possono venirti dalle favole di Krylov. Dopotutto, ogni immagine favolosa - una volpe, un orso, un lupo, una lepre - nasconde in sé una sorta di vizio o mancanza di carattere umano. Così chiedono di essere mascherate le immagini di uno studente pigro, di un prepotente o di un "sicofante". Pensa a uno scenario in cui agirebbero famosi eroi letterari o storici, ma giocherebbero su argomenti rilevanti che ti sono vicini.

Disegni di O. Zotov.

Maschere teatrali

sovrapposizioni speciali con un ritaglio per gli occhi (raffigurante un volto umano, la testa di un animale, creature fantastiche o mitologiche), indossate sul viso dell'attore. Realizzato in carta, cartapesta e altri materiali. Nel teatro antico, dove le rappresentazioni si svolgevano in enormi anfiteatri all'aperto davanti a una folla di migliaia, M. t. Sostituì il mimetismo, trasmettendo vari stati d'animo (ad esempio, la sofferenza era raffigurata su un profilo della maschera e la gioia sull'altro ); per esaltare la voce dell'attore, il music tester è stato fornito dall'interno con risonatori metallici. Nel teatro romano M. t. Sono stati usati principalmente in scene popolari improvvisate - atellani. Nell'antica Russia e nell'Europa medievale, le maschere erano usate da buffoni e istrioni. Nei secoli XVI e XVIII, i personaggi comici della commedia dell'arte italiana indossavano tuniche di metallo (vedi Commedia dell'arte). Nel 17 ° secolo, le maschere iniziarono a cadere in disuso. A volte M. t. Viene utilizzato nel teatro moderno (ad esempio, il "Circolo di gesso caucasico" di Brecht, il teatro Berliner Ensemble, DDR).

M. t. Si è diffuso nel teatro tradizionale dei popoli dell'Asia (in India ha distribuito spettacoli popolari e ramlila, in Indonesia, il teatro topeng, in Giappone, il teatro noo e altri). Nel teatro del 20 ° secolo, è spesso sostituito da un trucco simile a una maschera (esibizioni di kathakali in India, kabuki in Giappone).

Grande Enciclopedia Sovietica. - M .: Enciclopedia sovietica. 1969-1978 .

Guarda cosa sono le "Maschere teatrali" in altri dizionari:

Tra gli antichi greci e romani, M. era il modo più conveniente per gli attori di trasmettere il carattere dei ruoli. A giudicare dalle ultime scoperte, si può presumere che i M. siano stati usati per lo stesso scopo fin dall'antichità in Egitto e in India, ma non abbiamo sentito parlare del M.

Oppure, secondo l'antica usanza, gli hari erano e sono molto diffusi tra i popoli più diversi, dai primitivi ai più colti. Per studiarli, dal punto di vista etnologico e storico culturale, negli ultimi 10 15 ... ... Enciclopedia di Brockhaus ed Efron

- (Premi teatrali della Russia) premi assegnati nel campo dell'arte teatrale nella Federazione Russa. Tipi di premi Premio Maschera d'Oro. Premio nazionale del teatro di stato. Fondatore dell'Unione dei lavoratori del teatro della Russia. ... ... Wikipedia

Ludi scenici. T. le rappresentazioni nell'antichità, sia ad Atene che a Roma, non erano in mani private; erano responsabili dello stato, sebbene l'esecuzione in ogni singolo caso fosse fornita a privati. Ad Atene, spettacoli di tragedie e... Il vero dizionario delle antichità classiche

Oppure, secondo l'antico “travestimento”, gli “hari” sono stati e sono molto diffusi presso un'ampia varietà di popoli, dai primitivi ai più colti. Per studiarli, dal punto di vista etnologico e storico culturale, negli ultimi... ... Dizionario Enciclopedico delle F.A. Brockhaus e I.A. Efron

Maschere teatrali- Gli attori coinvolti in tragedie e commedie indossavano T. m. Sono stati realizzati più spesso da hola ha, che è stato dato con l'aiuto del gesso. forma, dopo di che sono state dipinte le maschere, sono state fatte fessure per gli occhi e la bocca, e in cima ... ... Dizionario dell'antichità

E; pl. genere. succo, datteri truffa; F. [Francese. maschera] 1. Una toppa speciale con l'immagine di un volto umano, muso animale, ecc., Indossata sul viso di una persona. M. Orso. M. gatto. Dipinto M. M. in cartapesta. Indossa una maschera. // Sovrapponi su ... ... dizionario enciclopedico

I La Gran Bretagna è un'isola nell'Oceano Atlantico, parte del gruppo delle Isole Britanniche (vedi Isole Britanniche). Vedi Gran Bretagna (stato). II Gran Bretagna è il nome ufficiale United ... ... Grande Enciclopedia Sovietica

MASCHERA (dal russo allo striscio), nella mitologia slava (vedi MITOLOGIA SLAVA (approccio alternativo)) inizialmente tutto ciò che veniva applicato sul viso (in origine maschere di piante per la cura della pelle del viso o maschere dipinte degli dei). Più tardi la "maschera" ... ... dizionario enciclopedico

- (maschera francese) 1) una sovrapposizione con ritagli per gli occhi, nascondendo il volto, a volte con l'immagine di un volto umano, la testa di un animale o una creatura mitica. Le maschere rituali erano indossate dagli esecutori di riti religiosi nei culti primitivi. Maschere... ... Grande dizionario enciclopedico

libri

Maschere letterarie e artistiche: teoria e poetica, S. G. Isaev. Nella critica letteraria moderna, il concetto di maschera è nuovamente incluso nei dizionari enciclopedici e fino ad oggi è stata data una definizione terminologica di maschera. Descrizione del sistema della maschera ...

Pakhomova Anna Valerievna - Professore dell'Accademia di arte e industria di Mosca intitolata SG Stroganova, Ph.D. in studi culturali, ospite permanente della rubrica "Fashion and We" della rivista Studio D'Anturage, collabora con le riviste Atelier e Fashion Industry, esperto di design della Moscow Designers' Union, membro dell'International Art Fund, membro dell'International Association of Writers and Publicists.

Questa parte conclude la serie di articoli dedicati al costume teatrale del teatro giapponese n. In esso considereremo in dettaglio i costumi del periodo Edo, i suoi dettagli e accessori, dettagli interessanti su Nessuna maschera (basato sul libro di N.G. lun.

Ko-Tobide. Maestro Yokan. XVII secolo (a sinistra) / O-Tobide. Maestro sconosciuto. Fine del XVI secolo (sulla destra)

Nella parte precedente, abbiamo parlato in dettaglio degli oggetti di scena. Ora è il momento di guardare il costume e la maschera del protagonista, che fa forse l'impressione visiva più sorprendente. La luminosità e lo splendore dei tessuti utilizzati per la manifattura, la ricchezza dei colori, ne fanno la decorazione principale della performance. Nel moderno teatro Noh, ci sono 94 combinazioni di costumi canonici di base per tutti i personaggi, inclusa la farsa. ai... I costumi sono la proprietà più preziosa degli attori. Vengono tramandati di generazione in generazione e ne vengono creati di nuovi in stretta conformità con i vecchi campioni. Ai tempi di Kanami e Zeami, i costumi erano abbastanza semplici, ma gradualmente iniziarono ad avvicinarsi all'abbigliamento della nobiltà di corte, il clero. Nel XV secolo era diffusa l'usanza di dare abiti agli attori durante le rappresentazioni, quindi tra i più antichi costumi del XV secolo sopravvissuti ci sono gli abiti personali di shogun e aristocratici. Ad esempio, la Kanze School ha una giacca elegante donata dallo shogun Yoshimasa. Felice verde scuro, ricamato con farfalle. Con il passare del tempo furono creati costumi teatrali che non ripetevano la moda di corte, ma combinavano in modo stravagante costumi di corte in abiti appartenenti a epoche diverse. Questo processo ha avuto luogo durante il periodo Edo. Fu allora che i costumi del teatro Noh raggiunsero un incredibile grado di raffinatezza e lusso.

Doji. Maestro Tohaku. XVII secolo (a sinistra) / Yorimasa. Maestro sconosciuto. Fine del XVI secolo (sulla destra)

Una caratteristica distintiva dei costumi è il loro straordinario design. Un elemento separato del costume può essere utilizzato in un'ampia varietà di combinazioni con altri e senza dividerli in maschi e femmine. Per esempio, soffocato- un'elegante mantella di seta trasparente con maniche larghe svolazzanti e un grande motivo floreale intrecciato con fili d'argento o d'oro, indossato da una donna mentre balla. Lei, questo mantello, con protagonisti i fantasmi del giovane wloin morto, diventa armatura da combattimento se indossato con una gonna-pantaloni okuti dalla seta più fine, cadendo a terra. Mizugoromo- parapioggia - è un capo da viaggio e da lavoro per uomini e donne di tutte le età. Quando le maniche del mantello sono legate alla spalla, significa che il personaggio è impegnato nel lavoro fisico. Se una donna in mizugoromo appare sul palco con un ramo di bambù verde tra le mani, davanti a te è una donna pazza, che vaga per le strade alla ricerca della sua anima gemella.

Enmi-Kaya. Maestro sconosciuto. L'inizio del XV secolo. (a sinistra) / Uba. La maschera è attribuita al Maestro Chemie. L'inizio del XV secolo. (sulla destra)

Puoi vedere che la varietà dei costumi nasce da tutti i tipi di combinazioni di elementi e come risultato di modi diversi di indossare gli stessi vestiti attraverso l'uso di accessori diversi. Allora, vestito da caccia karaori in pregiata seta colorata - vestito femminile ordinario. Si indossa sopra un taglio a kimono kitsuke, nascosto davanti in vita, e dietro cade a terra. quando karaori indossato sopra pesante okuti(pantaloni-gonne), infilato nella parte anteriore della cintura, e sul retro si dissolve in uno strascico lungo il pavimento - questo è un costume di una persona nobile. Se allo stesso tempo la testa è adornata con una corona, allora il personaggio è una principessa. E quando un kimono trasparente viene indossato nello stesso stile soffocato, davanti al pubblico - una fata celeste.

Kagekiyo. Maestro sconosciuto. XVII secolo (a sinistra) / Shinkaku. Maestro Yamato. XVII secolo (sulla destra)

I colletti sono un elemento obbligatorio di ogni abito. erie avendo una forma a V. Sono cuciti al colletto del kimono inferiore, possono essere monostrato e multistrato, in diversi colori. Il colore del colletto indica lo stato sociale di un personaggio. Il bianco è il più nobile; l'unico colletto bianco è indossato da dei e principi. Il prossimo colletto più nobile degli aristocratici è dipinto in azzurro. I monaci e le donne anziane hanno colletti marroni e quelli blu sono usati nei costumi degli spiriti guerrieri malvagi, degli dei e dei demoni adirati.

Yase-Otoko. Maestro Tosui. XVIII secolo (a sinistra) / Koyashi. Maestro sconosciuto. Fine del XVI secolo (sulla destra)

Il costume del protagonista si distingue per accentuata eleganza, ricchezza e complessità. È realizzato con tessuti preziosi, broccato, seta pesante, decorato con magnifici ricami con fili d'oro e d'argento, applique tridimensionali raffiguranti erbe, insetti, fiori, foglie di banano, corsi d'acqua. L'attore indossa due o tre kimono inferiori sottili e sopra - una pesante veste di broccato, drappeggiata in modo speciale sulla figura, a seconda del personaggio raffigurato. /С.281/

Concluderemo la nostra storia sul costume tradizionale teatrale giapponese con alcune interessanti informazioni sulle maschere. Ne abbiamo già parlato molto prima, ma ecco alcuni altri fatti.

Monas di alcune famose dinastie di attori

Fino al XVII secolo, le maschere erano scolpite da monaci, attori, scultori. Secondo la leggenda, le prime maschere furono realizzate dagli dei e personalmente dall'imperatore Jogu Taishi (VI secolo), e questo periodo è considerato mitologico. Quindi vengono nominati dieci maestri dei secoli X-XI, tra cui Nikko, Miroku, Tatsuemon e il sacerdote Khimi, che, si crede, catturò i volti dei morti in maschere, portati a lui per la cerimonia funebre. Il periodo successivo (XVI secolo) ha lasciato i nomi di sei notevoli intagliatori di maschere. I più famosi dei quali erano Zoami e Sancobo. Dal 17° secolo sono nate famiglie specializzate nella produzione di maschere Noh, che hanno tramandato la tradizione attraverso le generazioni fino ai giorni nostri. Il cognome più antico degli intagliatori professionisti è Echizen.

Mona Ichikawa Danjuro V e Iwai Hansiro IV (sinistra) / Katsukawa Shunsh. Ichikawa Danjuro V e Iwai Hansiro IV. Tra il 1772 e il 1781 Xilografia a colori (a destra)

Maschere teatrali Ma come accessorio di uso teatrale, queste sono maschere di ruolo. Ci sono diverse opzioni per la loro classificazione. Le più comuni sono le seguenti: 1) maschere degli anziani; 2) maschere per uomini; 3) mascherine per le donne; 4) maschere di esseri soprannaturali - dei, spiriti, demoni; 5) maschere intitolate ai personaggi delle singole commedie.

Ci sono 86 nomi di base noti di maschere teatrali Noh (cioè maschere Noh e Kyogen insieme) e ne esistono molte varietà. Alcuni scienziati parlano di un totale di 450 specie scoperte fino ad oggi.

Mona Ichikawa Ebizo (Danjuro V) e Sakata Hangoro III (sinistra) / Katsukawa Shunei. Ebizo (Danjuro V) come Shibaraku e Sakata Hangoro III come Iga-no Heinaizaemon. Xilografia, 1791 (a destra)

La maschera contiene lo stato interiore del personaggio e aiuta l'attore a creare un'immagine scenica. Il compito più difficile è far rivivere il volto congelato della maschera, per dargli l'espressione necessaria per il testo. Per fare ciò, l'attore ricorre a cambiamenti sottili o improvvisi negli angoli, a seguito dei quali l'illuminazione della maschera cambia con l'illuminazione costante della scena. Quando la testa è abbassata, le ombre cadono sulla maschera, il che le conferisce un'espressione triste o pensierosa. Quando l'attore tiene la testa alta, la maschera è illuminata il più possibile e questo crea l'effetto di un viso gioioso e felice.

Katsukawa Shunei. Iwai Hansiro IV (frammento di xilografia a colori). 1781-1789 (a sinistra) / Mon Iwai Hansiro IV (a destra)

La maschera non era percepita dall'attore medievale come un dispositivo artistico; non era concettuale, ma naturale. L'esecutore credeva di essere stato veramente trasformato in un personaggio giocabile, poiché negli antichi rituali si credeva che il simbolo evocasse il simbolizzato. Il teatro No è un teatro di trasformazione, non di reincarnazione; qui opera il principio della completa identificazione dell'attore con l'eroe. All'interprete è comunque vietato sottoporre il ruolo ad analisi intellettuale; deve giocare "per capriccio". La maschera nel teatro Noh è prova materiale della trasformazione dell'attore in colui che interpreta. / S. 287 /

Schema di trucco. Stile Kamadori (a sinistra) / Trucco (foto) (a destra)

In Giappone, ci sono tre principali generi teatrali tradizionali, per così dire: il teatro senza maschere, il teatro Kabuki e il teatro delle marionette Bunraku. Qualche parola sugli ultimi due. Ognuno di loro ha una sua storia antica, caratteristiche legate alle abilità performative, ai costumi, al trucco, ai simboli dei colori.

Akahime. incisione

Ad esempio, la prima apparizione di un attore protagonista (a volte un folto gruppo di attori) sul palco di un teatro Kabuki è associata a una dimostrazione di costume e trucco. Da questo, infatti, inizia lo spettacolo. L'attore entra in scena dalla fine dell'auditorium e cammina verso il palco principale, oltre il pubblico attraverso l'auditorium. Un tale passaggio lungo il "sentiero dei fiori" - hanamichi crea un certo stato d'animo emotivo nel pubblico. Viene chiamato il movimento dell'attore - cambiando pose complesse mio. In un costume complesso, l'attore non può muoversi come nei vestiti normali e la sua plastica sembra insolita. Tutti i dettagli del costume sono notevolmente aumentati: le maniche del kimono con l'aiuto di cornici di bambù sono trasformate in una sorta di scudi, decorati con enormi emblemi lun. utilizzo monaciè attivo a Kabuki da molto tempo. In precedenza, solo loro potevano presentare l'attore al pubblico in modo così succinto, convincente e rapido. “Le Monas in costume teatrale del periodo Edo (soprattutto per i ruoli dell'aragoto) si distinguevano per le loro enormi dimensioni e spesso diventavano il principale motivo ornamentale non solo per l'abbigliamento dell'interprete, ma per l'intera rappresentazione. La presenza di una grande mona dava contrasto al costume e ne sottolineava la piattezza.<> mon era percepito sia come una decorazione che come un segno chiaro e immediatamente leggibile di una certa dinastia o attore. " Ecco una breve descrizione di Kamakura Kagemasa, il protagonista della commedia "Shibaraku" (1905). Ogni movimento, ogni posa sottolinea la monumentalità il suo figure. Nagabakama - i pantaloni di un taglio speciale non solo coprono completamente i piedi, ma trascinano anche come un treno. Per non confondersi e non cadere, l'attore deve muoversi, allargando le gambe e dopo ogni passo congelarsi in determinate pose. Allo stesso tempo, allarga i manicotti ai lati, quindi si copre il viso con essi. Dà l'impressione di un gigante inginocchiato per dare un'occhiata più da vicino a ciò che sta accadendo sulla terra. Uno spesso strato di trucco - kumadori - copre il volto dell'attore, nasconde completamente le sue caratteristiche individuali. Decorare i capelli tikaragami- Intricati nastri di carta. Ad esempio, su un kimono di una speciale tonalità marrone-dorata (colore cachi), il motivo bianco dello stemma è chiaramente distinto mona(tre quadrati inseriti uno dentro l'altro). L'attore è cinto da una corda spessa niodasuki.

Scena della commedia

Nel costume teatrale giapponese, il principio decorativo è pronunciato, ma non determina le specifiche dell'uso del costume e il suo ruolo nella creazione di un'immagine artistica. Il costume può essere usato per determinare la stagione, il costume partecipa attivamente alla progettazione dell'azione scenica, trasmette tali stati psicologici dell'eroe che sono irraggiungibili con altri mezzi nell'organizzazione dello spazio scenico.

Manifesto 1976 (sinistra) / Manifesto 1985 (destra)

Si può dire che i burattini Joruri siano perfetti. La bambola è alta tre quarti di un essere umano. Queste fantastiche bambole muovono bocca, occhi e sopracciglia, gambe, mani e dita. Il corpo delle bambole è primitivo: si tratta di una spallina, a cui sono attaccate le braccia e le gambe sono sospese, se la bambola è un personaggio maschile. I personaggi femminili non hanno le gambe perché non sono visibili da sotto il lungo kimono. Un sofisticato sistema di pizzo consente al burattinaio di controllare le espressioni facciali. Le teste delle bambole sono create da abili artigiani. Come in altri tipi di teatro classico giapponese, esistono tipi storicamente stabiliti, per ciascuno dei quali vengono utilizzati una testa, una parrucca e un costume specifici. Come per le maschere del teatro No, la varietà delle teste dei burattini si distingue per età, sesso, carattere e appartenenza sociale. Ogni capo ha il proprio nome e la propria origine, ciascuno utilizzato per ruoli specifici.

Poster "Nagasukudzira" (Balena Minke). Ballerini che usano la "posa di Nezhinsky". 1972 anno

Per facilitare il coordinamento delle azioni dei burattinai e per mantenere la bambola a circa altezza umana, il burattinaio principale omozukai lavora con scarpe giapponesi di legno prendi un su tribune alte. Le azioni della bambola devono corrispondere esattamente al testo che recita sto guidando... Il lavoro preciso di tutti i partecipanti alla performance è ottenuto attraverso anni di duro allenamento ed è considerato una delle caratteristiche uniche di quest'arte. Narratore sto guidando interpreta i ruoli di tutti i personaggi e conduce la storia dall'autore (a volte due o più narratori prendono parte alla performance). Lettura sto guidando dovrebbe essere il più espressivo possibile. Il suo compito è far prendere vita alle bambole. La conoscenza del modello melodico del testo, l'addestramento vocale, lo stretto coordinamento delle azioni con gli altri partecipanti alla performance richiedono molti anni di preparazione persistente. Di solito ci vogliono dai venti ai trent'anni per studiare. Come nel teatro Noh o nella professione Kabuki sto guidando e i burattinai nel teatro joruri sono ereditari. Nelle arti dello spettacolo tradizionali giapponesi, i nomi d'arte vengono tramandati di padre in figlio, da insegnante a studente, insieme ai segreti dell'abilità.

« 27 serate per quattro stagioni", 1972. Danza del leone da "Tibasan" (a destra)

I giapponesi adorano l'antica arte teatrale, che è un patrimonio culturale. Allo stesso tempo, il teatro moderno è molto interessante, in cui c'è molto innovativo, che si tratti di balletto, spettacolo, teatro drammatico, ecc. L'influenza del teatro tradizionale giapponese sulle tendenze moderne nella cultura dello spettacolo è evidente. Prima di tutto, è, ovviamente, un costume. Sulla base dei vecchi costumi tradizionali, vengono creati nuovi modelli interessanti, a volte bizzarri e fantastici, ma in essi si intuiscono sagome, elementi e dettagli di quegli abiti che molti secoli fa stupivano il pubblico con la loro luminosità e bellezza unica.

Bambola. Teatro Bunraku (a sinistra) / Bambola (dettaglio)

Schema di acconciatura / Testa di bambola (parte staccabile). Teatro Bunraku (in alto a destra)

Acconciature per vari personaggi

Una bambola e tre burattinai. Teatro Bunraku (sinistra) / Dispositivo bambola Bunraku (destra)

Puoi guardare su YouTube:

Maschere del teatro Noh:

http://www.youtube.com/watch?v=T71ZAznVeLo&feature=related Serdyuk E.A. Incisione teatrale giapponese dei secoli XVII-XIX. M., 1990.S. 57.