Paesaggi urbani nello stile dell'impressionismo. Paesaggio urbano nell'impressionismo

L'ulteriore sviluppo della pittura europea è associato all'impressionismo. Questo termine è nato per caso. Il motivo era il nome del paesaggio di C. Monet “Impressione. Sunrise "(vedi Appendice n. 1, Fig. 3) (dall'impressione francese - impressione), che apparve alla mostra degli impressionisti nel 1874. Questa è la prima apparizione pubblica di un gruppo di artisti, che comprendeva C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro e altri, è stata accolta dalla critica borghese ufficiale con crudo scherno e molestie. È vero, dalla fine degli anni 1880, i metodi formali della loro pittura furono ripresi da rappresentanti dell'arte accademica, il che diede a Degas un motivo per notare con amarezza: "Siamo stati fucilati, ma allo stesso tempo ci hanno saccheggiato le tasche".

Ora, quando l'acceso dibattito sull'impressionismo è una cosa del passato, quasi nessuno oserebbe contestare che il movimento impressionista sia stato un ulteriore passo nello sviluppo della pittura realistica europea. "L'impressionismo è, prima di tutto, l'arte di osservare la realtà, che ha raggiunto una raffinatezza senza precedenti" (VN Prokofiev). Cercando la massima immediatezza e accuratezza nel trasmettere il mondo visibile, iniziarono a dipingere principalmente all'aria aperta e sollevarono l'importanza del disegno dalla natura, che quasi soppiantò il tipo tradizionale di pittura, attentamente e lentamente creato in studio.

Illuminando costantemente la loro tavolozza, gli impressionisti hanno liberato la pittura dalle vernici e dai colori terrosi e marroni. L'oscurità convenzionale, "museale" nelle loro tele lascia il posto a un gioco infinitamente diverso di riflessi e ombre colorate. Hanno ampliato incommensurabilmente le possibilità dell'arte, scoprendo non solo il mondo del sole, della luce e dell'aria, ma anche la bellezza delle nebbie, l'atmosfera irrequieta della vita in una grande città, una dispersione di luci notturne e il ritmo del movimento continuo.

In virtù del metodo stesso di lavorare all'aria aperta, il paesaggio, compreso il paesaggio urbano che scoprirono, occupò un posto molto importante nell'arte degli impressionisti. L'opera dell'eminente pittore del XIX secolo Edouard Manet (1832-1883) testimonia come tradizione e innovazione si fondessero organicamente nell'arte degli impressionisti. È vero, lui stesso non si considerava un rappresentante dell'impressionismo ed era sempre esposto separatamente, ma ideologicamente e ideologicamente, era senza dubbio sia il precursore che il leader ideologico di questo movimento.

All'inizio della sua carriera, E. Manet fu ostracizzato (derisione della società). Agli occhi del pubblico e della critica borghesi, la sua arte diventa sinonimo di brutto, e l'artista stesso viene definito "un pazzo che dipinge un quadro, tremante in delirium tremens" (M. de Montifo) (vedi Appendice n. 1, figura 4). Solo le menti più perspicaci dell'epoca erano in grado di apprezzare il talento di Manet. Tra loro c'erano C. Baudelaire e il giovane E. Zola, che dichiarò che "il signor Manet è destinato a un posto al Louvre".

L'espressione più coerente, ma anche di vasta portata dell'impressionismo è stata trovata nell'opera di Claude Monet (1840-1926). Il suo nome è spesso associato a tali conquiste di questo metodo pittorico come la trasmissione di stati di illuminazione transitori sfuggenti, la vibrazione della luce e dell'aria, la loro relazione nel processo di incessanti cambiamenti e trasformazioni. "Questa, senza dubbio, è stata una grande vittoria per l'arte della New Age", scrive VN Prokofiev e aggiunge: "Ma anche la sua vittoria finale". Non è un caso che Cézanne, pur aguzzando un po' polemicamente la sua posizione, abbia poi affermato che l'arte di Monet è “solo un occhio”.

I primi lavori di Monet sono piuttosto tradizionali. Contengono ancora figure umane, che in seguito si trasformano sempre più in personale e gradualmente scompaiono dai suoi dipinti. Negli anni 1870 si formò finalmente il modo impressionistico dell'artista, d'ora in poi si dedicò interamente al paesaggio. Da quel momento lavora quasi esclusivamente all'aria aperta. È nel suo lavoro che si stabilisce finalmente il tipo di un grande quadro - uno studio.

Uno dei primi Monet inizia a creare una serie di dipinti in cui lo stesso motivo viene ripetuto in diversi periodi dell'anno e del giorno, in condizioni di illuminazione e meteorologiche diverse (vedi Appendice n. 1, Fig. 5, 6). Non tutti sono uguali, ma le migliori tele di queste serie stupiscono per la freschezza dei colori, l'intensità del colore e l'abilità artistica nella resa degli effetti di luce.

Nel tardo periodo della creatività nella pittura di Monet si intensificarono le tendenze al decorativismo e alla piattezza. La luminosità e la purezza dei colori si trasformano nel loro opposto, appare un po' di candore. Parlando dell'abuso da parte dei tardi impressionisti di "un tono leggero che trasforma alcune opere in una tela scolorita", scriveva E. Zola: "E oggi non c'è che plein air... restano solo delle macchie: il ritratto è solo una macchia, le cifre sono solo macchie, solo macchie"...

Anche altri pittori impressionisti erano per lo più pittori di paesaggi. Il loro lavoro è rimasto spesso immeritatamente nell'ombra accanto alla figura davvero colorata e imponente di Monet, sebbene non fossero inferiori a lui nella vigilanza di vedere la natura e nell'abilità pittorica. Tra questi vanno citati per primi i nomi di Alfred Sisley (1839-1899) e Camille Pissarro (1831-1903). Le opere di Sisley, inglese di nascita, sono caratterizzate da una particolare eleganza pittorica. Brillante maestro del plein air, sapeva trasmettere l'aria trasparente di una limpida mattina d'inverno, una leggera foschia di nebbia riscaldata dal sole, nuvole che corrono nel cielo in una giornata ventosa. La sua gamma si distingue per la ricchezza di sfumature e la fedeltà dei toni. I paesaggi dell'artista sono sempre intrisi di uno stato d'animo profondo, che riflette la sua percezione fondamentalmente lirica della natura (vedi Appendice n. 1, fig. 7, 8, 9).

Più difficile fu il percorso creativo di Pissarro, l'unico artista che partecipò a tutte e otto le mostre degli impressionisti - J. Rewald lo definì il "patriarca" di questo movimento. Partendo da paesaggi vicini nella pittura al popolo di Barbizon, sotto l'influenza di Manet e dei suoi giovani amici, iniziò a lavorare all'aria aperta, evidenziando costantemente la tavolozza. A poco a poco sviluppa il suo metodo impressionistico. Fu uno dei primi ad abbandonare l'uso della vernice nera. Pissarro è sempre stato incline ad un approccio analitico alla pittura, da qui le sue sperimentazioni sulla scomposizione del colore - "divisionismo" e "pointellismo". Tuttavia, presto tornò al modo impressionistico in cui furono create le sue migliori opere: la meravigliosa serie di paesaggi urbani a Parigi (vedi Appendice n. 1, fig. 10,11,12,13). La loro composizione è sempre pensata ed equilibrata, la pittura è raffinata nel colore e virtuosistica nella tecnica.

In Russia, il paesaggio urbano nell'impressionismo è stato illuminato da Konstantin Korovin. "Parigi è stata uno shock per me... gli impressionisti... in loro ho visto per cosa sono stato rimproverato a Mosca". Korovin (1861-1939), insieme al suo amico Valentin Serov, furono figure centrali dell'impressionismo russo. Sotto la grande influenza del movimento francese, creò il proprio stile, che mescolava gli elementi principali dell'impressionismo francese con i ricchi colori dell'arte russa di quel periodo (vedi Appendice n. 1, fig. 15).

"Un mondo nuovo è nato quando lo hanno scritto gli impressionisti"

Henri Kahnweiler

XIX secolo. Francia. Nella pittura è successa una cosa senza precedenti. Un gruppo di giovani artisti ha deciso di scuotere 500 anni di tradizione. Invece di un disegno chiaro, hanno usato una pennellata ampia e "sciatta".

E hanno completamente abbandonato le solite immagini, raffiguranti tutti di fila. E dame di facili costumi e gentiluomini di dubbia reputazione.

Il pubblico non era pronto per la pittura impressionista. Sono stati ridicolizzati e sgridati. E, soprattutto, non è stato comprato nulla da loro.

Ma la resistenza è stata spezzata. E alcuni degli impressionisti vissero per vedere il loro trionfo. È vero, avevano già più di 40 anni. Come Claude Monet o Auguste Renoir. Altri hanno ricevuto riconoscimenti solo alla fine della loro vita, come Camille Pissarro. Qualcuno non era all'altezza di lui, come Alfred Sisley.

Quale rivoluzionario ha realizzato ciascuno di loro? Perché il pubblico non li ha accettati per così tanto tempo? Ecco 7 dei più celebri impressionisti francesi che il mondo conosca.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet. Autoritratto con una tavolozza. 1878 Collezione privata

Manet era più vecchio della maggior parte degli impressionisti. Era la loro principale ispirazione.

Lo stesso Manet non pretendeva di essere il capo dei rivoluzionari. Era un socialite. Ho sognato premi ufficiali.

Ma ha atteso a lungo il riconoscimento. Il pubblico voleva vedere dee greche o nel peggiore dei casi nature morte, per apparire belli nella sala da pranzo. Manet voleva scrivere la vita moderna. Ad esempio, cortigiane.

Il risultato fu Colazione sull'erba. Due damerini riposano in compagnia di dame di facili costumi. Uno di loro, come se nulla fosse, si siede accanto agli uomini vestiti.

Edouard Manet. Colazione sull'erba. 1863, Parigi

Confronta la sua Colazione sull'erba con Romans in Decline di Tom Couture. La pittura di Couture ha fatto colpo. L'artista divenne immediatamente famoso.

"Colazione sull'erba" è stato accusato di volgarità. Alle donne incinte era assolutamente sconsigliato di guardarla.

Thomas Couture. Declino romani. 1847 Museo d'Orsay, Parigi. artchive.ru

Nel dipinto di Couture vediamo tutti gli attributi dell'accademismo (pittura tradizionale dei secoli XVI-XIX). Colonne e statue. Apparizione del popolo di Apollo. Colori tenui tradizionali. Il manierismo delle posture e dei gesti. Una trama dalla vita lontana di un popolo completamente diverso.

La “Colazione sull'erba” di Manet è di un formato diverso. Prima di lui, nessuno aveva ritratto le cortigiane così facilmente. Accanto a cittadini rispettabili. Anche se molti uomini di quel tempo trascorrevano il loro tempo libero. Era la vita reale delle persone vere.

Una volta ha interpretato una donna rispettabile. Brutta. Non poteva adularla con un pennello. La signora è rimasta delusa. Lo ha lasciato in lacrime.

Edouard Manet. Angelina. 1860 Museo d'Orsay, Parigi. Wikimedia.commons.org

Così ha continuato a sperimentare. Ad esempio, con il colore. Non ha cercato di ritrarre il cosiddetto colore naturale. Se vedeva l'acqua grigio-marrone come un blu brillante, allora la ritraeva come un blu brillante.

Questo, ovviamente, ha infastidito il pubblico. "Dopotutto, anche il Mar Mediterraneo non può vantare un azzurro come l'acqua di Manet", hanno scattato.

Edouard Manet. Argenteuil. 1874 Museo di Belle Arti, Tournai, Belgio. Wikipedia.org

Ma il fatto rimane. Manet ha cambiato radicalmente lo scopo della pittura. Il dipinto è diventato l'incarnazione dell'individualità dell'artista, che scrive a suo piacimento. Dimenticare schemi e tradizioni.

L'innovazione non gli è stata perdonata per molto tempo. Il riconoscimento ha aspettato solo alla fine della sua vita. Ma non ne aveva più bisogno. Stava scomparendo dolorosamente da una malattia incurabile.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoritratto con berretto. 1886 Collezione privata

Claude Monet può essere definito un impressionista da manuale. Poiché è stato fedele a questa direzione per tutta la sua lunga vita.

Non dipingeva oggetti e persone, ma una struttura monocolore di riflessi e macchie. Tratti separati. Aria tremante.

Claude Monet. Piscina per bambini. 1869 Metropolitan Museum of Art, New York. Metmuseum.org

Monet ha scritto non solo sulla natura. Riuscì anche nei paesaggi urbani. Uno dei più famosi - .

Questa immagine ha un sacco di fotografia. Ad esempio, il movimento viene trasmesso utilizzando un'immagine sfocata.

Nota: gli alberi e le figure distanti sembrano essere nella nebbia.

Claude Monet. Boulevard des Capucines a Parigi. 1873 (Galleria d'arte d'Europa e d'America del XIX e XX secolo), Mosca

Davanti a noi c'è un momento congelato della vita ribollente di Parigi. Nessuna messa in scena. Nessuno è in posa. Le persone sono rappresentate come un insieme di tratti. Questa assenza di trama e l'effetto fermo immagine è la caratteristica principale dell'impressionismo.

Verso la metà degli anni '80, gli artisti furono delusi dall'impressionismo. L'estetica è, ovviamente, buona. Ma l'assenza di trama ha depresso molti.

Solo Monet continuò a persistere, esagerando l'impressionismo. Questo si è sviluppato in una serie di dipinti.

Ha dipinto lo stesso paesaggio decine di volte. In diversi momenti della giornata. In diversi periodi dell'anno. Per mostrare come la temperatura e la luce possono cambiare lo stesso aspetto oltre il riconoscimento.

È così che sono comparsi innumerevoli mucchi di fieno.

Dipinti di Claude Monet al Museum of Fine Arts di Boston. A sinistra: Haystack al tramonto a Giverny, 1891 A destra: Haystack (effetto neve), 1891

Si prega di notare che le ombre in questi dipinti sono colorate. E non grigio o nero, come era consuetudine prima degli impressionisti. Questa è un'altra loro invenzione.

Monet è riuscito a godere del successo e del benessere materiale. Dopo i 40 anni ha già dimenticato la povertà. Ho una casa e un bel giardino. E ha lavorato per il suo piacere per molti altri anni.

Leggi il dipinto più iconico del maestro nell'articolo

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre Auguste Renoir. Auto ritratto. 1875 Sterling e Francine Clark Art Institute, Massachusetts, USA. Pinterest.ru

L'impressionismo è la pittura più positiva. E il più positivo tra gli impressionisti è stato Renoir.

Non troverai drammi nei suoi dipinti. Non ha nemmeno usato la vernice nera. Solo la gioia di essere. Anche il luogo più comune di Renoir è bellissimo.

A differenza di Monet, Renoir dipinge le persone più spesso. I paesaggi erano meno importanti per lui. Nei dipinti, i suoi amici e conoscenti si riposano e si godono la vita.

Pierre Auguste Renoir. Colazione dei vogatori. 1880-1881 La Collezione Phillips, Washington, USA. Wikimedia.commons.org

Non troverete in Renoir e profondità. Era molto felice di unirsi agli impressionisti, che i sondaggi rifiutavano di complotti.

Come lui stesso ha detto, ha finalmente l'opportunità di dipingere fiori e chiamarli semplicemente “Fiori”. E non inventare storie su di loro.

Pierre Auguste Renoir. Donna con ombrellone in giardino. 1875 Museo Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com

Soprattutto, Renoir si sentiva in compagnia delle donne. Ha chiesto alle sue cameriere di cantare e scherzare. Più la canzone era stupida e ingenua, meglio era per lui. E le chiacchiere maschili lo stancavano. Non sorprende che Renoir sia noto per i suoi dipinti di nudo.

Il modello nel dipinto "Nude in the Sunlight" sembra apparire su uno sfondo astratto colorato. Perché per Renoir non c'è niente di secondario. L'area dell'occhio o dello sfondo del modello è equivalente.

Pierre Auguste Renoir. Nudo alla luce del sole. 1876 ​​Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.commons.org

Renoir ha vissuto una lunga vita. E non ho mai posato pennello e tavolozza. Anche quando le sue mani erano completamente incatenate dai reumatismi, si legava il pennello alla mano con una corda. E disegnato.

Come Monet, ha ricevuto il riconoscimento dopo 40 anni. E ho visto i miei quadri al Louvre, accanto alle opere di famosi maestri.

Leggi uno dei ritratti più affascinanti di Renoir nell'articolo

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Auto ritratto. 1863 Museo Calouste Gulbenkian, Lisbona, Portogallo. Cultured.com

Degas non era un impressionista classico. Non gli piaceva lavorare all'aria aperta. Non troverai una tavolozza deliberatamente alleggerita con lui.

Al contrario, amava una linea chiara. Ha un sacco di colore nero. E ha lavorato esclusivamente in studio.

Eppure è sempre classificato al fianco di altri grandi impressionisti. Perché era un impressionista del gesto.

Angoli inaspettati. Asimmetria nella disposizione degli oggetti. Personaggi colti di sorpresa. Questi sono gli attributi principali dei suoi dipinti.

Ha fermato momenti di vita, non permettendo ai personaggi di tornare in sé. Basta guardare la sua Opera Orchestra.

Edgar Degas. Orchestra dell'Opera. 1870 Museo d'Orsay, Parigi. commons.wikimedia.org

In primo piano è lo schienale di una sedia. Il musicista ci dà le spalle. E sullo sfondo le ballerine sul palco non si adattavano alla "cornice". Le loro teste vengono "tagliate" senza pietà dal bordo dell'immagine.

I suoi ballerini preferiti non sono sempre raffigurati in bellissime pose. A volte si allungano.

Ma una tale improvvisazione è immaginaria. Naturalmente, Degas ha riflettuto attentamente sulla composizione. Questo è solo un effetto fermo immagine, non un vero fermo immagine.

Edgar Degas. Due ballerini. 1879 Museo Shelbourne, Vermouth, USA

Edgar Degas amava dipingere le donne. Ma la malattia o le caratteristiche del corpo non gli permettevano di avere un contatto fisico con loro. Non è mai stato sposato. Nessuno l'ha mai visto con una signora.

L'assenza di trame reali nella sua vita personale ha aggiunto un erotismo sottile e intenso alle sue immagini.

Edgar Degas. Stella del balletto. 1876-1878 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.comons.org

Si prega di notare che solo la ballerina stessa è disegnata nel dipinto "La stella del balletto". I suoi colleghi dietro le quinte sono appena distinguibili. Forse qualche gamba.

Ciò non significa che Degas non abbia completato il quadro. Questa è la tecnica. Per mantenere a fuoco solo le cose più importanti. Il resto dovrebbe essere fatto scomparire, illeggibile.

Leggi altri dipinti del maestro nell'articolo

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edouard Manet. Ritratto di Berthe Morisot. 1873 Museo Marmottan-Monet, Parigi.

Berthe Morisot si colloca raramente nella prima fila dei grandi impressionisti. Sono sicuro che non è meritato. Proprio qui troverai tutte le principali caratteristiche e tecniche dell'impressionismo. E se ti piace questo stile, adorerai il suo lavoro con tutto il tuo cuore.

Morisot ha lavorato in modo rapido e impulsivo, trasferendo le sue impressioni sulla tela. Le figure sembrano sul punto di dissolversi nello spazio.

Berthe Morisot. Estate. 1880 Museo Fabre, Montpellier, Francia.

Come Degas, spesso tralasciava alcuni dettagli. E anche parti del corpo del modello. Non riusciamo a distinguere le mani della ragazza nel dipinto "Estate".

Il percorso di Morisot verso l'espressione di sé è stato difficile. Non solo era impegnata nella pittura "sciatta". Era ancora una donna. A quei tempi, una signora avrebbe dovuto sognare il matrimonio. Dopo di che, ogni hobby è stato dimenticato.

Pertanto, Bertha ha rifiutato a lungo il matrimonio. Finché non ho trovato un uomo rispettoso della sua occupazione. Eugene Manet era il fratello dell'artista Édouard Manet. Portava diligentemente un cavalletto e dei colori per sua moglie.

Berthe Morisot. Eugene Manet con sua figlia a Bougival. 1881 Museo Marmottan-Monet, Parigi.

Ma era ancora nel 19 ° secolo. No, Morisot non portava i pantaloni. Ma non poteva permettersi una completa libertà di movimento.

Non poteva andare al parco a lavorare da sola, senza qualcuno vicino a lei. Non potevo sedermi da solo in un caffè. Pertanto, i suoi dipinti sono persone della cerchia familiare. Marito, figlia, parenti, bambinaie.

Berthe Morisot. Una donna con un bambino in un giardino a Bougival. 1881 Museo Nazionale del Galles, Cardiff.

Morisot non ha aspettato il riconoscimento. Morì all'età di 54 anni di polmonite, senza vendere quasi nessuna delle sue opere durante la sua vita. Sul suo certificato di morte, c'era un trattino nella linea di business. Era impensabile per una donna essere chiamata artista. Anche se lo fosse davvero.

Leggi i dipinti del maestro nell'articolo

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Auto ritratto. 1873 Museo d'Orsay, Parigi. Wikipedia.org

Camille Pissarro. Senza conflitti, giudizioso. Molti lo percepivano come un insegnante. Anche i colleghi più capricciosi non parlavano male di Pissarro.

Era un fedele seguace dell'impressionismo. In disperato bisogno, con una moglie e cinque figli, lavorava ancora duramente nel suo stile preferito. E non è mai passato alla pittura da salone per diventare più popolare. Non si sa dove abbia avuto la forza di credere in se stesso fino alla fine.

Per non morire affatto di fame, Pissarro dipinse dei ventagli, che comprò volentieri. E il vero riconoscimento gli è arrivato dopo 60 anni! Poi riuscì finalmente a dimenticare la necessità.

Camille Pissarro. Diligenza a Louveciennes. 1869 Museo d'Orsay, Parigi

L'aria nei quadri di Pissarro è densa e densa. Una straordinaria fusione di colore e volume.

L'artista non ha avuto paura di dipingere i fenomeni naturali più mutevoli che appaiono per un attimo e scompaiono. Prima neve, sole gelido, lunghe ombre.

Camille Pissarro. Gelo. 1873 Museo d'Orsay, Parigi

Le sue opere più famose sono vedute di Parigi. Con ampi viali, una vivace folla eterogenea. Di notte, di giorno, con condizioni atmosferiche diverse. In qualche modo, hanno qualcosa in comune con una serie di dipinti di Claude Monet.

In questo articolo vedrai San Pietroburgo paesaggio urbano presentato nella galleria d'arte "Art-Breeze". Qui sono raccolte opere di vari autori, che vengono eseguite in diversi stili e tecniche. Tutte queste opere hanno una cosa in comune: raffigurano San, nel modo in cui l'artista lo vedeva.

Paesaggio urbano, come genere di pittura, si è formato abbastanza tardi, nel XVIII secolo. Fu allora che le città iniziarono ad acquisire il loro carattere moderno e il numero dei residenti urbani iniziò ad aumentare rapidamente. Prima di allora, solo pochi artisti medievali raffiguravano le città sulle loro tele. Queste immagini erano molto primitive, mancavano di accuratezza topografica e servivano a indicare la scena degli eventi a cui era dedicata la trama. antenati paesaggio urbano in pittura si possono chiamare i pittori olandesi del XVII secolo Vermeer Delft, J. Goyen e J. Reisdael. È nelle loro opere che si ritrova il paesaggio cittadino così come siamo abituati a vederlo nei quadri moderni.

Gli artisti contemporanei che espongono i propri paesaggi urbani alla galleria d'arte Ar-Breeze di San Pietroburgo ritraggono San Pietroburgo come una città di mare in gran parte nebbiosa con una vita frenetica e una splendida architettura. La maggior parte dei dipinti sono creati nello stile dell'impressionismo e dei classici. La saturazione dei colori e la possibilità di riempire di luce la tela, fornita dalla tecnica pittorica impressionista, ti consente di riflettere pienamente lo spirito di questa città sulla Neva!

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L'autunno è pieno di romanticismo e di un'anima speciale. La natura risplende di oro e cremisi, le persone diventano più sentimentali e gli artisti prendono i loro pennelli con ispirazione. E nelle loro creazioni, così diverse nell'esecuzione, si riflette tutto il più bello: foreste colorate, piogge che cullano megalopoli, foglie cadute nei laghi ...

Squadra posto anche intriso di un'atmosfera lirica e ti invita a goderti i dipinti di artisti che sono affascinati dall'autunno.

Le melodie urbane di Guy Dessat

Il talentuoso artista francese ha viaggiato in diverse parti del mondo. Nei suoi dipinti puoi vedere sia il Giappone che l'America. Ma le più memorabili sono le opere di Guy Dessat, dedicate alla città più romantica della terra: Parigi.

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I meravigliosi acquerelli dell'artista giapponese Abe Toshiyuki creano un'atmosfera filosofica. I più piccoli dettagli sono importanti: lo spruzzo del fiume, il fruscio delle foglie, la tenerezza dei petali di sakura ... Secondo il pittore, "l'arte è uno specchio dell'anima di chi guarda", quindi tu stesso puoi impostare il tuo umore per qualsiasi immagine.

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Peter Mörk Mönsted, un rinomato pittore realista danese, nei suoi dipinti rappresentava molto spesso dintorni rurali, foreste e fiumi. Con tutta la semplicità della trama, i paesaggi del talentuoso pittore non possono essere dimenticati. Sono eseguiti con maestria e ci invitano a godere della contemplazione del mondo naturale.

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Il mistero di John Atkinson Grimshaw

Si diceva di questo straordinario artista che "dipinge con il chiaro di luna, la nebbia e il crepuscolo". I suoi meravigliosi dipinti sembrano essere pieni di una sorta di significato mistico. Oggi, il lavoro di John Atkinson può essere visto solo nei cataloghi, poiché tutti gli originali sono in collezioni private. Ma una volta i genitori del giovane John erano categoricamente contrari alla sua passione per la pittura.