Renesansa, ili Renesansa(fr. renesansa), - prekretnica u povijesti kulture europskih naroda. U Italiji su se novi trendovi pojavili na prijelazu iz XIII-XIV stoljeća, u drugim europskim zemljama - u XV-XVI stoljeću. Renesansne ličnosti prepoznale su čovjeka – njegovo dobro i pravo na slobodan razvoj njegove osobnosti – kao najvišu vrijednost. Taj se svjetonazor naziva "humanizam" (od latinskog humanus - "ljudski", "human"). Humanisti su u antici tražili ideal skladne osobe, a antička grčka i rimska umjetnost poslužile su im kao uzor za umjetničko stvaralaštvo. Želja za "oživljavanjem" antičke kulture dala je naziv cijeloj epohi - renesansi, razdoblju između srednjeg i novog vijeka (od sredine 17. stoljeća do danas).

Umjetnost, uključujući glazbu, najpotpunije odražava renesansni svjetonazor. U tom razdoblju, kao i u srednjem vijeku, vodeće mjesto pripadalo je vokalnoj crkvenoj glazbi. Razvoj polifonije doveo je do pojave polifonije (od grčkog "polis" - "brojan" i "pozadina" - "zvuk", "glas"). Kod ove vrste polifonije svi glasovi u djelu su jednaki. Polifonija ne samo da je zakomplicirala rad, već je omogućila autoru da izrazi svoje osobno razumijevanje teksta, dajući glazbi veliku emocionalnost. Polifona kompozicija nastala je prema strogim i složenim pravilima, zahtijevajući od skladatelja duboko znanje i virtuozno umijeće. Crkveni i svjetovni žanrovi razvijali su se u okviru polifonije.

Nizozemska polifona škola. Nizozemska je povijesna regija u sjeverozapadnoj Europi, koja uključuje teritorije moderne Belgije, Nizozemske, Luksemburga i sjeveroistočne Francuske. Do XV stoljeća. Nizozemska je dosegla visoku gospodarsku i kulturnu razinu i postala prosperitetna europska zemlja.

Tu se oblikovala nizozemska polifona škola - jedan od najvećih fenomena renesansne glazbe. Za razvoj umjetnosti u 15. stoljeću od velike je važnosti komunikacija glazbenika iz različitih zemalja i međusobni utjecaj kreativnih škola. Nizozemska je škola apsorbirala tradicije Italije, Francuske, Engleske i same Nizozemske.

Njegovi istaknuti predstavnici: Guillaume Dufay (1400.-1474.) (Dufay) (oko 1400. - 27.11.1474., Cambrai), francusko-flamanski skladatelj, jedan od utemeljitelja nizozemske škole. Temelje polifone tradicije u nizozemskoj glazbi postavio je Guillaume Dufay (oko 1400.-1474.). Rođen je u Cambraiju u Flandriji (pokrajina na jugu Nizozemske) i od malih nogu pjeva u crkvenom zboru. Paralelno s tim, budući glazbenik je pohađao privatne sate kompozicije. U mladosti, Dufay je otišao u Italiju, gdje je napisao svoje prve skladbe - balade i motete. U godinama 1428-1437. služio je kao pjevač u papinskoj kapeli u Rimu; istih godina putovao je u Italiju i Francusku. 1437. kompozitor je zaređen. Na dvoru savojskog vojvode (1437.-1439.) skladao je glazbu za svečanosti i praznike. Dufaya su vrlo poštovale plemenite osobe - među njegovim obožavateljima bili su, na primjer, bračni par Medici (vladari talijanskog grada Firence). [Radio u Italiji i Francuskoj. 1428-37 bio je pjevač papinskih kapela u Rimu i drugim talijanskim gradovima, 1437-44 služio je kod vojvode od Savoje. Od 1445. kanonik i ravnatelj glazbene djelatnosti katedrale u Cambraiju. Majstor duhovnih (3-, 4-glasne mise, moteti), kao i svjetovnih (3-, 4-glasne francuske šansone, talijanske pjesme, balade, rondo) žanrova povezanih s narodnim višeglasjem i humanističkom kulturom renesanse. Danteova umjetnost, koja je upijala dostignuća europske glazbene umjetnosti, imala je veliki utjecaj na daljnji razvoj europske polifone glazbe. Bio je i reformator notnog zapisa (D. je zaslužan za uvođenje nota s bijelim glavama). Cjelokupna sabrana djela D. objavljena u Rimu (6 svezaka, 1951-66).] Dufay je bio prvi među skladateljima koji je Misu počeo skladati kao cjelovitu glazbenu skladbu. Za stvaranje crkvene glazbe potreban je izniman talent: sposobnost izražavanja apstraktnih, nematerijalnih pojmova konkretnim, materijalnim sredstvima. Poteškoća leži u činjenici da takva kompozicija, s jedne strane, ne ostavlja slušatelja ravnodušnim, a s druge strane, ne odvlači pažnju od božanske službe, pomaže da se dublje usredotoči na molitvu. Mnoge su Dufayeve mase nadahnute, pune unutarnjeg života; čini se da pomažu da se na trenutak otvori veo Božanske objave.

Često je, stvarajući misu, Dufay uzimao dobro poznatu melodiju kojoj je dodao svoju. Takve posudbe karakteristične su za renesansu. Smatralo se vrlo važnim da se misa temelji na poznatoj melodiji, koju su štovatelji lako prepoznali čak i u polifonom djelu. Često se koristio fragment gregorijanskog pjevanja; nisu bili isključeni ni svjetovni radovi.

Osim crkvene glazbe, Dufay je skladao motete za svjetovne tekstove. U njima je koristio i složenu polifonu tehniku.

Josquin Despres (1440-1521). Predstavnik nizozemske polifone škole druge polovice 15. stoljeća. bio je Josquin Despres (oko 1440.-1521. ili 1524.), koji je imao veliki utjecaj na rad sljedeće generacije skladatelja. U mladosti je služio kao crkveni zbor u Cambraiju; pohađao satove glazbe iz Okegema. S dvadeset godina mladi glazbenik dolazi u Italiju, pjeva u Milanu s vojvodama od Sforze (kasnije je ovdje služio veliki talijanski umjetnik Leonardo da Vinci) i u papinskoj kapeli u Rimu. U Italiji je Despres vjerojatno počeo skladati glazbu. Na samom početku XVI stoljeća. preselio se u Pariz. U to vrijeme Despres je već bio poznat, a na mjesto dvorskog glazbenika pozvao ga je francuski kralj Luj XII. Od 1503. Despres se ponovno nastanila u Italiji, u gradu Ferrari, na dvoru vojvode d'Este Despres je mnogo skladala, a njegova je glazba brzo stekla priznanje u najširim krugovima: voljeli su je i plemstvo i obični ljudi. Skladatelj stvara ne samo crkvena, već i svjetovna djela, a posebno se okreće žanru talijanske narodne pjesme - frottola (tal. frottola, od frotta - "gomila"), koju karakterizira plesni ritam i brz tempo. . ., živa intonacija je razbila strogu odvojenost i izazvala osjećaj radosti i punine bića. ...

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Mlađi suvremenici Guillaumea Dufaya bili su Johannes (Jean) Okegem (oko 1425.-1497.) i Jacob Obrecht. Kao i Dufay, Okegem je bio porijeklom iz Flandrije. Cijeli je život teško radio; osim što je skladao glazbu, djelovao je i kao predstojnik kapele. Skladatelj je stvorio petnaest misa, trinaest moteta, više od dvadeset šansona. Okegemova djela odlikuju se ozbiljnošću, koncentracijom i dugotrajnim razvojem tečnih melodijskih linija. Veliku pažnju posvećivao je polifonoj tehnici, nastojao da se svi dijelovi mise doživljavaju kao jedinstvena cjelina. U njegovim se pjesmama naslućuje i skladateljev kreativni rukopis - gotovo su lišene svjetovne lakoće, karakterno više podsjećaju na motete, a ponekad čak i na fragmente masa. Johannes Okegem bio je cijenjen i u zemlji i u inozemstvu (imenovan je savjetnikom kralja Francuske). Jacob Obrecht bio je pjevač u katedralama u raznim gradovima Nizozemske, vodio je kapele; nekoliko godina služio je na dvoru vojvode d'Estea u Ferrari (Italija). Autor je dvadeset i pet misa, dvadeset moteta, trideset šansona. Koristeći dostignuća svojih prethodnika, Obrecht je unio mnogo novoga polifonu tradiciju Njegova je glazba puna kontrasta, hrabra čak i kada se skladatelj obraća tradicionalnim crkvenim žanrovima.

Svestranost i dubina kreativnosti Orlanda Lassa. Povijest nizozemske renesansne glazbe zaokružuje djelo Orlanda Lassa (pravo ime i prezime Roland de Lasso, oko 1532.-1594.), kojeg su njegovi suvremenici nazivali "belgijskim Orfejem" i "princem glazbe". Lasso je rođen u Monsu (Flandrija). Od djetinjstva je pjevao u crkvenom zboru, zadivljujući župljane prekrasnim glasom. Gonzaga, vojvoda talijanskog grada Mantove, slučajno čuvši mladog pjevača, pozvao ga je u svoju kapelu. Nakon Mantove, Lasso je kratko vrijeme radio u Napulju, a potom se preselio u Rim - tamo je dobio mjesto poglavara kapele jedne od katedrala. U dobi od dvadeset i pet godina Lasso je već bio poznat kao skladatelj, a njegova su djela bila tražena među glazbenim izdavačima. Godine 1555. objavljena je prva zbirka djela koja sadrži motete, madrigale i šansonu. Lasso je proučavao sve ono najbolje što su stvorili njegovi prethodnici (nizozemski, francuski, njemački i talijanski skladatelji), te je svoje iskustvo koristio u svom radu. Kao izvanredna osoba, Lasso je nastojao prevladati apstraktni karakter crkvene glazbe, dati joj individualnost. U tu je svrhu skladatelj ponekad koristio žanrovske motive (teme narodnih pjesama, plesova), približavajući tako crkvenu i svjetovnu tradiciju. Lasso je kombinirao složenost polifone tehnike s velikom emocionalnošću. Posebno je bio uspješan na madrigalima, u čijim se tekstovima otkrivalo stanje duha likova, na primjer, Suze svetog Petra" (1593.) na stihove talijanskog pjesnika Luigija Tranzilla. Skladatelj je često pisao za velike broj glasova (pet do sedam), pa su njegova djela teška za izvođenje...

Od 1556. Orlando Lasso živio je u Münchenu (Njemačka), gdje je bio na čelu kapele. Potkraj života njegov je autoritet u glazbenim i umjetničkim krugovima bio vrlo visok, a slava se proširila diljem Europe. Nizozemska polifona škola imala je velik utjecaj na razvoj glazbene kulture Europe. Principi polifonije koje su razvili nizozemski skladatelji postali su univerzalni, a mnoge su umjetničke tehnike u svom radu koristili skladatelji već u 20. stoljeću.

Francuska. Za Francusku je 15.-16. stoljeće postalo doba važnih promjena: Stogodišnji rat (1337.-1453.) s Engleskom je završio, do kraja 15. stoljeća. dovršeno je ujedinjenje države; u 16. stoljeću zemlja je doživjela vjerske ratove između katolika i protestanata. U jakoj državi s apsolutnom monarhijom porasla je uloga dvorskih slavlja i pučkih fešta. To je pridonijelo razvoju umjetnosti, posebice glazbe koja je pratila takve događaje. Povećao se broj vokalnih i instrumentalnih sastava (kapele i supruzi) koje je činio značajan broj izvođača. Tijekom vojnih pohoda na Italiju, Francuzi su se upoznali s dostignućima talijanske kulture. Duboko su osjećali i prihvaćali ideje talijanske renesanse - humanizam, želju za harmonijom sa svijetom oko sebe, za uživanjem u životu.

Ako se u Italiji glazbena renesansa povezivala prvenstveno s misom, onda su francuski skladatelji, uz crkvenu glazbu, posebnu pozornost posvetili svjetovnoj polifonoj pjesmi - šansoni. Zanimanje za njega u Francuskoj se javilo u prvoj polovici 16. stoljeća, kada je objavljena zbirka glazbenih djela Clementa Janequina (oko 1485.-1558.). Upravo se ovaj skladatelj smatra jednim od tvoraca žanra.

Glavna zborska programska djela Clementa Janequina (1475.-1560.). Kao dijete, Jeannequin je pjevao u crkvenom zboru u svom rodnom gradu Chatelleraultu (Središnja Francuska). Kasnije je, prema kazivanju povjesničara glazbe, učio kod nizozemskog majstora Josquina Despreza ili kod skladatelja iz njegove pratnje. Primivši svećeničko ređenje, Zhaneken je radio kao zborovođa i orguljaš; tada ga je u službu pozvao vojvoda od Guisea. Godine 1555. glazbenik je postao pjevač Kraljevske kapele, a 1556.-1557. - kraljevski dvorski skladatelj. Clement Jeannequin stvorio je dvjesto osamdeset šansona (objavljenih između 1530. i 1572.); pisao crkvenu glazbu – mise, motete, psalme. Njegove su pjesme često bile slikovite. Slike bitke ("Bitka kod Marignana", "Bitka kod Rente", "Bitka kod Metza"), scene lova ("Lov"), slike prirode ("Pjevanje ptica", "Slavuj" , "Šavica" ), svakodnevne scene ("Žensko brbljanje"). Skladatelj je nevjerojatnom živopisnošću uspio prenijeti atmosferu svakodnevice u Parizu u šansoni "Vriskovi Pariza": u tekst je uveo uzvike prodavača ("Mlijeko!" - "Pite!" - "Artičoke!" - "Riba!" - "Šibice!" - "Golubovi! ! "-" Stare cipele! "-" Vino! "). Janequin gotovo nije koristio duge i tečne teme za pojedine glasove i složene polifone tehnike, dajući prednost prozivkama, ponavljanjima, onomatopejom.

Drugi smjer francuske glazbe povezan je s paneuropskim pokretom reformacije.

U crkvenim službama francuski protestanti (hugenoti) napustili su latinski i višeglasje. Duhovna glazba dobila je otvoreniji, demokratskiji karakter. Jedan od najsjajnijih predstavnika ove glazbene tradicije bio je Claude Gudimel (između 1514. i 1520.-1572.) - autor psalama na biblijske tekstove i protestantskih napjeva.

šansona. Jedan od glavnih glazbenih žanrova francuske renesanse je šansona (francuska šansona - "pjesma"). Podrijetlo joj je u narodnoj umjetnosti (rimovani stihovi epskih legendi preneseni su u glazbu), u umjetnosti srednjovjekovnih trubadura i trouvera. Šansona je po sadržaju i raspoloženju mogla biti vrlo raznolika – bilo je ljubavnih pjesama, svakodnevnih, šaljivih, satiričnih itd. Skladatelji su kao tekstove uzeli narodne pjesme i modernu poeziju.

Italija. S početkom renesanse u Italiji se širi svakodnevno muziciranje na raznim instrumentima; nastali su krugovi ljubitelja glazbe. Na stručnom polju pojavile su se dvije najmoćnije škole: rimska i venecijanska.

Madrigal. Tijekom renesanse povećava se uloga svjetovnih žanrova. U XIV stoljeću. madrigal se pojavio u talijanskoj glazbi (od pozlnelat. matricale - "pjesma na zavičajnom jeziku"). Nastala je na temelju narodnih (pastirskih) pjesama. Madrigali su bile pjesme za dva ili tri glasa, često bez instrumentalne pratnje. Napisane su na stihove modernih talijanskih pjesnika, koji su govorili o ljubavi; bilo je pjesama na svakodnevne i mitološke teme.

Tijekom petnaestog stoljeća, skladatelji se gotovo nikada nisu obraćali ovom žanru; zanimanje za njega ponovno je oživjelo tek u 16. stoljeću. Karakteristična značajka madrigala iz 16. stoljeća je bliska povezanost glazbe i poezije. Glazba je fleksibilno pratila tekst, odražavajući događaje opisane u pjesničkom izvoru. S vremenom su se razvili osebujni melodijski simboli koji su označavali nježne uzdahe, suze itd. U djelima nekih skladatelja simbolika je bila filozofska, na primjer, u madrigalu Gesualda di Venosa "Umirem nesretan" (1611.).

Procvat žanra pada na prijelaz iz XVI-XVII stoljeća. Ponekad se istovremeno s izvedbom pjesme odigravala i njezina radnja. Madrigal je postao osnova madrigalske komedije (korska skladba prema tekstu komedije), koja je pripremila izgled opere.

Rimska polifona škola. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Voditelj rimske škole bio je Giovanni Pierluigi da Palestrina, jedan od najvećih kompozitora renesanse. Rođen je u talijanskom gradu Palestrini, po čijem je imenu i dobio prezime. Palestrina je od djetinjstva pjevao u crkvenom zboru, a po odrasloj dobi pozvan je na mjesto dirigenta (zborovođe) u bazilici sv. Petra u Rimu; kasnije je služio u Sikstinskoj kapeli (Papina dvorska kapela).

Rim, središte katoličanstva, privukao je mnoge vodeće glazbenike. U različito vrijeme ovdje su radili nizozemski majstori, polifonisti Guillaume Dufay i Josquin Despres. Njihova razvijena tehnika skladanja ponekad je ometala percepciju teksta službe: on se gubio iza izvrsnog preplitanja glasova i riječi se, zapravo, nisu mogle čuti. Stoga su crkvene vlasti bile oprezne prema takvim djelima i zagovarale su povratak monofonije temeljene na gregorijanskim napjevima. Pitanje dopuštenosti polifonije u crkvenoj glazbi raspravljalo se čak i na Tridentskom saboru Katoličke crkve (1545.-1563.). Palestrina je blizak Papi uvjerio čelnike Crkve u mogućnost stvaranja djela u kojima kompozicijska tehnika ne bi ometala razumijevanje teksta. Kao dokaz skladao je Misu pape Marcella (1555.), koja spaja složenu polifoniju s jasnim i izražajnim zvukom svake riječi. Tako je glazbenik "spasio" profesionalnu polifonu glazbu od progona crkvenih vlasti. Godine 1577. skladatelj je pozvan da raspravlja o postupnoj reformi - zbirci svetih napjeva Katoličke crkve. U 80-ima. Palestrina je zaređen, a 1584. postao je članom Društva glazbenih majstora - udruge glazbenika izravno podređenih Papi.

Kreativnost Palestrine prožeta je svijetlim stavom. Djela koja je stvorio zadivila su njegove suvremenike i najvišom vještinom i količinom (više od sto misa, tri stotine moteta, sto madrigala). Kompleksnost glazbe nikada nije bila prepreka njezinoj percepciji. Skladatelj je znao pronaći sredinu između sofisticiranosti skladbi i njihove dostupnosti slušatelju. Palestrina je glavni stvaralački zadatak vidio u razvoju cjelovitog velikog djela. Svaki se glas u njegovim pjesmama razvija samostalno, ali istovremeno čini jedinstvenu cjelinu s ostalima, a često se glasovi zbrajaju u nevjerojatno lijepe kombinacije akorda. Često melodija gornjeg glasa lebdi iznad ostalih, ocrtavajući "kupolu" polifonije; svi glasovi su fluidni i razvijeni.

Glazbenici sljedeće generacije smatrali su umjetnost Giovannija da Palestrine uzornom, klasičnom. Mnogi istaknuti skladatelji 17.-18. stoljeća proučavali su njegova djela.

Drugi smjer renesansne glazbe vezan je uz rad skladatelja venecijanske škole čiji je utemeljitelj bio Adrian Villart (oko 1485.-1562.). Učenici su mu bili orguljaš i skladatelj Andrea Gabrieli (između 1500. i 1520. - poslije 1586.), skladatelj Cyprian de Pope (1515. ili 1516.-1565.) i drugi glazbenici. Dok Palestrina djela karakteriziraju jasnoća i stroga suzdržanost, Willart i njegovi sljedbenici razvili su veličanstven zborski stil. Za postizanje surround zvuka, svirajući tembre, u svojim su kompozicijama koristili nekoliko zborova, smještenih na različitim mjestima hrama. Korištenje prozivki između zborova omogućilo je da se crkveni prostor ispuni neviđenim efektima. Ovaj pristup odražavao je i humanističke ideale doba u cjelini - svojom vedrinom, slobodom i samom venecijanskom umjetničkom tradicijom - sa svojom težnjom za svim svijetlim i neobičnim. U radu venecijanskih majstora glazbeni se jezik također zakomplicirao: bio je ispunjen hrabrim kombinacijama akorda, neočekivanih harmonija.

Upečatljiv renesansni lik bio je Carlo Gesualdo di Venosa (oko 1560.-1613.), knez grada Venosa, jedan od najvećih majstora svjetovnog madrigala. Stekao je slavu kao filantrop, izvođač lutnji, skladatelj. Princ Gesualdo bio je prijatelj s talijanskim pjesnikom Torquatom Tassom; još uvijek postoje zanimljiva pisma u kojima oba umjetnika raspravljaju o pitanjima književnosti, glazbe i likovne umjetnosti. Tasso Gesualdo di Venosa mnoge je pjesme transponirao u glazbu - tako se pojavio niz visokoumjetničkih madrigala. Kao predstavnik kasne renesanse, skladatelj je razvio novi tip madrigala, gdje su osjećaji bili na prvom mjestu - nasilni i nepredvidivi. Stoga njegova djela karakteriziraju promjene glasnoće, intonacije, slične uzdasima, pa čak i jecajima, oštrim akordima, kontrastnim promjenama tempa. Te su tehnike dale Gesualdovoj glazbi ekspresivan, pomalo bizaran karakter, zadivila je i ujedno privlačila suvremenike. Ostavština Gesualda di Venosa sastoji se od sedam zbirki polifonih madrigala; među duhovnim djelima – „Sveti napjevi“. Njegova današnja glazba slušatelja ne ostavlja ravnodušnim.

Razvoj žanrova i oblika instrumentalne glazbe. Instrumentalnu glazbu obilježila je i pojava novih žanrova, ponajviše instrumentalnog koncerta. Violina, čembalo, orgulje postupno su se pretvorili u solo instrumente. Glazba napisana za njih omogućila je pokazivanje talenta ne samo za skladatelja, već i za izvođača. Prvenstveno se cijenila virtuoznost (sposobnost suočavanja s tehničkim poteškoćama), koja je za mnoge glazbenike postupno postala sama sebi svrha i umjetnička vrijednost. Skladatelji 17.-18. stoljeća obično ne samo da su skladali glazbu, već su i majstorski svirali na instrumentima te su se bavili pedagoškom djelatnošću. Dobrobit umjetnika uvelike je ovisila o konkretnom klijentu. U pravilu je svaki ozbiljan glazbenik nastojao dobiti mjesto ili na dvoru monarha ili bogatog aristokrata (mnogi pripadnici plemstva imali su svoje orkestre ili operne kuće), ili u hramu. Štoviše, većina skladatelja lako je kombinirala crkveno muziciranje sa službom kod svjetovnog zaštitnika.

Engleska. Kulturni život Engleske tijekom renesanse bio je usko povezan s reformacijom. U 16. stoljeću protestantizam se proširio po cijeloj zemlji. Katolička crkva je izgubila dominantni položaj, Anglikanska crkva je postala državna, koja je odbijala priznati neke dogme (temeljne odredbe) katoličanstva; većina samostana je prestala postojati. Ti su događaji utjecali na englesku kulturu, uključujući glazbu. Otvoreni su glazbeni odjeli na sveučilištima Oxford i Cambridge. U salonima plemstva svirali su klavijaturni instrumenti: virginel (vrsta čembala), prijenosne (male) orgulje i dr. Popularne su bile male skladbe namijenjene kućnom sviranju. Najistaknutiji predstavnik tadašnje glazbene kulture bio je William Bird (1543. ili 1544.-1623.) - glazbeni izdavač, orguljaš i skladatelj. Bird je postao predak engleskog madrigala. Njegova djela odlikuju jednostavnost (izbjegavao je složene polifone tehnike), originalnost forme koja prati tekst, te harmonična sloboda. Sva glazbena sredstva namijenjena su afirmaciji ljepote i radosti života, nasuprot srednjovjekovnoj strogosti i suzdržanosti. Skladatelj je imao mnogo sljedbenika u žanru madrigala.

Bird je također stvarao duhovna djela (mise, psalme) i instrumentalnu glazbu. U svojim skladbama za djevicu koristio je motive iz narodnih pjesama i plesova.

Skladatelj je silno želio da glazba koju je napisao “sretno nosi barem malo nježnosti, opuštenosti i zabave” – napisao je William Bird u predgovoru jedne od svojih glazbenih zbirki.

Njemačka. Povezanost njemačke glazbene kulture s reformacijskim pokretom. U 16. stoljeću u Njemačkoj je započela reformacija koja je značajno promijenila vjerski i kulturni život zemlje. Čelnici reformacije bili su uvjereni u potrebu promjena u glazbenom sadržaju bogoslužja. To je bilo zbog dva razloga. Do sredine 15.st. polifono umijeće skladatelja koji djeluju u žanrovima crkvene glazbe doseglo je izuzetnu složenost i profinjenost. Ponekad su nastajala djela koja zbog melodičnog bogatstva glasova i dugih napjeva većina župljana nije mogla percipirati i duhovno doživjeti. Osim toga, služba je vođena na latinskom jeziku, razumljivom Talijanima, ali stranom Nijemcima.

Utemeljitelj reformacijskog pokreta Martin Luther (1483.-1546.) smatrao je da je potrebna reforma crkvene glazbe. Glazba bi, prvo, trebala promicati aktivnije sudjelovanje župljana u bogoslužju (to je bilo nemoguće pri izvođenju višeglasnih skladbi), a drugo, trebala bi stvarati empatiju prema biblijskim događajima (što je ometalo vođenje bogoslužja na latinskom). Tako su se crkvenom pjevanju postavljali sljedeći zahtjevi: jednostavnost i jasnoća melodije, ujednačen ritam, jasan oblik pjevanja. Na temelju toga nastao je protestantski napjev - glavni žanr crkvene glazbe njemačke renesanse. Godine 1522. Luther je preveo Novi zavjet na njemački - od sada je postalo moguće obavljati bogoslužje na njihovom materinjem jeziku.

Sam Luther, kao i njegov prijatelj, njemački glazbeni teoretičar Johann Walter (1490.-1570.), aktivno je sudjelovao u odabiru melodija za korale. Glavni izvori takvih melodija bile su narodne duhovne i svjetovne pjesme - nadaleko poznate i lako razumljive. Luther je sam skladao melodije za neke korale. Jedan od njih, "Gospodin je naš oslonac", postao je simbolom reformacije tijekom razdoblja vjerskih ratova 16. stoljeća.

Meistersingeri i njihova umjetnost. Još jedna svijetla stranica njemačke renesansne glazbe povezana je s radom Meistersingera (njemački Meistersinger - "majstor pjevač") - pjesnika pjevača iz redova zanatlija. Oni nisu bili profesionalni glazbenici, nego prije svega obrtnici - oružari, krojači, staklari, postolari, pekari i dr. U gradskom sindikatu takvih glazbenika bili su predstavnici raznih obrta. U 16. stoljeću u mnogim gradovima Njemačke postojale su udruge Meistersinger.

Meistersingeri su skladali svoje pjesme prema strogim pravilima, kreativna inicijativa bila je posramljena mnogim ograničenjima. Početnik je prvo morao savladati ta pravila, zatim naučiti kako izvoditi pjesme, zatim skladati tekst na tuđe melodije, a tek onda je mogao stvoriti svoju pjesmu. Melodijama su se smatrale melodije poznatih meistersingera i minnesingera.

Izvanredni Meistersinger iz 16. stoljeća Hans Sachs (1494-1576) potječe iz krojačke obitelji, ali je u mladosti napustio roditeljski dom i otišao putovati u Njemačku. Mladić je tijekom svojih lutanja izučio postolarski zanat, ali što je najvažnije, upoznao se s narodnom umjetnošću. Sachs je bio dobro obrazovan, savršeno je poznavao antičku i srednjovjekovnu književnost, čitao je Bibliju u njemačkom prijevodu. Duboko je bio prožet idejama reformacije, pa je napisao ne samo svjetovne pjesme, već i duhovne (ukupno oko šest tisuća pjesama). Hans Sachs se proslavio i kao dramaturg (vidi članak "Kazališna umjetnost renesanse").

Glazbeni instrumenti renesanse. Tijekom renesanse sastav glazbenih instrumenata značajno se proširio, već postojećim gudačima i puhačima dodane su nove varijante. Među njima posebno mjesto zauzimaju viole - obitelj gudačkih žica, zadivljujuće svojom ljepotom i plemenitošću zvuka. Formom podsjećaju na instrumente moderne violinske obitelji (violina, viola, violončelo) i čak se smatraju njihovim neposrednim prethodnicima (koegzistirali su u glazbenoj praksi do sredine 18. stoljeća). Međutim, razlika, i to značajna, još uvijek postoji. Viole imaju sustav rezonirajućih žica; u pravilu ih je onoliko koliko i glavnih (šest do sedam). Vibracije rezonirajućih žica čine da viola zvuči meko, baršunasto, ali je instrument teško koristiti u orkestru, jer zbog velikog broja žica brzo postaje neusklađen.

Dugo se vremena zvuk viole smatrao primjerom sofisticiranosti u glazbi. U obitelji viola postoje tri glavne vrste. Viola da gamba je veliki instrument koji je izvođač postavio okomito i stezao sa strane nogama (talijanska riječ gamba znači "koljeno"). Druge dvije varijante - viola da braccio (od talijanskog braccio - "podlaktica") i viola d "kupid (fr. Viole d" amour - "viola ljubavi") bile su orijentirane horizontalno, a kada su se svirale, bile su pritisnute uz rame. Viola da gamba je po rasponu zvuka bliska violončelu, viola da braccio je bliska violini, a viola d "cupid bliska je violi.

Među trkačkim instrumentima renesanse, glavno mjesto zauzima lutnja (polj. lutnia, od arapskog "alud" - "drvo"). U Europu je s Bliskog istoka došao krajem 14. stoljeća, a početkom 16. stoljeća bio je golem repertoar za ovaj instrument; prije svega su se izvodile pjesme uz pratnju lutnje. Lutnja ima kratko tijelo; vrh je ravan, a dno podsjeća na hemisferu. Na širokom vratu pričvršćena je nastavka, a glava instrumenta je gotovo pod pravim kutom savijena unatrag. Ako želite, možete vidjeti sličnost sa zdjelom pod krinkom lutnje. Dvanaest žica grupirano je u parove, a zvuk se proizvodi i prstima i posebnom pločicom - trzalicom.

U XV-XVI stoljeću nastale su razne vrste klavijatura. Glavne vrste takvih instrumenata - čembalo, klavikord, čembalo, čembalo, virginel - aktivno su se koristile u glazbi renesanse, ali njihov pravi procvat došao je kasnije.

U glazbenoj kulturi renesanse može se izdvojiti nekoliko definirajućih inovativnih značajki.

Prvo, brzi razvoj svjetovne umjetnosti, izražen u sveprisutnosti mnogih svjetovnih žanrova pjesme i plesa. Ovo su talijanskifrottoli („Narodne pjesme, od frottola riječi - gužva), villanelles ("Seoske pjesme"),kachchii , kancona (doslovno - pjesme) i madrigali, španjolskiVillancico (od vile - selo), francuske pjesme šansone, njemačkeLagao , Engleski balade drugo. Svi ovi žanrovi, veličajući radost postojanja, zainteresirani za unutarnji svijet osobe, težeći istini života, izravno su odražavali čisto renesansni stav. Za njihova izražajna sredstva tipična je raširena uporaba intonacija i ritmova narodne glazbe.

Kulminacija sekularne linije u umjetnosti renesanse -madrigal ... Naziv žanra znači "pjesma na majčinom (odnosno talijanskom) jeziku". Naglašava razliku između madrigalske i sakralne glazbe koja se izvodi na latinskom. Razvoj žanra išao je od nepretenciozne jednoglasne pastirske pjesme do 5-6-glasnog vokalno-instrumentalnog djela s profinjenim i profinjenim lirskim tekstom. Među pjesnicima koji su se okrenuli žanru madrigala su Petrarca, Boccaccio, Tasso. Skladatelji A. Villart, J. Arcadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, K. Monteverdi bili su izvanredni majstori madrigala. Podrijetlom iz Italije, madrigal se brzo proširio na druge zapadnoeuropske zemlje.

Francuska verzija polifone pjesme zove sešansona ... Od madrigala se razlikuje po većoj bliskosti stvarnom, svakodnevnom životu, odnosno žanru. Među tvorcima šansone -Clement Jeannequin , jedan od najpoznatijih francuskih kompozitora renesanse.

Drugo, najveći procvat zborske polifonije, koja je postala vodeći glazbeni stil tog doba. Dostojanstveno i povoljno, savršeno je odgovaralo svečanosti crkvene službe. Pritom je višeglasno višeglasje bilo dominantan oblik izražavanja ne samo u duhovnim žanrovima, nego i u svjetovnim.

Razvoj zborske polifonije vezan je, prije svega, uz rad skladatelja nizozemske (francusko-flamanske) škole: Guillaume Dufay, Johannes Okegem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Lasso (oko 1532-1594) djelovao u mnogim europskim zemljama. Njegov talent, uistinu fenomenalan, sve je osvojio i oduševio. U golemom djelu Orlanda Lassa zastupljeni su svi glazbeni žanrovi renesanse (s prevlašću svjetovne glazbe nad duhovnom). Njegova najpopularnija djela uključuju "Echo", napisanu u žanru talijanske svakodnevne pjesme. Kompozicija se temelji na šarolikoj jukstapoziciji dvaju zborova, stvarajući efekt odjeka. Njegov tekst pripada samom skladatelju.

Uz Orlanda Lassa, Talijan je bio najveći predstavnik visoke renesanse u glazbi.Palestrina (punim imenom Giovanni Pierlui-gi da Palestrina, oko 1525.-1594.). Najveći dio Palestrina života proveo je u Rimu, gdje je stalno bio povezan s radom u crkvi, posebice je vodio kapelu katedrale sv. Petar. Glavni dio njegove glazbe čine duhovna djela, prije svega mise (ima ih više od stotinu, među kojima se posebno ističe poznata “Misa pape Marcella”) i moteti. No, Palestrina je svojevoljno skladao i svjetovnu glazbu - madrigale, kanconete. Palestrinina djela za zbor a Sarrellapostao klasičan primjer renesansne polifonije.

Djelo skladatelja polifonista odigralo je vodeću ulogu u razvoju glavnog žanra renesansne glazbe -mise ... Nastao u srednjem vijeku, žanr mise uXIV- XVIstoljeća, brzo se transformira, prelazeći od uzoraka predstavljenih zasebnim, raštrkanim dijelovima, do djela skladnog cikličkog oblika.

Ovisno o crkvenom kalendaru, neki dijelovi su izostavljeni u glazbi mise, a drugi dijelovi umetnuti. Pet je obveznih dijelova koji su stalno prisutni u crkvenoj službi. Vja i V - « Kyrieeleison» ("Gospodine smiluj se") i« AgnusDei» (« Jaganjac Božji") - izražena je molitva za oprost i milosrđe. UII i IV - « Gloria"(" Slava ") i" Sanctus» (« Sveti") - pohvala i zahvalnost. U središnjem dijelu "Credo» (« Vjerujem"), iznesene su glavne dogme kršćanske doktrine.

Treće, sve veća uloga instrumentalne glazbe (s jasnom prevlašću vokalnih žanrova). Ako europski srednji vijek gotovo nije poznavao profesionalni instrumentalizam, onda su u renesansi nastala mnoga djela za lutnju (najčešći glazbeni instrument tog vremena), orgulje, violu, vihuelu, virginalne, uzdužne flaute. I dalje slijede vokalne obrasce, ali je interes za instrumentalno sviranje već utvrđen.

Četvrto, tijekom renesanse dolazi do aktivnog formiranja nacionalnih glazbenih škola (nizozemski polifonisti, engleski virginalisti, španjolski vihuelisti i drugi), čiji se rad temelji na folkloru njihove zemlje.

Konačno, teorija glazbe je iskoračila daleko naprijed, iznijevši niz izvanrednih teoretičara. Ovo je francuskiPhilippe de Vitry , autor rasprave" Arsnova» (« Nova umjetnost“, koja daje teoretsku osnovu za novi polifoni stil); talijanskiJoseffo Zarlino , jedan od utemeljitelja znanosti o harmoniji; švicarskiGlarean , utemeljitelj učenja o melodiji.

FEDERALNA AGENCIJA ZA OBRAZOVANJE

GOU VPO "Mari State University"

Fakultet osnovnih razreda

Specijalnost: 050708

"Pedagogija i metode osnovnog odgoja i obrazovanja"

Odsjek: "Pedagogija osnovnog obrazovanja"

Test

"Glazba renesanse"

Joškar-Ola 2010

Doba renesanse (renesanse) je vrhunac svih vrsta umjetnosti i privlačnost njihovih likova drevnim tradicijama i oblicima.

Renesansa ima neujednačene povijesne i kronološke granice u različitim europskim zemljama. U Italiji počinje u 14. stoljeću, u Nizozemskoj počinje u 15. stoljeću, a u Francuskoj, Njemačkoj i Engleskoj njezini se znakovi najjasnije očituju u 16. stoljeću. Istodobno, razvoj veza između različitih kreativnih škola, razmjena iskustava između glazbenika koji su selili iz zemlje u zemlju, koji su radili u različitim kapelama, postaje znak vremena i omogućuje nam da govorimo o trendovima zajedničkim za cijelu doba.

Umjetnička kultura renesanse osobno je načelo utemeljeno na znanosti. Neobično složena vještina polifonista 15. – 16. stoljeća, njihova virtuozna tehnika koegzistirali su sa svijetlom umijećem svakodnevnih plesova, sofisticiranošću svjetovnih žanrova. U njegovim djelima sve više dolazi do izražaja lirika i drama.

Dakle, kao što vidimo, razdoblje renesanse je teško razdoblje u povijesti razvoja glazbene umjetnosti, stoga se čini razumnim razmotriti ga detaljnije, pridajući dužnu pozornost pojedinim osobnostima.

Glazba je jedini svjetski jezik, ne treba je prevoditi, u njoj duša razgovara s dušom.

Averbach Berthold.

Renesansna glazba ili renesansna glazba odnosi se na razdoblje u razvoju europske glazbe između 1400. i 1600. godine. U Italiji je u XIV stoljeću započela nova era za glazbenu umjetnost. Nizozemska se škola uobličila i dosegnula svoje prve vrhunce u 15., nakon čega se njezin razvoj nastavio širiti, a utjecaj je na ovaj ili onaj način zahvatio majstore drugih nacionalnih škola. Znakovi renesanse jasno su se očitovali u Francuskoj u 16. stoljeću, iako su njezina stvaralačka dostignuća i u prethodnim stoljećima bila velika i neosporna.

Uspon umjetnosti u Njemačkoj, Engleskoj i nekim drugim zemljama unutar orbite renesanse seže u 16. stoljeće. Pa ipak, s vremenom je novi stvaralački pokret postao odlučujući za zapadnu Europu u cjelini i na svoj način reagirao u zemljama istočne Europe.

Ispostavilo se da je glazba renesanse potpuno strana grubim i oštrim zvukovima. Zakoni harmonije činili su njegovu glavnu bit.

Vodeću poziciju i dalje je držao duhovna glazba zvuk za vrijeme crkvene službe. Tijekom renesanse zadržala je glavne teme srednjovjekovne glazbe: slavu Gospodinu i Stvoritelju svijeta, svetost i čistoću vjerskog osjećaja. Glavna je svrha takve glazbe, kako je rekao jedan od njezinih teoretičara, "oduševati Boga".

Mise, moteti, himne i psalmi bili su osnova glazbene kulture.

Misa je glazbeno djelo koje je zbirka dijelova katoličke liturgije latinskog obreda, čiji su tekstovi uglazbljeni za jednoglasno ili višeglasno pjevanje, sa ili bez glazbenih instrumenata, za glazbenu pratnju svečanih bogoslužja u rimskom Katolička crkva i visoke protestantske crkve, na primjer, u Švedskoj crkvi.

Mise, koje imaju glazbenu vrijednost, izvode se i izvan bogoslužja na koncertima, štoviše, mnoge mise kasnijih vremena bile su posebno sastavljene bilo za izvođenje u koncertnoj dvorani ili prigodom neke vrste slavlja.

Crkvena misa, koja seže do tradicionalnih melodija gregorijanskog korala, najslikovitije je izrazila bit glazbene kulture. Kao i u srednjem vijeku, misa se sastojala od pet dijelova, ali sada je postala veličanstvenija i opsežnija. Svijet se čovjeku više nije činio tako malenim i vidljivim. Običan život sa svojim zemaljskim radostima prestao se smatrati grešnim.

Motet (fr. motet iz mot- riječ) je vokalno polifono djelo polifonog skladišta, jednog od središnjih žanrova u glazbi zapadnoeuropskog srednjeg vijeka i renesanse.

Himna (starogrčki ὕμνος) je svečana pjesma koja hvali i veliča nekoga ili nešto (izvorno božanstvo).

Psalam (grč. ψαλμός "pjesma hvale"), r.p. psalam, pl. psalmi (grč. ψαλμοί) - himne židovske (hebrejski תהילים) i kršćanske vjerske poezije i molitve (iz Starog zavjeta).

Oni čine Psaltir, 19. knjigu Starog zavjeta. Autorstvo psalama tradicionalno se pripisuje kralju Davidu (oko 1000. pr. Kr.) i nekoliko drugih autora, uključujući Abrahama, Mojsija i druge legendarne ličnosti.

Ukupno, Psaltir uključuje 150 psalama, podijeljenih na molitve, pohvale, pjesme i pouke.

Psalmi su imali veliki utjecaj na folklor i poslužili su kao izvor mnogih poslovica. U judaizmu su se psalmi izvodili u obliku himnoloških napjeva uz pratnju. Za svaki psalam, u pravilu, bio je naznačen način izvođenja i "model" (u gregorijanskom pjevanju nazvan intonacija), odnosno odgovarajuća melodija. Psaltir je zauzeo važno mjesto u kršćanstvu. Psalmi su se izvodili tijekom bogosluženja, kućnih molitvi, prije bitke i prilikom kretanja u postrojbi. Prvotno ih je u crkvi pjevala cijela zajednica. Psalmi su se izvodili a cappella, samo kod kuće bila je dopuštena uporaba instrumenata. Vrsta izvedbe bila je recitatorsko-psalmodijska. Osim cijelih psalama, korišteni su i neki od njih najizrazitijih stihova. Na temelju toga nastala su samostalna pjevanja - antifona, graduala, traktat i aleluja.

Postupno sekularni trendovi počinju prodirati u djela crkvenih skladatelja. Teme narodnih pjesama koje nisu nimalo religioznog sadržaja hrabro se uvode u polifono tkivo crkvenih napjeva. Ali sada to nije proturječilo općem duhu i raspoloženju tog doba. Naprotiv, u glazbi je božansko i ljudsko spojeno na nevjerojatan način.

Sakralna glazba svoj vrhunac doživljava u 15. stoljeću. u Nizozemskoj. Ovdje je glazba bila štovana više od ostalih oblika umjetnosti. Nizozemski i flamanski skladatelji prvi su razvili nova pravila polifono(polifona) izvedba - klasična" strog stil". Najvažnija kompozicijska tehnika nizozemskih majstora bila je imitacija- ponavljanje iste melodije u različitim glasovima. Vodeći glas bio je tenor kojemu je povjerena glavna repetitivna melodija - cantus firmus ("nepromjenjiva melodija"). Ispod tenora je bio bas, a iznad alt. Najviši, odnosno izdignut iznad svih, glas je dobio ime sopran.

Koristeći matematičke izračune, nizozemski i flamanski skladatelji uspjeli su izračunati formulu za kombinacije glazbenih intervala. Glavni cilj pisanja je stvoriti skladnu, simetričnu i grandioznu, iznutra dovršenu zvučnu strukturu. Jedan od najsjajnijih predstavnika ove škole, Johannes Okegem (oko 1425.-1497.), na temelju matematičkih proračuna sastavio je motet sa 36 glasova!

U Okegemovom djelu zastupljeni su svi žanrovi karakteristični za nizozemsku školu: masa, motet i šansona. Najvažniji žanr za njega je misa, pokazao se kao izvanredan polifonist. Okegemova glazba je vrlo dinamična, melodijska linija se kreće u širokom rasponu, ima široku amplitudu. Istodobno, Okegem karakterizira glatka intonacija, čisti dijatonizam i drevno modalno mišljenje. Stoga se Okegemova glazba često opisuje kao "usmjerena u beskonačnost", "lebdeći" u pomalo odvojenom figurativnom okruženju. Manje je povezan s tekstom, bogat napjevom, improvizacijski, ekspresivan.

Sačuvalo se vrlo malo Okegemovih djela:

Oko 14 misa (ukupno 11):

· Requiem Missa pro Defunctis (prvi polifoni requiem u povijesti svjetske glazbene književnosti);

9-13 (prema raznim izvorima) moteti:

Preko 20 šansona

Mnogo je djela čija se pripadnost dovodi u pitanje Okegem, među njima i poznati motet "Deo gratias" za 36 glasova. Neke anonimne šansone pripisuju se Okegemu na temelju sličnosti u stilu.

Trinaest misa Okegema sačuvano je u rukopisu iz 15. stoljeća poznatom kao Chigijev kodeks.

Među misama prevladavaju četveroglasne, dvije su peteroglasne i jedna osmerodijelna. Okegem kao teme mase koristi narodne (“L’homme armé”), vlastite (“Ma maistresse”) melodije ili melodije drugih autora (na primjer, Benshua u “De plus en plus”). Postoje mise bez posuđenih tema ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Moteti i šansone

Okegemovi moteti i šansone neposredno su uz njegove mase i razlikuju se od njih uglavnom svojom ljestvicom. Među motetima su bujne, svečane skladbe, kao i strožije duhovne zborske skladbe.

Najpoznatiji je svečani motet zahvale "Deo gratias", napisan za četiri deveteroglasne skladbe i stoga se smatra 36-glasnim. Zapravo, sastoji se od četiri deveterodijelna kanona (na četiri različite teme), koji slijede jedan za drugim s blagim preklapanjem početka sljedećeg na završetak prethodnog. Na mjestima preklapanja zvuka od 18 glasova, u motetu nema pravih 36 glasova.

Ništa manje zanimljivo je djelo nizozemskog skladatelja Orlanda Lassa (oko 1532.-1594.) koji je stvorio više od dvije tisuće djela kultne i svjetovne naravi.

Lasso je najplodniji skladatelj svog vremena; zbog golemog obima njegove ostavštine, umjetnički značaj njegovih djela (od kojih su mnoga naručena) još nije u potpunosti cijenjen.

Djelovao je isključivo u vokalnim žanrovima, uključujući pisanje više od 60 misa, zadušnica, 4 ciklusa strasti (za sve evanđeliste), urede Velikog tjedna (posebno su značajni responzoriji Jutrenja na Veliki četvrtak, Veliki petak i Veliku subotu), više od 100 magnifikata, himni, foburdona, oko 150 franaka. šansona (njegova šansona "Susanne un jour", parafraza biblijske priče o Suzani, bila je jedna od najpopularnijih drama u 16. stoljeću), talijanske (villanelles, moreski, canzones) i njemačke pjesme (više od 140 pjesama), oko 250 madrigala.

Lasso se odlikuje najdetaljnijim razvojem tekstova na različitim jezicima, kako liturgijskih (uključujući tekstove Svetoga pisma) tako i slobodno sastavljenih. Ozbiljnost i dramatičnost koncepta, prošireni volumeni razlikuju kompoziciju Suze sv. Petra (ciklus 7-glasnih duhovnih madrigala na stihove Luigija Tranzilla, objavljen 1595.) i Davidove pokorničke psalme (1571. rukopis u formatu folio ukrašen s ilustracijama G. Milicha, pružajući vrijedan ikonografski materijal o životu, uključujući glazbenu zabavu, na bavarskom dvoru).

Istodobno, u sekularnoj glazbi Lasso nije bio stran humor. Primjerice, u šansoni "Na gozbama se dijeli piće u tri osobe" (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) prepričava se stara anegdota iz života skitnica; u poznatoj pjesmi “Matona mia cara” njemački vojnik pjeva ljubavnu serenadu, iskrivljujući talijanske riječi; u hvalospjevu "Ut queant laxis" oponaša se nesretno solfegiranje. Niz svijetlih kratkih Lassovih drama napisan je u vrlo neozbiljnim stihovima, na primjer, šansona "Dama je sa zanimanjem pogledala u dvorac / Priroda na mramorni kip" (En un chasteau ma dame ...), te neke pjesme (osobito moreski) sadrže opsceni vokabular.

Svjetovna glazba Renesansa je bila zastupljena raznim žanrovima: madrigali, pjesme, kancone. Glazba, koja je prestala biti "sluga crkve", sada je počela zvučati ne na latinskom, već na njihovom materinjem jeziku. Najpopularniji žanr svjetovne glazbe postali su madrigali (tal. Madrigal - pjesma na materinjem jeziku) - polifone zborske skladbe napisane na tekstu lirske pjesme ljubavnog sadržaja. Najčešće su se u tu svrhu koristile pjesme poznatih majstora: Dantea, Francesca Petrarce i Torquata Tassa. Madrigale nisu izvodili profesionalni pjevači, već cijeli ansambl amatera, gdje je svaki dio vodio jedan pjevač. Glavno raspoloženje madrigala je tuga, čežnja i tuga, ali bilo je i radosnih, živih kompozicija.

Kolega istraživač glazbene kulture D.K. Kirnarskaya napominje:

„Madrigal je preokrenuo čitav glazbeni sustav renesanse: urušila se ujednačena i skladna plastičnost mise... nestao je nepromjenjivi cantus firmus, temelj glazbene cjeline... uobičajene metode razvoja 'strogog pisanja' ... ustupio mjesto emocionalnim i melodijskim kontrastima epizoda, a svaka je nastojao što izražajnije prenijeti poetsku misao sadržanu u tekstu. Madrigal je konačno potkopao slabljenje snaga "strogog stila".

Pjesma uz glazbene instrumente nije bila ništa manje popularan žanr svjetovne glazbe. Za razliku od glazbe koja se svirala u crkvi, pjesme su bile prilično jednostavne za izvođenje. Njihov rimovani tekst bio je jasno podijeljen na strofe od 4-6 redaka. U pjesmama, kao i u madrigalima, tekst je dobio veliku važnost. Prilikom izvođenja, pjesnički stihovi ne bi se trebali izgubiti u višeglasnom pjevanju. Posebno su bile poznate pjesme francuskog skladatelja Clementa Jeannequina (oko 1485.-1558.). Clement Jeannequin napisao je oko 250 šansona, uglavnom za 4 glasa, na stihove Pierrea Ronsarda, Clementa Marota, M. de Saint-Jellyja, anonimnih pjesnika. Za još 40 šansona moderna znanost osporava Janequinovo autorstvo (što, međutim, ne umanjuje kvalitetu same ove sporne glazbe). Glavna odlika njegove svjetovne polifone glazbe je programska i vizualna. Pred očima slušatelja su slike bitke ("Bitka kod Marignana", "Bitka kod Renti", "Bitka kod Metza"), scene lova ("Pjevanje ptica", "Pjevanje slavuja", " Lark"), svakodnevne scene ("Žensko brbljanje"). Janequin zorno prenosi atmosferu pariške svakodnevice u šansonu "Vriskovi Pariza", gdje se mogu čuti uzvici uličnih prodavača ("Mlijeko!" - "Pite!" - "Artičoke!" - "Riba!" - " Šibice!" - "Golubice!" - "Stare cipele!" - "Vino!"). Uz svu domišljatost u teksturi i ritmu, Janequinova glazba u području harmonije i kontrapunkta ostaje vrlo tradicionalna.

Renesansa je bila početak profesionalnog skladateljskog stvaralaštva... Upečatljiv predstavnik ovog novog trenda nedvojbeno je Palestrina (1525.-1594.). Njegova ostavština obuhvaća mnoga djela sakralne i svjetovne glazbe: 93 mise, 326 himni i moteta. Autor je dvaju svezaka svjetovnih madrigala na Petrarkove riječi. Dugo je radio kao zborovođa u bazilici sv. Petra u Rimu. Crkvenu glazbu koju je stvorio odlikuje čistoća i uzvišenost osjećaja. Skladateljeva svjetovna glazba prožeta je izvanrednom duhovnošću i skladom.

Renesansi dugujemo formiranje instrumentalna glazba kao samostalna umjetnička forma. U to se vrijeme pojavljuje niz instrumentalnih skladbi, varijacija, preludija, fantazija, rondoa, tokata. Od glazbenih instrumenata najpopularniji su orgulje, čembalo, viola, razne vrste flauta, a krajem 16.st. - violina.

Doba renesanse završava pojavom novih glazbenih žanrova: solo pjesme, oratorija i opere. Ako je ranije hram bio središte glazbene kulture, onda je od tog vremena glazba počela zvučati u opernoj kući. I dogodilo se ovako.

U talijanskom gradu Firenci krajem 16.st. počeli su se okupljati talentirani pjesnici, glumci, znanstvenici i glazbenici. Nitko od njih tada nije pomislio na bilo kakvo otkriće. Pa ipak, oni su bili predodređeni da naprave pravu revoluciju u kazališnoj i glazbenoj umjetnosti. Nastavljajući s izvođenjem djela starogrčkih dramatičara, počeli su skladati vlastitu glazbu, koja je, prema njihovim zamislima, odgovarala prirodi antičke drame.

Članovi camerata(kako se ovo društvo zvalo) pomno promišljena glazbena pratnja monologa i dijaloga mitoloških likova. Glumci su morali izvesti govorne dijelove recitativ(recitiranje, pjevanje govora). I premda je riječ i dalje imala vodeću ulogu u odnosu na glazbu, učinjen je prvi korak prema njihovoj konvergenciji i skladnom stapanju. Takva izvedba omogućila je u većoj mjeri prenijeti bogatstvo unutarnjeg svijeta osobe, njegova osobna iskustva i osjećaje. Na temelju takvih vokalnih dijelova, arije- završene epizode u glazbenoj izvedbi, uključujući operu.

Operna kuća brzo je osvojila ljubav i postala popularna ne samo u Italiji, već iu drugim europskim zemljama.

Popis korištene literature

1) Enciklopedijski rječnik mladog glazbenika / Comp. V.V. Medushevsky, O.O. Ochakovskaya. - M .: Pedagogija, 1985.

2) Svjetska likovna kultura. Od početaka do 17. stoljeća: udžbenik. za 10 cl. opće obrazovanje. ustanove humanitarnog profila / G.I. Danilov. - 2. izd., Stereotip. - M .: Drfa, 2005.

Najupečatljiviji fenomen bili su u to vrijeme rašireni svjetovni vokalni žanrovi, prožeti duhom humanističkih pravaca. Posebnu ulogu u njihovom razvoju imala je profesionalizacija glazbene umjetnosti: raslo je umijeće glazbenika, organizirane su škole pjevanja u kojima se od malih nogu poučavalo pjevanje, sviranje orgulja i glazbena teorija. Sve je to dovelo do odobravanja polifonije strogog stila, koji zahtijeva visoku vještinu, profesionalno ovladavanje kompozicijskom i izvođačkom tehnikom. U okviru ovog stila djeluju prilično stroga pravila glasovnog vođenja i ritmičke organizacije uz zadržavanje maksimalne neovisnosti glasova. Iako je crkvena glazba zauzimala važno mjesto u djelima majstora strogog stila, uz djela na duhovne tekstove, ovi su skladatelji napisali mnoge svjetovne polifone pjesme. Posebno su zanimljive glazbene i pjesničke slike svjetovnih vokalnih žanrova. Tekstovi se ističu živošću i relevantnošću sadržaja. Osim ljubavne lirike, iznimno su popularni bili satirični, neozbiljni, ditirambijski tekstovi, koji su spojeni s izvrsnom profesionalnom tehnikom polifonog pisanja. Evo nekoliko tekstova francuske šansone, koji su primjer svakodnevne poezije "Ustani draga Colinette, vrijeme je za piće; smijeh i zadovoljstvo su ono čemu težim. Neka se svi prepuste radosti. Došlo je proljeće.. .", "Neka je prokleto bogatstvo, oduzelo mi je prijateljicu: zauzeo sam njenu ljubav, a drugo - bogatstvo, iskrena ljubav u ljubavnim poslovima malo vrijedi."

Kultura renesanse najprije se pojavila u Italiji, a potom i u drugim zemljama. Povijest je sačuvala podatke o čestim selidbama poznatih glazbenika iz zemlje u zemlju, o njihovom radu u jednoj ili drugoj kapeli, o čestoj komunikaciji predstavnika različitih nacionalnosti itd. Stoga u glazbi renesansnog razdoblja promatramo značajan odnos između djela koja su stvarali skladatelji različitih nacionalnih škola.

16. stoljeće se često naziva "dobom plesa". Pod utjecajem humanističkih ideala talijanske renesanse konačno je srušena brana crkvenih zabrana, a žudnja za "svjetovnim", zemaljskim radostima pokazala se kao neviđena eksplozija plesnih i pjesmičkih elemenata. Snažan čimbenik popularizacije pjesme i plesa u 16. stoljeću. pronalazak metoda tiskanja glazbe odigrao je ulogu: plesovi objavljeni u velikim nakladama počeli su lutati iz jedne zemlje u drugu. Svaki narod dao je svoj doprinos zajedničkom hobiju, pa je ples, otrgnuvši se od zavičajnog tla, putovao po kontinentu, mijenjajući svoj izgled, a ponekad i ime. Moda za njih brzo se širila i brzo mijenjala.

U isto vrijeme, renesansa je vrijeme širokih vjerskih pokreta (husiti u Češkoj, luteranizam u Njemačkoj, kalvinizam u Francuskoj). Sve te raznolike manifestacije religijskih pokreta tog vremena mogu se ujediniti općim konceptom protestantizma. Protestantizam je u raznim nacionalnim pokretima igrao važnu ulogu u razvoju i jačanju zajedničkih glazbenih kultura naroda, štoviše, uglavnom na području narodne glazbe. Za razliku od humanizma, koji je obuhvaćao relativno uzak krug ljudi, protestantizam je bio masovniji trend koji se širio među širokim slojevima naroda. Jedan od najupečatljivijih fenomena u glazbenoj umjetnosti renesanse je protestantsko pjevanje. Nastao u Njemačkoj pod utjecajem reformacijskog pokreta, za razliku od atributa katoličkog bogoslužja, odlikovao se posebnim emocionalnim i semantičkim sadržajem. Luther i drugi predstavnici protestantizma pridavali su veliku važnost glazbi: "Glazba čini ljude radosnima, tjera ljude da zaborave ljutnju. Otklanja samopouzdanje i druge nedostatke... Mladež se mora neprestano poučavati glazbi, jer ona kuje spretne, prikladne ljude za sve ." Dakle, glazba u reformacijskom pokretu nije smatrana luksuzom, već svojevrsnim "kruhom svagdašnjim" - pozvana je igrati veliku ulogu u propagandi protestantizma i formiranju duhovne svijesti širokih masa.

ŽANR:

Vokalni žanrovi

Cijelu eru u cjelini karakterizira jasna prevlast vokalnih žanrova, a posebno vokalnih polifonija... Neobično složeno ovladavanje polifonijom strogog stila, istinska učenost, virtuozna tehnika koegzistirali su sa svijetlom i svježom umjetnošću svakodnevnog širenja. Instrumentalna glazba dobiva određenu samostalnost, no njezina izravna ovisnost o vokalnim oblicima i svakodnevnim izvorima (ples, pjesma) bit će prevladana tek nešto kasnije. Glavni glazbeni žanrovi ostaju povezani s verbalnim tekstom. Bit renesansnog humanizma ogledala se u skladanju zborskih pjesama u stilu Frottol i Vilanell.
Plesni žanrovi

U renesansi je svakodnevni ples dobio veliku važnost. U Italiji, Francuskoj, Engleskoj, Španjolskoj pojavljuju se mnoge nove plesne forme. Različiti slojevi društva imaju svoje plesove, razvijaju način njihovog izvođenja, pravila ponašanja na balovima, večerima, svečanostima. Renesansni plesovi složeniji su od jednostavnih kletvi kasnog srednjeg vijeka. Plesovi s okruglim plesom i kompozicijom linearnog ranga zamjenjuju se parnim (duetskim) plesovima, izgrađenim na složenim pokretima i figurama.
Volta - parni ples talijanskog porijekla. Njegovo ime dolazi od talijanske riječi voltare, što znači "okrenuti". Veličina je trotaktna, tempo je umjereno brz. Glavni obrazac plesa je da gospodin okretno i naglo okreće damu koja pleše s njim u zraku. Ovaj uspon se obično obavlja vrlo visoko. Od gospodina zahtijeva veliku snagu i spretnost, jer, unatoč oštrini i određenoj naglosti pokreta, podizanje mora biti izvedeno jasno i lijepo.
Galliard - stari ples talijanskog porijekla, rasprostranjen u Italiji, Engleskoj, Francuskoj, Španjolskoj, Njemačkoj. Tempo ranih galijarda je umjereno brz, veličina je trostruka. Galliarda se često izvodila nakon pavane, s kojom se ponekad tematski povezivala. Galijardi 16. stoljeće održan u melodijsko-harmonijskoj teksturi s melodijom u gornjem glasu. Galijardske pjesme bile su popularne među širokim slojevima francuskog društva. Tijekom serenada studenti iz Orleana svirali su galijardske pjesme na lutnjama i gitarama. Poput zvona, galijard je imao karakter svojevrsnog plesnog dijaloga. Kavalir se kretao po dvorani sa svojom damom. Kad je muškarac izveo solo, dama je ostala na mjestu. Muški solo sastojao se od raznih složenih pokreta. Nakon toga je opet prišao gospođi i nastavio ples.
Pavana - sporedni ples 16-17 stoljeća. Tempo je umjereno spor, 4/4 ili 2/4 takta. Različiti izvori se ne slažu oko njegovog podrijetla (Italija, Španjolska, Francuska). Najpopularnija verzija je španjolski ples koji oponaša pokrete pauna koji hoda s lijepo teče repom. Bio je blizu bas plesu. Uz glazbu pavana odvijale su se razne svečane procesije: ulazak vlasti u grad, ispraćaj plemenite nevjeste u crkvu. U Francuskoj i Italiji pavana se ustalila kao dvorski ples. Svečani karakter pavane omogućio je dvorskom društvu da zasja od miline i ljupkosti u svojim manirima i pokretima. Narod i buržoazija nisu izvodili ovaj ples. Pavane se, kao i menuet, izvodilo strogo po rangu. Kralj i kraljica započeli su ples, zatim su u ples ušli dofin i plemenita dama, zatim prinčevi itd. Kavaliri su izvodili pavanu s mačem i u zavjesama. Dame su bile u svečanim haljinama s teškim dugim rovovima, kojima se moralo vješto baratati tijekom pokreta, ne dižući ih s poda. Kretanje trena učinilo je poteze lijepim, dajući pavanu sjaj i svečanost. Za kraljicu su dame nosile vlak. Prije početka plesa trebalo je proći po dvorani. Na kraju plesa, parovi su opet prošetali dvoranom s naklonom i naklonom. No prije nego što je stavio šešir, gospodin je morao svoju desnu ruku staviti na stražnju stranu ramena dame, lijevu ruku (držeći šešir) na njezin struk i poljubiti je u obraz. Tijekom plesa, gospođi su oči bile oborene; samo je s vremena na vrijeme pogledala svog ljepotana. Pavana se najduže očuvala u Engleskoj, gdje je bila vrlo popularna.
Allemande - spori ples njemačkog porijekla u 4 takta. Spada u masivne "niske", plesove bez skokova. Izvođači su postali parovi jedan za drugim. Broj parova nije bio ograničen. Gospodin je držao damu za ruke. Kolona se kretala po dvorani, a kada je stigla do kraja, sudionici su se u mjestu (ne odvajajući ruke) okrenuli i nastavili ples u suprotnom smjeru.
Courant - dvorski ples talijanskog porijekla. Zvono je bilo jednostavno i složeno. Prvi se sastojao od jednostavnih koraka blanjanja, izvođenih uglavnom naprijed. Složeno zvonjenje bilo je pantomimične prirode: tri gospodina pozvala su tri dame da sudjeluju u plesu. Dame su odvedene u suprotni kut dvorane i zamoljene za ples. Dame su to odbile. Gospoda su, primivši odbijenicu, otišla, ali su se onda opet vratila i kleknula pred damama. Tek nakon scene pantomime počeo je ples. Postoje razlike između zvona talijanskog i francuskog tipa. Talijanski chime je živahan ples od 3/4 ili 3/8 metara s jednostavnim ritmom u melodijsko-harmoničnoj teksturi. Francuski - svečani ples ("ples manira"), glatka, ponosna procesija. Veličina 3/2, umjeren tempo, dobro razvijena polifona tekstura.
Sarabande - popularni ples 16. - 17. stoljeća. Potječe iz španjolskog ženskog plesa s kastanjetama. U početku je to bilo popraćeno pjevanjem. Poznati koreograf i učitelj Carlo Blazis u jednom od svojih djela daje kratki opis sarabande: "U ovom plesu svatko bira damu prema kojoj nije ravnodušan. Glazba daje znak, a dvoje ljubavnika izvode ples, plemenit, Odmjereno, međutim, važnost ovog plesa nimalo ne ometa užitak, a skromnost mu daje još veću gracioznost; svačije oči rado prate plesače koji izvode razne figure, izražavajući svojim pokretom sve faze ljubavi." U početku je tempo sarabanda bio umjereno brz, kasnije (od 17. stoljeća) pojavila se spora francuska sarabanda s karakterističnim ritmičkim uzorkom: …… U svojoj domovini sarabanda je 1630. godine spadala u kategoriju opscenih plesova. zabranilo je Kastiljsko vijeće.
Gigue - ples engleskog porijekla, najbrži, trojka, pretvara se u trojku. U početku je giga bio ples u paru, ali se među nautičarima proširio kao solo, vrlo brzi ples komičnog karaktera. Kasnije se pojavio u instrumentalnoj glazbi kao završni dio stare plesne suite.

Sažetak: Glazba renesanse

FEDERALNA AGENCIJA ZA OBRAZOVANJE

GOU VPO "Mari State University"

Fakultet osnovnih razreda

Specijalnost: 050708

"Pedagogija i metode osnovnog odgoja i obrazovanja"

Odsjek: "Pedagogija osnovnog obrazovanja"

Test

"Glazba renesanse"

Joškar-Ola 2010

Doba renesanse (renesanse) je vrhunac svih vrsta umjetnosti i privlačnost njihovih likova drevnim tradicijama i oblicima.

Renesansa ima neujednačene povijesne i kronološke granice u različitim europskim zemljama. U Italiji počinje u 14. stoljeću, u Nizozemskoj počinje u 15. stoljeću, a u Francuskoj, Njemačkoj i Engleskoj njezini se znakovi najjasnije očituju u 16. stoljeću. Istodobno, razvoj veza između različitih kreativnih škola, razmjena iskustava između glazbenika koji su selili iz zemlje u zemlju, koji su radili u različitim kapelama, postaje znak vremena i omogućuje nam da govorimo o trendovima zajedničkim za cijelu doba.

Umjetnička kultura renesanse osobno je načelo utemeljeno na znanosti. Neobično složena vještina polifonista 15. – 16. stoljeća, njihova virtuozna tehnika koegzistirali su sa svijetlom umijećem svakodnevnih plesova, sofisticiranošću svjetovnih žanrova. U njegovim djelima sve više dolazi do izražaja lirika i drama.

Dakle, kao što vidimo, razdoblje renesanse je teško razdoblje u povijesti razvoja glazbene umjetnosti, stoga se čini razumnim razmotriti ga detaljnije, pridajući dužnu pozornost pojedinim osobnostima.

Glazba je jedini svjetski jezik, ne treba je prevoditi, u njoj duša razgovara s dušom.

Averbach Berthold.

Renesansna glazba ili renesansna glazba odnosi se na razdoblje u razvoju europske glazbe između 1400. i 1600. godine. U Italiji je u XIV stoljeću započela nova era za glazbenu umjetnost. Nizozemska se škola uobličila i dosegnula svoje prve vrhunce u 15., nakon čega se njezin razvoj nastavio širiti, a utjecaj je na ovaj ili onaj način zahvatio majstore drugih nacionalnih škola. Znakovi renesanse jasno su se očitovali u Francuskoj u 16. stoljeću, iako su njezina stvaralačka dostignuća i u prethodnim stoljećima bila velika i neosporna.

Uspon umjetnosti u Njemačkoj, Engleskoj i nekim drugim zemljama unutar orbite renesanse seže u 16. stoljeće. Pa ipak, s vremenom je novi stvaralački pokret postao odlučujući za zapadnu Europu u cjelini i na svoj način reagirao u zemljama istočne Europe.

Ispostavilo se da je glazba renesanse potpuno strana grubim i oštrim zvukovima. Zakoni harmonije činili su njegovu glavnu bit.

Vodeću poziciju i dalje je držao duhovna glazba zvuk za vrijeme crkvene službe. Tijekom renesanse zadržala je glavne teme srednjovjekovne glazbe: slavu Gospodinu i Stvoritelju svijeta, svetost i čistoću vjerskog osjećaja. Glavna je svrha takve glazbe, kako je rekao jedan od njezinih teoretičara, "oduševati Boga".

Mise, moteti, himne i psalmi bili su osnova glazbene kulture.

Misa je glazbeno djelo koje je zbirka dijelova katoličke liturgije latinskog obreda, čiji su tekstovi uglazbljeni za jednoglasno ili višeglasno pjevanje, sa ili bez glazbenih instrumenata, za glazbenu pratnju svečanih bogoslužja u rimskom Katolička crkva i visoke protestantske crkve, na primjer, u Švedskoj crkvi.

Mise, koje imaju glazbenu vrijednost, izvode se i izvan bogoslužja na koncertima, štoviše, mnoge mise kasnijih vremena bile su posebno sastavljene bilo za izvođenje u koncertnoj dvorani ili prigodom neke vrste slavlja.

Crkvena misa, koja seže do tradicionalnih melodija gregorijanskog korala, najslikovitije je izrazila bit glazbene kulture. Kao i u srednjem vijeku, misa se sastojala od pet dijelova, ali sada je postala veličanstvenija i opsežnija. Svijet se čovjeku više nije činio tako malenim i vidljivim. Običan život sa svojim zemaljskim radostima prestao se smatrati grešnim.

Motet (fr. motet iz mot- riječ) je vokalno polifono djelo polifonog skladišta, jednog od središnjih žanrova u glazbi zapadnoeuropskog srednjeg vijeka i renesanse.

Himna (starogrčki ὕμνος) je svečana pjesma koja hvali i veliča nekoga ili nešto (izvorno božanstvo).

Psalam (grč. ψαλμός "pjesma hvale"), r.p. psalam, pl. psalmi (grč. ψαλμοί) - himne židovske (hebrejski תהילים) i kršćanske vjerske poezije i molitve (iz Starog zavjeta).

Oni čine Psaltir, 19. knjigu Starog zavjeta. Autorstvo psalama tradicionalno se pripisuje kralju Davidu (oko 1000. pr. Kr.) i nekoliko drugih autora, uključujući Abrahama, Mojsija i druge legendarne ličnosti.

Ukupno, Psaltir uključuje 150 psalama, podijeljenih na molitve, pohvale, pjesme i pouke.

Psalmi su imali veliki utjecaj na folklor i poslužili su kao izvor mnogih poslovica. U judaizmu su se psalmi izvodili u obliku himnoloških napjeva uz pratnju. Za svaki psalam, u pravilu, bio je naznačen način izvođenja i "model" (u gregorijanskom pjevanju nazvan intonacija), odnosno odgovarajuća melodija. Psaltir je zauzeo važno mjesto u kršćanstvu. Psalmi su se izvodili tijekom bogosluženja, kućnih molitvi, prije bitke i prilikom kretanja u postrojbi. Prvotno ih je u crkvi pjevala cijela zajednica. Psalmi su se izvodili a cappella, samo kod kuće bila je dopuštena uporaba instrumenata. Vrsta izvedbe bila je recitatorsko-psalmodijska. Osim cijelih psalama, korišteni su i neki od njih najizrazitijih stihova. Na temelju toga nastala su samostalna pjevanja - antifona, graduala, traktat i aleluja.

Postupno sekularni trendovi počinju prodirati u djela crkvenih skladatelja. Teme narodnih pjesama koje nisu nimalo religioznog sadržaja hrabro se uvode u polifono tkivo crkvenih napjeva. Ali sada to nije proturječilo općem duhu i raspoloženju tog doba. Naprotiv, u glazbi je božansko i ljudsko spojeno na nevjerojatan način.

Sakralna glazba svoj vrhunac doživljava u 15. stoljeću. u Nizozemskoj. Ovdje je glazba bila štovana više od ostalih oblika umjetnosti. Nizozemski i flamanski skladatelji prvi su razvili nova pravila polifono(polifona) izvedba - klasična" strog stil". Najvažnija kompozicijska tehnika nizozemskih majstora bila je imitacija- ponavljanje iste melodije u različitim glasovima. Vodeći glas bio je tenor kojemu je povjerena glavna repetitivna melodija - cantus firmus ("nepromjenjiva melodija"). Ispod tenora je bio bas, a iznad alt. Najviši, odnosno izdignut iznad svih, glas je dobio ime sopran.

Koristeći matematičke izračune, nizozemski i flamanski skladatelji uspjeli su izračunati formulu za kombinacije glazbenih intervala. Glavni cilj pisanja je stvoriti skladnu, simetričnu i grandioznu, iznutra dovršenu zvučnu strukturu. Jedan od najsjajnijih predstavnika ove škole, Johannes Okegem (oko 1425.-1497.), na temelju matematičkih proračuna sastavio je motet sa 36 glasova!

U Okegemovom djelu zastupljeni su svi žanrovi karakteristični za nizozemsku školu: masa, motet i šansona. Najvažniji žanr za njega je misa, pokazao se kao izvanredan polifonist. Okegemova glazba je vrlo dinamična, melodijska linija se kreće u širokom rasponu, ima široku amplitudu. Istodobno, Okegem karakterizira glatka intonacija, čisti dijatonizam i drevno modalno mišljenje. Stoga se Okegemova glazba često opisuje kao "usmjerena u beskonačnost", "lebdeći" u pomalo odvojenom figurativnom okruženju. Manje je povezan s tekstom, bogat napjevom, improvizacijski, ekspresivan.

Sačuvalo se vrlo malo Okegemovih djela:

Oko 14 misa (ukupno 11):

· Requiem Missa pro Defunctis (prvi polifoni requiem u povijesti svjetske glazbene književnosti);

9-13 (prema raznim izvorima) moteti:

Preko 20 šansona

Mnogo je djela čija se pripadnost dovodi u pitanje Okegem, među njima i poznati motet "Deo gratias" za 36 glasova. Neke anonimne šansone pripisuju se Okegemu na temelju sličnosti u stilu.

Trinaest misa Okegema sačuvano je u rukopisu iz 15. stoljeća poznatom kao Chigijev kodeks.

Među misama prevladavaju četveroglasne, dvije su peteroglasne i jedna osmerodijelna. Okegem kao teme mase koristi narodne (“L’homme armé”), vlastite (“Ma maistresse”) melodije ili melodije drugih autora (na primjer, Benshua u “De plus en plus”). Postoje mise bez posuđenih tema ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Moteti i šansone

Okegemovi moteti i šansone neposredno su uz njegove mase i razlikuju se od njih uglavnom svojom ljestvicom. Među motetima su bujne, svečane skladbe, kao i strožije duhovne zborske skladbe.

Najpoznatiji je svečani motet zahvale "Deo gratias", napisan za četiri deveteroglasne skladbe i stoga se smatra 36-glasnim. Zapravo, sastoji se od četiri deveterodijelna kanona (na četiri različite teme), koji slijede jedan za drugim s blagim preklapanjem početka sljedećeg na završetak prethodnog. Na mjestima preklapanja zvuka od 18 glasova, u motetu nema pravih 36 glasova.

Ništa manje zanimljivo je djelo nizozemskog skladatelja Orlanda Lassa (oko 1532.-1594.) koji je stvorio više od dvije tisuće djela kultne i svjetovne naravi.

Lasso je najplodniji skladatelj svog vremena; zbog golemog obima njegove ostavštine, umjetnički značaj njegovih djela (od kojih su mnoga naručena) još nije u potpunosti cijenjen.

Djelovao je isključivo u vokalnim žanrovima, uključujući pisanje više od 60 misa, zadušnica, 4 ciklusa strasti (za sve evanđeliste), urede Velikog tjedna (posebno su značajni responzoriji Jutrenja na Veliki četvrtak, Veliki petak i Veliku subotu), više od 100 magnifikata, himni, foburdona, oko 150 franaka. šansona (njegova šansona "Susanne un jour", parafraza biblijske priče o Suzani, bila je jedna od najpopularnijih drama u 16. stoljeću), talijanske (villanelles, moreski, canzones) i njemačke pjesme (više od 140 pjesama), oko 250 madrigala.

Lasso se odlikuje najdetaljnijim razvojem tekstova na različitim jezicima, kako liturgijskih (uključujući tekstove Svetoga pisma) tako i slobodno sastavljenih. Ozbiljnost i dramatičnost koncepta, prošireni volumeni razlikuju kompoziciju Suze sv. Petra (ciklus 7-glasnih duhovnih madrigala na stihove Luigija Tranzilla, objavljen 1595.) i Davidove pokorničke psalme (1571. rukopis u formatu folio ukrašen s ilustracijama G. Milicha, pružajući vrijedan ikonografski materijal o životu, uključujući glazbenu zabavu, na bavarskom dvoru).

Istodobno, u sekularnoj glazbi Lasso nije bio stran humor. Primjerice, u šansoni "Na gozbama se dijeli piće u tri osobe" (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) prepričava se stara anegdota iz života skitnica; u poznatoj pjesmi “Matona mia cara” njemački vojnik pjeva ljubavnu serenadu, iskrivljujući talijanske riječi; u hvalospjevu "Ut queant laxis" oponaša se nesretno solfegiranje. Niz svijetlih kratkih Lassovih drama napisan je u vrlo neozbiljnim stihovima, na primjer, šansona "Dama je sa zanimanjem pogledala u dvorac / Priroda na mramorni kip" (En un chasteau ma dame ...), te neke pjesme (osobito moreski) sadrže opsceni vokabular.

Svjetovna glazba Renesansa je bila zastupljena raznim žanrovima: madrigali, pjesme, kancone. Glazba, koja je prestala biti "sluga crkve", sada je počela zvučati ne na latinskom, već na njihovom materinjem jeziku. Najpopularniji žanr svjetovne glazbe postali su madrigali (tal. Madrigal - pjesma na materinjem jeziku) - polifone zborske skladbe napisane na tekstu lirske pjesme ljubavnog sadržaja. Najčešće su se u tu svrhu koristile pjesme poznatih majstora: Dantea, Francesca Petrarce i Torquata Tassa. Madrigale nisu izvodili profesionalni pjevači, već cijeli ansambl amatera, gdje je svaki dio vodio jedan pjevač. Glavno raspoloženje madrigala je tuga, čežnja i tuga, ali bilo je i radosnih, živih kompozicija.

Kolega istraživač glazbene kulture D.K. Kirnarskaya napominje:

„Madrigal je preokrenuo čitav glazbeni sustav renesanse: urušila se ujednačena i skladna plastičnost mise... nestao je nepromjenjivi cantus firmus, temelj glazbene cjeline... uobičajene metode razvoja 'strogog pisanja' ... ustupio mjesto emocionalnim i melodijskim kontrastima epizoda, a svaka je nastojao što izražajnije prenijeti poetsku misao sadržanu u tekstu. Madrigal je konačno potkopao slabljenje snaga "strogog stila".

Pjesma uz glazbene instrumente nije bila ništa manje popularan žanr svjetovne glazbe. Za razliku od glazbe koja se svirala u crkvi, pjesme su bile prilično jednostavne za izvođenje. Njihov rimovani tekst bio je jasno podijeljen na strofe od 4-6 redaka. U pjesmama, kao i u madrigalima, tekst je dobio veliku važnost. Prilikom izvođenja, pjesnički stihovi ne bi se trebali izgubiti u višeglasnom pjevanju. Posebno su bile poznate pjesme francuskog skladatelja Clementa Jeannequina (oko 1485.-1558.). Clement Jeannequin napisao je oko 250 šansona, uglavnom za 4 glasa, na stihove Pierrea Ronsarda, Clementa Marota, M. de Saint-Jellyja, anonimnih pjesnika. Za još 40 šansona moderna znanost osporava Janequinovo autorstvo (što, međutim, ne umanjuje kvalitetu same ove sporne glazbe). Glavna odlika njegove svjetovne polifone glazbe je programska i vizualna. Pred očima slušatelja su slike bitke ("Bitka kod Marignana", "Bitka kod Renti", "Bitka kod Metza"), scene lova ("Pjevanje ptica", "Pjevanje slavuja", " Lark"), svakodnevne scene ("Žensko brbljanje"). Janequin zorno prenosi atmosferu pariške svakodnevice u šansonu "Vriskovi Pariza", gdje se mogu čuti uzvici uličnih prodavača ("Mlijeko!" - "Pite!" - "Artičoke!" - "Riba!" - " Šibice!" - "Golubice!" - "Stare cipele!" - "Vino!"). Uz svu domišljatost u teksturi i ritmu, Janequinova glazba u području harmonije i kontrapunkta ostaje vrlo tradicionalna.

Renesansa je bila početak profesionalnog skladateljskog stvaralaštva... Upečatljiv predstavnik ovog novog trenda nedvojbeno je Palestrina (1525.-1594.). Njegova ostavština obuhvaća mnoga djela sakralne i svjetovne glazbe: 93 mise, 326 himni i moteta. Autor je dvaju svezaka svjetovnih madrigala na Petrarkove riječi. Dugo je radio kao zborovođa u bazilici sv. Petra u Rimu. Crkvenu glazbu koju je stvorio odlikuje čistoća i uzvišenost osjećaja. Skladateljeva svjetovna glazba prožeta je izvanrednom duhovnošću i skladom.

Renesansi dugujemo formiranje instrumentalna glazba kao samostalna umjetnička forma. U to se vrijeme pojavljuje niz instrumentalnih skladbi, varijacija, preludija, fantazija, rondoa, tokata. Od glazbenih instrumenata najpopularniji su orgulje, čembalo, viola, razne vrste flauta, a krajem 16.st. - violina.

Doba renesanse završava pojavom novih glazbenih žanrova: solo pjesme, oratorija i opere. Ako je ranije hram bio središte glazbene kulture, onda je od tog vremena glazba počela zvučati u opernoj kući. I dogodilo se ovako.

U talijanskom gradu Firenci krajem 16.st. počeli su se okupljati talentirani pjesnici, glumci, znanstvenici i glazbenici. Nitko od njih tada nije pomislio na bilo kakvo otkriće. Pa ipak, oni su bili predodređeni da naprave pravu revoluciju u kazališnoj i glazbenoj umjetnosti. Nastavljajući s izvođenjem djela starogrčkih dramatičara, počeli su skladati vlastitu glazbu, koja je, prema njihovim zamislima, odgovarala prirodi antičke drame.

Članovi camerata(kako se ovo društvo zvalo) pomno promišljena glazbena pratnja monologa i dijaloga mitoloških likova. Glumci su morali izvesti govorne dijelove recitativ(recitiranje, pjevanje govora). I premda je riječ i dalje imala vodeću ulogu u odnosu na glazbu, učinjen je prvi korak prema njihovoj konvergenciji i skladnom stapanju. Takva izvedba omogućila je u većoj mjeri prenijeti bogatstvo unutarnjeg svijeta osobe, njegova osobna iskustva i osjećaje. Na temelju takvih vokalnih dijelova, arije- završene epizode u glazbenoj izvedbi, uključujući operu.

Operna kuća brzo je osvojila ljubav i postala popularna ne samo u Italiji, već iu drugim europskim zemljama.

Popis korištene literature

1) Enciklopedijski rječnik mladog glazbenika / Comp. V.V. Medushevsky, O.O. Ochakovskaya. - M .: Pedagogija, 1985.

2) Svjetska likovna kultura. Od početaka do 17. stoljeća: udžbenik. za 10 cl. opće obrazovanje. ustanove humanitarnog profila / G.I. Danilov. - 2. izd., Stereotip. - M .: Drfa, 2005.

3) Materijali iz arhive renesansne glazbe: http://manfredina.ru/