Quali sono le immagini delle canzoni. Il concetto di immagine musicale

Immagine musicale

Il contenuto musicale si manifesta nelle immagini musicali, nel loro emergere, svilupparsi e interagire.Non importa quanto sia unificato l'umore di un brano musicale, tutti i tipi di cambiamenti, cambiamenti, contrasti sono sempre indovinati in esso. L'emergere di una nuova melodia, un cambiamento nel modello ritmico o strutturato, un cambiamento in una sezione significa quasi sempre l'emergere di una nuova immagine, a volte simile nel contenuto, a volte esattamente l'opposto.Proprio come nello sviluppo degli eventi della vita, dei fenomeni naturali o dei movimenti dell'anima umana, raramente c'è solo una linea, uno stato d'animo, così nello sviluppo della musica si basa sulla ricchezza figurativa, sull'intreccio di vari motivi, stati ed esperienze.Ciascuno di questi motivi, ciascuno stato, introduce una nuova immagine o integra e generalizza quella principale.

In generale, nella musica, raramente ci sono opere basate su una singola immagine. Solo un piccolo dramma o un piccolo frammento può essere considerato uniforme nel suo contenuto figurativo. Ad esempio, il Dodicesimo Studio di Scriabin presenta un'immagine molto integrale, anche se con un ascolto attento si noterà sicuramente la sua complessità interiore, l'intreccio di vari stati e mezzi di sviluppo musicale in esso. Molte altre opere di piccola scala sono costruite allo stesso modo. Di norma, la durata di un'opera teatrale è strettamente legata alla peculiarità della sua struttura figurativa: le commedie piccole sono solitamente vicine a un'unica sfera figurativa, mentre quelle grandi richiedono uno sviluppo immaginativo più lungo e complesso. E questo è naturale: tutti i principali generi nei vari tipi di arte sono solitamente associati all'incarnazione di complessi contenuti di vita; sono caratterizzati da un gran numero di eroi ed eventi, mentre quelli piccoli sono solitamente rivolti a qualche fenomeno o esperienza particolare. Questo, ovviamente, non significa che le grandi opere siano certamente contraddistinte da una maggiore profondità e significato; spesso è anche il contrario: un piccolo dramma, anche il suo motivo individuale, a volte è in grado di dire così tanto che il loro impatto sulle persone risulta essere ancora più forte e profondo.Esiste una profonda connessione tra la durata di un'opera musicale e la sua struttura figurativa, che si ritrova anche nei titoli di opere, ad esempio, "Guerra e pace", "Spartacus", "Alexander Nevsky" mentre "Cuckoo", " Butterfly", "Lonely Flowers" sono dipinti sotto forma di una miniatura.Perché a volte le opere che non hanno una struttura figurativa complessa emozionano così profondamente una persona?Forse la risposta è che, concentrandosi su un unico stato figurativo, il compositore mette in una piccola opera tutta la sua anima, tutta l'energia creativa che la sua concezione artistica ha risvegliato in essa? Non è un caso che nella musica dell'Ottocento, nell'era del romanticismo, che tanto parlava di una persona e del mondo più intimo dei suoi sentimenti, fosse la miniatura musicale a raggiungere la sua massima fioritura.Molte opere su piccola scala ma sorprendenti sono state scritte da compositori russi. Glinka, Mussorgsky, Lyadov, Rachmaninov, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich e altri eccezionali compositori russi hanno creato un'intera galleria di immagini musicali. Un enorme mondo immaginifico, reale e fantastico, celeste e sottomarino, foresta e steppa, si è trasformato in musica russa, nei meravigliosi titoli delle sue opere programmatiche. Conosci già molte immagini incarnate nelle opere dei compositori russi: "Aragonese Hota", "Gnome", "Baba Yaga", "Old Castle", "Magic Lake"

Immagini liriche

Molte opere, a noi note come preludi, mazurche, nascondono le più profonde ricchezze immaginative che ci si svelano solo nel suono musicale dal vivo.

Immagini drammatiche

Le immagini drammatiche, come quelle liriche, sono rappresentate in modo molto ampio nella musica. Da un lato, sorgono nella musica basata su opere letterarie drammatiche (come l'opera, il balletto e altri generi teatrali), ma molto più spesso il concetto di "drammatico" è associato alla musica con le peculiarità del suo carattere, l'interpretazione musicale di personaggi, immagini, ecc.

Immagini epiche

Le immagini epiche richiedono uno sviluppo lungo e senza fretta, possono essere esposte a lungo e svilupparsi lentamente, introducendo l'ascoltatore nell'atmosfera di una sorta di sapore epico

Immagine musicale

Le lezioni di musica nell'ambito del nuovo programma mirano a sviluppare la cultura musicale degli studenti. La componente più importante della cultura musicale è la percezione della musica. Non c'è musica al di fuori della percezione, perché è l'anello principale e la condizione necessaria per lo studio e la conoscenza della musica. Su di essa si basano le attività di compositore, esecuzione, ascolto, didattica e musicologia.

La musica come arte viva nasce e vive come risultato dell'unità di tutti i tipi di attività. La comunicazione tra loro avviene attraverso immagini musicali, tk. al di fuori delle immagini, la musica (come forma d'arte) non esiste. Nella mente del compositore, sotto l'influenza delle impressioni musicali e dell'immaginazione creativa, sorge un'immagine musicale, che viene poi incarnata in un brano musicale.

Ascoltare un'immagine musicale, ad es. il contenuto della vita, incarnato nei suoni musicali, determina tutti gli altri aspetti della percezione musicale.

La percezione è un'immagine soggettiva di un oggetto, fenomeno o processo che influenza direttamente l'analizzatore o il sistema di analizzatori.

A volte il termine percezione denota anche un sistema di azioni volte alla conoscenza di un oggetto che colpisce i sensi, ad es. attività di ricerca sensoriale di osservazione. In quanto immagine, la percezione è un riflesso diretto di un oggetto nella totalità delle sue proprietà, in un'integrità oggettiva. Ciò distingue la percezione dalla sensazione, che è anche un riflesso sensoriale diretto, ma solo delle proprietà individuali degli oggetti e dei fenomeni che interessano gli analizzatori.

Un'immagine è un fenomeno soggettivo che sorge come risultato dell'attività mentale-pratica, sensoriale-percettiva del soggetto, che è un riflesso olistico integrale della realtà, in cui vengono presentate contemporaneamente le categorie principali (spazio, movimento, colore, forma, trama , eccetera.). In termini di informazione, un'immagine è una forma di rappresentazione della realtà circostante insolitamente capiente.

Il pensiero figurativo è uno dei principali tipi di pensiero, distinto insieme al pensiero visivo-efficace e verbale-logico. Le immagini-rappresentazioni agiscono come un importante prodotto del pensiero figurativo e come uno dei suoi funzionamenti.

Il pensiero figurativo è sia involontario che volontario. La prima tecnica sono i sogni, i sogni. “Il -2° è ampiamente rappresentato nell'attività creativa umana.

Le funzioni del pensiero figurativo sono associate alla rappresentazione di situazioni e ai cambiamenti in esse che una persona vuole causare come risultato della sua attività, trasformando la situazione, con la concretizzazione di disposizioni generali.

Con l'aiuto del pensiero figurativo, l'intera varietà di diverse caratteristiche fattuale dell'oggetto viene ricreata più completamente. Nell'immagine è possibile registrare la visione simultanea di un oggetto da più punti di vista. Una caratteristica molto importante del pensiero figurativo è la creazione di combinazioni insolite e "incredibile" di oggetti e delle loro proprietà.

Varie tecniche sono utilizzate nel pensiero figurativo. Questi includono: un aumento o una diminuzione di un oggetto o di sue parti, agglutinazione (la creazione di nuove rappresentazioni attaccando parti o proprietà di un oggetto in un piano figurativo, ecc.), L'inclusione di immagini esistenti in una nuova sinossi, generalizzazione.

Il pensiero figurativo non è solo una fase geneticamente precoce dello sviluppo in relazione al pensiero logico-verbale, ma costituisce anche un tipo di pensiero indipendente in un adulto, ricevendo uno sviluppo speciale nella creatività tecnica e artistica.

Le differenze individuali nel pensiero immaginativo sono associate al tipo dominante di rappresentazioni e al grado di sviluppo delle tecniche per rappresentare le situazioni e le loro trasformazioni.

In psicologia, il pensiero figurativo è talvolta descritto come una funzione speciale: l'immaginazione.

L'immaginazione è un processo psicologico che consiste nel creare nuove immagini (rappresentazioni) elaborando il materiale delle percezioni e delle idee ottenute nell'esperienza precedente. L'immaginazione è inerente solo all'uomo. L'immaginazione è necessaria in ogni tipo di attività umana, specialmente nella percezione della musica e dell'"immagine musicale".

Distinguere tra immaginazione volontaria (attiva) e involontaria (passiva), nonché immaginazione ricreativa e creativa. L'immaginazione ricreativa è il processo di creazione di un'immagine di un oggetto dalla sua descrizione, disegno o disegno. La creazione indipendente di nuove immagini si chiama immaginazione creativa. Richiede la selezione dei materiali necessari per costruire un'immagine secondo il proprio design.

Una forma speciale di immaginazione è un sogno. È anche una creazione indipendente di immagini, ma un sogno è la creazione di un'immagine del desiderato e più o meno lontano, ad es. non fornisce direttamente e immediatamente un prodotto oggettivo.

Pertanto, la percezione attiva di un'immagine musicale suggerisce l'unità di due principi: oggettivo e soggettivo, ad es. ciò che è inerente all'opera d'arte stessa, e quelle interpretazioni, idee, associazioni che nascono nella mente dell'ascoltatore in connessione con essa. Ovviamente, più ampia è la cerchia di tali idee soggettive, più ricca e completa è la percezione.

In pratica, soprattutto tra i bambini che non hanno sufficiente esperienza nel comunicare con la musica, non sempre le idee soggettive sono adeguate alla musica stessa. Pertanto, è così importante insegnare agli studenti a capire cosa è contenuto oggettivamente nella musica e cosa viene introdotto da loro; ciò che in questo "proprio" è dovuto a un brano musicale, e ciò che è arbitrario, inverosimile. Se nella sbiadita conclusione strumentale di "Sunset" di E. Grieg, i ragazzi non solo ascoltano, ma vedono anche l'immagine del tramonto, allora dovrebbe essere accolta solo l'associazione visiva, tk. scaturisce dalla musica stessa. Ma se la terza canzone di Lelya dall'opera "The Snow Maiden" di N.A. Lo studente di Rimsky-Korsakov ha notato "gocce di pioggia", quindi in questo e in casi simili è importante non solo dire che questa risposta è sbagliata, inventata irragionevolmente, ma anche capire perché è sbagliata, perché irragionevole, insieme a tutta la classe , confermando i tuoi pensieri prove a disposizione dei bambini in questa fase di sviluppo della loro percezione.

La natura del fantasticare sulla musica, a quanto pare, è radicata nella contraddizione tra il desiderio naturale di una persona di ascoltare il suo contenuto vitale nella musica e l'incapacità di farlo. Pertanto, lo sviluppo della percezione di un'immagine musicale dovrebbe basarsi su una divulgazione sempre più completa del contenuto vitale della musica in unità con l'attivazione del pensiero associativo degli studenti. Più ampia, più sfaccettata sarà la connessione tra musica e vita che verrà rivelata nella lezione, più gli studenti penetreranno in profondità nell'intenzione dell'autore, più sarà probabile che abbiano legittime associazioni di vita personale. Di conseguenza, il processo di interazione tra l'intenzione dell'autore e la percezione dell'ascoltatore sarà più completo ed efficace.

Cosa significa la musica nella vita di una persona?

Dai tempi più antichi, l'inizio dei quali nemmeno le scienze umane più meticolose sono in grado di stabilire, l'uomo primitivo ha cercato per la prima volta di adattarsi puramente sensualmente, di adattarsi, di adattarsi ai ritmi e ai tasti del mondo che cambia ritmicamente, si sviluppa e suona. Questo è registrato negli oggetti, nei miti, nelle leggende e nei racconti più antichi. Lo stesso si può osservare oggi, se osservi attentamente come si comporta il bambino, come si sente letteralmente fin dalle prime ore di vita. È interessante quando all'improvviso ci accorgiamo che un bambino, da alcuni suoni, arriva ad uno stato irrequieto, anormale, agitato fino a urlare e piangere, mentre altri lo portano ad uno stato di pacificazione, calma e soddisfazione. Ora la scienza ha dimostrato che la vita musicalmente ritmata, calma, misurata, spiritualmente ricca e versatile della futura gestante ha un effetto benefico sullo sviluppo dell'embrione, sul suo futuro estetico.

Una persona che "germoglia" molto lentamente e gradualmente nel mondo dei suoni, dei colori, dei movimenti, della plastica, comprendendo l'intero mondo multiforme e infinitamente diverso per creare una forma figurativa di riflessione della sua coscienza di questo mondo attraverso l'arte.

La musica, di per sé, come fenomeno è così forte che semplicemente non può passare inosservata a una persona. Anche se nell'infanzia era per lui una porta chiusa, nell'adolescenza ancora apre questa porta e si getta nella cultura rock o pop, dove si satura avidamente di ciò di cui è stato privato: la possibilità di un sé selvaggio, barbaro, ma genuino -espressione. Ma lo shock che sta vivendo allo stesso tempo potrebbe non essere stato - nel caso di un "prospero passato musicale".

Pertanto, la musica è piena di enormi opportunità di influenzare una persona e questa influenza può essere controllata, come tutti i secoli passati. Quando una persona trattava la musica come un miracolo dato per comunicare con il mondo spirituale superiore. E poteva comunicare con questo miracolo tutto il tempo. Il culto ha accompagnato una persona per tutta la vita, l'ha nutrita spiritualmente e insieme l'ha educata ed educata. Ma il culto è fondamentalmente una parola e una musica. Un'enorme cultura di canti e danze è associata alle festività agricole del calendario. Una cerimonia di matrimonio nell'espressione artistica è un'intera scienza della vita. Le danze popolari insegnano la geometria, promuovono il pensiero spaziale, per non parlare della cultura della conoscenza, della comunicazione, del corteggiamento, ecc. L'epopea - e questa è storia - è stata presentata musicalmente.

Diamo un'occhiata alle materie della scuola della Magna Grecia: logica, musica, matematica, ginnastica, retorica. Probabilmente, questo è stato sufficiente per allevare una persona armoniosa. Ciò che resta di questo oggi, quando le parole su una personalità armoniosa sono ovunque nei nostri programmi. Solo matematica. Nessuno sa cosa siano la logica e la retorica a scuola. L'educazione fisica non è come la ginnastica. Anche cosa fare con la musica non è chiaro. Ora le lezioni di musica dopo la quinta elementare non sono più obbligatorie; a discrezione dell'amministrazione scolastica, possono essere sostituite con qualsiasi materia del piano "storia dell'arte". Molto spesso dipende dalla disponibilità dell'insegnante giusto e dove si trova la musica viene insegnata. Ma molte altre materie furono aggiunte al curriculum scolastico, ma l'armonia, la salute mentale e fisica scomparvero.

Ma ancora, cosa potrebbe dare la musica, come fenomeno, a una persona per tutta la vita - fin dalla tenera età.

Il mostro da cui è necessario salvare il bambino moderno è il mezzo di "stampaggio" della cultura di massa. Lo standard di bellezza è "Barbie", lo standard agghiacciante "horror", lo stile di vita standard ... - cosa può opporre la musica a questo? È insensato, senza speranza, semplicemente "dare" all'allievo come alternativa, campioni di alta bellezza e uno stile di vita spirituale. Senza allevare in lui una persona libera capace di resistere alla violenza culturale. Nessuna purificazione spirituale, conoscenza profonda della musica e delle sue immagini complesse e contraddittorie non accadrà se i bambini leggono semplicemente informazioni sulla musica (chi la capisce), sui compositori, "appendono alle orecchie" un insieme di opere musicali che ovviamente colpiscono fortemente le emozioni di bambini, memorizzare qualcosa dalle biografie di musicisti, i nomi di opere popolari, ecc. procurati un "computer" per risolvere domande sul "campo dei miracoli".

Pertanto, la materia "musica" in una scuola di educazione generale (se esiste) è condotta per analogia con altre materie umanitarie - per fornire maggiori informazioni, classificare i fenomeni, dare un nome a tutto ...

Quindi, come fare in modo che l'alta meravigliosa musica classica, i suoi migliori campioni, toccassero le corde più profonde dell'anima e del cuore di una persona, diventassero accessibili e comprensibili, aiutassero, essendo un riflesso della realtà circostante, a comprendere questa realtà e se stessi in relazioni di vita difficili.

Per risolvere questo problema, l'insegnante ha, infatti, solo due canali per rivolgersi all'allievo: visivo e uditivo. Basandosi sulla visione, puoi educare in modo libero e indipendente, una persona che pensa in modo chiaro e chiaro (ad esempio, quando percepisci dipinti di artisti, sculture, tavoli, ausili visivi, ecc.). L'udito ci appare come la porta principale al mondo subconscio di una persona, al mondo del suo cellulare - come la musica! - anime. È nella rinascita dei suoni, nella loro breve vita, il suo corso, il morire, la nascita. E non è forse la musica educare una persona profondamente e sottilmente, a sentire liberamente?

La musica congiunta - suonare in un'orchestra, in un ensemble, cantare in un coro, esibizioni musicali - risolve perfettamente molti problemi psicologici della comunicazione: un bambino timido può, partecipando a un tale atto musicale, sentirsi al centro della vita; e un bambino creativo mostrerà la sua immaginazione in pratica. I bambini sentono il valore di tutti in una causa comune.

L'orchestra è il modello artistico della società. I diversi strumenti dell'orchestra sono persone diverse che, con la comprensione reciproca, raggiungono la pace e l'armonia. Il percorso per comprendere le relazioni sociali passa attraverso l'immagine artistica. Strumenti diversi sono anche popoli diversi nel mondo. Queste sono anche voci diverse di fenomeni naturali, che si fondono in un'intera orchestra.

L'effetto terapeutico della musica è sorprendente, gli strumenti musicali nelle mani di una persona - questo è uno psicoterapeuta personale. Suonare gli strumenti cura i disturbi respiratori, fino all'ormai diffusissima asma, disturbi della coordinazione, disturbi dell'udito, insegna la capacità di concentrazione e relax tanto necessaria ai nostri tempi.

Quindi, nelle lezioni di musica, i bambini dovrebbero sperimentare costantemente la gioia, che, ovviamente, è oggetto dell'attenta cura dell'insegnante. Poi gradualmente arriva una sensazione di soddisfazione dall'obiettivo raggiunto, dall'interessante comunicazione con la musica, gioia dal processo stesso di lavoro. E come risultato del successo personale, si apre "l'accesso alla società": l'opportunità di essere un insegnante - insegnare la semplice musicizzazione a genitori, sorelle, fratelli, unendo così le relazioni familiari attraverso attività congiunte. La forza delle relazioni familiari in passato è dipesa in gran parte dalle attività congiunte, siano esse lavorative o ludiche; così era nelle famiglie contadine, artigiane e proprietarie.

C'è qualche altro argomento ora che, nella stessa misura della musica, potrebbe assumere su di sé la soluzione dei problemi della società moderna?

E probabilmente non a caso, perché il paradiso è sempre rappresentato musicalmente: cori angelici, tromboni e arpe. E nel linguaggio musicale si parla di struttura sociale ideale: armonia, armonia, struttura.

La situazione ideale è quando tutte le possibilità della musica saranno richieste e accettate dalla società. È importante che le persone si rendano conto che la musica è l'ideale per fare dei passi nella direzione dell'ideale.

Devi convivere con la musica, non studiarla. L'ambiente sonoro e musicale stesso comincia a educare ed educare. E la persona alla fine non sarà in grado di accettare di essere "musicale".

Capo Dal Laboratorio di musica dell'Istituto di ricerca delle scuole della regione di Mosca, Golovin ritiene che nella lezione di musica diventi di fondamentale importanza: l'insegnante realizza l'obiettivo principale dell'educazione: la scoperta della vita, la scoperta di se stessi in questo mondo. Una lezione di musica è solo la padronanza di un altro tipo di attività, o è una lezione che forma il nucleo morale della personalità, che si basa sul desiderio di bellezza, bontà, verità - per ciò che eleva una persona. Pertanto, lo studente nella lezione è una persona che cerca e acquisisce costantemente il significato della vita sulla terra.

La varietà delle attività musicali in classe non è affatto un indicatore della profondità della vita spirituale. Inoltre, l'attività musicale può rivelarsi del tutto estranea all'attività spirituale, nel senso che l'arte può agire per i bambini come un oggetto, solo come una sorta di risultato creativo che si espande all'esterno senza ritornare a se stessa. Pertanto, è assolutamente necessario che l'attività musicale non diventi fine a se stessa, ma che il contenuto dell'arte diventi il ​​"contenuto" di un bambino, il lavoro spirituale dovrebbe diventare un'attività schietta dei suoi pensieri e sentimenti. Solo in questo caso l'insegnante e il bambino potranno trovare un senso personale nelle loro lezioni d'arte, che diventeranno davvero un "terreno" fertile per coltivare il mondo spirituale, per trovare le migliori vie di espressione morale. Ne consegue che la musica non è l'educazione di un musicista, ma di una persona. La musica è la fonte e il soggetto della comunicazione spirituale. È necessario sforzarsi di ampliare e approfondire la percezione musicale olistica degli studenti, come padronanza spirituale delle opere d'arte, come comunicazione con i valori spirituali; formare interesse per la vita attraverso la passione per la musica. La musica non dovrebbe essere una lezione d'arte, ma una lezione d'Arte, una lezione di studi umani.

Il pensiero artistico-figurativo in classe deve essere sviluppato in modo che il bambino possa guardare a modo suo i fenomeni e i processi del mondo circostante nel suo insieme e attraverso questo sentire più profondamente il suo mondo spirituale. L'arte è, prima di tutto, una tale organizzazione di mezzi di espressione che agisce direttamente sui sentimenti e li modifica. Il materiale artistico nella lezione fornisce una vera via d'uscita dai limiti della musica nelle belle arti, nella letteratura, nella vita e oltre, attraverso riflessioni sul mondo e il ritorno del bambino a se stesso, al suo senso interiore di valori, relazioni, ecc.

L'arte della musica, nonostante tutta la sua specificità unica, non può essere fruttuosamente padroneggiata senza il supporto di altri tipi di arte, poiché solo nella loro unità organica si può conoscere l'integrità e l'unità del mondo, l'universalità delle leggi del suo sviluppo in tutta la ricchezza delle sensazioni sensoriali, la varietà dei suoni, dei colori, dei movimenti.

Integrità, immaginario, associatività, intonazione, improvvisazione: queste sono le basi su cui può essere costruito il processo di introduzione alla musica degli scolari.

L'organizzazione dell'educazione musicale sulla base dei principi di cui sopra ha un effetto benefico sullo sviluppo delle capacità di base di una persona in crescita - lo sviluppo del pensiero artistico e figurativo. Questo è particolarmente importante per uno studente più giovane che ha una grande predisposizione a conoscere il mondo attraverso le immagini.

Quali sono le tecniche per lo sviluppo del pensiero artistico-figurativo?

Innanzitutto, il sistema di domande e compiti che aiutano i bambini a rivelare il contenuto figurativo dell'arte musicale dovrebbe essere essenzialmente un dialogo e offrire ai bambini opzioni per letture creative di composizioni musicali. La domanda nella lezione di musica esiste non solo e non tanto nella forma verticale (verbale), ma nel gesto, nella propria esibizione, nella reazione dell'insegnante e dei bambini alla qualità dell'attività esecutiva, creativa. La domanda può essere espressa sia attraverso il confronto di opere musicali tra loro, sia attraverso il confronto di opere musicali con opere di altri tipi d'arte. La direzione della domanda è importante: è necessario che concentri l'attenzione del bambino non sull'isolamento dei singoli mezzi di espressione (ad alta voce, a bassa voce, lentamente, rapidamente - sembra che ogni bambino normale lo senta nella musica), ma lo trasformerebbe al suo mondo interiore, inoltre, ai suoi sentimenti, pensieri, reazioni, impressioni consci e inconsci che vengono nella sua anima sotto l'influenza della musica.

A tal proposito sono possibili domande di questo tipo:

Ricordi le tue impressioni su questa musica nell'ultima lezione?

Cosa c'è di più importante in una canzone, musica o testo?

E in una persona cosa c'è di più importante della mente o del cuore?

Come ti sei sentito quando questa musica è suonata?

Dove potrebbe suonare nella vita, con chi vorresti ascoltarlo?

Cosa ha provato il compositore quando ha scritto questa musica? Quali sentimenti voleva trasmettere?

Hai sentito questo tipo di musica nella tua anima? Quando?

Quali eventi della tua vita potresti associare a questa musica?

È importante non solo fare ai bambini una domanda, ma anche ascoltare la risposta, spesso originale, non stereotipata, perché non c'è niente di più ricco delle affermazioni di un bambino.

E anche se a volte ci saranno contraddizioni e sottovalutazioni, ma d'altra parte ci sarà individualità, colorazione personale - questo è ciò che l'insegnante dovrebbe ascoltare e apprezzare.

La prossima tecnica pedagogica è associata all'organizzazione dell'attività musicale dei bambini nella lezione, come processo polifonico. La sua essenza è creare le condizioni affinché ogni bambino possa leggere la stessa immagine musicale allo stesso tempo, in base alla sua visione individuale, all'udito, alla sensazione della musica che suona. In un bambino evoca una risposta motoria ed esprime il suo stato nella plasticità della mano, del corpo, in una sorta di movimento di danza; l'altro esprime la sua comprensione delle immagini della musica nel disegno, nel colore, nella linea; il terzo canta, suona uno strumento musicale, improvvisa; e qualcun altro "non fa nulla", ma semplicemente ascolta pensieroso, attento (e in effetti, questa potrebbe essere l'attività creativa più seria). Tutta la saggezza della strategia pedagogica in questo caso consiste non nel valutare chi è meglio o peggio, ma nella capacità di preservare questa diversità di manifestazioni creative, di incoraggiare questa diversità. Vediamo il risultato non nel fatto che tutti i bambini sentono, ascoltano ed eseguono la musica allo stesso modo, ma che la percezione della musica da parte dei bambini nella lezione assume la forma di una "partitura" artistica in cui il bambino ha la sua voce, individuale, unica, porta in sé la propria voce, unica originale.

Costruiamo la nostra conoscenza dell'arte della musica modellando il processo creativo. I bambini vengono messi, per così dire, nella posizione dell'autore (poeta, compositore), cercando di creare opere d'arte per se stessi e per gli altri. Le molte varianti di una tale organizzazione della comprensione della musica sono comprensibili. Il più ottimale è il dialogo musicale-semantico, quando, passando di significato in significato, tracciando lo sviluppo della figuratività di un'opera, i bambini, per così dire, "trovano" essi stessi le intonazioni necessarie che possono esprimere più vividamente un pensiero musicale. Con questo approccio, un brano musicale non viene dato al bambino in una forma finita, quando resta solo da ricordare, ascoltare e ripetere. Per lo sviluppo artistico e immaginativo di un bambino, è molto più prezioso arrivare a un'opera come risultato della propria creatività. Allora tutto il contenuto figurativo della musica, l'intera organizzazione e sequenza del tessuto musicale viene "vissuto", scelto dai bambini stessi.

È necessario sottolineare un altro punto: quelle intonazioni che i bambini trovano nel processo della loro creatività non devono necessariamente essere "aggiustate" il più vicino possibile all'originale dell'autore. È importante entrare nel mood, nella sfera emozionale-figurativa dell'opera. Quindi, sullo sfondo di ciò che i bambini hanno vissuto, creato da loro stessi, l'originale dell'autore diventa una delle possibilità per l'incarnazione di questo o quel contenuto di vita, espresso in questo immaginario musicale. Così, gli scolari si stanno avvicinando alla comprensione della posizione filosofica ed estetica circa la possibilità dell'arte di fornire una comunicazione spirituale proprio con quella capacità unica quando, in presenza di un contenuto di vita comune, si esprime in una pluralità di interpretazioni, esecuzione e ascolto letture.

Qualsiasi insegnante sa quanto sia importante e, allo stesso tempo, quanto sia difficile preparare i bambini alla percezione della musica. La pratica mostra che i migliori risultati si ottengono quando la fase preparatoria per la percezione della musica soddisfa i requisiti più importanti della percezione stessa, quando è altrettanto vivace, figurativamente, creativamente.

Le lezioni di musica, insegnate dalla onorata insegnante di scuola Margarita Fedorovna Golovina, sono lezioni di vita. Le sue lezioni si contraddistinguono per il desiderio, con tutti i mezzi, di “arrivare a tutti; farti pensare alle complessità della vita, guardati dentro. La musica è un'arte speciale: trovare in qualsiasi tema del programma il nucleo morale che è incorporato in esso e farlo a un livello accessibile agli scolari, senza complicare il problema, ma, soprattutto, senza semplificarlo. Golovina M.F. si sforza di garantire che tutte le conoscenze, abilità e abilità necessarie siano focalizzate sui problemi morali ed estetici reali in conformità con l'età e l'esperienza musicale dei bambini, in modo che le riflessioni sulla musica siano davvero riflessioni (come in LA Barenboim: ". ..nella lingua greca antica, la parola pensare significa: portare sempre nel cuore…”).

Nelle lezioni di Golovina, sei convinto dell'importanza dell'idea principale del nuovo programma: qualsiasi forma di insegnamento della musica ai bambini dovrebbe mirare a sviluppare la percezione di un'immagine musicale e, attraverso di essa, la percezione di diversi aspetti della vita. Allo stesso tempo, è importante che i bambini prendano il prima possibile il sentimento e la consapevolezza delle specificità dell'arte musicale, come arte di natura espressiva. Golovina non usa quasi mai la domanda: "Cosa rappresenta questa musica?" Crede che la domanda fastidiosa: "Cosa rappresenta la musica?" - suggerisce che la musica deve necessariamente rappresentare qualcosa, abituarli a pensare a una "trama" specifica, fantasticando con l'accompagnamento della musica.

Da queste posizioni, Golovina presta grande attenzione alla parola sulla musica, dovrebbe essere brillante, fantasiosa, ma estremamente fine e sottile, in modo che senza imporre al bambino la sua interpretazione dell'opera, possa dirigere abilmente la sua percezione, la sua immaginazione, la sua immaginazione creativa alla musica, e non da essa: "Confesso", dice T. Venderova, "più di una volta durante le lezioni di Golovina, ho avuto un'idea - vale la pena dedicare così tanto tempo a scoprire cosa hanno sentito gli studenti nella musica. Non è più facile per te stesso, dopo aver raccontato il programma dell'opera, indirizzare i bambini al pensiero musicale lungo un canale rigorosamente definito?" Sì, - ha risposto Golovina, - non c'è dubbio che mi semplificherei la vita circondando la percezione della musica con tutte le ricche informazioni relative al contenuto e alla storia della creazione musicale. E, penso, lo avrebbe fatto in modo brillante, accattivante, in modo che i ragazzi sarebbero stati ascoltati. Tutto questo, ovviamente, sarà necessario, ma non ora. Perché ora ho un altro compito davanti a me: vedere quanto sono capaci i ragazzi stessi, senza alcuna spiegazione nella musica stessa, di ascoltare il contenuto principale. Ho bisogno che arrivino a questo da soli. Abbiamo sentito nella musica stessa e non abbiamo infilato nella trama ciò che sapevamo dalla storia, visto in televisione, letto nei libri. ”

Inoltre, fin dai primi passi, devi insegnare un canto significativo ed emotivo. Osservando quei momenti delle lezioni in cui si stava imparando una canzone o si lavorava su di essa, - scrive T. Venderova, - si ricordano involontariamente lezioni più tipiche, quando l'idea dell'espressività della musica, della connessione tra musica e vita con l'inizio di uno specifico lavoro vocale-corale evapora in qualche modo impercettibilmente, sembra diventare inutile, superfluo. " Golovina possiede la qualità di un vero musicista, hanno raggiunto l'unità organica, artistica e tecnica, nell'esecuzione della musica. Inoltre, i metodi e le tecniche variano a seconda del lavoro, dell'età dei bambini e di un argomento specifico. "Mi sono allontanato dalle designazioni sillabiche del ritmo molto tempo fa", dice Golovina. progettato per l'esecuzione di schemi ritmici, in cui non è inclusa alcuna immagine musicale, o la più elementare, perché l'intera relatività iniziale è costruita sull'elementare. "

Golovina si impegna affinché i bambini "attraversino se stessi" qualsiasi canzone. Abbiamo bisogno di cercare canzoni che ci svelino problemi moderni, abbiamo bisogno di insegnare a bambini e adolescenti a pensare e riflettere nel canto.

"Cerco", dice Margarita Fyodorovna, "di rivelare ai ragazzi com'è la vita stessa, in continua evoluzione, capace di trasformazione, al mistero. Se questa è una vera opera d'arte, è impossibile conoscerla fino in fondo". Golovina sta cercando di fare tutto ciò che è in suo potere: una persona, un'insegnante di musica, per costringere i bambini a unire gli alti ideali, i gravi problemi della vita, i capolavori dell'arte. Gli studenti di Margarita Fedorovna vedono come cerca un profondo significato spirituale in un'opera d'arte di qualsiasi genere. M.F. La stessa Golovina assorbe vividamente tutto ciò che accade intorno e non consente ai bambini di essere isolati nell'ambito della lezione. Li porta a paragoni, paralleli, confronti, senza i quali non può esserci comprensione del mondo circostante e di se stessi in esso. Risveglia il pensiero, agita l'anima. Lei stessa sembra personificare le incredibili lezioni di musica e di vita che dà ai bambini.

L. Vinogradov crede che "un insegnante di musica dovrebbe essere uno specialista unico per rivelare la musica nella sua interezza a un bambino". Cosa deve essere fatto affinché un bambino possa davvero formare un'idea olistica della musica?

La musica ha leggi generali: movimento, ritmo, melodia, armonia, forma, orchestrazione e molte altre legate alla comprensione generale di cosa sia la musica. Padroneggiando queste leggi, il bambino passa dal generale al particolare, alle opere specifiche e ai loro autori. E il musicista lo conduce lungo il percorso della pietra miliare. Quindi, è necessario costruire il processo educativo non dallo specifico al generale, ma viceversa. E non per parlare di musica, ma per fare, per costruirla, non per imparare, ma per crearne di proprie su un elemento separato. Qui è opportuno adempiere al testamento dei grandi musicisti: prima il bambino deve essere fatto musicista e solo allora lo strumento deve essere premuto. Ma ogni bambino può diventare un musicista? Sì, può e dovrebbe. V. Hugo ha parlato di tre "lingue" della cultura: la lingua delle lettere, dei numeri e delle note. Adesso tutti sono convinti che tutti sappiano leggere e contare. È giunto il momento, - afferma Lev Vyacheslavovich Vinogradov, - di fare in modo che tutti possano diventare musicisti. Perché la musica, come oggetto estetico, è stata formata non per l'élite, ma per tutti, tuttavia, per diventare veramente musicale, è necessario qualcosa di speciale, che si chiama sentimento musicale.

Il famoso pianista russo A. Rubinstein ha suonato in tutti i suoi concerti con grande successo, anche quando sono state trovate macchie nel suo modo di suonare, e molto evidenti. Anche un altro pianista ha tenuto concerti, ma non con così tanto successo, sebbene abbia suonato senza errori. Il successo di A. Rubinstein non gli ha dato tregua: "Forse sta tutto negli errori del grande maestro?" - disse il pianista. E a un concerto ho deciso di giocare con gli errori. È stato fischiato. Rubinstein aveva degli errori, ma aveva anche la musica.

L'emozione positiva è molto importante quando si percepisce la musica. A Kirov, nei fumosi laboratori di giocattoli, presti attenzione al fatto che tutte le artigiane hanno facce piacevoli e luminose (sebbene le condizioni del loro lavoro siano molto a desiderare). Rispondono che, già avvicinandosi ai laboratori, si preparano per emozioni positive, perché non puoi ingannare l'argilla, la schiaccerai di cattivo umore: il giocattolo si rivelerà brutto, imperfetto, malvagio. È lo stesso con un bambino. Uno sguardo severo, una faccia insoddisfatta di un adulto non gli risolleva l'umore.

Un bambino, tormentato da genitori, tutori e altri adulti, arriva in classe di cattivo umore. Per fare questo, ha bisogno di "scaricarsi". E solo dopo essere stato dimesso, calmati e mettiti al lavoro vero. Ma i bambini hanno una via d'uscita da questa situazione. E questa uscita deve essere organizzata da un adulto. "In classe, gioco tutte queste situazioni con i bambini", scrive L. Vinogradov. Ad esempio, sputare è indecente e il bambino lo sa. Ma nella nostra lezione devo farlo come esercizio di respirazione. (Sputiamo, ovviamente, "secco"). Nella lezione, può permetterselo senza paura. Può gridare e fischiare quanto vuole, e abbaiare, e abbaiare, e ululare e molto altro ancora". E L. Vinogradov usa tutto questo intenzionalmente, a beneficio della lezione, per una comunicazione a tutti gli effetti con la musica, per la sua percezione olistica.

Anche molto importante L. Vinogradov considera l'organizzazione ritmica del corpo umano. L'organizzazione ritmica è destrezza, coordinazione, comodità. In queste condizioni è più facile imparare. L. Vinogradov offre ai bambini, ad esempio, anche compiti: rappresentare con il corpo come cadono le foglie. "Oppure", dice Vinogradov, "lavo il pavimento, osservando cosa succede allo straccio, come si piega, come viene schiacciato, come l'acqua gocciola da esso, ecc., E poi fingiamo ... uno straccio per pavimenti". Nelle classi con bambini, la pantomima è ampiamente utilizzata, ad es. ai bambini viene assegnato il compito di rappresentare una sorta di situazione di vita (prendere un filo e un ago e cucire un bottone, ecc.). Molti bambini sono molto bravi a farlo. E questo lo dimostrerà il bambino che si è rivelato avere una misera esperienza di vita, limitata nelle azioni oggettuali? Se il suo corpo si muove un po', allora il suo pensiero è pigro. La pantomima è interessante e utile per i bambini di qualsiasi età, specialmente quelli che hanno poca immaginazione. Il sistema di insegnamento di Vinogradov aiuta i bambini a penetrare più a fondo nei "nascondigli" della musica.

La preparazione alla percezione della musica può essere effettuata in diverse forme. Soffermiamoci più in dettaglio sulla preparazione della percezione di un'immagine musicale da parte dell'immagine di un'altra arte.

La tendenza della preparazione immaginativa alla percezione della musica si manifesta più chiaramente quando questa preparazione si basa sull'immagine di un'altra arte. Tali paralleli come la storia di K. Paustovsky "The Old Chef" e la seconda parte della sinfonia "Jupiter" di W. Mozart, il dipinto di V. Vasnetsov "Heroes" e "The Heroic Symphony" di A. Borodin, il foto di Perov "Troika" e la storia d'amore di Mussorgsky "The Orphan" ...

Preparare la percezione di un'immagine musicale nell'immagine di un'altra arte ha una serie di indiscutibili vantaggi: predispone i bambini a una percezione vivace e fantasiosa della musica, forma associazioni artistiche, che sono molto importanti nella percezione di qualsiasi arte, tra cui musica. La preparazione della percezione di un'immagine musicale nell'immagine di un'altra arte non dovrebbe avere il carattere di un programma per la successiva percezione della musica. Una storia letta prima di ascoltare la musica non la racconta, così come la musica che suona dopo la storia non segue la narrazione della storia. L'immagine mostrata prima di ascoltare la musica non rappresenta la musica, proprio come la musica che suona dopo aver visto un'immagine non rappresenta un'immagine. Ricorda la brillante "Trinità" di A. Rublev. Su tre lati del trono, tre sono seduti con un pasto sacrificale. Il quarto lato del trono è vuoto, è rivolto verso di noi. "... E io entrerò da colui che mi ha fatto, e cenerò con lui ed egli con me." Lo stesso dovrebbe essere la natura dell'ingresso di un bambino nella musica in una scuola di educazione generale: dall'intonazione di una parola ("In principio c'era una parola") all'intonazione della musica, al suo centro, all'immagine principale . E lì, dentro di lei, cerca di aprire la tua anima. Non uno studio professionale, musicologico, non una scomposizione di un brano musicale in termini, righe di un titolo, ma la sua percezione olistica. Comprensione della musica e realizzazione di come tu, esattamente tu, puoi risolvere gli eterni problemi dell'esistenza umana: bene e male, amore e tradimento. Perché è indirizzato a te, e in esso c'è posto per te. "E a colui che mi ha fatto io entrerò."

L'esperienza lavorativa mostra che un divario culturale piuttosto grave nei bambini delle classi 5-7 è la mancanza delle basi del pensiero storico-musicale. Gli scolari non hanno sempre un'idea sufficientemente chiara della sequenza storica della nascita di alcuni capolavori musicali, spesso non c'è senso di storicismo nella compilazione di fenomeni correlati in musica, letteratura, pittura, sebbene il curriculum moderno consenta all'insegnante di portare avanti connessioni interdisciplinari più profondamente che in altre discipline umanitarie, per mostrare il rapporto interiore della musica e delle altre arti.

A questo proposito, vorrei ricordare che la musica come forma d'arte si è evoluta storicamente in una serie di altri tipi di attività artistica, tra cui la danza, il teatro, la letteratura, oggi - cinema, ecc. Tutti i rapporti con altri tipi di arte sono genetico, e il ruolo nella cultura - sintetizzando, come evidenziato da numerosi generi musicali, prima di tutto - opera, romanticismo, programma sinfonico, musicale, ecc. Queste caratteristiche della musica offrono ampie opportunità per il suo studio per epoche, stili, varie scuole nazionali nel contesto dell'intera cultura artistica, la sua formazione storica.

Sembra importante che attraverso la percezione, la comprensione e l'analisi delle immagini musicali proprie, gli scolari sviluppino associazioni con altri tipi di arte, basate sullo sviluppo storico della cultura artistica. La strada per questo, - considera L. Shevchuk, insegnante di musica della scuola. № 622 gu di Mosca, - in attività extrascolastiche appositamente organizzate.

È necessario che le attività extracurriculari siano strutturate in modo tale che le immagini della cultura artistica del passato siano percepite dai bambini non “piatta-fotograficamente”, ma tridimensionalmente, nella loro logica interna. Vorrei che i bambini sentissero le peculiarità del pensiero artistico di un'epoca particolare, nel cui contesto sono state create opere d'arte musicale, poesia, pittura e teatro.

I principali metodi metodologici di tali "Viaggi" erano due. Innanzitutto è necessario “immergersi in un'epoca, nella storia, in un clima spirituale favorevole alla nascita di grandi opere d'arte. In secondo luogo, è anche necessario tornare al presente, ai nostri giorni, cioè. una nota attualizzazione del contenuto di opere di epoche passate nella cultura del moderno, universale.

Ad esempio, puoi organizzare un viaggio nell'"Antica Kiev". Il materiale artistico era costituito da poemi epici, riproduzioni di antiche chiese di Kiev, campane, registrazioni di brani di canto monofonico. Lo scenario della lezione comprendeva 3 parti: in primo luogo, una storia sulla cultura russa altomedievale, su una chiesa cristiana e la sua architettura unica, sul suono delle campane e sul canto corale, sull'importanza della piazza della città, dove i narratori gusl si esibivano epiche e giochi popolari che portano l'impronta di un culto pagano. In questa parte della lezione vengono suonati canti natalizi, che i bambini poi cantano in coro. La seconda parte è dedicata all'epica. Si dice che queste siano canzoni sull'antichità (tra la gente - antichità), apparse molto tempo fa e passate di bocca in bocca. Molti si sono sviluppati nella Rus' di Kiev. I bambini leggono brani dei loro poemi epici preferiti e Svyatogora, Dobryna, Ilya Muromets e altri.L'ultimo frammento del "Viaggio" si chiama "Antica Russia attraverso gli occhi di artisti di altre epoche". Qui puoi ascoltare estratti da "Vespri" di S. Rachmaninov, "Chimes" di A. Gavrilin, vengono utilizzate riproduzioni di V. Vasnetsov, N. Roerich.

L'arte nasce agli albori della civiltà come riflesso dei sentimenti e dei pensieri umani. La vita stessa era la sua fonte. Un uomo era circondato da un mondo enorme e diversificato. Gli eventi accaduti intorno a lui hanno influenzato il suo carattere e il suo modo di vivere. L'arte non è mai esistita separatamente dalla vita, non era qualcosa di illusorio, si fondeva con il linguaggio delle persone, i costumi e le peculiarità del temperamento.

Fin dalla prima lezione del grado 1, riflettiamo sul posto della musica nella vita delle persone, sulla sua capacità di riflettere gli stati più sfuggenti dell'animo umano. Ogni anno i bambini percepiscono sempre più profondamente il mondo della musica, ricco di sensazioni e immagini. E quali sentimenti prova una persona quando cuce un abito per se stesso, lo decora con ricami, costruisce un'abitazione, compone una fiaba? Questi sentimenti di gioia o profonda tristezza e dolore possono essere espressi in pizzi, prodotti in argilla? Può la musica, come riflesso della vita in tutte le sue manifestazioni, esprimere questi stessi sentimenti e trasformare un evento storico in un'epopea, in una canzone, in un'opera, in una cantata?

I russi hanno sempre amato creare giocattoli in legno. Le origini di qualsiasi artigianato risalgono all'antichità e non sappiamo chi sia stato il primo a creare il giocattolo che ha dato vita all'artigianato "Bogorodskaya carving". In Russia, tutti i ragazzi tagliano la legna, è tutto intorno - la mano si allunga. Forse l'artigiano ha prestato servizio nell'esercito per molto tempo e, tornato da vecchio, ha iniziato a realizzare giocattoli divertenti per la gioia dei bambini dei vicini e, naturalmente, la vita si è riflessa in loro. Quindi la canzone "Soldier" con movimenti ampi e ampi nella melodia, con un ritmo forte e brillante riecheggia il modo ruvido e duro di intaglio di un soldato di legno. Questo confronto aiuta a comprendere meglio la forza, l'ingegno, la fermezza del carattere russo, le origini della musica.

Caratteristiche accurate, luminose e laconiche nella lezione, materiale visivo interessante aiuterà a mostrare ai bambini che la musica russa e la musica di altri popoli sono strettamente legate alla vita. La musica riflette la vita quotidiana, la natura, i costumi, gli eventi storici, i sentimenti e gli stati d'animo.

Per tradizione, ciascuna delle arti viene data agli scolari separatamente, debolmente attaccata alle loro conoscenze, idee e attività generali. Anche la teoria generale dell'educazione artistica e la formazione della personalità di un bambino sotto l'influenza delle arti, anche nel processo della loro interazione, è poco sviluppata.

Le tecniche metodologiche sviluppate sono più progettate per la professionalità artistica che per lo sviluppo del pensiero immaginativo e della percezione sensoriale del mondo circostante. Ma l'esperienza di ricerca e la mia pratica, - scrive Y. Antonov, insegnante della scuola laboratorio dell'associazione creativa dei bambini della Lituania "Muza", - confermano che l'attenzione alla ristretta professionalità non contribuisce allo sviluppo del pensiero creativo dei bambini, specialmente a l'inizio dell'istruzione.

A questo proposito è nata l'idea di creare una struttura in cui l'arte, guidata dalla musica e dalle arti visive, interagisca. Le lezioni sono state condotte in modo tale che il nucleo dell'intero lavoro fosse la musica, il suo contenuto, la colorazione emotiva, la gamma delle sue immagini. Era la musica che dava slancio all'ingegno e alla plasticità, trasmetteva lo stato dei personaggi. La conoscenza includeva diversi tipi di creazione artistica, dalla grafica e pittura alla coreografia e alla teatralizzazione.

Come hanno detto in seguito i ragazzi stessi, - scrive Yu. Antonov, - l'orientamento verso l'espressione del contenuto in linee e colori li ha mobilitati per un ascolto diverso, e in seguito la stessa musica in movimento è stata espressa più facilmente e liberamente.

L. Bural, insegnante della scuola di musica per bambini, riflettendo sul commonwealth delle arti, scrive: “Mi sono reso conto che è molto importante pensare alla presentazione del materiale. A volte è opportuno inserire una parola poetica al posto di una conversazione o di un'analisi, ma questa parola dovrebbe essere molto precisa, consona al tema, non distraendo o distraendo dalla musica”.

K. Ushinsky ha sostenuto che un insegnante che vuole imprimere permanentemente qualcosa nella mente dei bambini dovrebbe assicurarsi che il maggior numero possibile di sentimenti prenda parte all'atto di memorizzazione.

Molti insegnanti utilizzano fotografie e riproduzioni di opere d'arte in una lezione di musica a scuola. Ma allo stesso tempo, tutti ricordano che la percezione dell'immagine, la risposta emotiva nell'anima di ogni bambino dipende da come l'insegnante presenta la riproduzione o il ritratto del compositore, in quale formato, colore, in quale forma estetica. Una riproduzione disordinata e squallida, con bordi piegati e sfilacciati, testo traslucido sul retro, punti in grassetto non causeranno la risposta adeguata ...

La combinazione di musica, poesia, arti visive offre all'insegnante infinite opportunità per rendere la lezione divertente e interessante per gli studenti.

Puoi usare, ad esempio, quando studi l'opera di A. Beethoven, i versi della poesia di Vs. Rozhdestvensky:

Dove ha preso questi suoni cupi?

Attraverso la spessa cortina della sordità?

Una combinazione di tenerezza e tormento,

Sdraiato sullo spartito!

Toccare i tasti giusti con la zampa di leone

E scuotendo una folta criniera,

Ho suonato senza sentire una sola nota

Nel cuore della notte la stanza è vuota.

Le ore passavano e le candele nuotavano,

Il coraggio è andato contro il destino

Ed è tutta la coscienza del tormento umano

l'ho detto solo a me stesso!

E si convinse e credette imperiosamente,

Quanto a coloro che sono soli al mondo,

C'è una certa luce, non nata invano,

E la musica è garanzia di immortalità!

Il grande cuore fruscia e scricchiola

Conduci la tua conversazione nel dormiveglia,

E sentito nella finestra aperta di un tiglio

Tutto ciò che non ha sentito.

La luna sorge sopra la città

E non è sordo, ma questo mondo intorno,

Chi non sente le cose della musica,

Nato nella felicità e in un crogiolo di tormenti!

S.V. Rachmaninov è il proprietario di un notevole talento di compositore e di un potente talento di artista-esecutore: un pianista e un direttore d'orchestra.

L'aspetto creativo di Rachmaninoff è multiforme. La sua musica ha un ricco contenuto di vita. Ci sono immagini di profonda pace della mente in lei, illuminate da un sentimento leggero e affettuoso, piene di lirismo gentile e cristallino. E allo stesso tempo, un certo numero di opere di Rachmaninov sono piene di un forte dramma; qui si può udire un desiderio sordo e doloroso, si può sentire l'inevitabilità di eventi tragici e terribili.

Questa nitidezza dei contrasti non è casuale. Rachmaninov fu il portavoce delle tendenze romantiche, per molti aspetti caratteristiche dell'arte russa della fine del XIX secolo e dell'inizio del XX. L'arte di Rachmaninoff è caratterizzata da un'elevazione emotiva, che Blok ha definito "un avido desiderio di vivere una vita decuplicata..." I fattori determinanti per la prospettiva del compositore erano: da un lato, - un'appassionata sete di rinnovamento spirituale, speranza per cambiamenti futuri, un gioioso presentimento di essi (che era associato alla potente ascesa di tutte le forze democratiche della società alla vigilia del gli anni della prima rivoluzione russa), e d'altra parte, - un presentimento dell'imminente elemento formidabile, l'elemento della rivoluzione proletaria, nella sua essenza e significato storico incomprensibile alla maggioranza dell'intellighenzia russa di quel tempo. Fu nel periodo tra il 1905 e il 1917 che nelle opere di Rachmaninoff cominciò ad aumentare l'atmosfera di tragica fine... Penso che nei cuori delle persone delle ultime generazioni sia rimasto un inesorabile sentimento di catastrofe; - Blok ha scritto di questo periodo.

Un posto estremamente importante nell'opera di Rachmaninoff spetta alle immagini della Russia, la madrepatria. Il carattere nazionale della musica si manifesta in una profonda connessione con la canzone popolare russa, con il romanticismo urbano - la cultura quotidiana dei Kanet del XIX e dell'inizio del XX secolo, con le opere di Tchaikovsky e i compositori di The Mighty Handful. La musica di Rachmaninoff rifletteva la poesia dei testi delle canzoni popolari, le immagini dell'epica popolare, l'elemento orientale, le immagini della natura russa. Tuttavia, quasi non usava temi popolari autentici, ma li sviluppò solo in modo estremamente libero e creativo.

Il dono di Rachmaninov è di natura lirica. L'inizio lirico trova espressione principalmente nel ruolo dominante di una melodia ampia e prolungata nella sua natura. “La melodia è musica, il fondamento principale di tutta la musica. L'ingegnosità melodica, nel senso più alto della parola, è l'obiettivo principale del compositore ", ha affermato Rachmaninov.

L'arte di Rachmaninov come interprete è genuina creatività. Inevitabilmente introdusse qualcosa di nuovo, suo, di Rachmaninov nella musica di altri autori. Melodia, potenza e pienezza del "canto" - queste sono le prime impressioni del suo pianismo. Una melodia regna su tutti. Non ci stupisce la sua memoria, non le sue dita, che non tralasciano un singolo dettaglio dell'insieme, ma l'insieme, quelle immagini ispirate che ci restituisce. La sua tecnica gigantesca, il suo virtuosismo servono solo a chiarire queste immagini "- ha descritto così profondamente e correttamente l'essenza dell'arte pianistica di Rachmaninov, il suo amico, il compositore NK Metner.

Prima di tutto, le opere per pianoforte e voce del compositore sono state riconosciute e hanno guadagnato fama, molto più tardi - quelle sinfoniche.

I romanzi di Rachmaninoff competono in popolarità con le sue opere per pianoforte. Rachmaninoff ha scritto circa 80 romanzi sui testi dei poeti russi - parolieri della seconda metà del XIX secolo e della fine del XX secolo e solo poco più di una dozzina sulle parole dei poeti della prima metà del XIX secolo (Pushkin , Koltsov, Shevchenko nella traduzione russa).

"Lilac" (parole di E. Beketova) è una delle perle più preziose dei testi di Rachmaninov. La musica di questo romanzo è caratterizzata da un'eccezionale naturalezza e semplicità, una meravigliosa fusione di sentimento lirico e immagini della natura, espressa attraverso sottili elementi musicali e pittorici. L'intero tessuto musicale della storia d'amore è melodioso, melodico, le frasi vocali scorrono naturalmente una dopo l'altra.

"Nel silenzio della notte segreta" (parole di A.A. Fet) è un'immagine molto caratteristica dei testi d'amore. Il tono sensuale - passionale dominante è già definito nell'introduzione strumentale. La melodia è melodiosa, declamatoria - espressiva.

"Mi sono innamorato del mio dolore" (poesie di T. Shevchenko, tradotte da A. Plescheev). Contenuto della canzone - romance

collegato al tema del reclutamento, e nello stile e nel genere - con il pianto. La melodia è caratterizzata da svolte lugubri alla fine delle frasi melodiche, canti drammatici, un po' isterici al climax. Ciò aumenta la vicinanza della parte vocale al lamento - il pianto. Gli accordi arpeggiati "Gusel" all'inizio della canzone ne enfatizzano lo stile folk

Franz Liszt (1811 - 1866) - un brillante compositore e pianista ungherese, il più grande artista - musicista del popolo ungherese. La direzione progressista e democratica dell'attività creativa di Liszt è in gran parte associata alla lotta di liberazione del popolo ungherese. Lotta di liberazione nazionale del popolo contro il giogo della monarchia austriaca. Fusa con la lotta contro il sistema feudale - proprietario terriero nella stessa Ungheria. Ma la rivoluzione del 1848-1849 fu sconfitta e l'Ungheria si ritrovò di nuovo sotto il giogo dell'Austria.

Una parte significativa delle opere di Franz Liszt utilizza il folklore musicale ungherese, che si distingue per grande ricchezza e originalità. Ritmi, svolte modali e melodiche sono caratteristici, e anche melodie autentiche della musica popolare ungherese (principalmente urbane, come i "verbunkos") sono state trasformate ed elaborate in modo creativo in numerose opere di Liszt, nelle loro immagini musicali. Nella stessa Ungheria, List non ha dovuto vivere a lungo. Le sue attività si sono svolte principalmente al di fuori della sua terra natale - in Francia, Germania, Italia, dove ha svolto un ruolo eccezionale nello sviluppo di una cultura musicale avanzata.

Lo stretto rapporto di Liszt con l'Ungheria è evidenziato anche dal suo libro sulla musica degli zingari ungheresi, nonché dal fatto che Liszt è stato nominato primo presidente dell'Accademia Nazionale di Musica di Budapest.

La natura contraddittoria del lavoro di Liszt si è formata nel desiderio di programmaticità, nell'immaginario concreto della musica, da un lato, e talvolta nell'astrattezza della soluzione a questo problema, dall'altro. In altre parole, la natura programmatica in alcune opere di Liszt era di natura astratta - filosofica (il poema sinfonico "Ideali").

Una spiccata versatilità caratterizza l'attività creativa e musicale - sociale di Liszt: brillante pianista appartenente ai più grandi interpreti dell'Ottocento; grande compositore; figura e organizzatore sociale e musicale, che stava a capo del movimento avanzato nell'arte della musica, che si batteva per la musica a programma contro l'arte senza principi; insegnante - educatore di un'intera galassia di meravigliosi musicisti - pianisti; uno scrittore, critico musicale e pubblicista che si oppose coraggiosamente alla posizione umiliante degli artisti nella società borghese; il direttore è Liszt, persona e artista, il cui aspetto creativo e l'intensa attività artistica sono uno dei fenomeni più straordinari dell'arte musicale del XIX secolo.

Tra l'enorme numero di opere per pianoforte di Liszt, uno dei posti più importanti è occupato dalle sue 19 rapsodie, che sono arrangiamenti e fantasie virtuosistiche su temi di canti e danze popolari ungheresi e zingari. Le rapsodie ungheresi di Liszt rispondevano oggettivamente alla crescita della coscienza nazionale del popolo ungherese durante il periodo della sua lotta per l'indipendenza nazionale. Questa è la loro democrazia, questo è il motivo della loro popolarità sia in Ungheria che all'estero.

Nella maggior parte dei casi, ogni rapsodia di Liszt contiene due temi contrastanti, che spesso si sviluppano in variazioni. Molte rapsodie sono caratterizzate da un graduale aumento della dinamica e del tempo: un tema tristemente recitativo di un personaggio significativo si trasforma in una danza che gradualmente accelera e si conclude in una danza violenta, impetuosa, infuocata. Queste sono, in particolare, la 2a e la 6a rapsodia. In molte tecniche di tessitura pianistica (prove, corse di cavalli, vari tipi di arpeggi e figurazioni) Liszt riproduce le caratteristiche sonorità degli strumenti popolari ungheresi.

La seconda rapsodia è uno dei pezzi più caratteristici e migliori del suo genere. Un breve recitativo - introduzione improvvisata introduce nel mondo delle immagini luminose e colorate della vita popolare che compongono il contenuto della rapsodia. Note di grazia, suoni caratteristici della musica popolare ungherese e ricordano il canto dei cantastorie. Gli accordi di accompagnamento con note di grazia riproducono il rumore delle corde degli strumenti popolari. L'introduzione si trasforma in una fornace con elementi di danza, che poi si trasforma in una danza leggera con uno sviluppo variazionale.

La Sesta Rapsodia è divisa in quattro sezioni chiaramente delimitate. La prima sezione è una marcia ungherese e ha il carattere di una solenne processione. La seconda sezione della rapsodia è una danza veloce, animata da sincronismi in ogni quarta misura. La terza sezione - improvvisazione di canto e recitativo, che riproduce il canto dei cantanti - cantastorie, dotati di note di grazia e riccamente ornati - si distingue per un ritmo libero, un'abbondanza di fermate e passaggi virtuosistici. La quarta sezione è una danza veloce che dipinge un'immagine del divertimento popolare.

A.D. Shostakovich è uno dei più grandi compositori del nostro tempo.

La musica di Shostakovich si distingue per la sua profondità e ricchezza di contenuti figurativi. Il grande mondo interiore di una persona con i suoi pensieri e aspirazioni, dubbi, di una persona che combatte contro la violenza e il male - questo è il tema principale di Shostakovich, variamente incarnato sia in opere liriche e filosofiche generalizzate, sia in opere di specifico contenuto storico.

La gamma di generi del lavoro di Shostakovich è eccezionale. È autore di sinfonie e complessi strumentali, forme vocali grandi e da camera, opere musicali di scena, musiche per film e spettacoli teatrali.

Non importa quanto sia grande l'abilità di Shostakovich nella sfera vocale, la base del lavoro del compositore è la musica strumentale e soprattutto una sinfonia. L'enorme scala del contenuto, la generalizzazione del pensiero, l'acutezza dei conflitti (sociali o psicologici), il dinamismo e la logica rigorosa dello sviluppo del pensiero musicale - tutto ciò determina l'apparizione di Shostakovich come compositore - sinfonista.

Shostakovich ha un'eccezionale originalità artistica. I mezzi dello stile polifonico giocano un ruolo importante nel suo pensiero. Ma altrettanto importante per il compositore è l'espressività di costruzioni costruttivamente chiare di un magazzino omofonico - armonico. La sinfonia di Shostakovich, con il suo profondo contenuto filosofico e psicologico e l'intenso dramma, continua la linea della sinfonia di Tchaikovsky; i generi vocali, con il loro rilievo scenico, sviluppano i principi di Mussorgsky.

La scala ideologica della creatività, l'attività del pensiero dell'autore, indipendentemente dall'argomento che tocca, in tutto ciò il compositore assomigliava ai precetti dei classici russi.

La sua musica è caratterizzata da giornalismo aperto, attualità del tema. Shostakovich faceva affidamento sulle migliori tradizioni della cultura nazionale e straniera del passato. Quindi le immagini della lotta eroica in lui risalgono a Beethoven, le immagini della meditazione sublime, della bellezza mentale e della resilienza - a I.-S. Bach, da Tchaikovsky - immagini piene di sentimento e liriche. È stato avvicinato a Musorgsky dal metodo di creare personaggi popolari realistici e scene popolari di proporzioni tragiche.

La Sinfonia n. 5 (1937) occupa un posto speciale nell'opera del compositore. Segnò l'inizio di un periodo maturo. La sinfonia si distingue per la profondità e la completezza del concetto filosofico e l'artigianalità matura. Al centro della sinfonia c'è un uomo, con tutte le sue esperienze. La complessità del mondo interiore dell'eroe ha anche causato una vasta gamma di contenuti della sinfonia: dalle riflessioni filosofiche agli schizzi di genere, dal tragico pathos al grottesco. In generale, la sinfonia mostra il percorso dell'eroe da una prospettiva tragica attraverso la lotta alla gioia dell'affermazione della vita attraverso la lotta alla gioia dell'affermazione della vita. Nelle parti I e III della lirico - immagini psicologiche, che rivelano il dramma delle esperienze interiori. La parte II passa a un'altra sfera: questo è uno scherzo, un gioco. La parte IV è percepita come un trionfo di luce e gioia.

Parte I. La parte principale trasmette un pensiero profondo e concentrato. Il tema viene eseguito canonicamente, ogni intonazione acquisisce un significato e un'espressività speciali. Il lotto laterale è il contenuto sereno e l'espressione di un sogno. Quindi, non c'è contrasto nell'esposizione tra la parte principale e quella secondaria. Il conflitto principale della prima parte è portato a un confronto tra l'esposizione e lo sviluppo, che riflette l'immagine della lotta.

Parte II - scherzo scherzoso. Il ruolo della seconda parte è in opposizione al complesso dramma della prima parte. Si basa su immagini di tutti i giorni e in rapida dissolvenza ed è percepito come un carnevale di maschere.

La parte III esprime immagini liriche e psicologiche. Non c'è conflitto tra una persona e una forza a lui ostile. La parte principale esprime la distesa concentrata: questa è l'incarnazione del tema della Patria nella musica, glorifica la prefigurazione poetica della natura nativa. Il lotto laterale disegna la bellezza della vita intorno a una persona.

Il finale. È percepito come lo sviluppo dell'intera sinfonia, a seguito della quale si ottiene il trionfo della luce e della gioia. La parte principale ha un carattere in marcia e suona potente e veloce. La parte laterale suona come un inno ad ampio respiro. Koda è un'apoteosi solenne e maestosa.

"Indagando sul processo di apprendimento della musica come problema pedagogico, siamo giunti alla conclusione", scrive A. Piliciauskak nel suo articolo "La cognizione della musica come problema pedagogico", che l'obiettivo dichiarato di educare una persona dovrebbe ricevere una risposta speciale tipo di cognizione di un brano musicale, che abbiamo chiamato cognizione artistica. ”Le sue caratteristiche sono evidenziate in modo più vivido rispetto ad altre forme più familiari di comunicazione con la musica.

Tradizionalmente, ci sono diversi tipi di cognizione musicale. I sostenitori dell'approccio scientifico, musicale - teorico alla musica vedono il compito principale nell'illuminare una persona con conoscenze riguardanti il ​​​​lato strutturale dell'opera, la forma musicale in senso lato (costruzione, mezzi espressivi) e l'educazione del competenze corrispondenti. Allo stesso tempo, in pratica, il significato della forma è spesso assoluto, diventa addirittura l'oggetto principale della cognizione, un oggetto che, peraltro, è difficile da percepire a orecchio. Questo approccio è tipico delle istituzioni educative professionali e delle scuole di musica per bambini, ma i suoi "echi" si fanno sentire anche nelle raccomandazioni metodologiche per le scuole di istruzione generale.

Un altro tipo di cognizione è considerato più adatto ai non professionisti: ascoltare semplicemente la musica e godersi la sua bellezza. Questo è infatti ciò che spesso accade quando si comunica con la musica in una sala da concerto, se il “vocabolario dell'intonazione” dell'ascoltatore corrisponde alla struttura intonazionale del brano. Molto spesso, questo tipo di cognizione è tipico di un pubblico che ama già la musica seria (di un particolare stile, epoca o regione). Chiamiamola cognizione amatoriale condizionatamente passiva.

Nelle lezioni di musica in una scuola di educazione generale, la cognizione amatoriale attiva viene spesso praticata, quando il compito principale è determinare lo "stato d'animo" della musica, il suo carattere, insieme a un modesto tentativo di comprendere i mezzi espressivi. Come dimostra la pratica, le dichiarazioni stencil sullo "stato d'animo" della musica presto annoiano gli scolari e spesso usano caratteristiche standard senza nemmeno ascoltare il lavoro.

La cosa principale è che tutti questi tipi di cognizione non sono in grado di influenzare direttamente la personalità dello studente, né in senso estetico né in senso morale. In effetti, quale intenzionale influenza educativa della musica si può dire nel caso in cui emerga la consapevolezza della forma dell'opera o delle caratteristiche del suo stato d'animo?

Nella conoscenza artistica della musica, il compito dell'allievo (ascoltatore o esecutore) è diverso: nella cognizione di quelle emozioni e pensieri in sintonia con loro che sorgono in lui nel processo di comunicazione con la musica. In altre parole - nella conoscenza del significato personale dell'opera.

Questo approccio alla musica intensifica l'attività degli studenti e rafforza il motivo di valore-significativo di questa attività.

Il processo di percezione di un'immagine musicale è facilitato non solo dalla connessione con altri tipi di arte, ma anche dalla parola poetica vivente dell'insegnante.

"La parola non può mai spiegare completamente la profondità della musica, - ha scritto VA Sukhomlinsky, - ma senza la parola non puoi avvicinarti a questa sfera più sottile di cognizione dei sentimenti".

Non tutte le parole aiutano l'ascoltatore. Uno dei requisiti più importanti per una parola introduttiva può essere formulato come segue: una parola artistica aiuta: brillante, emotiva, figurativa.

È molto importante che l'insegnante trovi l'intonazione corretta per ogni conversazione specifica. È impossibile parlare con la stessa intonazione dell'eroico di L. Beethoven e dei testi di P. Tchaikovsky sull'elemento danzante della musica di A. Khachaturian e sulla marcia allegra di I. Dunaevsky. Nel creare un certo stato d'animo, le espressioni facciali espressive, i gesti, persino la postura dell'insegnante hanno Quindi, il discorso di apertura dell'insegnante dovrebbe essere proprio la parola di apertura che porta alla percezione principale della musica.

Nel libro Come raccontare ai bambini la musica? D.B. Kabalevsky scrive che prima di ascoltare, non si dovrebbe toccare l'opera che suonerà in dettaglio. È più importante sintonizzare l'ascoltatore su una certa onda con una storia sull'epoca, sul compositore o sulla storia dell'opera, su ciò che Dmitry Borisovich chiama la "biografia dell'opera". Una tale conversazione crea immediatamente uno stato d'animo per la percezione del tutto e non dei singoli momenti. Nasceranno aspettative e ipotesi. Queste ipotesi guideranno la percezione successiva. Possono essere confermati, parzialmente modificati, persino rifiutati, ma in ognuno di questi casi la percezione sarà olistica, emotivamente significativa.

In una delle conferenze dedicate alla generalizzazione dell'esperienza del lavoro in musica, è stata fatta una proposta: prima di ascoltare musica nuova, far conoscere agli studenti (classi medie e superiori) il principale materiale musicale, analizzare i mezzi di espressione musicale.

È stato inoltre proposto di assegnare agli studenti compiti specifici prima dell'ascolto: seguire lo sviluppo di un argomento specifico, seguire lo sviluppo di un mezzo di espressione separato. Le suddette tecniche resistono alle critiche dal punto di vista dello sviluppo della percezione creativa di un'immagine musicale?

Mostrare singoli temi prima della percezione iniziale, nonché compiti specifici volti a cogliere uno dei lati dell'opera, priva la successiva percezione dell'integrità, che riduce drasticamente o esclude completamente l'impatto estetico della musica.

Mostrando i singoli argomenti alla percezione olistica iniziale, l'insegnante allestisce una sorta di "torri" che aiutano gli studenti ad orientarsi in un tema non familiare. Tuttavia, questa forma di assistenza allo studente sembra giustificata solo a prima vista. Con l'uso sistematico, dà luogo a una sorta di "dipendenza uditiva" negli scolari. Una spiegazione preliminare della musica prima dell'ascolto sembra armare lo studente durante l'ascolto di questo brano, ma non gli insegna a capire da solo la musica non familiare, non lo prepara alla percezione della musica fuori dall'aula. Pertanto, non lo prepara alla percezione creativa della musica.

Nel caso di anticipazione della percezione olistica della musica dalle istruzioni analitiche dell'insegnante, il pericolo di analizzare i mezzi di espressione musicale come modello tecnologico diventa reale. È necessario sforzarsi di far sì che tutti i problemi analitici, toccati nella lezione, derivino dal contenuto vitale della musica percepita dagli studenti. L'analisi che i ragazzi faranno durante la lezione con l'aiuto di un insegnante dovrebbe basarsi su una percezione olistica, su una comprensione olistica di un particolare lavoro.

È generalmente legittimo rifiutare la conoscenza preliminare degli studenti con il materiale musicale di un'opera? All'affidamento nella percezione iniziale al materiale musicale mostrato dall'insegnante immediatamente prima dell'ascolto, il nuovo programma si oppone all'affidamento all'esperienza accumulata negli anni della percezione olistica della musica. La conoscenza preliminare del materiale musicale avviene sempre sotto forma di immagini musicali più o meno indipendenti.

Ascoltare ed eseguire molte canzoni, melodie sufficientemente complete e costruzioni più dettagliate preparano gli studenti alla percezione di grandi composizioni o delle loro singole parti, dove le immagini musicali che suonavano in precedenza diventano parte di un'immagine musicale più sfaccettata, iniziano a interagire con altre immagini musicali.

Per quanto riguarda la legalità di percepire la musica con un compito speciale, anche questa tecnica non dovrebbe essere abbandonata, perché ascoltare musica con un compito speciale consente ai bambini a volte di ascoltare ciò che senza un tale compito potrebbe semplicemente passare la loro attenzione. Ma questa tecnica, come affermato nel programma, dovrebbe essere utilizzata solo quando è impossibile farne a meno: per una divulgazione più profonda di alcune sfaccettature del contenuto di un'opera musicale percepita dagli scolari. È escluso l'uso di questa tecnica solo in nome di "esercizio" dell'udito (niente di più).

Quindi, la percezione dell'immagine musicale da parte degli scolari dovrebbe essere organizzata pedagogicamente. Allo stesso tempo, il punto di riferimento più importante per l'insegnante è l'ambito emotivamente-figurativo della musica, tenendo conto dell'originalità di cui deve costruire al di fuori dei legami del suo lavoro sullo sviluppo di una percezione adeguata, sottile e profonda di musica nei bambini.

L'insegnante dovrebbe prestare particolare attenzione alla preparazione dei bambini per la percezione di un nuovo brano musicale. L'appello alle forme d'arte legate alla musica, la parola poetica vivente dell'insegnante sulla musica sono mezzi che aiutano a risolvere il problema centrale dell'educazione musicale a scuola: la formazione di una cultura della percezione musicale tra gli scolari.

"Attraverso le pagine delle opere di S.V. Rachmaninoff"

Per comprendere qualsiasi opera artistica di un artista o di una scuola di artisti, è necessario immaginare con precisione lo stato generale di sviluppo mentale e morale del tempo a cui appartiene. Qui sta la causa primaria che ha determinato tutto il resto.

Ippolita I.

(La lezione ha utilizzato la storia di Yuri Nagibin "Rachmaninov", perché una parola poetica è in grado di evocare una certa linea visiva nell'immaginazione dei bambini, consentirà ai bambini di rivelare a se stessi il segreto del potere magico della creatività di Rachmaninov, come il principio cardine del suo pensiero creativo.

Progetto di classe: ritratto di S. Rachmaninov, libri con patrimonio letterario e lettere, appunti e un rametto di lillà.

Oggi avremo uno straordinario incontro con la musica di Sergei Vasilievich Rachmaninov, un compositore russo. Persone vicine che lo conoscevano bene ricordavano che di sé e delle sue opere non diceva quasi nulla, credendo di aver detto tutto con le sue opere. E quindi, per capire l'opera di un compositore, bisogna ascoltare la sua musica. (Suoni Pelude in G-Diose minor, op. 32, n. 12 eseguita da S. Richter).

La pagina più brillante della musica russa era considerata l'opera di Rachmaninov sia in Russia che in Occidente. Ma l'anno 1917 si rivelò fatale per il destino del compositore.

Dal libro: “Inizio autunno 1917. Rachmaninov stava guidando verso Ivanovka. Ai lati della strada - pane non raccolto, campi di patate secchi, grano saraceno, miglio. I pilastri sporgono solitari al posto della corrente coperta saccheggiata. L'auto si è avvicinata alla tenuta. E qui ci sono evidenti tracce di rovina. Alcuni contadini agitavano le mani vicino alla casa, altri portavano vasi, poltrone, tappeti arrotolati e utensili vari. Ma non fu questo a sconvolgere Rachmaninov: le ampie finestre del secondo piano si spalancarono, vi apparve qualcosa di grande, nero, scintillante, spinto sul davanzale della finestra, sporgendo verso l'esterno e precipitando all'improvviso. E solo colpendo il suolo e ululando con le corde rotte, ha rivelato la sua essenza di "wallway" di un pianoforte a coda mobile.

Trascinando i piedi come un vecchio decrepito, Rachmaninov si diresse verso la casa. Gli uomini lo notarono quando era accanto al cadavere del pianoforte, ed erano insensibili. Non avevano un odio personale per Rachmaninov, e se in sua assenza diventava un "padrone", un "proprietario terriero", la sua immagine vivente gli ricordava che non era solo un maestro, non era affatto un maestro, ma qualcos'altro, tutt'altro che così ostile a loro.

Non importa, vai avanti ", disse Rachmaninov distrattamente e si fermò sulle assi nere e lucenti, il cui ululato di morte continuava a risuonare nelle sue orecchie.

Guardò... le corde ancora tremanti, i tasti sparsi qua e là... e si rese conto che non avrebbe mai dimenticato quel momento.

Cosa insegna questo passaggio?

Il fatto che la situazione irrequieta e tesa in Russia nel 1917 causò il conflitto tra Rachmaninoav e i corpi dei contadini poveri nel caro compositore di nome Ivanovka.

Esatto, e in generale, tutto ciò che accade in Russia, e non solo a Ivanovka, è stato percepito negativamente da Rachmaninov, come un disastro nazionale.

Rachmaninov scrive del suo viaggio a Tambov: "...quasi tutte le cento miglia ho dovuto sorpassare i convogli con alcuni musi brutali e selvaggi che incontravano il passaggio della macchina con urla, fischi, cappelli che lanciavano in macchina". Incapace di capire cosa stia succedendo, Rachmaninov decide di lasciare temporaneamente la Russia. E se ne va con una sensazione pesante, non sapendo ancora che se ne va per sempre, e che rimpiangerà molte volte di aver fatto questo passo. Davanti, era atteso ed eccitato dalla nostalgia. (Viene suonato un estratto dal Preludio in sol diesis minore.)

Dopo aver lasciato la Russia, Rachmaninov sembrava aver perso le sue radici e per molto tempo non ha composto nulla, essendo impegnato solo in attività concertistica. Gli si aprono le porte delle migliori sale da concerto di New York, Philadelphia, Petersburg, Detroit, Cleveland, Chicago. E solo un posto è stato chiuso a Rachmaninov: la sua patria, dove ai migliori musicisti è stato chiesto di boicottare le sue opere. Il quotidiano Pravda ha scritto: "Sergei Rachmaninov, un ex cantante dei mercanti russi e della borghesia, è un compositore, imitatore e reazionario che ha scritto, un ex proprietario terriero - un nemico ardente e attivo del governo". «Abbasso Rachmaninov! Abbasso il culto di Rachmaninov!» - chiamato Izvestia.

(Dal libro):

La villa svizzera ricordava solo una della vecchia Ivanovka: un cespuglio di lillà, un tempo portato dalla Russia.

Per l'amor del cielo, non danneggiare le radici! supplicò il vecchio giardiniere.

Non si preoccupi, Herr Rachmaninov.

Non ho dubbi che andrà tutto bene. Ma il lillà è una pianta gentile e resistente. Se danneggi le radici, tutto è perduto.

Rachmaninov amava la Russia, e la Russia amava Rachmaninov. E quindi, nonostante tutti i divieti, la musica di Rachmaninoff ha continuato a suonare, tk. era impossibile vietarlo. Nel frattempo, una malattia incurabile - il cancro ai polmoni e al fegato - si stava silenziosamente avvicinando a Rachmaninoff.

(Dal libro:)

Come al solito severo, intelligente; in un impeccabile frac, è apparso sul palco, ha fatto un breve inchino, ha raddrizzato le pieghe, si è seduto, ha provato il pedale con il piede - tutto, come sempre, e solo le persone più vicine sapevano quanto gli costava ogni movimento, quanto difficile il suo passo era e quale disumano sforzo di volontà nascondeva sta subendo al pubblico. (Viene suonato il Preludio in do diesis minore eseguito da S. Rachmaninov).

(Dal libro :) ... Rachmaninov completa brillantemente il preludio. Ovazione della sala. Rachmaninov cerca di alzarsi e non ci riesce. Spinge le mani dal sedile dello sgabello, invano. La colonna vertebrale, contorta da un dolore insopportabile, non gli permette di raddrizzarsi.

Tenda! Tenda! - sentito nel backstage

Barella! - domandò il dottore

Attesa! Devo ringraziare il pubblico... e salutare.

Rachmaninov si avvicinò alla rampa e si inchinò... Volando attraverso la buca dell'orchestra, un lussuoso bouquet di lillà bianchi cadde ai suoi piedi. Sono riusciti ad abbassare la tenda prima che crollasse sulla piattaforma.

Alla fine di marzo 1943, poco dopo la fine della battaglia di Stalingrado, il cui esito riuscì a gioire Sergei Vasilyevich, che percepì da vicino le difficoltà e le sofferenze della guerra in Russia, 8 accordi iniziali dell'introduzione del Secondo Piano Concerto (eseguito al pianoforte). Dopo di che si disse che Sergei Vasilyevich Rachmaninov morì negli Stati Uniti. (Si suona un frammento del secondo movimento del Concerto n. 2 per pianoforte e orchestra).

Rachmaninov morì e la sua musica continuò a scaldare gli animi dei suoi compatrioti che avevano sofferto per la guerra:

E ogni nota grida: - Mi dispiace!

E la croce sopra il tumulo grida: - Mi dispiace!

Era così triste in una terra straniera!

Rimase solo in terra straniera...

Lo scrittore doveva

diventare come un contrabbandiere per

trasmettere al lettore il tuo

I. Turgenev.

Sulla lavagna c'è un disegno satirico.

W.: Per creare un'opera satirica profonda, devi vedere la società come se fosse dall'esterno, la sua vita in tutte le sfaccettature, e questo è solo nel potere dei grandi creatori. Queste persone, di regola, avevano il dono della provvidenza. Chi chiameresti queste persone? (Risposte).

Loro, come i cronisti, riflettono il tempo, il suo polso e le sue metamorfosi nel loro lavoro. Tale era D. Shostakovich. Conoscete tutti il ​​compositore della sua "Sinfonia di Leningrado". Questo è un gigante che riflette l'epoca nel suo lavoro. Se nella Settima Sinfonia il tema distruttivo del fascismo, il tema della lotta contro di esso, suona potentemente, allora l'Ottava, creata nel dopoguerra, termina improvvisamente non con un'apoteosi, ma con una profonda riflessione filosofica. È per questo che questa sinfonia è criticata e perseguitata dal suo autore? E la Nona Sinfonia, sembrerebbe, è radiosa, spensierata, gioiosa ... Ma questo è solo a prima vista. Ascolta il primo movimento della sinfonia e prova a rispondere:

Shostakovich scrive in prima persona o guarda il mondo dall'esterno? (Suoni del 1° movimento della Nona Sinfonia)

D: Il compositore sembra osservare il mondo dall'esterno.

W: Come appare davanti a lui?

D: Ci sono, per così dire, due immagini: una è luminosa, gioiosa e l'altra è sciocca, simile ai giochi di guerra dei bambini. Queste immagini non sono reali, ma giocattolo. (A volte i bambini confrontano questa parte con la suite di I. Stravinsky, in cui gli eroi "saltano" come burattini, ma a differenza della suite, la sinfonia non è una caricatura, ma una sorta di osservazione).

D: La musica viene gradualmente distorta, prima il compositore sorride, poi sembra pensare. Alla fine, queste immagini non sono più così viziate, ma un po' brutte.

D: Ascoltiamo la II parte (suoni di continuazione) quali intonazioni si sentono qui?

D: Sospiri pesanti. La musica è triste e persino dolorosa. Queste sono le esperienze del compositore stesso.

W: Perché, dopo una parte così facile, c'è una tale tristezza, una meditazione pesante? Come spieghi questo?

D: Mi sembra che il compositore, guardando questi scherzi, si ponga la domanda: sono così innocui? Perché alla fine i segnalatori militari da giocattolo diventano come quelli veri.

W: Abbiamo un'osservazione molto interessante, forse il compositore si pone la domanda: "L'ho già visto da qualche parte, è già successo, è successo...?" Queste intonazioni non ti ricordano niente di altra musica?

D: Ho il principe Limone di Cipollino. E ho una piccola invasione, solo in forma comica.

W: Ma questi scherzi all'inizio ci toccano, ma a volte rinascono nel loro opposto. La Gioventù hitleriana non è nata da simili scherzi? Ricordo il film "Vieni e vedrai". Davanti a noi scorrono gli scatti: atrocità, adolescenti della Gioventù hitleriana e, infine, un bambino tra le braccia di una madre. E questo bambino è Hitler. Chissà a cosa sarebbero derivati ​​gli scherzi dei bambini. (Può essere paragonato ai soldati di "Joaquina Murieta", con fatti della storia moderna). Cosa succede dopo? (Ascoltiamo la 3a, 4a, 5a parte).

La terza parte appare come un ritmo nervoso teso della vita, sebbene la sua irruenza esterna inizialmente evochi una sensazione di divertimento. Ad un ascolto attento del primo piano, non è un brillante scherzo tradizionale che appare, ma un dramma doloroso, intenso.

La 4a e la 5a parte sono una sorta di conclusione: all'inizio, il suono della tromba ricorda il tragico monologo dell'oratore - il tribuno, il messaggero del profeta. La sua profezia contiene rinuncia e un grumo di dolore. Il tempo si ferma, come un film, si sentono echi di eventi militari, si sente chiaramente la continuità con l'intonazione della Settima Sinfonia ("The Invasion Theme").

Il 5° movimento è intonato alle intonazioni del 1° movimento ma come sono cambiate! Un turbine senz'anima ha attraversato il turbine dei giorni, non evocando né sorrisi né simpatia in noi. Solo una volta le caratteristiche dell'immagine originale appaiono in esse, come per confronto, per memoria.

W.: Questa sinfonia ha un significato storico? Come ti sembra la profezia di Shostakovich?

D: Nel fatto che ha visto la crudeltà di quel tempo prima di altri e l'ha riflessa nella sua musica. Era un periodo difficile nella vita del paese, quando il male trionfava e sembrava avvertire nella musica.

W: E come si sentiva riguardo a quello che stava succedendo?

D: Lui prova, soffre. Ed esprime i suoi sentimenti in musica.

Leggiamo ancora una volta l'epigrafe della lezione, riflettiamo su di essa, confrontiamo il lavoro di Shostakovich con un disegno - una satira sulla società delle persone dentate che non riflettono, obbedendo ciecamente alla volontà di uno.

La settima, l'ottava, la nona sinfonia sono un trittico legato da una logica, un'unica drammaturgia, e la nona sinfonia non è un passo indietro, non una deviazione da un tema serio, ma il culmine, la conclusione logica del trittico.

Quindi viene eseguita una canzone di B. Okudzhava, le cui parole "Teniamoci per mano, amici, per non scomparire uno per uno" suoneranno come il completamento semantico della lezione. (Il materiale proposto può costituire la base di 2 lezioni).

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Le lezioni di musica nell'ambito del nuovo programma mirano a sviluppare la cultura musicale degli studenti. La componente più importante della cultura musicale è la percezione della musica. Non c'è musica al di fuori della percezione, perché è l'anello principale e la condizione necessaria per lo studio e la conoscenza della musica. Su di essa si basano le attività di compositore, esecuzione, ascolto, didattica e musicologia.

La musica come arte viva nasce e vive come risultato dell'unità di tutti i tipi di attività. La comunicazione tra loro avviene attraverso immagini musicali, tk. al di fuori delle immagini, la musica (come forma d'arte) non esiste. Nella mente del compositore, sotto l'influenza delle impressioni musicali e dell'immaginazione creativa, sorge un'immagine musicale, che viene poi incarnata in un brano musicale.

Ascoltare un'immagine musicale, ad es. il contenuto della vita, incarnato nei suoni musicali, determina tutti gli altri aspetti della percezione musicale.

La percezione è un'immagine soggettiva di un oggetto, fenomeno o processo che influenza direttamente l'analizzatore o il sistema di analizzatori.

A volte il termine percezione denota anche un sistema di azioni volte alla conoscenza di un oggetto che colpisce i sensi, ad es. attività di ricerca sensoriale di osservazione. In quanto immagine, la percezione è un riflesso diretto di un oggetto nella totalità delle sue proprietà, in un'integrità oggettiva. Ciò distingue la percezione dalla sensazione, che è anche un riflesso sensoriale diretto, ma solo delle proprietà individuali degli oggetti e dei fenomeni che interessano gli analizzatori.

Un'immagine è un fenomeno soggettivo che sorge come risultato dell'attività mentale-pratica, sensoriale-percettiva del soggetto, che è un riflesso olistico integrale della realtà, in cui vengono presentate contemporaneamente le categorie principali (spazio, movimento, colore, forma, trama , eccetera.). In termini di informazione, un'immagine è una forma di rappresentazione della realtà circostante insolitamente capiente.

Il pensiero figurativo è uno dei principali tipi di pensiero, distinto insieme al pensiero visivo-efficace e verbale-logico. Le immagini-rappresentazioni agiscono come un importante prodotto del pensiero figurativo e come uno dei suoi funzionamenti.

Il pensiero figurativo è sia involontario che volontario. La prima tecnica sono i sogni, i sogni. “Il -2° è ampiamente rappresentato nell'attività creativa umana.

Le funzioni del pensiero figurativo sono associate alla rappresentazione di situazioni e ai cambiamenti in esse che una persona vuole causare come risultato della sua attività, trasformando la situazione, con la concretizzazione di disposizioni generali.

Con l'aiuto del pensiero figurativo, l'intera varietà di diverse caratteristiche fattuale dell'oggetto viene ricreata più completamente. Nell'immagine è possibile registrare la visione simultanea di un oggetto da più punti di vista. Una caratteristica molto importante del pensiero figurativo è la creazione di combinazioni insolite e "incredibile" di oggetti e delle loro proprietà.

Varie tecniche sono utilizzate nel pensiero figurativo. Questi includono: un aumento o una diminuzione di un oggetto o di sue parti, agglutinazione (la creazione di nuove rappresentazioni attaccando parti o proprietà di un oggetto in un piano figurativo, ecc.), L'inclusione di immagini esistenti in una nuova sinossi, generalizzazione.

Il pensiero figurativo non è solo una fase geneticamente precoce dello sviluppo in relazione al pensiero logico-verbale, ma costituisce anche un tipo di pensiero indipendente in un adulto, ricevendo uno sviluppo speciale nella creatività tecnica e artistica.

Le differenze individuali nel pensiero immaginativo sono associate al tipo dominante di rappresentazioni e al grado di sviluppo delle tecniche per rappresentare le situazioni e le loro trasformazioni.

In psicologia, il pensiero figurativo è talvolta descritto come una funzione speciale: l'immaginazione.

L'immaginazione è un processo psicologico che consiste nel creare nuove immagini (rappresentazioni) elaborando il materiale delle percezioni e delle idee ottenute nell'esperienza precedente. L'immaginazione è inerente solo all'uomo. L'immaginazione è necessaria in ogni tipo di attività umana, specialmente nella percezione della musica e dell'"immagine musicale".

Distinguere tra immaginazione volontaria (attiva) e involontaria (passiva), nonché immaginazione ricreativa e creativa. L'immaginazione ricreativa è il processo di creazione di un'immagine di un oggetto dalla sua descrizione, disegno o disegno. La creazione indipendente di nuove immagini si chiama immaginazione creativa. Richiede la selezione dei materiali necessari per costruire un'immagine secondo il proprio design.

Una forma speciale di immaginazione è un sogno. È anche una creazione indipendente di immagini, ma un sogno è la creazione di un'immagine del desiderato e più o meno lontano, ad es. non fornisce direttamente e immediatamente un prodotto oggettivo.

Pertanto, la percezione attiva di un'immagine musicale suggerisce l'unità di due principi: oggettivo e soggettivo, ad es. ciò che è inerente all'opera d'arte stessa, e quelle interpretazioni, idee, associazioni che nascono nella mente dell'ascoltatore in connessione con essa. Ovviamente, più ampia è la cerchia di tali idee soggettive, più ricca e completa è la percezione.

In pratica, soprattutto tra i bambini che non hanno sufficiente esperienza nel comunicare con la musica, non sempre le idee soggettive sono adeguate alla musica stessa. Pertanto, è così importante insegnare agli studenti a capire cosa è contenuto oggettivamente nella musica e cosa viene introdotto da loro; ciò che in questo "proprio" è dovuto a un brano musicale, e ciò che è arbitrario, inverosimile. Se nella sbiadita conclusione strumentale di "Sunset" di E. Grieg, i ragazzi non solo ascoltano, ma vedono anche l'immagine del tramonto, allora dovrebbe essere accolta solo l'associazione visiva, tk. scaturisce dalla musica stessa. Ma se la terza canzone di Lelya dall'opera "The Snow Maiden" di N.A. Lo studente di Rimsky-Korsakov ha notato "gocce di pioggia", quindi in questo e in casi simili è importante non solo dire che questa risposta è sbagliata, inventata irragionevolmente, ma anche capire perché è sbagliata, perché irragionevole, insieme a tutta la classe , confermando i tuoi pensieri prove a disposizione dei bambini in questa fase di sviluppo della loro percezione.

La natura del fantasticare sulla musica, a quanto pare, è radicata nella contraddizione tra il desiderio naturale di una persona di ascoltare il suo contenuto vitale nella musica e l'incapacità di farlo. Pertanto, lo sviluppo della percezione di un'immagine musicale dovrebbe basarsi su una divulgazione sempre più completa del contenuto vitale della musica in unità con l'attivazione del pensiero associativo degli studenti. Più ampia, più sfaccettata sarà la connessione tra musica e vita che verrà rivelata nella lezione, più gli studenti penetreranno in profondità nell'intenzione dell'autore, più sarà probabile che abbiano legittime associazioni di vita personale. Di conseguenza, il processo di interazione tra l'intenzione dell'autore e la percezione dell'ascoltatore sarà più completo ed efficace.

Cosa significa la musica nella vita di una persona?

Dai tempi più antichi, l'inizio dei quali nemmeno le scienze umane più meticolose sono in grado di stabilire, l'uomo primitivo ha cercato per la prima volta di adattarsi puramente sensualmente, di adattarsi, di adattarsi ai ritmi e ai tasti del mondo che cambia ritmicamente, si sviluppa e suona. Questo è registrato negli oggetti, nei miti, nelle leggende e nei racconti più antichi. Lo stesso si può osservare oggi, se osservi attentamente come si comporta il bambino, come si sente letteralmente fin dalle prime ore di vita. È interessante quando all'improvviso ci accorgiamo che un bambino, da alcuni suoni, arriva ad uno stato irrequieto, anormale, agitato fino a urlare e piangere, mentre altri lo portano ad uno stato di pacificazione, calma e soddisfazione. Ora la scienza ha dimostrato che la vita musicalmente ritmata, calma, misurata, spiritualmente ricca e versatile della futura gestante ha un effetto benefico sullo sviluppo dell'embrione, sul suo futuro estetico.

Una persona che "germoglia" molto lentamente e gradualmente nel mondo dei suoni, dei colori, dei movimenti, della plastica, comprendendo l'intero mondo multiforme e infinitamente diverso per creare una forma figurativa di riflessione della sua coscienza di questo mondo attraverso l'arte.

La musica, di per sé, come fenomeno è così forte che semplicemente non può passare inosservata a una persona. Anche se nell'infanzia era per lui una porta chiusa, nell'adolescenza ancora apre questa porta e si getta nella cultura rock o pop, dove si satura avidamente di ciò di cui è stato privato: la possibilità di un sé selvaggio, barbaro, ma genuino -espressione. Ma lo shock che sta vivendo allo stesso tempo potrebbe non essere stato - nel caso di un "prospero passato musicale".

Pertanto, la musica è piena di enormi opportunità di influenzare una persona e questa influenza può essere controllata, come tutti i secoli passati. Quando una persona trattava la musica come un miracolo dato per comunicare con il mondo spirituale superiore. E poteva comunicare con questo miracolo tutto il tempo. Il culto ha accompagnato una persona per tutta la vita, l'ha nutrita spiritualmente e insieme l'ha educata ed educata. Ma il culto è fondamentalmente una parola e una musica. Un'enorme cultura di canti e danze è associata alle festività agricole del calendario. Una cerimonia di matrimonio nell'espressione artistica è un'intera scienza della vita. Le danze popolari insegnano la geometria, promuovono il pensiero spaziale, per non parlare della cultura della conoscenza, della comunicazione, del corteggiamento, ecc. L'epopea - e questa è storia - è stata presentata musicalmente.

Diamo un'occhiata alle materie della scuola della Magna Grecia: logica, musica, matematica, ginnastica, retorica. Probabilmente, questo è stato sufficiente per allevare una persona armoniosa. Ciò che resta di questo oggi, quando le parole su una personalità armoniosa sono ovunque nei nostri programmi. Solo matematica. Nessuno sa cosa siano la logica e la retorica a scuola. L'educazione fisica non è come la ginnastica. Anche cosa fare con la musica non è chiaro. Ora le lezioni di musica dopo la quinta elementare non sono più obbligatorie; a discrezione dell'amministrazione scolastica, possono essere sostituite con qualsiasi materia del piano "storia dell'arte". Molto spesso dipende dalla disponibilità dell'insegnante giusto e dove si trova la musica viene insegnata. Ma molte altre materie furono aggiunte al curriculum scolastico, ma l'armonia, la salute mentale e fisica scomparvero.

Questa è la vita incarnata nella musica, i suoi sentimenti, esperienze, pensieri, riflessioni, azioni di una o più persone; ogni manifestazione della natura, un evento nella vita di una persona, nazione, umanità. Questa è la vita incarnata nella musica, i suoi sentimenti, esperienze, pensieri, riflessioni, azioni di una o più persone; ogni manifestazione della natura, un evento nella vita di una persona, nazione, umanità.

Nella musica, raramente ci sono opere basate su una singola immagine. Nella musica, raramente ci sono opere basate su una singola immagine. Solo un piccolo dramma o un piccolo frammento può essere considerato uniforme nel suo contenuto figurativo. Solo un piccolo dramma o un piccolo frammento può essere considerato uniforme nel suo contenuto figurativo.

Ritmo-alternanza di suoni corti e lunghi Ritmo-alternanza di suoni corti e lunghi Texture-metodo di presentazione del materiale musicale Texture-metodo di presentazione del materiale musicale Melodia-monofonico che porta l'idea principale dell'opera Melodia-monofonico che porta l'idea principale di il lavoro

FATTO Il pensiero musicale può essere espresso in vari modi. Musica Il pensiero musicale può essere espresso in vari modi. La musica, come un tessuto, è composta da vari componenti, come una melodia, come un tessuto, è composta da vari componenti, come una melodia, voci di accompagnamento, suoni sostenuti, ecc. Tutto questo complesso di fondi si chiama fattura. voci di accompagnamento, suoni sostenuti, ecc. Tutto questo complesso di fondi si chiama fattura.

Tipi di trame musicali Monody (unisono) (dal greco "mono" - uno) - questo è il più antico monofonico Monody (unisono) (dal greco "mono" - uno) - questo è il più antico tessuto monofonico, che è un monofonico melodia, o dirigere una melodia a più voci all'unisono. tessitura, che è una melodia monofonica, o la conduzione di una melodia a più voci all'unisono. La trama omofonico-armonica è costituita da melodia e accompagnamento. Si è affermato nella musica dei classici viennesi (seconda metà del XVIII secolo) ed è la trama più comune fino ad oggi. Trama degli accordi - è una presentazione di accordi senza una melodia pronunciata. Esempi sono i canti della chiesa - i corali (molto spesso questa trama è chiamata corale), la polifonia sottovoce - è caratteristica delle canzoni popolari russe. Si basa sulla libera improvvisazione nel processo di esecuzione di una melodia, quando altre voci - echi - si uniscono alla voce principale.

Sergey Vasilievich Rachmaninov Compositore Compositore Pianista Pianista Direttore d'orchestra Direttore d'orchestra Nato vicino a Novgorod, nella patria dell'eroe epico Sadko. Proprio come Sadko, Rachmaninov amava la sua terra e desiderava sempre esserne separato. Infatti, nel 1917, nel pieno dei suoi poteri creativi, lasciò per sempre la Russia.

Quando è nata questa polonaise appassionata e drammatica, a cui il compositore ha dato il nome - Addio alla Patria? Proprio nei giorni in cui la rivolta polacca del 1794 fu soppressa e il compositore lasciò il paese. Immagina, la polacca ha 213 anni. Quando è nata questa polonaise appassionata e drammatica, a cui il compositore ha dato il nome - Addio alla Patria? Proprio nei giorni in cui la rivolta polacca del 1794 fu soppressa e il compositore lasciò il paese. Immagina, la polacca ha 213 anni. La longevità di un'opera d'arte dipende dalla carica di energia spirituale messa in essa dall'autore; un tale lampo creativo può nutrire le persone con l'energia dei sentimenti per secoli. La longevità di un'opera d'arte dipende dalla carica di energia spirituale messa in essa dall'autore; un tale lampo creativo può nutrire le persone con l'energia dei sentimenti per secoli. Ed eccoli qui: trasformazioni meravigliose, sorprendenti, infinite e varie della polacca di Oginsky nelle anime delle persone. Ed eccoli qui: trasformazioni meravigliose, sorprendenti, infinite e varie della polacca di Oginsky nelle anime delle persone. "POLONEZ DI OGINSKY ADDIO ALLA PATRIA"

Canzone sulle note di Polonaise Oginsky eseguita dal Coro Turetsky Cosa è stato interessante nella loro esibizione? Cosa c'era di interessante nella loro esibizione? Come ti sei sentito quando sei uscito di casa almeno per un po'? Come ti sei sentito quando sei uscito di casa almeno per un po'?

Compiti a casa Esprimi i tuoi sentimenti di essere lontano da casa scrivendo o disegnando. Esprimi i tuoi sentimenti di separazione da casa in un saggio o in un disegno. Trova o componi poesie sulla separazione da casa, disponi in una versione per computer su un foglio A4, recita o componi musica ed esegui la lezione. Trova o componi poesie sulla separazione da casa, disponi in una versione per computer su un foglio A4, recita o componi musica ed esegui la lezione.

Autovalutazione e valutazione dell'attività di apprendimento degli studenti da parte del docente. Algoritmo di autovalutazione. Ricordi tutto quello che è stato detto a lezione? Eri attivo durante la lezione? Le tue risposte sono state impeccabili? Hai mantenuto l'ordine durante la lezione? Hai annotato tutto ciò che riguarda la lezione su un quaderno? Hai completato i compiti?

ARGOMENTO: "Immagine musicale"

SCOPO: sviluppo di una percezione attiva, profondamente sentita e consapevole della musica da parte degli studenti sulla base dell'identificazione di immagini musicali in essa, determinandone la natura, il contenuto e la struttura.

• la formazione della capacità degli studenti di determinare a orecchio il carattere, l'umore e i sentimenti umani che la musica trasmette;
• favorire la capacità di ascolto ponderato di un brano musicale, la capacità di analizzarne il contenuto e le modalità espressive;
• sviluppo della capacità di identificare i tratti caratteristici dello stile della musica;
• sviluppo del pensiero indipendente degli studenti, manifestazione della propria iniziativa e creatività;
• consolidamento dell'abilità di pura intonazione di una melodia, respirazione corretta e articolazione accurata delle parole durante il canto;

MATERIALE MUSICALE:

Concerto n. 2 per pianoforte e orchestra, I movimento

S.V. Rachmaninov;

Canzone "Luoghi Nativi", musica di Yu Antonov.

GAMMA VISIVA:

“Prato umido” di F.A. Vasiliev;

"Campane della sera", "Alberi primaverili", "Sera. Golden Plyos ”,“ Eterna Pace ”, I.I. Levitano;

"Ok", V. D. Polenova;

W. Ciao ragazzi! Siediti, prova a sentirti come se fossi in una sala da concerto. A proposito, qual è il programma del concerto di oggi? Nessuno sa? Che problema, eravate così di fretta che nessuno di voi ha prestato attenzione al manifesto all'ingresso della sala. Bene, ok, non ti arrabbiare! Penso che la musica che suonerà oggi ti aiuterà a determinare non solo il suo compositore e il suo contenuto musicale, ma ti aiuterà anche a sentire, realizzare la profondità dei sentimenti che trasmetterà.

Quindi, immagina che la luce nella sala abbia iniziato a diminuire, si siano uditi dei passi, ci sia stato un silenzio completo e molti ascoltatori si siano bloccati storditi per cogliere l'apparizione del maestro sul palco. Uscì e si avvicinò con passo deciso al pianoforte, si sedette e pensò per qualche istante. Il suo viso espressivo era rivolto verso lo strumento. Fissò il pianoforte con una concentrazione così profonda che si sentiva in esso una specie di potere ipnotico soprannaturale. Il musicista iniziò a suonare e la musica iniziò a suonare.

L'esposizione della prima parte del Secondo Concerto per pianoforte e orchestra di S.V. Rachmaninov.

W. Chi è coinvolto nell'esecuzione di un brano musicale?

D. Pianoforte e Orchestra Sinfonica.

W. Allora, possiamo definire il genere musicale?È opera, balletto, sinfonia?

W. Chi è in testa?

D. Nella musica, ascoltiamo alternativamente il pianoforte e l'orchestra.

Penso che abbiano lo stesso ruolo.

W. So come chiamiamo questo brano musicale? Abbiamo già incontrato un'opera di questo genere.

D. Questo è un Concerto per pianoforte e orchestra.

Sulla parola “concerto” c'è un messaggio di aiuto, che è stato preparato da uno degli studenti come compito a casa.

W. A cosa ci prepara la musica?

D. Per riflessioni. Ascoltandola, voglio pensare.

W. Pensa quale compositore potrebbe scrivere questo brano musicale: russo o straniero? Come mai?

Le risposte dei bambini.

W. È un compositore contemporaneo o un compositore vissuto tanto tempo fa?

Le risposte degli studenti.

W. In effetti, questo è un compositore russo - Sergei Vasilyevich Rahmaninov, vissuto a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Non era solo un compositore di talento, ma anche un meraviglioso direttore d'orchestra e un brillante pianista.

Ascolta come si è descritto lo stesso compositore:

“Sono un compositore russo e la mia patria ha lasciato un'impronta nel mio carattere e nelle mie opinioni. La mia musica è il frutto del mio carattere, e quindi è musica russa".

Rachmaninov era un uomo dal destino straordinario. Poeta e cantante russo, nacque vicino a Novgorod e morì in America. Sergei Vasilievich amava la sua terra natale e vi rimase fedele fino alla fine dei suoi giorni.

La carriera del compositore non è stata facile. Il fatto è che quasi ogni talento dopo i primi successi ispiratori si trova di fronte a un fraintendimento della sua arte, nella sua vita ci sono alti e bassi creativi. L'anno 1897 divenne un punto di svolta così difficile, per molti versi, per Rachmaninov. La sua prima vera opera di compositore per adulti, la Sinfonia n. 1, fallì. Questo fallimento fu una tragedia per il giovane compositore. Gli portò non solo amare delusioni, ma anche una prolungata crisi creativa, aggravata da una grave malattia nervosa. Per diversi anni, Rachmaninov non ha scritto nulla di significativo. Il tempo passò. E poi arrivò il 1901.

COSA È SUCCESSO IN QUESTI ANNI AL COMPOSITORE?

La musica ci aiuterà a rispondere a questa domanda, a quei sentimenti, pensieri e stati d'animo di cui è piena. È la musica che aiuterà a capire com'era la persona che l'ha composta, a determinare il suo stato d'animo in quel momento. E per farci capire più facilmente l'essenza morale della musica di Rachmaninoff, simuliamo una situazione di questo tipo. Siamo d'accordo che il pianoforte solista trasmetterà il comportamento, i pensieri, i sentimenti e le esperienze del nostro eroe, e il mondo intorno a lui (la società, la natura, le persone, la Patria) sarà un'orchestra sinfonica.

La musica suona.

W. Hai detto che nella musica sentiamo lunghezza, melodia, belle melodie, una vasta gamma di suoni. Senti intonazioni melodiose e allungate all'inizio del Concerto?

L'insegnante suona gli accordi di introduzione al pianoforte.

D. n. Gli accordi suonano.

W. Come ti senti quando suoni questi accordi di pianoforte? Cosa ti ricorda questo suono??

D. Ricorda il suono delle campane, come se stessero suonando le campane, l'allarme.

E ho la sensazione che qualcuno o qualcosa si stia avvicinando.

W. Perchè la pensi così?

E. Perché c'è poco sviluppo dinamico in corso nella musica.

W. Sì, la breve introduzione è costruita su una progressione di accordi che viene echeggiata nel basso da un rimbombante battito di campane. E la crescita della sonorità da pianissimo a potente fortissimo crea la sensazione di un graduale avvicinamento a un qualche tipo di immagine. Ma quale? Il prossimo brano musicale ci aiuterà a definirlo.

L'esposizione della prima parte del Concerto suona.

W. Quante immagini musicali ci sono nel pezzo?

W. Si assomigliano?

W. Come sono rappresentati?

E. Temi musicali.

W. Cosa esprime il 1° tema? Quali sensazioni trasmette? Com'è lei?

L'insegnante suona il 1° tema al pianoforte.

D. Severo, coraggioso, deciso.

W. Qual è la natura del 2° tema?

L'insegnante esegue il 2° tema musicale al pianoforte.

D. Lirico, leggero, sognante.

D. Vediamo di farlo con quali mezzi espressivi musicali il compositore ha mostrato ogni immagine musicale?

D. Il tema rappresentato dalla prima immagine è eseguito da un'orchestra sinfonica. Nella musica si sente

I bambini canticchiano la melodia della prima sigla.

W. Quale immagine o immagine di quale ha incarnato il compositore con questo tema musicale, utilizzando ampiamente mezzi espressivi musicali vividi?

D. Penso che questa sia un'immagine russa. Se il tema è guidato da un'orchestra sinfonica, allora è l'immagine di tutto ciò che circonda una persona: l'immagine della Russia, l'immagine del popolo russo, l'immagine della natura russa.

U. Ma l'artista russo Ilya Efimovich Repin ha condiviso le sue impressioni sulla musica che ha ascoltato: "Questa è l'immagine di un potente uccello del potere, che si libra dolcemente e profondamente lentamente sopra l'elemento acqua."

La natura di Rachmaninov esiste di per sé? Oppure è parte integrante della vita di una persona, il nostro eroe, rappresentato dalla parte del pianoforte?

D. Penso che la natura e l'uomo siano un tutt'uno.

Mi sembra che sullo sfondo dell'immagine della natura russa, il compositore abbia trasmesso vari stati emotivi di una persona.

W. Di quali sentimenti, pensieri, stati d'animo è piena la musica? Come trasmette lo stato d'animo del compositore?

La parte principale dell'esposizione della prima parte del Concerto suona.

I bambini esprimono la loro opinione, rispondono alle domande.

W. Ecco cosa disse lo stesso compositore: “ È stato il periodo più difficile e critico della mia vita, quando pensavo che tutto fosse perduto e che ulteriori lotte fossero inutili..."

Nella vita del compositore ci fu una prolungata crisi creativa, aggravata da una grave malattia nervosa. Poi i parenti e gli amici di S.V. Rachmaninov decise di contattare il dottor Nikolai Vladimirovich Dal. A quel tempo, Dahl divenne uno specialista molto famoso, che ora sarebbe stato chiamato psicoterapeuta, poiché praticava ampiamente l'ipnosi. L'essenza delle sue sessioni di trattamento con Rachmaninov era che faceva sedere Sergei Vasilyevich su una sedia comoda e parlava pacificamente con lui. Le conversazioni avevano lo scopo di elevare l'umore generale del paziente, farlo dormire bene la notte e suscitare in lui il desiderio e la fiducia nel comporre musica.

Ben presto, quelli intorno a lui hanno notato segni di miglioramento delle condizioni di Sergei Vasilyevich. Lo stesso compositore era molto preoccupato per il concerto per pianoforte, sul quale iniziò a lavorare. Dahl lo sapeva e fece ogni sforzo per instillare nel compositore la fiducia necessaria per superare le difficoltà psicologiche che si erano presentate sulla sua strada.

E così il lavoro sul concerto per pianoforte fu completato. Il Secondo Concerto per pianoforte e orchestra fu eseguito per la prima volta nel 1901 a Mosca. E nel 1904, per questo lavoro, Rachmaninoff ricevette il prestigioso Premio Glinkin.

Così, il compositore ha finalmente creduto in se stesso, nella sua salvezza creativa. E qual è stato il vero merito del dottore, che ha instillato la fiducia nel compositore dal cuore decaduto, è meglio visto nella dedica, che è stata scritta di mano dall'autore del Secondo Concerto per pianoforte su una copia stampata donata dello spartito: "Dedicato allo stimato Nikolai Vladimirovich Dal, un paziente che gli è sinceramente grato."

W. Erano solo i suoi sentimenti e le sue esperienze personali che il compositore voleva trasmettere con il primo tema musicale?

D. Penso che Rachmaninov volesse mostrare o trasmettere l'atmosfera del tempo in cui viveva, lavorava lui ei suoi contemporanei, il carattere e gli ideali di quel tempo.

W. In effetti, nella sua musica sentiamo l'ansia, l'eccitazione che regnava in quel momento nella società russa.

“Il tema del suo secondo concerto più ispiratore non è solo il tema della sua vita, ma dà invariabilmente l'impressione di uno dei temi più sorprendenti della Russia... altezza", ha scritto Nikolai Karlovich Medtner su questo lavoro. famoso compositore russo.

La musica di Rachmaninov è ricca di contenuti. Comprende varie immagini musicali, una delle quali abbiamo analizzato. Passiamo ora al 2° argomento.

Una parte laterale suona.

I bambini comprendono il linguaggio musicale del 2° tema.

D. Il tema è diretto dal pianoforte. È il solista. Sentiamo il suono morbido di una melodia; morbido maggiore, note alte; movimento fluido della melodia, tempo moderato, luce, intonazione lirica, genere della canzone.

W. Quale immagine musicale voleva mostrare il compositore con il 2° tema?

D. Questa è un'immagine della natura russa: tranquilla e calma.

W. Quali altri pensieri ci saranno? Forse qualcuno la pensa diversamente?

D. Il tema è eseguito dal pianoforte, che, come concordato, trasmette i pensieri ei sentimenti di una persona.

W. Sono esperienze turbolente? A cosa ci prepara la musica?

D. Sentimenti lirici. Questa è la riflessione di un uomo sul suo destino, questa è una confessione lirica.

W. Perché hai deciso che una persona pensa, riflette?

E. Nella musica, sentiamo un suono tranquillo, un movimento fluido e calmo della melodia. È a questo genere di musica che si vuole pensare, sognare.

W. A cosa sta pensando il nostro uomo?

D. Sulla Patria, sulla Russia, sulla sua gente, sulla bellezza della natura.

W. Determina l'atteggiamento del nostro personaggio nei confronti di ciò che lo circonda.

D. Ama il suo popolo, la Patria, la sua natura. Una persona tratta tutto questo con trepidazione e tenerezza.

W. Come mai?

E. Perché la musica esprime sentimenti come gentilezza, affetto, tenerezza, una sorta di sentimenti leggeri.

W. Quale immagine musicale voleva trasmettere il compositore?

D. L'immagine dell'amore per la Patria, la natura, la Russia.

I bambini con amore e tenerezza cantano la melodia della parte laterale.

W. Le immagini della natura nativa hanno sempre preoccupato i compositori. Tuttavia, le sue immagini erano incarnate non solo nella musica, ma anche in altri tipi di arte russa.

L'insegnante porta all'attenzione degli studenti riproduzioni di dipinti di artisti russi.

W. A cavallo dei secoli XIX-XX. nel campo delle belle arti, c'è un ampio sviluppo della poesia del paesaggio, rappresentanti di spicco erano gli artisti russi I.I. Levitan, F.A. Vasiliev, V. D. Polenov, Savrasov e altri.

I bambini in gruppo svolgono un compito creativo. DOMANDE:

1. Quale immagine nei dipinti simboleggia l'immagine russa, l'immagine della Russia?
2. Quali immagini sono in sintonia con la musica del 1° tema e del 2°?
3. Cosa hanno in comune un brano musicale e un dipinto?
4. Cosa vedi nella foto che ti permette di rilevare la presenza di una persona?
5. Cosa c'è di comune tra lo stato di natura e i sentimenti del nostro eroe, che sono espressi nella musica?

Viene suonata la musica della prima parte del Concerto. I bambini lavorano in gruppo, scambiano opinioni, prendono decisioni. Discussione.

U. Isaac Ilyich era un eccezionale artista russo, maestro del paesaggio lirico

Levitano. Con profonda poesia, ha catturato immagini della terra e della natura russe sulle sue tele. Le sue opere sono caratterizzate da chiarezza e sincerità, bellezza e armonia, assenza di colori brillanti e linee nette. Nei suoi dipinti, l'artista riflette una varietà di sentimenti ed esperienze umane. Forse è per questo che I.I. Levitan un tempo era chiamato il creatore di un nuovo tipo di paesaggio, comunemente chiamato “PAESAGGIO DELL'UMORE”. Hai notato come l'immagine e la musica siano incredibilmente intonate! Quali sentimenti umani simili, identici, stati d'animo evocano nello spettatore e nell'ascoltatore due opere d'arte, diverse nell'aspetto.

Così, nella musica della prima parte del Secondo Concerto per pianoforte e orchestra, abbiamo identificato due immagini musicali: la prima è l'immagine della Russia, la Patria, e la seconda è l'immagine dell'amore per la Patria. Come ognuno di loro si svilupperà, interagirà tra loro in futuro, come per il dramma musicale, lo seguiremo e cercheremo di capirlo nella prossima lezione.

Fate ora attenzione a queste date: 11873. e 2008 Quanto tempo si connette?

Queste date? I bambini rispondono.

Nell'attuale 2008 S.V. Rachmaninov avrebbe compiuto 135 anni. Sono passati più di cento anni e oggi la sua musica suona nella nostra classe. Credi sia possibile dire che la musica di questo compositore russo è contemporanea anche adesso, che ha attraversato il tempo? Perché le sue opere hanno ancora molto successo oggi?

D. Penso che tu possa.

Musica di S.V. Rachmaninov, vissuto a cavallo tra il XIX e il XX secolo, continua ad emozionare noi, che viviamo a cavallo tra il XX e il XXI secolo, e ora, perché trasmette tali sentimenti umani, incarna tali aspetti della vita che sono comprensibili e vicini a ogni persona russa.

W. E non solo russo. La musica di Rachmaninoff è molto popolare e famosa nei circoli musicali di tutto il mondo. Molto spesso le sue opere annoverano nel loro repertorio concertistico molti celebri interpreti e famosi gruppi sinfonici d'Europa e del mondo. La musica di Rachmaninoff ha resistito al giudizio più severo e giusto possibile nell'arte: il giudizio del tempo.

Qual è la sua attrazione? Quali sono i tratti caratteristici della musica di questo meraviglioso compositore russo che ci permettono di distinguerla dall'enorme flusso di materiale musicale?

Pensa e prova a definire le caratteristiche principali di S.V. Rachmaninov.

• canto, lunghezza e nazionalità delle melodie;
• ritmo rigoroso;
• pienezza, ampiezza e libertà di consistenza;
• passaggi allargati e ondulati;
• attivo, maschile minore e lirico, morbido maggiore;
• flusso e riflusso costanti della dinamica;
• la predominanza del suono degli archi e degli strumenti di legno nell'orchestra.

U. Rachmaninov ha creato opere di varie tendenze. Ma qualunque sia il genere a cui si rivolge, la sua musica è riconoscibile: questa è la nostra musica russa: melodiosa, melodica, persistente e bella. Bella come la nostra vasta Patria: la Russia con la sua potente natura russa, le persone meravigliose, la cultura multinazionale, i suoi costumi popolari, i suoi modi e le sue tradizioni spirituali, gli spazi e i luoghi nativi che sono così cari a ogni persona russa.

Gli studenti eseguono la canzone "NATIVE PLACES", musica di Y. Antonov.

L'insegnante lavora sull'intonazione pura della melodia, sulla respirazione corretta, sulla dizione e sull'articolazione accurate.

W. A conclusione del nostro incontro, vorrei augurare a me ea te che i nostri cuori non si stanchino di credere in noi stessi, nei nostri cari, negli amici, nel grande valore della vita. E lascia che la musica di Rachmaninov aiuti in questo, che è molto attraente per se stessa, va ai nostri cuori, viene dal profondo dell'anima.

BIBLIOGRAFIA:

1. “Musica russa a scuola”, cenni metodologici, G.P. Sergeeva, T.S. Shmagina, MIROS, Mosca 1998;
2. "Rachmaninov e il suo tempo", Yu Keldysh, "Musica", Mosca 1973.