Pitture figa con titoli e descrizioni. Dipinti di Nikola Pussen.

Normande per origine, Nikola Poussin (1594-1665) è nata a Les-Anselli, una piccola città sulla costa della Senna. Una buona educazione è stata fornita una buona educazione e l'opportunità di esplorare le fasi dell'artista iniziale. Per una conoscenza più dettagliata con i segreti dell'abilità, ha imparato dopo aver trasferito a Parigi, dove ha studiato ai Maestri.

Il ritrattista Ferdinand Van Elle è diventato il primo mentore di un giovane pittore, dopo Poussa ha studiato al Maestro, dipinto Chiese - Kgenna Varna, e l'artista della corte George Lallleman, che ha aderito al nuovo stile del Mañaryism. Per "riempire la mano" gli ha aiutato e copia le immagini dei maestri di pittura riconosciuti, da questo potrebbe praticare liberamente nel Louvre.

Primo periodo di creatività in Italia

Nel 1624, il nome di Poussin era già conosciuto tra gli intenditori della pittura, e il suo più affascinato il lavoro dei maestri italiani. Decidere che i mentori francesi ha imparato tutto ciò che poteva, Poussin si trasferì a Roma. Oltre alla pittura italiana, Poussin molto apprezzata e poesia, per molti aspetti, grazie ad un incontro con Giambattist Marino, un rappresentante della poesia Harane. Hanno fatto amicizia a Parigi, e Nikola ha illustrato il poema del suo amico "Adonis". Dal precoce periodo di Parigi della creatività dell'artista, solo illustrazioni sono conservate al nostro tempo.

Poussin ha studiato matematica e anatomia, le sculture dei tempi dell'antichità lo hanno servito con campioni di campioni, e le opere scientifiche di Durera e da Vinci hanno contribuito a capire come le proporzioni del corpo umano dovrebbero essere trasferite all'arte artistica. Conoscenza teorica che ha acquisito in geometria, ottica, prospettive.

Carramechi, Tiziano, Raffaello e Michelangelo - Le opere di questi Maestri sono state profondamente colpite dal pittore francese. I primi anni di vita a Roma erano il momento di cercare il proprio stile, e il suo lavoro è stato quindi caratterizzato da angoli acuti, toni cupi e abbondanza di ombre. Più tardi, il suo stile artistico è cambiato, la combinazione di colori è diventata più calda, e gli elementi dei dipinti obbedirono al centro unificato. Il tema del lavoro di quel tempo era l'eroico trame e azioni dell'antica mitologia.

Per ordine di uno dei clienti romani di Poussin, Cassiano del Pozzo, una serie di dipinti "Seven Sacramenti" è stata creata dall'artista, e la "distruzione di Gerusalemme" e "abduzione di sabinets" lo ha portato una fama più ampia. A temi mitologici dei loro dipinti, ha aggiunto le tendenze della modernità, organizzando la composizione e trasferendo l'azione in prima linea nell'immagine. Poussin ha cercato di raggiungere la naturalezza delle disposizioni degli attori e conferire loro i gesti e le espressioni di persone chiaramente. L'armonia e l'unità con la natura caratteristica dei miti antichi hanno ispirato l'artista, può essere tracciato nelle immagini di "Venere e Satira", "Diana e Endimion", "Educazione di Giove".

La "metamorfosi" di Ovidid è servita come base per il "regno della flora", l'immagine è diventata una specie di rinascita dell'inizio e rinnovamento della primavera della natura. Le conoscenze teoriche acquisite in precedenza gli hanno permesso di seguire con precisione le composizioni adottate dalle leggi e dai colori caldi e chiari fatti dipinti da veramente vivi ("tancred ed ermine", "venus e shephi"). Precisione aggiuntiva delle immagini Preparazione preliminare allegata: ha reso i modelli delle figure di forma dalla cera, e, prima di procedere a lavorare sull'immagine, sperimentato con il gioco della luce e la posizione di queste figure.

Parigi intrigo e torna a Roma

Il maggior successo nella carriera dei Pussen era gli anni che ha trascorso nel lavoro sulla decorazione della Galleria Louvro sull'invito del cardinale Richelieu (la seconda metà degli anni '30.). Dopo aver ricevuto il titolo del primo pittore reale, ha anche lavorato alla galleria, e su molti altri ordini. Tale successo non ha aggiunto la popolarità tra i colleghi, e coloro che hanno anche affermato che il lavoro a Louvre erano particolarmente infelici.

Gli intrighi dei malati hanno costretto l'artista a lasciare Parigi e nel 1642 per trasferirsi di nuovo a Roma. Durante questo periodo di creatività (fino agli anni '50), la fonte di argomenti per i dipinti di Pusssen divenne la Bibbia e il Vangelo. Se la naturale armonia regnava nei primi lavori, ora gli eroi dei dipinti sono diventati personaggi biblici e mitologici che hanno vinto la vittoria sulle loro passioni e possiedono il potere della volontà (Corioliano, Diogen). Un segno di quel periodo - "Shepherds arcade", parlando in modo compositamente della inevitabilità della morte e dell'adozione pacifica di questa consapevolezza. Questa immagine è diventata un modello di classicismo, il modo dell'artista ha acquisito un carattere più discreto, non così emotivamente lirico, come nelle opere del primo periodo romano. Nella combinazione di colori, il predominante era il contrasto di diversi colori.

L'ultimo lavoro, "Apollo e Daphne", non ha avuto il tempo di completare l'artista, ma era nei suoi dipinti che il classicismo francese è stato formato.

La creatività di Poussin per la storia della pittura è difficile da sovrastare. È il fondatore di un tale stile di pittura come classicismo. Gli artisti francesi sono stati tradizionalmente familiari con l'arte di Itanodoresans. Ma sono stati ispirati dalle opere di maestri di Itanalyanomanism, barocco, caravagitismo. Pussen è stato il primo pittore francese che ha preso la tradizione del classico stile Leonardo da Vinci e Raffaello. Passando ai temi di antica mitologia, antica storia, la Bibbia, Poussin ha rivelato i temi dell'epoca moderna. Ha portato la sua personalità perfetta, mostrando e avendo divertenti esempi di alta moralità, valori civili. Chiarezza, costanza e ordine delle belle tecniche di Pussen, l'orientamento ideologico e morale della sua arte ha in seguito ha fatto il suo lavoro con il riferimento alla pittura educata e alla scultura della Francia, che ha preso lo sviluppo di norme estetiche, canoni formali e regole generalmente vincolanti di creatività artistica (il cosiddetto accademismo).

Nikola Poussin (Nicolas Poussin), 1594-1665 · il famoso artista francese, il fondatore dello stile del classicismo. Passando ai temi di antica mitologia, antica storia, la Bibbia, Poussin ha rivelato i temi dell'epoca moderna. Ha portato la sua personalità perfetta, mostrando e avendo divertenti esempi di alta moralità, valori civili.

Francia XVII secolo. Era uno stato europeo avanzato che lo ha fornito condizioni favorevoli per lo sviluppo della cultura nazionale, che è diventata la successione del Rinascimento dell'Italia. Le opinioni dei Descartes (1596-1650) sono state influenzate dallo sviluppo della scienza, della filosofia, della letteratura, dell'art. Descartes - matematico, lo scienziato, il creatore del razionalismo filosofico - ha toccato la filosofia dalla religione e legata alla natura, sostenendo che i principi della filosofia sono estratti dalla natura. Descartes ha costruito il principio del primato della mente in un certo senso. Questa idea era basata sul classicismo nell'arte. I teorici del nuovo stile hanno detto che "il classicismo è la dottrina della mente". La condizione artistica è stata proclamata simmetria, armonia, unità. Secondo la dottrina del classicismo, la natura doveva essere dimostrata non come è, e bella e ragionevole, i classici dichiarano simultaneamente dichiarati meravigliosi cosa sinceramente, sollecitando di imparare questa verità dalla natura. Il classicismo ha stabilito una rigida gerarchia di generi, rendendoli sul "alto", a cui appartengono storica e mitologica e "bassa" - la famiglia appartiene.

Nikola Pussen è nata nel 1594 in Normandia, vicino alla città di Le Anselki. Suo padre, il veterano dell'esercito del re Henry IV (1553-1610), ha dato a suo figlio una buona educazione. Dall'infanzia, Poussin prestava attenzione alle sue tendenze da disegnare. Alle 18, gira a Parigi per impegnarsi nella pittura. Probabilmente il suo primo insegnante è stato ritrovagonista Ferdinand van Elle (1580-1649), il secondo è il pittore storico Georges Lallman (1580-1636). Avendo familiarizzato con la camionista della Widrow Queen Mary Medici, il portiere delle collezioni e delle biblioteche Royal Art, Poussin ha avuto l'opportunità di visitare Louri copia le immagini di artisti italiani. Nel 1622, Pushsen e altri artisti sono stati incaricati di scrivere sei grandi dipinti sulle trame della loro vita di Santa Re Ignatia Loiol e St. Francis Xaveria (non è sopravvissuto).

Nel 1624, Poussin andò a Roma. Lì, studia l'arte di un mondo antico, il lavoro dei Maestri dell'era dell'alto Rinascimento. Nel 1625-1626, ha ricevuto un ordine per scrivere una foto della "distruzione di Gerusalemme" (non conservata), ma in seguito ha scritto una seconda versione di questa immagine (1636-1638, Vienna, Museo della storia dell'arte).

Nel 1627, Poussin ha scritto una foto di "morte della Germania" (Roma, Palazzo Barberini) nella trama dell'antica tacitis storica romana, che considera il lavoro del programma del classicismo; Mostra l'addio dei legionari con un comandante morente. La morte dell'eroe è percepita come una tragedia di importanza sociale. L'argomento è interpretato nello spirito di calma e degli eroi difficili di un'antica narrazione. L'idea dell'immagine è il ministero del debito. L'artista ha posto le figure e gli oggetti in uno spazio poco profondo, smembrandolo a un certo numero di piani. In questo lavoro sono state rivelate le principali caratteristiche del classicismo: la chiarezza dell'azione, l'architettura, l'imbracatura della composizione, l'opposizione dei raggruppamenti. L'ideale della bellezza agli occhi di Poussin consisteva nella proporzionalità di parti del tutto, nell'ordine esterno, nell'armonia, nell'armonia, nella chiarezza della composizione, che diventerà le caratteristiche caratteristiche dello stile maturo della matura. Una delle peculiarità del metodo creativo di Pussen era razionalismo, che non era solo influenzato dalle scene, ma anche nel benessere della composizione.

Poussin ha scritto dipinti a macchina principalmente di medie dimensioni. Nel 1627-1629, ha realizzato un certo numero di dipinti: "Parnas" (Madrid, Prado), "Ispirazione del poeta" (Parigi, Louvre), "Salvezza di Mosè", "Mosè, acqua purificante Merra", "Madonna, che è St. Jacob Senior "(" Madonna sul post ") (1629, Parigi, Louvre). Nel 1629-1630, Poussin crea un'espressione meravigliosa e la "rimozione della" rimozione vitale vitale (St. Petersburg, Eremo).

Nel periodo 1629-1633, il tema dei dipinti di Poussin cambia: ha meno spesso scrive immagini su argomenti religiosi, riferendosi a terreni mitologici e letterari. "Narciso e eco" (circa 1629, Parigi, Louvre), "Selena e Endimion" (Detroit, Art Institute). Un'attenzione particolare è pagata al ciclo di dipinti scritti dalle poesie di Torquatto Tasso "Liberated da Gerusalemme": "Rinaldo e Armida" (OK 1634, Mosca, Gmia. A.S. Pushkin). L'idea delle sue stucche umane e del problema della vita e della morte era basata sulla versione iniziale del dipinto "Arcade Shepherds" (1632-1635, Inghilterra, Cheworth, un incontro privato), a cui è tornato agli anni '50 (1650 , Parigi, Louvre). Sulla canvas di Venere addormentata (circa 1630, Dresda, galleria d'arte) La dea dell'amore è rappresentata dalla donna terrena, pur rimanendo un ideale inaccessibile. Picture "Il regno della flora" (1631, Dresda, Galleria di immagini), scritto nei motivi del poemship, è incredibile la bellezza della pittoresca forma di realizzazione delle immagini antiche. Questa è un'allegoria poetica dell'origine dei fiori, dove sono raffigurati gli eroi degli antichi miti in fiori. Pussen ha presto scritto un'altra versione di questa immagine - "Triumph Flora" (1631, Parigi, Louvre).

Nel 1632, Pussen è stato eletto un membro dell'Accademia di St. Luca.

La vasta popolarità del Poussin nel 1640 ha attirato l'attenzione di Luigi XIII (1601-1643) al suo lavoro, all'invito di cui Poussin venne a lavorare a Parigi. L'artista ha ricevuto un ordine dal re per scrivere foto per la sua cappella a Fontainebleau e Saint-Germain.

Nella caduta del 1642, Poussin foglie di nuovo a Roma. I temi dei suoi dipinti di questo periodo sono state le virtù e la validità dei governanti, degli eroi biblici o antichi: "Genot of Scypion" (1643, Mosca, Gmi. A.S. Pushkin). Nelle sue tele, ha mostrato eroi perfetti, debito civile fedele, altruista, generoso, pur dimostrando l'ideale universale assoluto della cittadinanza, del patriottismo, della sincera grandezza. Creare immagini ideali sulla base della realtà, ha deliberatamente corretto la natura, prendendo una bella e scartando il brutto.

Nella seconda metà degli anni '40, Poussin ha creato un ciclo "sette sacramenti", in cui ha rivelato il profondo significato filosofico dei dogmi cristiani: "Paesaggio con l'apostolo Matfey", "Paesaggio con l'Apostolo John sull'isola di Patmos" (Chicago, Istituto delle arti).

La fine degli anni '40 - l'inizio degli anni '50 è uno dei periodi fruttuosi del lavoro di Poussin: ha scritto i dipinti "Eliasar e Rebeka", "Paesaggio con Diogen", "Paesaggio con una grande strada", "Solomon's Court "," Ecstasy St. Paul "," Shepherds Arcade ", il secondo autoritratto.

Nell'ultimo periodo di creatività (1650-1665), Pussen si è sempre più applicato al paesaggio, gli eroi erano associati a grafici letterari e mitologici: "Paesaggio con un Polyfem" (Mosca, GMI. A.S.S. Pushkin). Nell'estate del 1660, crea una serie di paesaggi "Quattro tempi" con scene bibliche, che simboleggia la storia della pace e dell'umanità: "Primavera", "Estate", "Autunno", "Inverno". Paesaggi di Poussin Multi-reperti, i piani alternanti sono stati enfatizzati da strisce di luce e ombre, l'illusione dello spazio e la profondità ha affrontato loro il potere epico e la grandezza. Come nei dipinti storici, i personaggi principali si trovano solitamente in primo piano e sono percepiti come una parte inseparabile del paesaggio. Tessuto per maestro non finito - "Apollo e Daphne"(1664).

Il valore della creatività di Pussen per la storia della pittura è enorme. Artisti francesi e davanti a lui erano tradizionalmente familiari con l'arte del Rinascimento dell'Italia. Ma sono stati ispirati dalle opere dei maestri del manierismo italiano, del barocco, del caravagizismo. Poussin è stato il primo pittore francese che ha preso la tradizione del classico stile Leonardo da Vincia Rafael. Chiarezza, coerenza e ordinamento delle belle tecniche di Pussen, l'orientamento ideologico e morale della sua arte ha in seguito fecero la sua creatività con un riferimento per l'Accademia di pittura e scultura della Francia, che ha preso lo sviluppo di norme estetiche, canoni formali e generalmente vincolante Regole della creatività artistica.

Paesaggio classico in pittura franceseXVII. secolo.

Nel 17 ° secolo, prima del popolo francese, dopo il periodo di sanguinosi guerre civili e il cacciatorpediniere economico, i compiti di ulteriori sviluppi nazionali sono stati affrontati in tutte le aree della vita economica, politica e culturale. Nelle condizioni della monarchia assoluta - con Henrich IV e soprattutto nel secondo quarto del XVII secolo. Con Richelieu, il ministro energetico della guarigione Louis XIII, il sistema di centralizzazione dello Stato è stato posato e intensificato. Come risultato della lotta coerente contro l'opposizione feudale, una politica economica efficace e rafforzamento del suo status internazionale, la Francia ha raggiunto un successo significativo, diventando una delle più potenti potenze europee.

La dichiarazione di assolutismo francese era basata sulla sfruttamento popolare delle masse. Richelieu ha detto che il popolo era come Mulu, che era abituato a trasportare gravità e rovinava un lungo soggiorno più che dal lavoro. Bourgeoisie francese, lo sviluppo di cui l'assolutismo patronato con la sua politica economica era in una doppia situazione: cercava politicamente dominante, ma a causa della sua immaturità, non poteva sopportare la via del divario con l'autorità reale, dirigersi le masse, perché La borghesia aveva paura di loro ed era interessato alla conservazione dei privilegi dati dall'absolutismo. Ciò è stato confermato nella storia della cosiddetta fronda parlamentare (1648-1649), quando la borghesia, spaventata da un potente aumento dell'elemento rivoluzionario popolare, avendo fatto un tradimento diretto, ha fatto un compromesso con la nobiltà.

L'assolutismo ha predeterminato molte caratteristiche caratteristiche nello sviluppo della cultura francese del XVII secolo. Scienziati, poeti, artisti sono stati attratti dalla Corte Reale. Nel XVII secolo, il Grandioso Palazzo e le strutture pubbliche sono stati eretti in Francia, furono create ensemble di città maestose. Ma sarebbe sbagliato ridurre l'intera varietà ideologica della cultura francese del 17 ° secolo. Solo per l'espressione delle idee di assolutismo. Lo sviluppo della cultura francese, associata all'espressione degli interessi nazionali, è stata più complessa, comprese le tendenze, molto lontano dai requisiti ufficiali.

Il genio creativo del popolo francese si è mostrato luminoso e sfaccettato in filosofia, in letteratura e di arte. Il 17 ° secolo dava la Francia dei grandi pensatori di Descartes e Gassendi, Korifeev Korneli, Racina e Moliere, e in arti plastiche - tali maestri, come architetto Arduuen-Mansar e il pittore Nikola Poussin.

La lotta sociale acuta ha imposto una certa impronta su tutto lo sviluppo della cultura francese del tempo. Le contraddizioni pubbliche sono apparse, in particolare, nel fatto che alcune figure avanzate della cultura francese erano in uno stato di conflitto con la Corte Reale e furono costrette a vivere e lavorare al di fuori della Francia: Descartes se ne andò per Olanda, e Poussin ha trascorso quasi tutta la sua vita in Italia. Arte ufficiale del tribunale nella prima metà del 17 ° secolo. Sviluppato principalmente nelle forme del barocco pomposo. Nella lotta contro l'arte ufficiale, si sono sviluppate due linee artistiche, ognuna delle quali era un'espressione di tendenze realistiche avanzate dell'epoca. Il Maestro della prima di queste direzioni, che ha ricevuto il nome di Peintres de la Realite nei ricercatori francesi, cioè i pittori del mondo reale, ha lavorato nella capitale, così come nelle scuole d'arte provinciali, e con tutto il loro individuo Le differenze sono state combinate da una caratteristica comune: evitando forme ideali, si sono rivolte a diretto, forma di realizzazione diretta di fenomeni e atti di realtà reale. I loro migliori risultati si riferiscono principalmente a un quadro familiare e ritratto; Anche i grafici biblici e mitologici sono stati incarnati da questi master in immagini ispirate alla realtà quotidiana.

Ma il riflesso più profondo delle caratteristiche essenziali dell'era si è manifestata in Francia nelle forme della seconda di queste correnti progressiste - nell'arte del classicismo.

Le specifiche di varie aree della cultura artistica hanno identificato alcune caratteristiche dell'evoluzione di questo stile nel dramma, poesia, in architettura e arti visive, ma con tutte queste differenze, i principi del classicismo francese hanno una certa unità.

Nelle condizioni di assolutista, la dipendenza da una persona delle istituzioni pubbliche dovrebbe essere scoperta con una particolare nitidezza, dalla regolamentazione dello stato e dalle barriere immobiliari. Nella letteratura in cui il programma ideologico del classicismo ha trovato la sua espressione più completa, il dominante del debito civile, la vittoria del pubblico inizio sull'inizio del personale. L'imperfezione del classicismo della realtà si oppone agli ideali della razionalità e della dura disciplina della persona, con l'aiuto della quale le contraddizioni dell'esistenza reale dovrebbero essere superate. Un conflitto di mente e sentimenti, passione e debiti caratteristici del drammatico del classicismo, il riflesso delle contraddizioni inerenti in questa era e del mondo intorno a lui. I rappresentanti del classicismo hanno trovato la forma di realizzazione dei loro ideali pubblici nell'antica Grecia e nella Roma repubblicana, nonché la personificazione delle norme estetiche per loro era un'arte antica.

All'inizio del 17 ° secolo, dopo il periodo di guerre civili e il noto declino della vita culturale, nelle arti visive, come in architettura, era possibile osservare la lotta dei resti del vecchio con i germogli del Nuovo, esempi di seguire le seguenti tradizioni oblique e in grassetto innovazione artistica.

L'artista più interessante di questo tempo stava lavorando nei primi decenni del 17 ° secolo, incisore e Jacques Callo Casseo (circa 1592-1635). È nato a Nancy, in Lorena, i giovani andavano in Italia, dove viveva all'inizio a Roma, e poi a Firenze, dove era al suo ritorno nella sua patria nel 1622.

Un maestro molto prolifico, Callo ha creato più di mille cinquecento incisioni, estremamente diverse nei suoi argomenti. Doveva lavorare con il cortile reale francese e i metri del Duca della Toscana e della Lorena. Tuttavia, la brillantezza della vita della Corte non ha deplorabile da lui - un osservatore sottile e acuto - la diversità della realtà circostante, piena di acuti contrasti sociali, che hanno sostenuto gli shock militari crudeli.

Callo - un artista dell'era transizione; La complessità e l'inconsistenza del suo tempo spiegano le caratteristiche contraddittorie nella sua arte. I resti di callo del manierismo sono ancora evidenti: influenzano la visione del mondo dell'artista e nei suoi ricevimenti visivi. Allo stesso tempo, la creatività di Callo dà un vivido esempio di penetrazione nell'arte francese delle nuove e realistiche tendenze.

Callo ha lavorato nella tecnica della incisione, che ha migliorato. Di solito il master utilizzato quando si incidono l'incisione ripetuta, che gli ha permesso di raggiungere la definizione speciale delle linee e della durezza del disegno.



Jacques Callo. L'incisione dalla serie "mendicanti". 1622.



Jacques Callo. Cassandr. L'incisione dalla serie "Three Pantalon". 1618.

Nelle opere di Calla precoce periodo, gli elementi di finzione sono ancora forti. Influenzano il desiderio di trame bizzarre, per esagerare espressività grottesca; L'abilità dell'artista a volte prende il carattere del virtuosismo autosufficiente. Queste caratteristiche sono particolarmente luminose nella serie di sugo 1622.- "Balley" ("Dances") e Gobby ("Gorby"), creato sotto l'impressione della commedia italiana delle maschere. Lavori di questo tipo, ancora in gran parte superficiale, indicare una ricerca un po 'unilaterale da parte dell'artista di espressività esterna. Ma in altre serie, le incisioni sono più chiaramente espresse da tendenze realistiche. Tale è l'intera galleria dei tipi, che l'artista potrebbe vedere direttamente sulle strade: cittadini, contadini, soldati (serie Caprichiecchi, 1617), zingari (serie "zingari", 1621), vagabondi e mendicanti (serie "mendicanti", 1622 ). Queste piccole figure, realizzate con eccezionale nitidezza e osservazione, possiedono mobilità straordinaria, caratteristiche acuta, espressività di pose e gesti. Con la Virtuoso Artistry, Caldo è stata trasmessa dall'elegante facilità di Cavallar (serie Caprishchicchi), un chiaro ritmo di danza nelle figure degli attori italiani e dei loro mutande (serie "Balli"), pesante primato dell'aristocrazia provinciale (Larring Nobility Series ), figure senile in stracci (mendicanti serie ").



Jacques Callo. Martirio di SV. Sebastian. Incisione. 1632-1633.

Il più informativo nel lavoro di callo le sue composizioni multifigure. I temi sono molto diversi: questa è l'immagine dei festival della corte ("Torneo a Nancy", 1626), fiere ("fiera in impressione", 1620), trionfi militari, battaglie (Panorama "Siege Bredi", 1627), Hunt ( "Big Hunting", 1626), scene per trame mitologiche e religiose ("Martirio di San Sebastian", 1632-1633). In queste liste relativamente piccole, il Maestro crea un'ampia immagine della vita. Le incisioni callo sono panoramiche; L'artista guarda ciò che sta accadendo come da lontano, il che consente di ottenere la più ampia copertura spaziale, per includere nell'immagine enormi masse di persone, numerosi episodi variekrattivi. Nonostante il fatto che le forme (e ancora più dettagli) nelle composizioni di callo siano spesso di dimensioni molto piccole, sono fatte dall'artista non solo con la notevole figura di disegno, ma anche con vitalità e caratteristiche. Tuttavia, il metodo callo in sé lati negativi; Caratteristiche individuali degli attori, i dettagli individuali sono spesso sfuggenti nella massa totale di numerosi partecipanti di eventi, la cosa principale è persa tra il secondario. Nessuna meraviglia che di solito si dice che Callo guarda le sue scene come se in un binocolo invertito: la sua percezione enfatizza la lontananza dell'artista dall'evento raffigurato. Questa caratteristica specifica di Callo non è affatto una tecnica formale, è naturalmente connessa con la sua ArtView. Callo ha lavorato nell'era della crisi, quando gli ideali del Rinascimento hanno perso la loro forza, e nuovi ideali positivi non si sono ancora approvati. L'uomo in callo è essenzialmente impotente prima delle forze esterne. Non è un caso che il tema di alcune composizioni di callo acquisisca un colore tragico. Tale, ad esempio, incisione "Martirio di Santa St. Sebastian. " Il tragico principio di questo lavoro è concluso non solo, nella sua decisione della storia - l'artista ha presentato numerosi tiratori, con calma e chiaramente chiaritamente, come obiettivo sulla gamma di tiro, producendo frecce nel post sebastiano, ma anche in quel senso della solitudine e dell'impotenza , che è espresso in tappato dalle frecce nuvolose del minuscolo, difficile da distinguere la figura di santo, come se perduto in un enorme spazio illimitato.

Il più grande acuto raggiunge Callo nelle due serie di "disastri di guerra" (1632-1633). Con la verità spietata ha mostrato un artista di sofferenza, che cadde sulla sua strada natale, catturata da truppe reali. Le incisioni di questo ciclo raffigurano le scene di esecuzioni e rapine, la punizione di prendisole, incendi, vittime della guerra e dei crapiempi della strada. L'artista racconta in dettaglio di eventi terribili. In queste immagini non c'è idealizzazione e pietà sentimentale. Callo come se non esprimendo il suo atteggiamento personale verso quello che stava succedendo, sembrava impassibile di osservatore. Ma nel fatto stesso di un obiettivo oggettivo di disastri della guerra, è stato concluso una certa attenzione e il progressivo significato dell'arte di questo artista.

Nella fase iniziale del francese assolutissimo nella Corte Art, l'importanza predominante era la direzione di un carattere barocco. Inizialmente, tuttavia, poiché non c'erano maestri significativi in \u200b\u200bFrancia, il Royal Yard si rivolse a famosi artisti stranieri. Ad esempio, nel 1622 per creare composizioni monumentali, decorata il nuovo palazzo del Lussemburgo di nuova costruzione, Rubens è stato invitato.

A poco a poco, insieme agli stranieri ha iniziato a far avanzare i maestri francesi. Alla fine del 1620. Il titolo onorario di "First Artist of the King" ha ricevuto Simon Veu (1590-1649). Per un lungo periodo viveva in Italia, lavorando ai muffin delle Chiese e per ordini di clienti. Nel 1627, fu chiamato da Luigi XIII in Francia. Molti dei dipinti creati da Veu non sono stati preservati prima del nostro tempo e sono conosciuti per incisioni. Appartiene al pomposo, stagionato nei dintorni colorati della composizione del contenuto religioso, mitologico e allegorico. I campioni del suo lavoro possono servire "St. Karl Borry "(Bruxelles)," portando al tempio "(Louvre)," Ercole tra gli dei di Olympus "(Eremo).

Veu ha creato e ha diretto il funzionario, direzione del tribunale in arte francese. Insieme ai suoi seguaci, ha sofferto in tecniche di pittura decorativa monumentali francesi di barocco italiano e fiammingo. Essenzialmente, il lavoro di questo maestro non era abbastanza. L'appello di Veu nelle sue opere successive al classicismo è stato anche ridotto solo a prestiti puramente esterni. Considerata la genuina monumentalità e forza, a volte priorità alla priorità, superficiale e battita sull'effetto esterno, l'arte del Veu e dei suoi seguaci è stato scarsamente connesso con una tradizione nazionale dal vivo.

Nella lotta contro la direzione ufficiale nell'arte della Francia, è stata formata la nuova corrente realistica - Peintres de la Realite ("vernici del mondo reale"). I migliori maestri di questa destinazione, che hanno trasformato la loro arte a un'immagine specifica della realtà reale, ha creato umano, pieno di alta dignità dell'immagine del popolo francese.

Alla prima fase di sviluppo di questa zona, molti dei maestri insignificanti hanno sperimentato gli effetti dell'arte del Caravaggio. Per alcuni Caravaggio, si è rivelato un artista, in larga misura predeterminati i loro soggetti e le stesse tecniche visive, altri maestri sono riusciti a utilizzare più creativamente gli aspetti preziosi del metodo Karavaggist.

Il primo di loro apparteneva a Valenten (in realtà, Jean de Boulon, 1594-1632). Nel 1614, Valenten è arrivato a Roma, dove la sua attività scorreva. Come altri karavagger, Valenten ha scritto immagini sui grafici religiosi, trattandoli nello spirito del genere (ad esempio, "la rinuncia di Peter"; il museo delle belle arti. A. S. Pushkin), ma le sue grandi composizioni di genere che bruciano sono più famose. I motivi tradizionali per il cauvravageismo sono in loro, Valenten tende alla loro interpretazione più acuta. Un esempio di questa è una delle migliori foto dei "giocatori della mappa" (Dresda, Gallery), dove il dramma della situazione è spettacolare. L'ingenuità del giovane inesperto, la compostezza e la fiducia in se stessi della Shulera che giocano con lui e in particolare l'aspetto minaccioso di un complimento con il suo partner, è anche espressivo. I contrasti di illuminazione in questo caso sono utilizzati non solo per la modellazione di plastica, ma anche per migliorare lo stress drammatico dell'immagine.

I maestri eccezionali del loro tempo appartengono a Georges de Latuur (1593-1652). Famoso nel suo tempo, è stato continuato completamente dimenticato; L'aspetto di questo wizard ha rivelato solo di recente.

Finora, l'evoluzione creativa dell'artista rimane in molti modi poco chiari. Poche informazioni biografiche, conservate sul laure, estremamente frammentario. Lattat è nato in Lorena vicino a Nancy, poi si trasferì a Luneville, dove trascorreva il suo riposo. C'è un suggerimento che nella sua gioventù ha visitato l'Italia. Latur ha sperimentato una forte influenza dell'arte del Caravaggio, ma il suo lavoro è andato ben oltre i limiti di un semplice seguito ai ricevimenti della carovagismo; Nell'arte dei Maestri del Luneville, le caratteristiche originali della pittura emergente natale francese del XVII secolo hanno trovato l'espressione.

Latt ha scritto principalmente dipinti sui grafici religiosi. Il fatto che ha trascorso la sua vita in provincia imposto il suo marchio sulla sua arte. Nella ingenuità delle sue immagini, all'ombra dell'ispirazione religiosa, che può essere catturata in alcune delle sue opere, nella statica sottolineata delle sue immagini e in una peculiare elementalità del suo linguaggio artistico anche influenzare una certa misura all'eco del medievale View World. Ma nelle migliori opere, l'artista crea le immagini di una rara purezza spirituale e grande potenza poetica.



Georges de Latat. Natale. 1640-E.

Una delle opere più lirico del laurale, il quadro "Natale" (Rennes, Museum). È caratterizzato da semplicità, quasi le arti di riserva e allo stesso tempo profonda veridicità, che è raffigurata da una giovane madre, con una tenero pensosa di un figlio di cottura, e una donna anziana che, si preoccupò con attenzione con una candela accesa, coersua Caratteristiche del neonato. La luce in questa composizione è di grande importanza. Dissipato l'oscurità notturna, evidenzia chiara con tactacazioni in plastica, al limite dei volumi generalizzati di figure, il volto del tipo contadino e la figura commovente di un bambino maturo; Sotto l'azione della luce, profonda, ricca del forte suono del colore del tono dei vestiti. La sua luminosa e rilassante radiosità crea un'atmosfera di solennità del silenzio notturno, che è disturbato solo dal respiro di misurazione del bambino addormentato.

Da vicino nel suo umore a "Christmas" e Louvra "Adorazione dei pastori." L'aspetto veritiero dei contadini francesi, la bellezza della loro semplice sensazione, l'artista incarna con la sincerità della birra.



Georges de Latat. St. Joseph-Carpenter. 1640-E.



Georges de Latat. Il fenomeno dell'angelo di St. Giuseppe. 1640-E.

Le immagini del laurale su argomenti religiosi sono spesso interpretate nello spirito del genere, ma allo stesso tempo sono private dell'ombra della banalità e della vita quotidiana. Questi sono già menzionati "Christmas" e "Adorazione dei pastori", "Daring Magdalen" (Louvre) e genuini capolavori del laurale "St. Joseph-Carpenter "(Louvre) e" Fenomeno di Angel of St. Joseph "(Nantes, Museo), dove un angelo è una ragazza sottile - riguarda la mano della candela di Giuseppe con un gesto simultaneamente e delicato. La sensazione di purezza spirituale e calmo contemplazione in questi lavori solleva immagini di una loyature sulla vita di tutti i giorni.

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   Georges de Latat. St. Sebastian, pianto da St. Irina. 1640-1650-E.

   Ai massimi risultati dei riferimenti laurali "St. Sebastian, pianto da St. Irina "(Berlino). Nel silenzio delle notti profonde, illuminato solo da una fiamma luminosa della candela, sopra il corpo aperto trafitto dall'arlasia Sebastian abbassa le figure lugubre del lutto delle sue donne. L'artista riuscì a passare qui non solo la sensazione generale che unisce tutti i partecipanti all'azione, ma anche le sfumature di questa sensazione in ciascuno dei quattro appetrosi - un gelo impoverante, triste per smarrirsi, pianto amaro, disperazione tragica. Ma il Latur è molto trattenuto nel caso della sofferenza, non consente esagerare da nessuna parte, e più forte è l'impatto delle sue immagini in cui non c'è tanta persona, quanta movimento, gesti, le sagome stesse acquisite un enorme espressività emotiva. Le nuove funzionalità sono monitorate sotto forma di Sebastian. Nella sua eccellente altezza elevata, l'inizio eroico è incorporato, che riguarda questa immagine con le creazioni dei maestri del classicismo.

   In questa immagine, Latour si è allontanato dal colore domestico delle immagini, da diverse elementi ingenua inerenti alle sue opere precedenti. L'ex copertura della camera dei fenomeni, l'umore dell'intimità focalizzata è cambiato qui più monumentalità, un senso di grandezza tragica. Persino un amato del motivo di candela bruciante è percepito in un diverso, più patetico - il suo enorme, che apparteneva alla fiamma ricorda la fiamma della torcia.

   Posto estremamente importante nella pittura realistica della Francia della prima metà del 17 ° secolo. Occupa l'arte di Louis Lenin. Louis Lenen, come i suoi fratelli Antoine e Mathieu, ha lavorato principalmente nel campo del genere contadino. L'immagine della vita dei contadini conferisce alle opere di Lenen Bright Democratic Color. La loro arte è stata perdonata per molto tempo, e solo da metà del 19 ° secolo. Studiare e raccogliere i loro lavori è iniziato.

   Brothers Lenen - Antoine (1588-1648), Louis (1593-1648) e Mathieu (1607-1677) -in i nativi della città di Lana in Picardia. Sono venuti da una piccola famiglia borghese. La gioventù trascorsa nella sua natia Picardia ha dato loro la prima e le più vivide impressioni della vita rurale. Dopo essere trasferito a Parigi, Lenos è rimasto alieno al rumore e agli scintillio della capitale. Avevano un laboratorio comune, guidato dal maggiore di loro - Antoine. Era l'insegnante diretto dei suoi fratelli più giovani. Nel 1648, Antoine e Louis Lenen furono adottati nell'accademia reale della pittura e della scultura appena creata.

   Antoine Lenin era un coscienzioso, ma non molto dotato dall'artista. Nel suo lavoro, in cui i lavori ritratto hanno prevalso, molti più arcaici; La composizione è frazione e congelata, le caratteristiche non si distinguono per il collettore ("ritratto di famiglia", 1642; Louvre). L'arte di Antoine ha segnato l'inizio della ricerca creativa dei suoi fratelli più piccoli, e soprattutto il più grande di loro - Louis Lenin.

   Le prime opere di Louis Lenin sono vicine a opere da parte di suo fratello maggiore. È possibile che Luigi, insieme a Mathieu, viaggiava in Italia. La tradizione Karavadzist ha fornito un impatto ben noto sulla formazione della sua arte. Dal 1640 Louis Lenen si manifesta come un artista completamente indipendente e originale.

   Georges de Lutur, le persone del popolo sono state raffigurate in lavori sui terreni religiosi. Louis Lenen ha trasformato direttamente il suo lavoro per la vita dei contadini francesi. L'innovazione di Louis Lenin è un'interpretazione fondamentalmente nuova della vita della gente. È nei contadini che l'artista vede le migliori feste all'uomo. Appartiene ai suoi eroi con un senso di profondo rispetto; La sensazione di rigore, semplicità e veridicità è riempita con le sue scene di vita contadina, dove la magnitudine-calma, i vantaggi completi sono persone modeste, piacevoli.

   Nelle sue tele, deploa la composizione sull'aereo come un sollievo, posizionando figure in alcuni confini spaziali. Rivelato da una linea di loop chiara e generalizzata, le figure sono subordinate all'intento compositivo ben ponderato. Lovely Colorist, Louis Lenen subordina la gamma di fiori sobri con un tono d'argento, raggiungendo la morbidezza e la raffinatezza delle transizioni e dei rapporti colorati.

   Le opere più mature e perfette di Louis Lenin sono state create nel 1640.

   

   Louis Lenen. Visitare la nonna. 1640-E.

   Scusi colazione di una cattiva famiglia contadina nel dipinto "contadino trapez" (Louvre), ma quale senso di autostima è intriso di questi lavoratori che si concentrano sulla melodia, che il ragazzo sta giocando sul violino. Sempre trattenuto, poco associato l'uno con l'altro, gli eroi di Lenin sono percepiti, tuttavia, come membri della squadra, uniti dall'unità dell'umore, la generalità della percezione della vita. Una sensazione poetica, incorrendo la sua pittura "preghiera prima di pranzo" (Londra, Galleria nazionale); Strettamente e semplice, senza ombra di sentimentalismo, una scena è raffigurata una visita alla vecchia donna contadina con i nipoti nella tela dell'Hermitage "Visita Babushka"; Solener piena di calma allegria, classicamente chiara "STOP RIDER" (Museo di Londra, Victoria e Albert).

   

   Louis Lenen. Famiglia del mughetto. 1640-E.

   Negli anni 1640. Louis Lenen crea anche una delle sue migliori opere, "Familia" (Eremo). Mattina nebbiosa in anticipo La famiglia contadina va al mercato. Con un senso caldo, l'artista di queste persone normali rappresenta, le loro persone aperte: un contadino stanco, una totalsp, una lavoratori prudenti e dolorosi, fragili, nessuna ragazza seria. Le figure finite di Plata in modo chiaramente sporgono su uno sfondo di aria leggera. Paesaggio meraviglioso: un'ampia valle, una città lontana all'orizzonte, alimentato dall'aria con un camino d'argento blu nel cielo all'estero. Con grande abilità, l'artista trasferisce la materialità degli oggetti, le loro caratteristiche strutturate, la radiosità opaca del rame Bidon, la durezza del terreno roccioso, la maleducazione dei semplici vestiti domestici di contadini, asino di lana shaggy. La tecnica di Smear è molto diversificata: una lettera fluida, quasi di smalto si collega con una pittura randagio libera.

   

   Louis Lenen. Fucina. 1640-E.

   La Louis "Forge" può essere chiamata il più alto raggiungimento di Louis Lenin. Di solito Louis Lenen raffigurato i contadini durante i pasti, la ricreazione, l'intrattenimento; Qui l'oggetto della sua immagine è diventato una scena di lavoro. È bello che fosse nel lavoro che l'artista vide la vera bellezza dell'uomo. Non troveremo nel lavoro delle immagini di Louis Lenin che verrebbero estese la forza e l'orgoglio come gli eroi della sua "forgia" - un semplice fabbro circondato da una famiglia. Nella composizione più libertà, movimento, nitidezza; Precedentemente liscio, illuminazione multipla cambiata dai contrasti di illuminazione, rafforzando l'espressività emotiva delle immagini; Nella stessa striscia più energia. L'uscita oltre i trame tradizionali, appello al nuovo argomento ha contribuito in questo caso alla creazione di una delle prime immagini impressionanti del lavoro nelle arti visive europee.

   Nel Genere contadino Louis Lenin, intriso di una nobiltà speciale e chiara, come se la percezione della vita purificata non si riflette nella forma diretta di taglienti contraddizioni sociali di quel tempo. Le sue immagini psicologiche a volte sono troppo neutrali: la sensazione di calma compostezza come avrebbe assorbito tutta la varietà di esperienze dei suoi eroi. Tuttavia, nell'era della sfruttamento della cartella delle masse folk, ha portato la vita dei contadini francesi a quasi il tenore di vita degli animali, nelle condizioni di una potente protesta popolare folk, Louis Lenin, che sosteneva la dignità umana, la morale Purezza e forza morale del popolo francese, ha avuto una grande importanza progressista.

   Durante il periodo di ulteriore rafforzamento dell'assolutismo, il genere contadino realistico non aveva prospettive favorevoli per il suo sviluppo. Questo è confermato da un esempio dell'evoluzione creativa del più giovane di Lenen - Mathieu. Essere più giovani di Louis per quattordici anni, lui, essenzialmente apparteneva ad un'altra generazione. Nella sua arte, Mathieu Lenen ha per i gusti della Noble Society. Ha iniziato il suo percorso creativo come follower Louis Lenin ("contadini a Zabachka"; Eremo). In futuro, gli argomenti e l'intera natura della sua creatività cambiano drammaticamente - Mathieu scrive ritratti di aristocratici ed eleganti scene di genere della vita di una "buona società".

   Alla direzione dei "pittori del mondo reale" apparteneva un gran numero di artisti provinciali che, significativamente inferiori a tali artigiani come Georges de Latur e Louis Lenen, riuscì a creare opere vivaci e veritiere. Tale, ad esempio, Robert Turny (1604 - 1670), autore di una pittura rigida ed espressiva "rimozione dalla croce" (Tolosa, Museo), Casella di Rishar Tassel (1580 - 1660), che ha scritto un ritratto tagliente del ritratto del ritratto del ritratto del ritratto del ritratto del ritratto del ritratto Nun Catherine de Montolon (Dijon, Museo), Altro.

   Nella prima metà del 17 ° secolo Anche le tendenze realistiche si stanno sviluppando nel campo del ritratto francese. Il più grande ritratto di questa volta è stato Philip de Champion (1602 - 1674). Flemende di origine, ha trascorso tutta la sua vita in Francia. Essere vicini al cortile, Shampeny ha usato il patrocinio del re e Richelieu.

   Shampen ha iniziato la sua carriera come maestro di pittura decorativa, ha anche scritto dipinti sui grafici religiosi. Tuttavia, la laurea più diffusa di Shampena rivelata nell'area ritratta. Era una specie di storiogramma del suo tempo. Possiede ritratti di membri della casa reale, degli statisti, degli scienziati, degli scrittori, dei rappresentanti del clero francese.

   

   Philip de Champin. Ritratto di ARNO D "ANDILIA. 1650

   Tra le opere di Champs sono il ritratto più famoso del cardinale Richelieu (1636, Louvre). Il cardinale è raffigurato in piena crescita; Sembra lentamente davanti allo spettatore. La sua figura nel manto cardinale con ampia piegatura caduta diffondere il contorno chiaro e chiaro contro lo sfondo del contraccolpo. Il tono saturo del mantello rossastro-rosso e lo sfondo dorato sono ombreggiati con una faccia sottile e pallida del cardinale, le sue mani mobili. Con tutta la sua paraddio, il ritratto, tuttavia, è privato di infrarossi esterni e non è sovraccarico di accessori. La sua genuina monumentalità è nel senso della forza interna e dei collens, nella semplicità della decisione artistica. Naturalmente, ritratti di campioni, privati \u200b\u200bdi natura rappresentativa differiscono una maggiore severità e persuasività vitale. Alle migliori opere del Master appartengono al ritratto di Arno D "Andilia (1650).

   E gli artisti del classicismo e dei "pittori del mondo reale" erano vicini alle idee avanzate dell'era - un'elevata idea della dignità di una persona, il desiderio di valutazione etica delle sue azioni e chiari, purificata dal intera percezione casuale del mondo. In virtù di ciò, entrambe le direzioni della pittura, nonostante le differenze che avevano avuto tra di loro, a stretto contatto con l'altro.

   Il classicismo acquisisce fondamentale importanza nella pittura francese del secondo quarto del XVII secolo. Il lavoro del suo più grande rappresentante di Nicola Poussin è il cima dell'arte francese di 17 secoli.

   Poussin è nato nel 1594 vicino alla città di Andeli in Normandia nella famiglia di un povero militare. Sugli anni giovani di Poussin e il suo primo lavoro è conosciuto molto poco. Forse la sua prima insegnante che stava visitando gli Aneli Kantnen Waren in questi anni, l'incontro con il quale era cruciale per determinare la vocazione artistica del giovane. Seguendo Waren, Poussin lascia segretamente la sua città natale e foglie per Parigi. Tuttavia, questo viaggio non porta buona fortuna. Solo un anno dopo, cade immediatamente nella capitale e spende diversi anni. Già negli anni giovanili, Poussin rivela grande intenzionale e sete instancabile per la conoscenza. Studia la matematica, l'anatomia, la letteratura antica, conoscendo le incisioni con opere di Rafael e Julio Roman.

   A Parigi, Poussin incontra con il poeta italiano alla moda Kavaler Marino e illustra il suo poema "Adonis". Queste illustrazioni preservate al nostro tempo sono le uniche opere affidabili di Pussen del suo primo periodo parigino. Nel 1624, l'artista lascia per l'Italia e si stabilisce a Roma. Sebbene Pussin fosse destinato a vivere quasi tutta la sua vita in Italia, ha amato calorosamente la sua patria ed era strettamente connesso con le tradizioni della cultura francese. Era straniero per il carriera e non è incline a trovare un facile successo. La sua vita a Roma è stata dedicata al lavoro persistente e sistematico. Poussin abbozzato e misurato statue antiche, ha continuato i suoi studi con la scienza, la letteratura, ha studiato i trattati di Alberti, Leonardo da Vinci e Durera. Ha illustrato uno degli elenchi del trattato Leonardo; Attualmente, questo manoscritto più prezioso è nell'eremo.

   Quest creativa per Poussin negli anni 1620. Erano molto complessi. Il Maestro è andato a lungo creando il suo metodo artistico. L'arte antica e gli artisti del Rinascimento erano per lui con i campioni più alti. Tra i moderni maestri di Bologna, ha apprezzato il più rigoroso di loro - Domenicino. Trattare negativamente a Caravaggio, il Poussin non è ancora stato indifferente alla sua arte.

   Durante il 1620. Pussen, già migliorando il percorso del classicismo, spesso sembrava bruscamente oltre il suo quadro. Tali immagini come il "battito dei bambini" (Shantilia), "Martirio di Santa St. Erasmus "(1628, Vaticano Pinakotek) è segnato dalle caratteristiche della vicinanza al Caravagizismo e dal barocco, una nota riduzione delle immagini, esageratamente un'interpretazione drammatica della situazione. Insolitamente per Pussen nella sua espressione aggravata nella trasmissione di un senso di dolore straziante, un "rimozione della croce" ermitativa (circa 1630). Il dramma della situazione qui è rafforzato da un'interpretazione emotiva del paesaggio: l'azione è implementata contro lo sfondo del cielo del temporale con i riflessi della all'alba rossa minacciosa. Un altro approccio caratterizza il suo lavoro svolto nello spirito del classicismo.

   Il culto della mente è una delle principali qualità del classicismo, e quindi né uno dei grandi maestri del XVII secolo. L'inizio razionale non gioca un ruolo così significativo come Poussin. Il maestro stesso disse che la percezione dell'opera d'arte richiede un pensiero concentrato e un lavoro teso. Il razionalismo colpisce non solo nel follow-up intenzionale per l'ideale etico e artistico, ma anche nell'arte creata da esso. Costruì la teoria delle cosiddette modalità, che ha cercato di seguire nel suo lavoro. Il Modus di Pussen significava un tipo di chiave figurativa, la somma delle tecniche per le caratteristiche emotive e la soluzione scenica compositiva, che la maggior parte corrispondeva all'espressione di un certo argomento. Queste modalità di Poussin hanno dato i nomi provenienti dagli oggetti greci di varie terre di un edificio musicale. Ad esempio, il tema della featura morale è incorporato dall'artista in rigidi forme dure unite da Pussen nel concetto di Doriy Lada, i temi di una natura drammatica - sotto forma di "Frigian Lada", i temi di gioioso e idilliaco - nelle forme di lanale "ionio" e "lidius". La forza delle opere di Pussese si ottengono a causa di queste tecniche artistiche un'idea chiaramente pronunciata, la logica chiara, un alto grado di completamento del piano. Ma allo stesso tempo, la subordinazione dell'arte con determinati standard stabili, l'introduzione di momenti razionalistici è stato anche un pericolo maggiore, poiché potrebbe portare alla pressa di pressa di un dogma incrollabile, un processo mortale creativo. Era a questo che tutti gli accademici che seguivano solo le tecniche esterne di Pussen stavano arrivando. Successivamente, questo pericolo si fermò davanti allo stesso Pussen.

   

   Poussin. Morte della Germania. 1626-1627.

   Uno dei campioni caratteristici del programma ideologico e artistico del classicismo può servire come composizione di Pussenovsky "morte della Germania" (1626/27; Minneapolis, Istituto di Arti). Qui è già indicativo della selezione dell'eroe - un comandante coraggioso e nobile, la squadra delle migliori speranze dei Romani, avvelenati per ordine dell'imperatore sospetto e invidioso Tiberio. L'immagine raffigura la Germania sul suo alpino della morte, circondato dalla sua famiglia e dai devoti a lui soldati abbracciati dalla sensazione generale di eccitazione e dolore.

   Molto fruttuoso per la creatività della Poussin è stata la passione per l'arte di Tiziano nella seconda metà dei 1620. L'appello alla tradizione tiziana ha facilitato la divulgazione delle parti più vivaci del talento di Pussen. Il ruolo era il ruolo del colorante tiziano e nello sviluppo della pittura da dare a Pussen.

   

   Poussin. Il regno della flora. Frammento. OK. 1635.

   Nel suo film di Mosca "Rinaldo e Armida" (1625-1627), il cui trama è preso dalla poesia del tasso "liberato da Gerusalemme", l'episodio della leggenda della cavalleria medievale è trattata più come un motivo di antiquariato mitologia . Il mago dell'armido, trovando il cavaliere addormentato-crociata Rinaldo, portalo nei suoi giardini magici, e i cavalli dell'armido, che mettono il suo carro sulle nuvole e appena trattenuto da belle ragazze, sembrano i cavalli del dio del sole di Helios (questo motivo si trova spesso spesso nei quadri di Pussen). L'altezza morale di una persona è determinata per Pussen dalla corrispondenza dei suoi sentimenti e azioni di leggi ragionevoli della natura. Pertanto, l'ideale di Poussin è un uomo che vive una singola vita felice con la natura. Questo argomento, l'artista ha dedicato tali nastri 1620-1630, come "Apollo e Daphne" (Monaco di Baviera, Pinakotek), "Vakhanlia" a Louvre e la Galleria nazionale di Londra, "il regno della Flora" (Dresda, Galleria). Resuscita il mondo degli antichi miti, dove gli oscurità satiri, le ninfe snelle e gli ammanti allegri sono raffigurati nell'unità con la natura bella e gioiosa. Mai successivamente successivamente appaiono nel lavoro di Poussin, tali scene serene, appaiono tali adorabili immagini da donna.

   Costruzione di dipinti, dove figure plasticamente tangibili sono incluse nel ritmo complessivo della composizione, ha chiarezza e completezza. È sempre chiaro che il movimento delle figure, questo, secondo Poussin, "linguaggio del corpo" è sempre diverso. La gamma di colori, spesso satura e ricca, anche subordinata al pensiero rapporto ritmico di macchie colorate.

   Negli anni 1620. Creato una delle immagini più pronta di Poussin - Dresda "Sleeping Venus". Il motivo di questo dipinto è l'immagine della dea sommersa nel sonno circondato dal bellissimo paesaggio - risale ai campioni del Rinascimento veneziano. Tuttavia, in questo caso, l'artista ha preso l'idealità delle immagini dei Maestri del Revival, e l'altro della loro qualità essenziale è un'enorme vitalità. La vernice stessa è il tipo di dea, ragazza con una faccia fatta a faccia, con una figura sottile elegante, piena di tale naturalezza e qualche particolare intimità della sensazione che questa immagine sembra schioccata direttamente dalla vita. In contrasto con il resto sereno della dea dormiente ancora più sentito la tensione del tuono di una giornata calda. Nella tela di Dresda più luminosa di qualsiasi luogo, il collegamento della poussina con il colorante di Tiziano è tangibile. In confronto con il comune modello di oro scuro brunastro e saturo, le sfumature del corpo nudo della dea sono particolarmente splendidamente distinte.

   

   Poussin. Tancred e Hermine. 1630-e.

   L'hemitage Waterway "Tancred and Hermine" (1630S) è stato dedicato al tema drammatico dell'amore di Amazon Herminia al cavaliere-crociata Tancredu. La trama è anche presa dal poema del tasso. Nel terreno deserto, sul terreno roccioso, feriti in un duello tancred. Con una tenerezza della cura supporta il fedele amico di Wafrine. Herminia, solo, dopo aver discendosi dal cavallo, si precipita verso l'amato e rapido silenzio della spada frizzante, taglia il filo dei suoi capelli biondi per legare le sue ferite. La sua faccia, un'occhiata, incatenata a tancred, i rapidi movimenti di una figura snella sono spiritualizzati da una grande sensazione interiore. L'elevazione spirituale dell'immagine dell'eroina è sottolineata dalla decisione del colore dei suoi vestiti, dove i contrasti di tonalità grigio-acciaio e blu profondo suonano con una maggiore forza, e l'umore drammatico generale dell'immagine trova il proprio eco nel paesaggio Pieno con la lucentezza fiammeggiante dell'alba della serata. L'armatura di Tancred e la spada di Herminio riflettono tutta la ricchezza delle vernici nelle loro spazzate.

   In futuro, il momento emotivo del lavoro di Poussin è in misura maggiore associata al principio organizzativo della ragione. Nelle opere della metà degli anni 1630. L'artista raggiunge un equilibrio armonico tra mente e sentimento. La principale importanza è l'immagine di una persona eroica e perfetta come forma di realizzazione della maestà morale e del potere spirituale.

   

   Poussin. Shepherds arcade. Tra il 1632 e il 1635

   L'esempio di una profonda divulgazione filosofica dell'argomento nelle opere di Poussin offre due opzioni per la composizione "Shepherds Arcade" (tra il 1632 e il 1635, Cezoort, l'Assemblea del Duca del Devonshire, vedi male. E 1650, Louvre). Il mito di Arcadia, un paese di felicità serena, spesso incarnata nell'art. Ma Pussen in questa trama idilliaca ha espresso un'idea profonda della frequenza della vita e della inevitabilità della morte. Ha presentato i pastori, che improvvisamente vide la tomba con l'iscrizione "e io ero ad Arkadia ...". Al momento in cui una persona è piena di una sensazione di felicità senza nuvole, sembra sentire la voce della morte - un ricordo della frolla della vita della vita, sulla fine inevitabile. Nella prima versione più emotiva e drammatica di Londra, la confusione dei pastori è più forte, che come se improvvisamente apparve di fronte alla morte, che invase il loro mondo luminoso. Nel secondo, una versione molto più tardi di Louis degli eroi non è nemmeno oscurata, conservò la calma, percependo la morte come modello naturale. Questo pensiero con una profondità speciale è incarnato nell'immagine di un'eccellente giovane donna, l'aspetto di cui l'artista ha dato le caratteristiche della saggezza stoica.

   

   Poussin. Ispirazione del poeta. Tra il 1635 e il 1638

   L'immagine del Louva "L'ispirazione del poeta" è un esempio di come l'idea astratta è incorporata da Pussen nel profondo, che hanno un grande potere di esposizione alle immagini. Essenzialmente, la trama di questo lavoro sembra essere delimitata dalle allegorie: vediamo il giovane poeta, condita con una ghirlanda in presenza di Apollo e Musa, tuttavia, il minimo in questa immagine della secchezza allegorica e del furto. L'idea dell'immagine è la nascita di un'arte eccellente, la sua celebrazione non è percepita come un astratto, ma come un'idea specifica e figurativa. A differenza del comune nel 17 ° secolo. Composizioni allegoriche Le cui immagini sono combinate esternamente retoricamente, per l'immagine Louvro è caratterizzata da un'associazione interna di immagini con l'edificio generale dei sensi, l'idea della sublime bellezza della creatività. L'immagine di un'ottima musa nell'immagine della figa ti fa ricordare le immagini femminili più poetiche nell'arte della Grecia classica.

   Costruzione composita di un dipinto nel suo genere di esemplari per il classicismo. È caratterizzato da una grande semplicità: la figura di Apollo è collocata al centro, da entrambe le parti, le figure della musa e del poeta si trovano simmetricamente. Ma in questa decisione non esiste la minima secchezza e artificità; Minore spostamenti, giri, giri, movimenti di figure, un albero, volando a lato, volare Amur - tutte queste tecniche, non privando la composizione di chiarezza e equilibrio, portano in esso il senso della vita, che si distingue da questo lavoro da questo lavoro Le creazioni schematiche condizionate degli accademici che hanno rattoppato la figa.

   Nel processo di diventare un piano artistico e composito per il pittoresco lavoro di Poussin, i suoi meravigliosi disegni hanno avuto grande importanza. Questi schizzi semesi fatti con eccezionale latitudine e coraggio basati sul confronto delle macchie di luce e ombra svolgono un ruolo preparatorio nel trasformare l'idea del lavoro in un intero pittorico finito. Vivo e dinamico, come lo erano, riflettono tutta la ricchezza dell'immaginazione creativa dell'artista nella sua ricerca di un ritmo composito e una chiave emotiva corrispondente all'intento ideologico.

   Negli anni successivi, l'unità armonica delle migliori opere dei 1630. perde gradualmente. Nella pittura pussese, le caratteristiche dell'astrattazza e della razionalità stanno crescendo. La crisi della birra della creatività è bruscamente intensificata durante il suo viaggio in Francia.

   La fama Pussen raggiunge il cortile francese. Dopo aver ricevuto un invito a tornare in Francia, Poussa in ogni modo tira il passaggio. Solo una lettera personale imperativa del re Luigi XIII lo fa obbedire. Nell'autunno del 1640, le foglie Poussin per Parigi. Un viaggio in Francia porta molta delusione amara per l'artista. La sua arte incontra la feroce resistenza a coloro che hanno lavorato con i rappresentanti della Corte della Direzione Baroocca Decorativa guidata da Simon Veu. La rete di sporchi intrighi e denunce di "questi animali" (così chiamato il loro artista nelle sue lettere) finisce per Pussen, la reputazione immacolata di una persona. L'intera atmosfera della vita della corte lo ispira un disgusto schizzinoso. L'artista, secondo lui, è necessario rompere il ciclo, che ha indossato il collo al collo, in modo che di nuovo nel silenzio del suo laboratorio di impegnarsi in arte vera, "se resto in questo Paese, scrive, - dovrò trasformarsi in pachkun, come un altro qui è qui. " La Corte Royal non riesce a attirare un grande artista. Nell'autunno del 1642, Pussen sotto il pretesto della malattia di sua moglie lascia indietro in Italia, questa volta per sempre.

   Creatività Poussin nel 1640. Notato dalle caratteristiche della profonda crisi. Questa crisi non è spiegata non tanto dai fatti specificati della biografia dell'artista, come prima di tutte le contraddizioni interne del classicismo stesso. La realtà vivo di quel tempo non corrispondeva agli ideali della razionalità e della virtù dei cittadini. Un programma di classicismo etico positivo ha iniziato a perdere il terreno.

   Lavorare a Parigi, Poussin non riusciva a licenziarlo completamente dai compiti di fronte a lui. Le opere del periodo di Parigi sono fredde, ufficiali in natura, sono significativamente espresse al raggiungimento dell'effetto esterno della caratteristica artistica barocca ("il tempo salva la verità da invidia e discordia", 1642, Lille, Museo; "Miracolo di San Francesco Xaveria ", 1642, Louvre). Era questo tipo di lavoro che è stato successivamente percepito come campioni degli artisti del campo accademico, guidato da Charlin Lebed.

   Ma anche in quelle opere in cui il Maestro è rigorosamente aderito alla classica dottrina artistica, non ha più raggiunto la stessa profondità e vitalità delle immagini. Il razionalismo caratteristico di questo sistema, il regolamento, la predominanza di un'idea astratta in un certo senso, il desiderio di idealità è ottenuto dalla sua espressione esagerata unilaterale. Un esempio è la "generosità dello scypeon" del Museo delle Belle Arti. A. S. Pushkin (1643). Raffigurante il comandante romano di Scypion dell'Africano, che ha abbandonato i suoi diritti alla principessa cartagina prigionaria e ritornandolo allo sposo, l'artista glorifica la virtù dei comandanti saggi. Ma in questo caso, il tema della tentazione del debito morale ha ricevuto una fredda forma di realizzazione retorica, le immagini hanno perso la vitalità e la spiritualità, i gesti sono condizionati, la profondità del pensiero è stata sostituita dalla contraddizione. Le figure sembrano essere congelate, Color - Motley, con una predominanza di vernici locali fredde, un modo pittoresco si distingue per malificazione spiacevole. Le caratteristiche simili sono caratterizzate da creato nel 1644-1648. Immagini dal secondo ciclo di "Seven Sacramenti".

   La crisi del metodo classico ha colpito principalmente su composizioni di trama Pussen. Dalla fine del 1640. I più alti risultati dell'artista si manifestano in altri generi - nel ritratto e nel paesaggio.

   Nel 1650, una delle opere più significative di Poussin è il suo famoso autoritratto del Louvrio. L'artista per Poussin è, soprattutto, un pensatore. Nell'era, quando i tratti della rappresentatività esterna sono stati enfatizzati nel ritratto, quando il significato dell'immagine è stato determinato dalla distanza sociale che separa il modello dai mortali ordinari, Pussen vede il valore di una persona nella forza del suo intelletto, in potere creativo E in un autoritratto, l'artista conserva la rigorosa chiarezza della costruzione compositiva e chiarezza della soluzione lineare e volumetrica. La profondità del contenuto ideologico e il meraviglioso completamento del "autoritratto" di Poussin supera significativamente le opere dei ritratti francesi e appartengono al miglior ritratto dell'arte europea del XVII secolo.

   La passione per il paesaggio è associata a un cambiamento. La sua visione del mondo. Non c'è dubbio che Pussen abbia perso l'intera idea di una persona che era caratteristica delle sue opere del 1620-1630. Tenta di incarnare questa presentazione nelle composizioni della trama dei 1640. ha portato al fallimento. Il sistema figurativo di Pussen dalla fine del 1640. È già costruito su altri principi. Nei lavori di questo periodo, l'attenzione dell'artista è l'immagine della natura. Per Poussna, la natura è la personificazione della massima armonia dell'essere. Una persona ha perso la sua posizione dominante. È percepito solo come una delle tante specie di natura, le cui leggi di cui è costretta a obbedire.

   Camminando intorno a Roma, l'artista con la sua interessante tostro ha studiato i paesaggi delle campagne romane. Le sue immediate impressioni sono state trasferite in meravigliosi disegni del paesaggio dalla natura, distinti dalla straordinaria freschezza della percezione e dalla sottile Lyrism.

   I paesaggi pittoreschi di Poussin non hanno un senso di direttricità, che inerente ai suoi disegni. Nelle sue opere pittoresche, il principio perfetto e di generalizzazione è più forte, e la natura in loro appare come un corriere di bellezza perfetta e grandezza. Sembrava contenuto ideologico ed emotivo, i paesaggi di Poussin appartengono ai più alti risultati comuni nel 17 ° secolo. Il cosiddetto paesaggio eroico.

   I paesaggi pusseni sono imbevuti della sensazione della grandezza e della grandezza del mondo. Enormi rocce ingombranti, dossi lussureggianti, laghi trasparenti cristallini, molle fredde, corrente tra pietre e cespugli ombreggiati, sono collegati in una composizione olistica plascata chiara, basata su piani spaziali alternati, ciascuno dei quali si trova parallelo al piano di tela. Vista dello spettatore, seguendo il movimento ritmico, copre lo spazio nella sua intera gradazione. Il Colorist Gamma è molto moderato, molto spesso è costruito su una combinazione di toni blu freddo e bluastro di cielo e acqua e caldi toni di grigio brunastro di suolo e rocce.

   In ogni paesaggio, l'artista crea un'immagine unica. Come un inno largo e solenne, la natura è percepita dal "paesaggio con un polyfem" (1649; hemitage); La sua possente grandezza conquista nel "paesaggio con Hercules" di Mosca (1649). Raffigurante Giovanni il teologo sull'isola di Patmos (Chicago, Institute of Arts), Pussen rifiuta l'interpretazione tradizionale di questa trama. Crea una rara bellezza e poteri del paesaggio - la personificazione vivente della bellissima Eldla. L'immagine di Giovanni nell'interpretazione della Poussin ricorda non un eremita cristiano, ma un antico pensatore.

   Nei prossimi anni, anche i dipinti tematici della Poussin incarna nelle forme del paesaggio. Questa è la sua foto di Funeral FOKION (dopo il 1648; Louvre). L'antico eroe fu giustiziato dalla sentenza dei suoi concittadini ingrati. È stato negato anche nella sepoltura nella sua patria. L'artista ha presentato il momento in cui gli schiavi sono fuori da Atene sulle barelle dei resti di Fokion. Contro lo sfondo di cielo blu e alberi verdi, templi, torri, pareti urbane sono evidenziati. La vita va a lei! Il pastore afferra la mandria, sulla strada del volontà tira il carro e il cavaliere si precipita. Un bellissimo paesaggio con una nitidezza speciale ti fa sentire la tragica idea di questo lavoro - il tema della solitudine di una persona, la sua impotenza e la fragilità di fronte alla natura eterna. Anche la morte dell'eroe non può oscurare la sua bellezza indifferente. Se i paesaggi precedenti hanno sostenuto l'unità della natura e dell'uomo, l'idea di opporsi all'eroe e al mondo circostante appare nella FOKION Faune, che personifica il conflitto umano e la realtà caratteristica di questa epoca.

   La percezione del mondo nelle sue tragiche contraddizioni si è riflessa nel famoso ciclo paesaggistico di Pussen "quattro periodo dell'anno", realizzato negli ultimi anni della sua vita (1660 -1664; Louvre). L'artista mette e decide in queste opere il problema della vita e della morte, della natura e dell'umanità. Ogni paesaggio ha un certo valore simbolico; Ad esempio, "Primavera" (Adamo ed Eva sono presentate in Paradam in Paradiso) - Questa fioritura del mondo, l'infanzia dell'umanità, "inverno" raffigura un'inondazione, la morte della vita. La natura della poussina e nel tragico "inverno" viene eseguita per grandezza e forza. L'acqua che svolazzante a terra, con inevitabilità inevitabilità assorbe tutte le cose viventi. Da nessuna parte non è una salvezza. Lo scoppio del fulmine taglia attraverso l'oscurità notturna, e il mondo abbracciato dalla disperazione appare come era pietrificato in immobilità. Nella sensazione di piatti agghiaccianti, penetrando l'immagine, Pussen incarna l'idea di avvicinarsi a morte spietata.

   Il tragico "inverno" è stato l'ultimo lavoro dell'artista. Nell'autunno del 1665, Pussen - muore.

   Il valore dell'arte di Pussea per il suo tempo e le seguenti epoche sono enormi. I suoi veri eredi non erano accademisti francesi della seconda metà del 17 ° secolo, e rappresentanti del classicismo rivoluzionario del XVIII secolo, che gestivano nelle forme di questa arte per esprimere le grandi idee del loro tempo.

   Se la creatività di Pussen ha trovato il loro profondo implementazione vari generi - un'immagine storica e mitologica, un ritratto e un paesaggio, poi gli altri maestri del classicismo francese hanno lavorato principalmente in qualsiasi genere. Ad esempio, può essere chiamato Claude Lorrente (1600-1682) -Ruplen, insieme a Pushend, un rappresentante del paesaggio classico.

   Claude Jelly è nata in Lorena (francese Lorena), da dove è successo al soprannome Lorren. Veniva dalla famiglia contadina. Il primo Osapotev, Lorrane è andato in Italia, dove ha studiato la pittura. Quasi tutta la vita è Lorrena, ad eccezione di un soggiorno di due anni a Napoli e una visita a breve termine a Lorena, passata a Roma.

   Lorren era il creatore di un paesaggio classico. Le opere separate di questo tipo sono apparse nell'arte dei maestri italiani della fine del 16 ° - inizio 17 V.-Annibal Karracchi e Domenicino. Il pittore tedesco Elsheimer che ha lavorato a Roma è stato un grande contributo al pittura del paesaggio. Ma solo il paesaggio di Lorrene è stato sviluppato nel sistema finito e trasformato in un genere indipendente. Lorren è stato ispirato dai motivi della vera natura italiana, ma questi motivi vengono trasformati in un'immagine ideale corrispondente agli standard del classicismo. A differenza di Pussen, la cui natura è stata percepita nel piano eroico, Lorren principalmente un testo. È più direttamente espresso da un senso vivente, un'ombra di esperienza personale. Gli piace rappresentare il diario illimitato dal mare (Lorren ha scritto spesso porto di mare), ampi orizzonti, la luce traboccata all'orologio dell'alba o del tramonto, nebbia predestosa, crepuscolo condensato. Per i primi paesaggi, Lorrena è caratterizzato da alcuni motivi architettonici da sovraccarico, toni dorati, forti contrasti di illuminazione - ad esempio, a Campo Vachchino (1635; Louvre) raffigurante il prato sul sito dell'antico foro romano, dove le persone vagano tra le antiche rovine .

   

   Claude Lorren. Vista sul mare con acisis e galatea. 1657.

   Nella sua fiorente fiorente, Lorren si unisce ai 1650. Da questo tempo, appaiono i suoi migliori lavori. Tale, ad esempio, "abduzione dell'Europa" (circa 1655; il Museo delle Belle Arti A. S. Pushkin). Le composizioni del Lorrente maturo non raffigurano - per poche eccezioni - qualsiasi particolare motivo del paesaggio. Creano un'immagine generalizzata della natura. Nel quadro di Mosca, è presentata una bellissima baia di Azure, la cui costiera è delimitata dalle colline dei contorni calmi e dalle bagni trasparenti degli alberi. Il paesaggio si inondriserà con luce solare luminosa, solo nel centro della baia sul mare distese un'ombra leggera dalla nuvola. Tutto pieno di riposo beato. Le figure umane non hanno un'importanza così importante da Lorrente, come nei paesaggi di Poussin (Lo stesso Lorren non gli piaceva scrivere figure e istruirli a eseguire altri maestri). Tuttavia, un episodio da un antico mito nello spirito idilliaco di un antico mito sul rapimento di Zeus, che si trasformò in un toro, una bella ragazza in Europa corrisponde all'umore generale del paesaggio; Lo stesso vale per gli altri dipinti di Lorren - la natura e le persone sono date in loro in una certa relazione tematica. Alle migliori opere Lorrente 1650s. Crede la composizione di Dresden "ACYC e GALATIA" 1657.

   Nel tardo lavoro di Lorrena, la percezione della natura sta diventando più emotiva. È interessato, ad esempio, cambiamenti nel paesaggio a seconda dell'ora del giorno. I mezzi principali nel trasferimento dell'umore sono luce e colore. Così nei dipinti del ciclo olistico immagazzinato nell'eremo di Leningrado, l'artista incarna la sottile poesia "mattina", chiara pace di "mezza giornata", un tramonto foggy-dorato "sera", un'oscurità bluastra "notti". Il più poetico di questi dipinti è "mattina" (1666). Ecco tutto il fumo avvolto in argento-blu che inizia l'alba. Sul cielo illuminante, è evidenziata una silhouette trasparente di un grande albero scuro; In un'ombra cupo, le rovine antiche sono ancora spedite - il motivo che introduce l'ombra della tristezza in un paesaggio chiaro e silenzioso.

   Lorren è anche conosciuta come incisore Etcher e come disegnatore. I suoi schizzi del paesaggio dalla natura eseguiti dall'artista durante le passeggiate intorno a Roma sono particolarmente notevoli. In queste cifre con una luminosità eccezionale, la sensazione emotiva e immediata della natura colpita Lorrane. Gli schizzi di questi, eseguiti internamente con l'uso del lavaggio, sono caratterizzati da una sbalorditiva latitudine e la libertà di modo pittoresco, la capacità di raggiungere effetti forti. I motivi dei disegni sono molto diversive: è un paesaggio di natura panoramica, dove alcune pennellate audaci fanno l'impressione della latitudine infinita, poi un vicolo spesso, e i raggi del sole, rendendola attraverso il fogliame Delle alberi, cadere sulla strada, appena ricoperta da una pietra sulle rive del fiume, infine, ha finito il disegno di un maestoso edificio circondato da un bellissimo parco ("Villa Albani").

   Immagini di Lorrente per un lungo periodo - fino all'inizio di 19 V. Rimase campioni per i maestri di pittura del paesaggio. Ma molti dei suoi seguaci che percepisci solo le sue tecniche visive esterne hanno perso il senso di vita veramente vivente della natura.

   L'influenza di Lorren è sentita sul lavoro del suo contemporaneo Gaspara Dug (1613-1675), che ha introdotto elementi di emozione e dramma nel paesaggio classico, specialmente nella trasmissione degli effetti dell'insidente dell'illuminazione del tuono allarmante. Tra le opere del Du è il più famoso ciclo di paesaggio nei palazzi romani di Doria Pamphili e della colonna.

   La direzione classica è stata raggiunta da Estash Lesyur (1617-1655). Era un discepolo di un vozzatore e lo ha aiutato ad eseguire il lavoro decorativo. Negli anni 1640. Lesuer ha sperimentato un forte impatto dell'arte di Pussen.

   La creatività di Lesuer è un esempio dell'adattamento dei principi del classicismo ai requisiti che i cerchi radicolari e celici si sono attestati prima dell'art. Nel suo più grande dipinto dell'hotel Lambera a Parigi, Lesuer ha cercato di combinare i principi della dottrina classico estetica con effetti puramente decorativi. Non è per caso che non ci sia il modo in cui nel suo grande ciclo "Vita di Santa St. Bruno "(1645 -1648, Louvre), realizzato sull'Ordine dei circoli della Chiesa, ci sono delle fama con la direzione barocca, che influenzano l'idealizzazione zuccherata delle immagini e nello spirito generale del fanatismo cattolico, che tutto questo ciclo penetra. L'arte di Lesuer è uno dei primi sintomi della rinascita della direzione classica in Academaismo del tribunale.

   Nella seconda metà del 17 ° secolo. La monarchia assoluta in Francia raggiunge il suo maggiore potere economico e politico e il suo periodo di massimo splendore.

   Il processo di centralizzazione dello stato ha ricevuto un completamento finale. Dopo la sconfitta della parte anteriore (1653), il King Power si è intensificato e adottato il carattere illimitato e dispotico. In un opuscolo anonimo della letteratura dell'opposizione della fine del 17 ° secolo. Louis Xiv è chiamato un idolo, la vittima di cui è stata portata l'intera Francia. Al fine di rafforzare la situazione economica della nobiltà, sono stati condotti eventi importanti. È stato effettuato un sistema economico basato sulla conquista di guerre e sulla consistente implementazione delle politiche del Mercantilismo; Questo sistema è stato chiamato Kolbertism - di nome Kolbera, il primo King Ministro. Il cortile del Royal era il centro politico del paese. La sua posizione ha servito magnifiche residenze di campagna, e soprattutto (dal 1680). - famoso Versailles. La vita al cortile ha avuto luogo in endless festeggiamenti. Il focus di questa vita era la personalità del re del sole. Il suo risveglio dal sonno, il bagno del mattino, il pranzo, ecc. D. Tutto obbedito a un certo rituale e si è verificato sotto forma di cerimonia di cerimonia.

   Il ruolo di centralizzazione dell'Absolutismo ha anche influenzato il fatto che attorno alla Corte Royal nella seconda metà del XVII secolo. Sono stati assemblati in sostanza tutte le forze culturali della Francia. Gli architetti più importanti, i poeti, i drammaturghi, gli artisti, i musicisti sono stati creati dagli ordini del cortile. L'immagine di Louis XIV è come un generoso monarca, il vincitore predispredito ha servito il tema per i dipinti storici, allegorici, da battaglia, per i ritratti anteriori e per gli arazzi.

   Direzioni diverse nell'arte della Francia sono state livellate d'ora in poi nel "grande stile" della nobile monarchia. La vita artistica del paese ha subito una maggiore centralizzazione. Tornato nel 1648, è stata fondata la Royal Academy of Painting and Sculpture. La base dell'Accademia ha avuto un valore positivo: per la prima volta le attività degli artisti sono state rilasciate dall'oppressione del workshop e è stata creata un sistema ordinato di educazione artistica. Ma dall'inizio della sua esistenza, le attività dell'Accademia erano subordinate agli interessi dell'assolutismo. Nel 1664, in conformità con i nuovi compiti, Kolber ha tenuto la riorganizzazione dell'Accademia, trasformandolo in un'istituzione statale, completamente consegnata al cortile.

Auto ritratto. 1650.

All'autorizzatore, Nikola Poussin lo rappresentava un pensatore e il Creatore. Accanto a lui, il profilo musicale, come se personifica il potere dell'antichità su di lui. E allo stesso tempo è un'immagine di una personalità luminosa, un uomo del suo tempo. Il ritratto incarna il programma classicism con il suo impegno per la natura e l'idealizzazione, il desiderio dell'espressione di alti ideali civili, che serviva l'arte di Pussen.

Nikola Poussin è un artista francese, il fondatore dello stile del "classicismo". Passando ai temi di antica mitologia, antica storia, la Bibbia, ha rivelato gli argomenti dell'era moderna. Ha portato la sua personalità perfetta, mostrando e avendo divertenti esempi di alta moralità, valori civili.

Nikola Poussin è nata il 5 maggio 1594 in Normandia, vicino alla città di Le Anselki. Suo padre, il veterano dell'esercito del re Henry IV (1553-1610), ha dato a suo figlio una buona educazione. Dall'infanzia, Poussin prestava attenzione alle sue tendenze da disegnare. Alle 18, gira a Parigi per impegnarsi nella pittura. Probabilmente il suo primo insegnante è stato ritrovagonista Ferdinand van Elle (1580-1649), il secondo è il pittore storico Georges Lallman (1580-1636). Avendo familiarizzato con la camionista della regina di Widddling Maria Medici, il portiere delle collezioni e delle biblioteche Royal Art, Poussin ha avuto l'opportunità di visitare il Louvre e copiare le foto degli artisti italiani lì. Nel 1622, Pussea e altri artisti sono stati incaricati di scrivere sei grandi dipinti sulle scene della vita di Santa Re Ignatia Loiol e St. Francis Xaveria (non è sopravvissuto).

Nel 1624, Nicolas Poussin andò a Roma. Lì ha studiato l'arte di un mondo antico, il lavoro dei Maestri dell'era alta rinascita. Nel 1625-1626, ha ricevuto un ordine di scrivere una foto di "distruzione di Gerusalemme" (non è sopravvissuta), in seguito ha scritto una seconda versione di questa immagine (1636-1638, Vienna, Museo della storia dell'arte).

Nel 1627, Poussin ha scritto una foto di "morte della Germania" (Roma, Palazzo Barberini) nella trama dell'antica tacitis storica romana, che considera il lavoro del programma del classicismo; Mostra l'addio dei legionari con un comandante morente. La morte dell'eroe è percepita come una tragedia di importanza sociale. L'argomento è interpretato nello spirito di calma e degli eroi difficili di un'antica narrazione. L'idea dell'immagine è il ministero del debito. L'artista ha posto le figure e gli oggetti in uno spazio poco profondo, smembrandolo a un certo numero di piani. In questo lavoro sono state rivelate le principali caratteristiche del classicismo: la chiarezza dell'azione, l'architettura, l'imbracatura della composizione, l'opposizione dei raggruppamenti. L'ideale della bellezza agli occhi di Poussin consisteva nella proporzionalità di parti del tutto, nell'ordine esterno, nell'armonia, nell'armonia, nella chiarezza della composizione, che diventerà le caratteristiche caratteristiche dello stile maturo della matura. Una delle peculiarità del metodo creativo di Pussen era razionalismo, che non era solo influenzato dalle scene, ma anche nel benessere della composizione.

Nel periodo 1629-1633, il tema dei dipinti di Poussin cambia: ha meno spesso scrive immagini su argomenti religiosi, riferendosi a terreni mitologici e letterari.

Narciso e eco, circa 1629

Rinaldo e Armida. 1635.

La trama dei dipinti è presa in prestito dal poema del poeta italiano del XVI secolo Tarkvato Tasso "liberato da Gerusalemme". Il mago dell'Armida sposta il giovane cavaliere Rinaldo, inviato alla crociata. Vuole uccidere un giovane, ma, conquistato dalla sua bellezza, si innamora di Rinaldo e portalo nei suoi incantati giardini. Pussen, il capo del dipinto del classicismo, interpreta la leggenda medievale nello spirito di un mito antico. Completamento della composizione, l'unità della costruzione ritmica è le caratteristiche principali dell'arte di Pussen. Il sapore è sentito l'influenza di Tiziano, la cui creatività Poussin era appassionata di questi anni. Il dipinto è un bagno turco per "Tancredu e Herminia" immagazzinato nell'eremo del Stato.

Tancred e Hermine. 1630 - 40.

Il leader dell'Amazzonia di Herminia, innamorato del Cavaliere di Tancreda, lo trova ferito dopo la lotta con un argento gigante. Lo Squire di Waphrin aumenta il corpo ancora di Tancred, e Hermine, nell'impulso sfrenato dell'amore e della compassione, taglia i capelli con una spada per strappare le ferite del cavaliere. Quasi tutti sulla tela con calma - impotente menzogne \u200b\u200bsul terreno con il tancred, congelarono i waffers su di lui, i cavalli fissi, il corpo di Arganta è distribuito in lontananza, il paesaggio deserto e svantaggiato. Ma in questo silenzio congelato, il movimento patetico dell'Herminio è rotto, e tutto attorno al suo refrauffabile decollo spirituale si illumina. L'immobilità è fatta a punti intensi, forti e profondi colorati si affrontano a vicenda in contrasti affilati, scorci di tramonto arancione nel cielo diventano minacciosi e inquietanti. L'emozione di Erminia viene trasmessa ad ogni dettaglio dell'immagine, ogni linea e abbagliamento leggero.

Nel 1640. Policy Policy Polyuna. Louis XIII ha attirato l'attenzione di Louis XIII (1601-1643) e, secondo il suo persistente invito, Pussen è venuto a lavorare a Parigi, lì ha ricevuto un ordine dal re per scrivere foto per la sua cappella a Fontainebleau e Saint-Germain.

Nella caduta del 1642, Poussin foglie di nuovo a Roma. I temi di questo periodo sono stati le virtù e la validità dei governanti, degli eroi biblici o antichi.

Scipiona genuhiosa. 1643.

Nella seconda metà degli anni '40, Poussin ha creato un ciclo "sette sacramenti", in cui ha rivelato il profondo significato filosofico dei dogmi cristiani: "Paesaggio con l'apostolo Matfey", "Paesaggio con l'Apostolo John sull'isola di Patmos" (Chicago, Istituto delle arti).

Fine 40.- - L'inizio degli anni '50 è uno dei periodi fruttuosi del lavoro di Poussin: ha scritto i dipinti "Eliasar and Rebek", "Paesaggio con Diogen", "Paesaggio con un grande caro", "tribunale Solomone", "Estasi St. Paul "," Shepherds arcade ", il secondo autoritratto.

Paesaggio con Polyfem. 1648

Nell'ultimo periodo di creatività (1650-1665), Pussen si rivolgeva sempre più rivolta al paesaggio, gli eroi erano associati a grafici letterari e mitologici.

Nell'estate del 1660, crea una serie di paesaggi "Quattro tempi" con scene bibliche, che simboleggia la storia della pace e dell'umanità: "Primavera", "Estate", "Autunno", "Inverno".

Paesaggi di Poussin Multi-reperti, i piani alternanti sono stati enfatizzati da strisce di luce e ombre, l'illusione dello spazio e la profondità ha affrontato loro il potere epico e la grandezza. Come nei dipinti storici, i personaggi principali si trovano solitamente in primo piano e sono percepiti come una parte inseparabile del paesaggio.

Quest'ultimo, stoffa incompiuta del Maestro - "Apollo e Daphne" (1664).

La storia dell'amore di Apollo e Daphne è raccontata da Ovid. Daphne ha dato il pavimento per mantenere la castità e rimanere a celibe, come Bogynetemide. Apollo, essendo andato a amare la bella ninfa, ha causato il suo orrore. Come se la vide in esso attraverso la bellezza accecante, la ferocia del lupo. Ma nell'anima di Dio, la sensazione del rifiuto, il sentimento era sempre più imperfetto.

Cosa corri da me, ninfa? - Gridò, cercando di raggiungerla. - Non un ladro che io! Non è un pastore selvaggio! Sono Apollo, figlio Zeus! Fermare!

Daphne ha continuato a sfuggire a quello che aveva forza. Chase più vicino, la ragazza si sente già dietro il respiro caldo di Apollo. Non partire! E pregava per il padre in aiuto:

Padre! Aiuta tua figlia! Nascondi me o cambia il mio aspetto in modo che questa bestia non mi tocchi!

Per lo più suonava queste parole, poiché Daphne sentiva che le sue gambe furono trattate e andarono sulla terra sulla caviglia. Le pieghe sono bagnate dal sudore del vestito si trasformano in una corteccia, le mani vengono estratte nei rami: gli dei trasformarono il Daphne fino all'albero di alloro. Invano, Apollo abbraccia un bellissimo alloro, ha fatto la sua pianta preferita e sacra dal dolore e ha decorato la testa con una corona intrecciata da rami di alloro.

Negli ordini di Apollo, la canzone del re Peloponneso Enonaya Levkipp, innamorato di lei, e perseguendole travestito da un abito femminile, in modo che nessuno potesse scoprire.

Daphne - Un'antica divinità vegetale, entrò nel cerchio di Apollo, perdendo la sua indipendenza e diventando l'attributo di Dio. Prima che il delfico Oracle abbia cominciato a appartenere ad Apollon, al suo posto c'era l'oracolo della terra di gay, e poi Daphne. E più tardi nelle vittorie del deltagli organizzatori della competizione hanno ricevuto ghirlande alloro. A proposito del Sacro Laurer a Delje Menziona Callima. L'inno GOMEMERG è riportato dall'INTHEM GOMEROVSKY. Nella festa di Daphneforius nelle Philas portava i rami di alloro.

19 novembre 1665. Nikola.Pussen è morto. NELelico. Il significato della sua creatività per la storia della pittura. Artisti francesi e davanti a lui erano tradizionalmente familiari con l'arte del Rinascimento dell'Italia. Ma sono stati ispirati dalle opere dei maestri del manierismo italiano, del barocco, del caravagizismo. Pussen è stato il primo pittore francese che ha preso la tradizione del classico stile Leonardo da Vinci e Raffaello. Chiarezza, costanza e ordine delle tecniche fini, orientamento ideologico e morale dell'arte Pussen. Più tardi, ha fatto il suo lavoro con un riferimento per l'Accademia di pittura e scultura della Francia, che ha preso la produzione di canoni,norme estetiche e regole generali cubici della creatività artistica.

Paesaggio con Diana e Orion. 1660 - 64.

Diana è la dea della vegetazione, simile alla lingerie, la personificazione della luna, è stata identificata con Artemida e Perekatoy. Si chiamava la trivia - la "dea di tre strade" (la sua immagine è stata collocata nelle intersezioni), interpretata anche come un segno del potere supremo Diana: nel cielo, sulla terra e nella metropolitana.

Sagognoto santuario di Diana sul monte Digitalismo nella campagna (da cui l'epiteto di Diana Tipatina) e nella zona dell'Ariza nel Grove sul lago NEMY. Diana era considerata la patrona dell'Unione Latina, e con la transizione della profondità di questa Unione a Roma a Roma, il re di Diana, che divenne una destinazione preferita per coloro che provenivano da coloro che si erano spostati o catturati latino-americani, Plebeev e Gli schiavi sono stati fondati su Aventino; L'anniversario della Fondazione del Tempio era considerato la festa degli schiavi - muore servorum. Ha fornito la popolarità di Diana tra le classi inferiori che costituivano i numerosi college dei suoi ammiratori.

Una leggenda della mucca insolita era collegata al tempio di Diana su Auntina, il cui proprietario era previsto che colui che sarebbe sacrificato Diana in questo tempio fornirà la sua città sopra l'Italia. Il re di servire Tully, avendo imparato su questa previsione, l'astuzia astuzia astuzia, portò il suo sacrificio e attaccato le sue corna nel tempio.

Diana era considerata dalla personificazione della luna, così come suo fratello Apollo nel periodo della tarda antichità rima è stata identificata con il sole. Successivamente è stato identificato con la dea celemanti negativa e cartaginia un chilantal. Le province romane sotto il nome Diana riverisero le dee native - "Miscellenze delle foreste", Bogny Madre, una spesa di verdura e fertilità animale.

greekroman.ru/gallery/art_poussin.htm.

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Cattura l'uccello della felicità per una coda multicolore è tutt'altro che tutti. E, Ahalo, non tutti sono destinati a glorificare il loro nome tanto quanto riuscì a una persona di talento che aveva solo un paio di pennelli, tavolozza e tela in Arsenale. Nikola Poussin (Nicolas Poussin) - Un artista francese eccezionale e uno dei padri fondatori che si trovavano alle origini del classicismo.

Nel 1594, in Normandia, vicino alla città di Le Andeli, un ragazzo apparve sul mondo, che fin dall'infanzia ha dimostrato un sorprendente successo nel disegno. Avendo raggiunto l'età della maggioranza, Nicola andò alla capitale francese per dedicarsi alle classi ostinate di pittura. A Parigi, il talento di un giovane ha visto il ritrattista Ferdinand van Elle, che divenne il primo insegnante di Poussin. Dopo un po ', il posto dell'insegnante ha preso il pittore Georges Lallman. Questa conoscenza ha portato Nikola Dual Benefit: oltre l'opportunità di superare l'abilità sotto la guida sensibile del famoso mentore, Poussin ha avuto accesso al Louvre, dove ha copiato le immagini degli artisti italiani del Rinascimento.

A quel tempo, la carriera di un giovane artista stava guadagnando slancio, e la sua testa stava girando dalla consapevolezza di quali vertici può salire se continua a lavorare sodo. Pertanto, per migliorare l'abilità, Poussin è andato a Roma - una mecca peculiare di tutti gli artisti di quegli anni. Qui l'artista è attivamente "rosicchiare la scienza del granito", studiando il lavoro e. Concentrandosi sui grandi predecessori e comunicando con artisti moderni, Poussin attivamente impegnati in antico e imparato a misurare le proporzioni delle sculture in pietra con una fantastica accuratezza.

L'artista vide la fonte della sua ispirazione in poesia, teatro, trattati filosofici e argomenti biblici. Era questa base culturale che lo ha aiutato a depositare per dimostrare l'immagine dell'era moderna nei dipinti. L'eroe delle opere di Nikola è una personalità idealizzata.

A Roma, Nicola Pussen ha glorificato il suo nome, il Maestro autorevole si è fidato del dipinto delle cattedrali, ha fatto ordini per la tela con trame classiche o storiche. Uno di questi è stata la pittura "morte della Germania", che si basa sul lavoro dello storico della tacitis. È stata scritta nel 1627, l'artista raffigurato gli ultimi minuti della vita del comandante romano.

L'unicità della tela è che ha combinato assolutamente tutte le caratteristiche del classicismo la cui bellezza per Pussen si rifletteva nella proporzionalità di ciascuna parte, la chiarezza della composizione e la sequenza di azioni.

Dopo la "morte della Germania" e fino al 1629, l'artista ha creato diversi dipinti, tra cui un posto speciale è preso dalla "rimozione dalla croce" tela.

Nel quadro, che è ora nell'eremo, il Poussin ha prestato grande attenzione al triste volto di Maria, che trasmette il dolore di tutte le persone per il salvatore defunto. Un sfondo rosso minaccioso e un cielo scuro - simboli dell'approssimazione dell'ora imminente di pompato per l'atto. Ma ancora più forte contrasto con i vestiti bianchi innevati di Gesù Cristo con uno sfondo di pittura accartocciato. Le gambe del Salvatore hanno sfrenato tristemente gli angeli innocenti.

Nei prossimi anni, il Maestro preferito con i terreni mitologici. Per un breve periodo, è stato scritto un dipinto "tancred e hermineno", che era basato sul poema "liberato da Gerusalemme" Tasquatto Tasso e il regno di flora, scritto sotto l'influenza delle opere dell'ovido.

Poco dopo il completamento del lavoro presso l'invito del cardinale Richelieu Nikola Poussin torna a Parigi per decorare la galleria del Louvre. Un anno dopo, Louis XIII era interessato al talento dell'artista. Presto fece poussin il primo pittore presso la corte. L'artista ha ottenuto la gloria desiderata, e gli ordini cadde su di lui come un abbondanza di corna. Ma il sapore dolce del trionfo Poussin ha rovinato il pettegolezzo invidioso dall'elite dell'arte, che nel 1642 ha costretto Nikola per lasciare Parigi e prendere il corso di retromarcia a Roma.

Da quel momento fino alla fine dei suoi giorni, Poussin viveva in Italia. Questo periodo era per l'artista il lavoro più fruttuoso e ricco di luminoso, tra cui un posto speciale occupa il ciclo "Seasons".

La trama era basata sugli eventi descritti nell'Antico Testamento, che l'artista ha confrontato legoricamente con il periodo dell'anno, identificando ciascuno con un periodo di origine, crescita, invecchiamento e morte. In un solo lavoro, Poussin ha mostrato un paesaggio montuoso della Terra Canaan, famosa per la sua fertilità e ha raccolto uve Abrahamo con molto come un simbolo della generosità divina. E la fine di una vita peccaminosa, l'artista raffigurato sull'ultima immagine del ciclo, il cui tipo potrebbe colpire anche il pubblico più persistente.

Negli ultimi anni, Pussen ha dipinto attivamente paesaggi e ha lavorato rapidamente per catturare la finitura a partire dall'immagine. L'artista non ha avuto il tempo di completare il tessuto "Apollo e Daphne".

Nikola Poussin ha firmato il suo nome in una fila con maestri gloriosi, la cui esperienza una volta studiata.