वर्तमान प्रभाववाद। फ्रांसीसी प्रभाववाद: सामान्य विशेषताएं, मुख्य स्वामी
"एक नई दुनिया का जन्म हुआ जब प्रभाववादियों ने इसे लिखा"
हेनरी काह्नवीलर
XIX सदी। फ्रांस। पेंटिंग में एक अभूतपूर्व बात हुई। युवा कलाकारों के एक समूह ने 500 साल की परंपरा को हिला देने का फैसला किया। एक स्पष्ट ड्राइंग के बजाय, उन्होंने एक विस्तृत, "मैला" ब्रशस्ट्रोक का उपयोग किया।
और उन्होंने सामान्य छवियों को पूरी तरह से त्याग दिया, सभी को एक पंक्ति में चित्रित किया। और आसान गुण की महिलाओं, और संदिग्ध प्रतिष्ठा के सज्जनों।
जनता प्रभाववादी पेंटिंग के लिए तैयार नहीं थी। उनका मजाक उड़ाया गया और उन्हें डांटा गया। और सबसे महत्वपूर्ण बात, उनसे कुछ भी नहीं खरीदा गया था।
लेकिन विरोध टूट गया। और कुछ प्रभाववादी अपनी विजय देखने के लिए जीवित रहे। सच है, वे पहले से ही 40 से अधिक थे। क्लाउड मोनेट या अगस्टे रेनॉयर की तरह। दूसरों को उनके जीवन के अंत में ही पहचान मिली, जैसे केमिली पिसारो। अल्फ्रेड सिसली की तरह कोई उसके साथ नहीं रहा।
उनमें से प्रत्येक ने कौन-सा क्रांतिकारी हासिल किया? जनता ने उन्हें इतने लंबे समय तक स्वीकार क्यों नहीं किया? यहाँ 7 सबसे प्रसिद्ध फ्रांसीसी प्रभाववादी हैं जिन्हें दुनिया जानती है।
1. एडौर्ड मानेट (1832-1883)
एडौर्ड मानेट। पैलेट के साथ सेल्फ-पोर्ट्रेट। 1878 निजी संग्रहमानेट अधिकांश प्रभाववादियों से बड़े थे। वे उनके प्रमुख प्रेरणास्त्रोत थे।
मानेट ने स्वयं क्रांतिकारियों के नेता होने का ढोंग नहीं किया। वह एक सोशलाइट थे। मैंने आधिकारिक पुरस्कारों का सपना देखा था।
लेकिन उन्होंने बहुत लंबे समय तक मान्यता का इंतजार किया। भोजन कक्ष में सुंदर दिखने के लिए दर्शक ग्रीक देवी-देवताओं को देखना चाहते थे या अभी भी सबसे खराब जीवन जीते हैं। मानेट आधुनिक जीवन लिखना चाहते थे। उदाहरण के लिए, शिष्टाचार।
नतीजा था घास पर नाश्ता। आसान पुण्य की महिलाओं की संगति में दो डांडी आराम कर रहे हैं। उनमें से एक, जैसे कि कुछ हुआ ही न हो, कपड़े पहने पुरुषों के बगल में बैठता है।
एडौर्ड मानेट। घास पर नाश्ता। 1863, पेरिस डिक्लाइन में टॉम कॉउचर के रोमनों के साथ घास पर उसके नाश्ते की तुलना करें। कॉउचर की पेंटिंग ने धूम मचा दी। कलाकार तुरन्त प्रसिद्ध हो गया।
"नाश्ता ऑन द ग्रास" पर अश्लीलता का आरोप लगाया गया था। गर्भवती महिलाओं को उसे देखने के लिए बिल्कुल गंभीरता से अनुशंसा नहीं की गई थी।
थॉमस कॉउचर। रोमनों को अस्वीकार करें। 1847 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस। artchive.ru कॉउचर की पेंटिंग में हम अकादमिकता (16वीं-19वीं शताब्दी की पारंपरिक पेंटिंग) की सभी विशेषताओं को देखते हैं। स्तंभ और मूर्तियाँ। अपोलो उपस्थिति के लोग। पारंपरिक मौन रंग। मुद्राओं और इशारों का ढंग। पूरी तरह से अलग लोगों के दूर के जीवन से एक साजिश।
मानेट का "नाश्ता ऑन द ग्रास" एक अलग प्रारूप का है। उनसे पहले किसी ने भी इतनी आसानी से दरबारियों को चित्रित नहीं किया था। सम्मानित शहरवासियों के बगल में। हालांकि उस समय के कई पुरुष और अपना ख़ाली समय बिताया करते थे। यह वास्तविक लोगों का वास्तविक जीवन था।
एक बार उन्होंने एक सम्मानित महिला का चित्रण किया। कुरूप। वह ब्रश से उसकी चापलूसी नहीं कर सकता था। महिला निराश हो गई। उसने उसे आँसू में छोड़ दिया।
एडौर्ड मानेट। एंजेलीना। 1860 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस। विकिमीडिया.commons.org इसलिए उन्होंने प्रयोग जारी रखा। उदाहरण के लिए, रंग के साथ। उन्होंने तथाकथित प्राकृतिक स्वाद को चित्रित करने की कोशिश नहीं की। यदि उसने भूरे-भूरे पानी को चमकीले नीले रंग के रूप में देखा, तो उसने इसे चमकीले नीले रंग के रूप में चित्रित किया।
बेशक, इसने दर्शकों को नाराज कर दिया। "आखिरकार, भूमध्य सागर भी मानेट के पानी के रूप में नीले रंग का दावा नहीं कर सकता," वे बोले।
एडौर्ड मानेट। अर्जेंटीना। 1874 ललित कला संग्रहालय, टुर्नाई, बेल्जियम। विकिपीडिया.org लेकिन तथ्य बना रहता है। मानेट ने पेंटिंग के उद्देश्य को मौलिक रूप से बदल दिया। पेंटिंग कलाकार के व्यक्तित्व का प्रतीक बन गई, जो जैसा चाहे वैसा लिखता है। पैटर्न और परंपराओं को भूल जाना।
लंबे समय तक नवाचार को माफ नहीं किया गया था। पहचान ने उनके जीवन के अंत में ही इंतजार किया। लेकिन उसे अब इसकी जरूरत नहीं थी। वह एक लाइलाज बीमारी से दर्द से दूर होते जा रहे थे।
2. क्लाउड मोनेट (1840-1926)
क्लॉड मोनेट। एक बेरेट में सेल्फ-पोर्ट्रेट। 1886 निजी संग्रह क्लाउड मोनेट को पाठ्यपुस्तक प्रभाववादी कहा जा सकता है। चूंकि वह जीवन भर इस दिशा के प्रति वफादार रहे।
उन्होंने वस्तुओं और लोगों को नहीं, बल्कि चकाचौंध और धब्बों की एक ही रंग संरचना को चित्रित किया। अलग स्ट्रोक। कांपती हवा।
क्लॉड मोनेट। तैरने का तालाब। 1869 मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क। Metmuseum.org मोनेट ने न केवल प्रकृति के बारे में लिखा। वह शहरी परिदृश्य में भी सफल रहे। सबसे प्रसिद्ध - ।
इस तस्वीर में काफी फोटोग्राफी है। उदाहरण के लिए, धुंधली छवि का उपयोग करके गति को व्यक्त किया जाता है।
कृपया ध्यान दें: दूर के पेड़ और आकृतियाँ धुंध में प्रतीत होती हैं।
क्लॉड मोनेट। पेरिस में बुलेवार्ड डेस कैपुसीन। 1873 (19वीं और 20वीं शताब्दी की यूरोप और अमेरिका की कला की गैलरी), मास्को हमारे सामने पेरिस के उभरते जीवन का एक जमे हुए क्षण है। कोई मंचन नहीं। कोई पोज नहीं दे रहा है। लोगों को स्ट्रोक के संग्रह के रूप में चित्रित किया गया है। यह प्लॉटलेसनेस और फ्रीज-फ्रेम इफेक्ट इम्प्रेशनिज्म की मुख्य विशेषता है।
80 के दशक के मध्य तक, कलाकारों का प्रभाववाद से मोहभंग हो गया। बेशक, सौंदर्यशास्त्र अच्छा है। लेकिन साजिशहीनता ने बहुतों को निराश किया।
प्रभाववाद को बढ़ा-चढ़ाकर पेश करते हुए केवल मोनेट ही कायम रहा। यह चित्रों की एक श्रृंखला में विकसित हुआ।
उन्होंने एक ही परिदृश्य को दर्जनों बार चित्रित किया। दिन के अलग-अलग समय पर। साल के अलग-अलग समय पर। यह दिखाने के लिए कि तापमान और प्रकाश कैसे पहचान से परे एक ही रूप को बदल सकते हैं।
इस तरह अनगिनत घास के ढेर दिखाई दिए।
बोस्टन में ललित कला संग्रहालय में क्लाउड मोनेट द्वारा पेंटिंग। लेफ्ट: हेस्टैक्स एट सनसेट एट गिवेर्नी, 1891 राइट: हेस्टैक (स्नो इफेक्ट), 1891
कृपया ध्यान दें कि इन चित्रों में छाया रंगीन हैं। और ग्रे या काला नहीं, जैसा कि प्रभाववादियों से पहले प्रथागत था। यह उनका एक और आविष्कार है।
मोनेट सफलता और भौतिक कल्याण का आनंद लेने में कामयाब रहा। 40 के बाद, वह पहले ही गरीबी के बारे में भूल गया है। एक घर और एक प्यारा बगीचा मिला। और उसने अपनी खुशी के लिए और कई सालों तक काम किया।
लेख में मास्टर की सबसे प्रतिष्ठित पेंटिंग के बारे में पढ़ें
3. अगस्टे रेनॉयर (1841-1919)
पियरे-अगस्टे रेनॉयर। आत्म चित्र। 1875 स्टर्लिंग और फ्रांसिन क्लार्क कला संस्थान, मैसाचुसेट्स, यूएसए। Pinterest.ru प्रभाववाद सबसे सकारात्मक पेंटिंग है। और प्रभाववादियों में सबसे सकारात्मक था रेनॉयर।
उनके चित्रों में आपको नाटक नहीं मिलेगा। उन्होंने ब्लैक पेंट का भी इस्तेमाल नहीं किया। केवल होने का आनंद। यहां तक कि रेनॉयर में सबसे आम जगह भी खूबसूरत दिखती है।
मोनेट के विपरीत, रेनॉयर ने लोगों को अधिक बार चित्रित किया। परिदृश्य उसके लिए कम महत्वपूर्ण थे। चित्रों में उनके दोस्त और परिचित आराम कर रहे हैं और जीवन का आनंद ले रहे हैं।
पियरे-अगस्टे रेनॉयर। नाविकों का नाश्ता। 1880-1881 द फिलिप्स कलेक्शन, वाशिंगटन, यूएसए। विकिमीडिया.commons.org आप रेनॉयर और प्रफुल्लता में नहीं पाएंगे। वह प्रभाववादियों में शामिल होने से बहुत खुश थे, जिन्होंने चुनाव में भूखंडों से इनकार कर दिया था।
जैसा कि उन्होंने खुद कहा था, आखिरकार उनके पास फूलों को रंगने और उन्हें केवल "फूल" कहने का अवसर है। और उनके बारे में कोई कहानी न बनाएं।
पियरे-अगस्टे रेनॉयर। बगीचे में छाता लिए महिला। 1875 थिसेन-बोर्मेनिस संग्रहालय, मैड्रिड। arteuam.com सबसे अच्छी बात, रेनॉयर ने खुद को महिलाओं की संगति में महसूस किया। उसने अपनी नौकरानियों को गाने और मजाक करने के लिए कहा। गाना जितना बेवकूफ और भोला था, उसके लिए उतना ही अच्छा था। और पुरुष बकबक ने उसे थका दिया। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि रेनॉयर अपने नग्न चित्रों के लिए जाने जाते हैं।
पेंटिंग "न्यूड इन द सनलाइट" में मॉडल एक रंगीन अमूर्त पृष्ठभूमि के खिलाफ दिखाई देता है। क्योंकि रेनॉयर के लिए कुछ भी गौण नहीं है। मॉडल की आंख या पृष्ठभूमि क्षेत्र समतुल्य है।
पियरे-अगस्टे रेनॉयर। धूप में नग्न. 1876 म्यूजियम डी'ऑर्से, पेरिस। wikimedia.commons.org रेनॉयर ने एक लंबा जीवन जिया। और मैंने कभी ब्रश और पैलेट नहीं डाला। जब उनके हाथ पूरी तरह से गठिया से जकड़े हुए थे, तब भी उन्होंने ब्रश को अपने हाथ में रस्सी से बांध दिया। और खींचा।
मोनेट की तरह उन्हें भी 40 साल बाद पहचान मिली। और मैंने अपने चित्रों को लौवर में, प्रसिद्ध उस्तादों के कार्यों के बगल में देखा।
लेख में रेनॉयर के सबसे आकर्षक चित्रों में से एक के बारे में पढ़ें
4. एडगर देगास (1834-1917)
एडगर देगास। आत्म चित्र। 1863 Calouste Gulbenkian संग्रहालय, लिस्बन, पुर्तगाल। कल्चरल.कॉम देगास शास्त्रीय प्रभाववादी नहीं थे। उन्हें खुली हवा में काम करना पसंद नहीं था। आप उसके साथ जानबूझकर हल्का पैलेट नहीं पाएंगे।
इसके विपरीत, वह एक स्पष्ट रेखा से प्यार करता था। उसके पास बहुत काला रंग है। और उन्होंने विशेष रूप से स्टूडियो में काम किया।
फिर भी उन्हें हमेशा अन्य महान प्रभाववादियों के साथ स्थान दिया जाता है। क्योंकि वह हावभाव के प्रभाववादी थे।
अप्रत्याशित कोण। वस्तुओं की व्यवस्था में विषमता। आश्चर्य से लिया चरित्र। ये उनके चित्रों की मुख्य विशेषताएँ हैं।
उन्होंने किरदारों को होश में नहीं आने देते, जिंदगी के लम्हों को रोक दिया। जरा उनके ओपेरा ऑर्केस्ट्रा को देखिए।
एडगर देगास। ओपेरा ऑर्केस्ट्रा। 1870 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस। Commons.wikimedia.org अग्रभूमि में एक कुर्सी के पीछे है। संगीतकार की पीठ हमारे पास है। और पृष्ठभूमि में मंच पर बैलेरिना "फ्रेम" में फिट नहीं हुए। उनके सिर चित्र के किनारे से बेरहमी से "काटे गए" हैं।
उनके पसंदीदा नर्तकियों को हमेशा सुंदर मुद्रा में नहीं दिखाया जाता है। कभी-कभी वे सिर्फ खिंचते हैं।
लेकिन ऐसा आशुरचना काल्पनिक है। बेशक, देगास ने रचना के बारे में ध्यान से सोचा। यह सिर्फ एक फ्रीज फ्रेम प्रभाव है, वास्तविक फ्रीज फ्रेम नहीं।
एडगर देगास। दो बैले डांसर। 1879 शेलबोर्न संग्रहालय, वर्माउथ, यूएसए एडगर डेगास को महिलाओं को पेंट करना बहुत पसंद था। लेकिन बीमारी या शरीर की विशेषताओं ने उन्हें उनके साथ शारीरिक संपर्क करने की अनुमति नहीं दी। उन्होंने कभी शादी नहीं की है। किसी ने उसे कभी किसी महिला के साथ नहीं देखा।
उनके निजी जीवन में वास्तविक कथानकों की अनुपस्थिति ने उनकी छवियों में एक सूक्ष्म और तीव्र कामुकता को जोड़ा।
एडगर देगास। बैले स्टार। 1876-1878 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस। wikimedia.comons.org कृपया ध्यान दें कि "द स्टार ऑफ़ द बैले" पेंटिंग में केवल बैलेरीना ही खींची गई है। पर्दे के पीछे उनके सहयोगी मुश्किल से अलग दिखते हैं। शायद कुछ पैर।
इसका मतलब यह नहीं है कि डेगास ने तस्वीर पूरी नहीं की। यही तकनीक है। केवल सबसे महत्वपूर्ण को फोकस में रखने के लिए। बाकी को गायब, अपठनीय बनाया जाना चाहिए।
लेख में मास्टर द्वारा अन्य चित्रों के बारे में पढ़ें
5. बर्थे मोरिसोट (1841-1895)
एडौर्ड मानेट। बर्थे मोरिसोट का पोर्ट्रेट। 1873 मर्मोटन-मोनेट संग्रहालय, पेरिस। बर्थे मोरिसोट को शायद ही कभी महान प्रभाववादियों की पहली पंक्ति में रखा जाता है। मुझे यकीन है कि यह योग्य नहीं है। बस यहाँ आपको प्रभाववाद की सभी मुख्य विशेषताएं और तकनीकें मिलेंगी। और अगर आपको यह स्टाइल पसंद आता है तो आप पूरे दिल से उनका काम पसंद करेंगे।
मोरिसोट ने अपने छापों को कैनवास पर स्थानांतरित करते हुए, जल्दी और आवेग से काम किया। ऐसा लगता है कि आंकड़े अंतरिक्ष में घुलने वाले हैं।
बर्थे मोरिसोट। ग्रीष्म ऋतु। 1880 फैबरे संग्रहालय, मोंटपेलियर, फ्रांस। देगास की तरह, वह अक्सर कुछ विवरण छोड़ देती थी। और यहां तक कि मॉडल के शरीर के अंग भी। हम पेंटिंग "समर" में लड़की के हाथों में अंतर नहीं कर सकते।
मोरिसोट की आत्म-अभिव्यक्ति का मार्ग कठिन था। इतना ही नहीं वह "मैला" पेंटिंग में लगी हुई थीं। वह अभी भी एक महिला थी। उन दिनों, एक महिला को शादी का सपना देखना चाहिए था। उसके बाद, कोई शौक भूल गया।
इसलिए बर्था ने लंबे समय तक शादी से इंकार कर दिया। जब तक मुझे एक ऐसा आदमी नहीं मिला जो अपने व्यवसाय का सम्मान करता हो। यूजीन मानेट कलाकार एडौर्ड मानेट के भाई थे। उन्होंने कर्तव्यपरायणता से अपनी पत्नी के लिए एक चित्रफलक और पेंट किया।
बर्थे मोरिसोट। यूजीन मानेट अपनी बेटी के साथ बौगिवल में। 1881 मर्मोटन-मोनेट संग्रहालय, पेरिस। लेकिन फिर भी यह 19वीं सदी में था। नहीं, मोरिसोट ने पतलून नहीं पहनी थी। लेकिन वह आवाजाही की पूर्ण स्वतंत्रता नहीं दे सकती थी।
वह अपने किसी करीबी के बिना अकेले काम करने के लिए पार्क में नहीं जा सकती थी। मैं एक कैफे में अकेला नहीं बैठ सकता था। इसलिए, उनकी पेंटिंग्स फैमिली सर्कल के लोग हैं। पति, बेटी, रिश्तेदार, नानी।
बर्थे मोरिसोट। बौगीवल के बगीचे में बच्चे के साथ महिला। 1881 वेल्स, कार्डिफ़ के लिए राष्ट्रीय संग्रहालय। मोरिसोट ने मान्यता की प्रतीक्षा नहीं की। 54 वर्ष की आयु में निमोनिया से उनकी मृत्यु हो गई, उनके जीवनकाल में उनका लगभग कोई भी काम नहीं बेचा गया। उसके मृत्यु प्रमाण पत्र पर, व्यापार की रेखा में एक पानी का छींटा था। एक महिला के लिए कलाकार कहलाना अकल्पनीय था। भले ही वह वास्तव में थी।
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6. केमिली पिसारो (1830 - 1903)
केमिली पिसारो। आत्म चित्र। 1873 संग्रहालय डी'ऑर्से, पेरिस। विकिपीडिया.org केमिली पिसारो। विवाद रहित, विवेकपूर्ण। कई लोग उन्हें एक शिक्षक के रूप में मानते थे। यहां तक कि सबसे मनमौजी सहयोगियों ने भी पिसारो के बारे में बुरा नहीं कहा।
वह प्रभाववाद के कट्टर अनुयायी थे। सख्त जरूरत में, पत्नी और पांच बच्चों के साथ, उन्होंने अभी भी अपने पसंदीदा शैली में कड़ी मेहनत की। और अधिक लोकप्रिय होने के लिए उन्होंने कभी भी सैलून पेंटिंग की ओर रुख नहीं किया। उसे अंत तक खुद पर विश्वास करने की ताकत कहां से मिली यह पता नहीं है।
भूख से बिल्कुल न मरने के लिए, पिसारो ने प्रशंसकों को चित्रित किया, जिसे उन्होंने स्वेच्छा से खरीदा था। और असली पहचान उन्हें 60 साल बाद मिली! तब वह अंततः आवश्यकता के बारे में भूलने में सक्षम था।
केमिली पिसारो। Louveciennes में स्टेजकोच। 1869 संग्रहालय डी'ऑर्से, पेरिस पिसारो के चित्रों में हवा मोटी और घनी है। रंग और मात्रा का एक असाधारण संलयन।
कलाकार सबसे परिवर्तनशील प्राकृतिक घटनाओं को चित्रित करने से डरता नहीं था जो एक पल के लिए प्रकट होते हैं और गायब हो जाते हैं। पहली बर्फ, ठंढी धूप, लंबी छाया।
केमिली पिसारो। ठंढ। 1873 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ पेरिस के दृश्य हैं। चौड़ी बुलेवार्ड के साथ, चहल-पहल से भरी भीड़। रात में, दिन में, अलग-अलग मौसम में। कुछ मायनों में, क्लाउड मोनेट द्वारा चित्रों की एक श्रृंखला के साथ उनके पास कुछ समान है।
प्रभाववाद (इंप्रेशननिस्म) एक पेंटिंग शैली है जो 19वीं शताब्दी के अंत में फ्रांस में दिखाई दी और फिर पूरी दुनिया में फैल गई। प्रभाववाद का विचार इसके नाम में निहित है: छाप - छाप... कलाकार जो शिक्षावाद की पारंपरिक पेंटिंग तकनीकों से थक चुके थे, जो उनकी राय में, दुनिया की सभी सुंदरता और जीवंतता को व्यक्त नहीं करते थे, पूरी तरह से नई तकनीकों और छवि के तरीकों का उपयोग करना शुरू कर दिया, जिन्हें सबसे सुलभ में व्यक्त करना चाहिए था। एक "फोटोग्राफिक" रूप नहीं, बल्कि उसने जो देखा उससे एक छाप बनाते हैं। अपनी पेंटिंग में, प्रभाववादी कलाकार, स्ट्रोक की प्रकृति और एक रंग पैलेट का उपयोग करते हुए, वातावरण, गर्मी या ठंड, तेज हवाएं या शांतिपूर्ण चुप्पी, धुंधली बरसात की सुबह या तेज धूप दोपहर, साथ ही साथ अपने व्यक्तिगत अनुभवों को व्यक्त करने की कोशिश करता है। उसने देखा।
प्रभाववाद भावनाओं, भावनाओं और क्षणभंगुर छापों की दुनिया है। यहां बाहरी यथार्थवाद या स्वाभाविकता का महत्व नहीं है, बल्कि व्यक्त संवेदनाओं का यथार्थवाद, चित्र की आंतरिक स्थिति, उसका वातावरण और गहराई है। प्रारंभ में, इस शैली की भारी आलोचना की गई थी। पहली इम्प्रेशनिस्ट पेंटिंग्स को पेरिसियन सैलून ऑफ़ लेस मिज़रेबल्स में प्रदर्शित किया गया था, जिसमें आधिकारिक पेरिसियन सैलून ऑफ़ आर्ट द्वारा अस्वीकार किए गए कलाकारों द्वारा काम प्रदर्शित किया गया था। "प्रभाववाद" शब्द का प्रयोग सबसे पहले आलोचक लुई लेरॉय द्वारा किया गया था, जिन्होंने कलाकार की प्रदर्शनी के बारे में ले चारिवारी में एक अपमानजनक समीक्षा लिखी थी। शब्द के आधार के रूप में, उन्होंने क्लाउड मोनेट की पेंटिंग "इंप्रेशन" ली। उगता हुआ सूरज"। उन्होंने सभी कलाकारों को प्रभाववादी कहा, जिसका मोटे तौर पर "प्रभावित" के रूप में अनुवाद किया जा सकता है। सबसे पहले, चित्रों की वास्तव में आलोचना की गई थी, लेकिन जल्द ही कला में नई दिशा के अधिक से अधिक प्रशंसक सैलून में आने लगे, और एक निर्वासित शैली ही एक मान्यता प्राप्त में बदल गई।
यह ध्यान देने योग्य है कि फ्रांस में 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के कलाकार कहीं से भी नई शैली के साथ नहीं आए। उन्होंने पुनर्जागरण के कलाकारों सहित अतीत के चित्रकारों की तकनीकों को आधार बनाया। एल ग्रीको, वेलाज़क्वेज़, गोया, रूबेन्स, टर्नर और अन्य जैसे चित्रकारों ने प्रभाववाद के उद्भव से बहुत पहले, पेंटिंग के मूड, प्रकृति की जीवंतता, विभिन्न मध्यवर्ती स्वरों का उपयोग करके मौसम की विशेष अभिव्यक्ति को व्यक्त करने की कोशिश की, उज्ज्वल या , इसके विपरीत, सुस्त स्ट्रोक जो अमूर्त चीजों की तरह दिखते थे। अपने चित्रों में, उन्होंने इसे काफी संयम से इस्तेमाल किया, इसलिए असामान्य तकनीक ने दर्शकों का ध्यान नहीं खींचा। प्रभाववादियों ने चित्रण के इन तरीकों को अपने कार्यों के आधार के रूप में लेने का फैसला किया।
प्रभाववादियों के कार्यों की एक और विशिष्ट विशेषता एक प्रकार का सतही दैनिक जीवन है, जिसमें, हालांकि, अविश्वसनीय गहराई है। वे किसी भी गहरे दार्शनिक विषयों, पौराणिक या धार्मिक कार्यों, ऐतिहासिक और महत्वपूर्ण घटनाओं को व्यक्त करने का प्रयास नहीं करते हैं। इस दिशा के कलाकारों की पेंटिंग स्वाभाविक रूप से सरल और रोजमर्रा की हैं - परिदृश्य, स्थिर जीवन, सड़क पर चलने वाले लोग या अपने सामान्य व्यवसाय के बारे में जाने वाले लोग, और इसी तरह। यह ठीक ऐसे क्षण हैं जहां कोई अत्यधिक विषयगतता नहीं है जो किसी व्यक्ति को विचलित करती है, भावनाओं और भावनाओं को उसने जो देखा उससे सामने आता है। इसके अलावा, प्रभाववादियों ने, कम से कम अपने अस्तित्व की शुरुआत में, "कठिन" विषयों - गरीबी, युद्धों, त्रासदियों, पीड़ाओं, आदि को चित्रित नहीं किया। प्रभाववादी पेंटिंग अक्सर सबसे सकारात्मक और आनंददायक कार्य होते हैं, जहां बहुत सारे प्रकाश, चमकीले रंग, चिकने चिरोस्कोरो, चिकने कंट्रास्ट होते हैं। प्रभाववाद एक सुखद छाप है, जीवन का आनंद, हर पल की सुंदरता, आनंद, पवित्रता, ईमानदारी।
सबसे प्रसिद्ध प्रभाववादी क्लाउड मोनेट, एडगर डेगास, अल्फ्रेड सिसली, केमिली पिसारो और कई अन्य जैसे महान कलाकार थे।
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अल्फ्रेड सिसली - वसंत में लॉन
केमिली पिसारो - बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे। दोपहर, धूप।
उन्नीसवीं सदी के उत्तरार्ध की यूरोपीय कला आधुनिकतावादी के उदय से समृद्ध हुई। बाद में, इसका प्रभाव संगीत और साहित्य में फैल गया। इसे "प्रभाववाद" नाम मिला क्योंकि यह कलाकार, छवियों और मनोदशाओं के सूक्ष्मतम छापों पर आधारित था।
उत्पत्ति और घटना का इतिहास
19वीं सदी के उत्तरार्ध में कई युवा कलाकार एक समूह में एकजुट हुए। उनके पास एक सामान्य लक्ष्य और संयोग हित थे। इस कंपनी के लिए मुख्य बात कार्यशाला की दीवारों और विभिन्न बाधाओं के बिना प्रकृति में काम करना था। अपने चित्रों में, उन्होंने सभी कामुकता, प्रकाश और छाया के खेल की छाप को व्यक्त करने की कोशिश की। परिदृश्य और चित्र ब्रह्मांड के साथ, आसपास की दुनिया के साथ आत्मा की एकता को दर्शाते हैं। उनके चित्र रंगों की सच्ची कविता हैं।
1874 में, कलाकारों के इस समूह की एक प्रदर्शनी आयोजित की गई थी। क्लाउड मोनेट द्वारा लैंडस्केप "इंप्रेशन। सनराइज "आलोचक का ध्यान आकर्षित किया, जिन्होंने अपनी समीक्षा में पहली बार इन रचनाकारों को प्रभाववादी कहा (फ्रांसीसी छाप से -" छाप ")।
प्रभाववाद की शैली के जन्म के लिए आवश्यक शर्तें, जिनके चित्रों को जल्द ही अविश्वसनीय सफलता मिलेगी, पुनर्जागरण के कार्य थे। स्पैनियार्ड्स वेलाज़क्वेज़, एल ग्रीको, इंग्लिश टर्नर, कॉन्स्टेबल की रचनात्मकता ने बिना शर्त फ्रांसीसी को प्रभावित किया, जो प्रभाववाद के संस्थापक थे।
पिसारो, मानेट, डेगास, सिसली, सेज़ेन, मोनेट, रेनॉयर और अन्य फ्रांस में शैली के प्रमुख प्रतिनिधि बन गए।
चित्रकला में प्रभाववाद का दर्शन
इस शैली में लिखने वाले कलाकारों ने जनता का ध्यान समस्याओं की ओर आकर्षित करने का कार्य स्वयं को निर्धारित नहीं किया। उनके कार्यों में, किसी को दिन के विषय पर भूखंड नहीं मिल सकते हैं, कोई नैतिकता प्राप्त नहीं कर सकता है या मानवीय अंतर्विरोधों को नोटिस नहीं कर सकता है।
प्रभाववाद की शैली में पेंटिंग का उद्देश्य क्षणिक मनोदशा को व्यक्त करना, रहस्यमय प्रकृति के रंग समाधान विकसित करना है। कार्यों में एक सकारात्मक शुरुआत के लिए केवल एक जगह है, प्रभाववादियों ने उदासी को दरकिनार कर दिया।
वास्तव में, प्रभाववादियों ने कथानक और विवरण के बारे में सोचने की जहमत नहीं उठाई। मुख्य कारक यह नहीं था कि क्या आकर्षित किया जाए, बल्कि यह था कि अपने मूड को कैसे चित्रित और व्यक्त किया जाए।
पेंटिंग तकनीक
चित्रकला की अकादमिक शैली और प्रभाववादियों की तकनीक में बहुत बड़ा अंतर है। उन्होंने बस कई तरीकों को छोड़ दिया, कुछ को मान्यता से परे बदल दिया। यहां उनके द्वारा किए गए कुछ नवाचार हैं:
- रूपरेखा को छोड़ दिया। इसे स्ट्रोक से बदल दिया गया - छोटा और विषम।
- हमने रंगों के लिए पैलेट का उपयोग करना बंद कर दिया है जो एक दूसरे के पूरक हैं और एक निश्चित प्रभाव प्राप्त करने के लिए विलय की आवश्यकता नहीं है। उदाहरण के लिए, पीला बैंगनी है।
- उन्होंने काले रंग में पेंटिंग करना बंद कर दिया।
- उन्होंने कार्यशालाओं में काम करने से पूरी तरह इनकार कर दिया। उन्होंने प्रकृति पर विशेष रूप से चित्रित किया, ताकि एक पल, एक छवि, एक भावना को पकड़ना आसान हो।
- केवल अच्छी छिपाने की शक्ति वाले पेंट का इस्तेमाल किया गया था।
- नई परत के सूखने का इंतजार नहीं किया। ताजा स्वैब तुरंत लागू किए गए।
- प्रकाश और छाया में परिवर्तन का पालन करने के लिए कार्यों का चक्र बनाया। उदाहरण के लिए, क्लाउड मोनेट द्वारा "हेस्टैक्स"।
बेशक, सभी कलाकारों ने प्रभाववाद शैली की विशेषताओं का बिल्कुल प्रदर्शन नहीं किया। उदाहरण के लिए, एडौर्ड मानेट की पेंटिंग्स ने कभी भी संयुक्त प्रदर्शनियों में भाग नहीं लिया, और उन्होंने खुद को एक स्टैंड-अलोन कलाकार के रूप में स्थान दिया। एडगर डेगास ने केवल कार्यशालाओं में काम किया, लेकिन इससे उनके कार्यों की गुणवत्ता को कोई नुकसान नहीं हुआ।
फ्रांसीसी प्रभाववाद के प्रतिनिधि
प्रभाववादी कार्यों की पहली प्रदर्शनी 1874 की है। 12 साल बाद, उनका अंतिम प्रदर्शन हुआ। इस शैली में पहला काम ई। मानेट द्वारा "नाश्ता ऑन द ग्रास" कहा जा सकता है। यह पेंटिंग आउटकास्ट के सैलून में प्रस्तुत की गई थी। यह अमित्रतापूर्ण स्वागत किया गया था, क्योंकि यह अकादमिक सिद्धांतों से बहुत अलग था। यही कारण है कि मानेट एक ऐसी आकृति बन जाती है जिसके चारों ओर इस शैलीगत प्रवृत्ति के अनुयायियों का एक समूह इकट्ठा होता है।
दुर्भाग्य से, समकालीनों द्वारा प्रभाववाद जैसी शैली की सराहना नहीं की गई थी। आधिकारिक कला के विरोध में पेंटिंग और कलाकार मौजूद थे।
क्लाउड मोनेट धीरे-धीरे चित्रकारों के समूह में सामने आए, जो बाद में उनके नेता और प्रभाववाद के मुख्य विचारक बन गए।
क्लाउड मोनेट (1840-1926)
इस कलाकार के काम को प्रभाववाद के भजन के रूप में वर्णित किया जा सकता है। यह वह था जिसने अपने चित्रों में काले रंग के उपयोग से इनकार किया था, इस तथ्य का हवाला देते हुए कि छाया और रात में भी अलग-अलग स्वर होते हैं।
मोनेट के चित्रों में दुनिया अस्पष्ट रूपरेखा, व्यापक स्ट्रोक है, जिसे देखकर आप दिन और रात के रंगों के खेल के पूरे स्पेक्ट्रम को महसूस कर सकते हैं, मौसम, सबल्यूनरी दुनिया का सामंजस्य। मोनेट की समझ में जीवन की धारा से केवल एक क्षण छीन लिया गया था, वह है प्रभाववाद। उनके चित्रों में कोई भौतिकता नहीं है, वे सभी प्रकाश की किरणों और हवा की धाराओं से संतृप्त हैं।
क्लाउड मोनेट ने अद्भुत काम किए: "गारे सेंट-लज़ारे", "रूएन कैथेड्रल", चक्र "चेरिंग क्रॉस ब्रिज" और कई अन्य।
अगस्टे रेनॉयर (1841-1919)
रेनॉयर की रचनाएँ असाधारण हल्कापन, वायुहीनता, ईथरता का आभास कराती हैं। कथानक का जन्म संयोग से हुआ था, लेकिन यह ज्ञात है कि कलाकार ने अपने काम के सभी चरणों को ध्यान से सोचा और सुबह से रात तक काम किया।
ओ। रेनॉयर के काम की एक विशिष्ट विशेषता ग्लेज़िंग का उपयोग है, जो तभी संभव है जब कलाकार के कार्यों में प्रभाववाद लिखना हर स्ट्रोक में प्रकट होता है। वह व्यक्ति को प्रकृति के ही कण के रूप में देखता है, यही कारण है कि इतने सारे नग्न चित्र हैं।
रेनॉयर का पसंदीदा शगल उसकी सभी आकर्षक और आकर्षक सुंदरता में एक महिला की छवि थी। चित्र कलाकार के रचनात्मक जीवन में एक विशेष स्थान रखते हैं। "छतरियां", "गर्ल विद ए फैन", "ब्रेकफास्ट ऑफ द रोवर्स" - ऑगस्टे रेनॉयर द्वारा चित्रों के अद्भुत संग्रह का केवल एक छोटा सा हिस्सा।
जॉर्जेस सेरात (1859-1891)
सेरात ने रंग के सिद्धांत की वैज्ञानिक पुष्टि के साथ पेंटिंग बनाने की प्रक्रिया को जोड़ा। प्रकाश-वायु वातावरण मूल और अतिरिक्त स्वरों की निर्भरता के आधार पर तैयार किया गया था।
इस तथ्य के बावजूद कि जे। सेरात प्रभाववाद के अंतिम चरण के प्रतिनिधि हैं, और उनकी तकनीक कई मायनों में संस्थापकों से अलग है, इसी तरह वह स्ट्रोक की मदद से वस्तु रूप का एक भ्रामक प्रतिनिधित्व करता है, जिसे देखा जा सकता है और दूर से ही देखा जाता है।
पेंटिंग "रविवार", "कैनकन", "मॉडल" को रचनात्मकता की उत्कृष्ट कृतियाँ कहा जा सकता है।
रूसी प्रभाववाद के प्रतिनिधि
रूसी प्रभाववाद लगभग अनायास उत्पन्न हुआ, अपने आप में कई घटनाओं और विधियों को मिलाया। हालांकि, आधार, फ्रेंच की तरह, प्रक्रिया की एक स्वाभाविक दृष्टि थी।
रूसी प्रभाववाद में, हालांकि फ्रांसीसी की विशेषताओं को संरक्षित किया गया था, राष्ट्रीय प्रकृति और मन की स्थिति की विशेषताओं ने महत्वपूर्ण परिवर्तन किए। उदाहरण के लिए, असामान्य तकनीकों का उपयोग करके बर्फ या उत्तरी परिदृश्य के दृश्य व्यक्त किए गए थे।
रूस में, कुछ कलाकारों ने प्रभाववाद की शैली में काम किया, उनके चित्र आज भी आंख को आकर्षित करते हैं।
वैलेंटाइन सेरोव के काम में प्रभाववादी अवधि को प्रतिष्ठित किया जा सकता है। उनकी "गर्ल विद पीचिस" रूस में इस शैली का सबसे स्पष्ट उदाहरण और मानक है।
चित्र अपनी ताजगी और शुद्ध रंगों के सामंजस्य से जीतते हैं। इस कलाकार के काम का मुख्य विषय प्रकृति में एक व्यक्ति का चित्रण है। "नॉर्दर्न आइडियल", "इन ए बोट", "फ्योडोर चालियापिन" - के। कोरोविन की गतिविधियों में उज्ज्वल मील के पत्थर।
आधुनिक समय में प्रभाववाद
वर्तमान में, कला में इस प्रवृत्ति को एक नया जीवन मिला है। कई कलाकार इस शैली में अपने चित्रों को चित्रित करते हैं। आधुनिक प्रभाववाद रूस (आंद्रे कोहन) में, फ्रांस में (लॉरेंट पार्सेलियर), अमेरिका में (डायना लियोनार्ड) में मौजूद है।
आंद्रे कोहन नए प्रभाववाद के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि हैं। उनकी तैलचित्र उनकी सादगी में अद्भुत हैं। कलाकार रोजमर्रा की चीजों में सुंदरता देखता है। सृष्टिकर्ता गति के प्रिज्म के माध्यम से कई वस्तुओं की व्याख्या करता है।
लॉरेंट पार्सेलियर के जलरंग कार्यों को पूरी दुनिया जानती है। उनकी स्ट्रेंज वर्ल्ड सीरीज़ को पोस्टकार्ड के रूप में जारी किया गया है। भव्य, जीवंत और कामुक, वे आपकी सांसें रोक लेंगे।
19वीं शताब्दी की तरह, वर्तमान समय में कलाकारों के लिए ओपन-एयर पेंटिंग बनी हुई है। उसके लिए धन्यवाद, प्रभाववाद हमेशा के लिए जीवित रहेगा। कलाकार प्रेरित, प्रभावित और प्रेरित करते रहते हैं।
आजकल, प्रभाववादी कलाकारों की उत्कृष्ट कृतियों को विश्व कला के संदर्भ में माना जाता है: हमारे लिए वे बहुत समय पहले क्लासिक्स बन गए हैं। बहरहाल, ऐसा हमेशा नहीं होता। ऐसा हुआ कि उनके कैनवस को आधिकारिक प्रदर्शनियों में शामिल नहीं किया गया, प्रेस में आलोचना की गई, और मामूली शुल्क के लिए भी खरीदना नहीं चाहते थे। वर्षों की निराशा, अभाव और कठिनाई थी। और जैसा कि उन्होंने देखा दुनिया को चित्रित करने के अवसर के लिए संघर्ष। बहुसंख्यकों को समझने और समझने में, अपनी आंखों से खुद को देखने में कई दशक लग गए। वह कैसा था, वह दुनिया जिसमें 1860 के दशक की शुरुआत में प्रभाववाद का आक्रमण हुआ, एक उछाल वाली हवा की तरह जो परिवर्तन देती है?
अठारहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध की सामाजिक उथल-पुथल, फ्रांस और अमेरिका में क्रांतियों ने पश्चिमी संस्कृति के सार को बदल दिया, जो तेजी से बदलते समाज में कला की भूमिका को प्रभावित नहीं कर सका। शासक राजवंश या चर्च से सामाजिक व्यवस्था के आदी, कलाकारों ने अचानक पाया कि वे अपने ग्राहकों के बिना रह गए थे। कला के मुख्य ग्राहकों, कुलीनों और पादरियों ने गंभीर कठिनाइयों का अनुभव किया। एक नए युग की स्थापना हुई, पूंजीवाद का युग, जिसने नियमों और प्राथमिकताओं को पूरी तरह से बदल दिया।
धीरे-धीरे, नवगठित गणराज्यों और लोकतांत्रिक रूप से संगठित शक्तियों में एक धनी मध्यम वर्ग का विकास हुआ, जिसके परिणामस्वरूप एक नया कला बाजार विशद रूप से विकसित होने लगा। दुर्भाग्य से, उद्यमियों और व्यापारियों में, एक नियम के रूप में, एक वंशानुगत संस्कृति और पालन-पोषण की कमी थी, जिसके बिना साजिश के आरोपों या कुशल प्रदर्शन कौशल की विविधता का सही ढंग से आकलन करना असंभव था जो लंबे समय से अभिजात वर्ग को आकर्षित करते थे।
एक कुलीन पालन-पोषण और शिक्षा के रूप में प्रस्तुत किए बिना, मध्य वर्ग के प्रतिनिधि, जो कला के उपभोक्ता बन गए, शुरू में अखबार के आलोचकों और आधिकारिक विशेषज्ञों के विचारों पर खुद को उन्मुख करने के लिए बाध्य थे। कला की पुरानी अकादमियां, जो शास्त्रीय नींव की संरक्षक हैं, कलात्मक गुरुत्वाकर्षण के मामलों में केंद्रीय मध्यस्थ बन गई हैं। यह विरोधाभासी नहीं है कि कुछ युवा और खोजी चित्रकार, जो अनुरूपता से घृणा करते थे, कला में अकादमिकता के औपचारिक प्रभुत्व के खिलाफ विद्रोह कर दिया।
उस समय के शिक्षावाद की एक आवश्यक गढ़ में अधिकारियों द्वारा संरक्षित समकालीन कला की प्रदर्शनियां थीं। इस तरह की प्रदर्शनियों को सैलून कहा जाता था - परंपरा से, लौवर में हॉल के नाम का जिक्र करते हुए, जहां दरबारी कलाकारों ने एक बार अपने कैनवस का प्रदर्शन किया था।
सैलून में भाग लेना ही प्रेस और ग्राहकों की रुचि को उनके कार्यों के प्रति आकर्षित करने का एकमात्र मौका था। अगस्टे रेनॉयर, डूरंड-रूएल को लिखे अपने एक पत्र में, वर्तमान स्थिति के बारे में बात करते हैं: "पूरे पेरिस में मुश्किल से पंद्रह प्रशंसक हैं जो सैलून की मदद के बिना कलाकार को पहचान सकते हैं, और अस्सी हजार लोग जो नहीं करेंगे यदि कलाकार सैलून में प्रवेश नहीं करता है तो कैनवास का एक वर्ग सेंटीमीटर भी प्राप्त करें।"
सैलून में कैसे दिखाई दें, इसके अलावा युवा चित्रकारों के पास चमकने के लिए और कुछ नहीं था: प्रदर्शनी में वे न केवल जूरी के सदस्यों के अप्रिय शब्दों को सुन सकते थे, बल्कि यूजीन डेलाक्रोइक्स, गुस्ताव कोर्टबेट, एडौर्ड मानेट जैसे गहरे सम्मानित चित्रकार भी सुन सकते थे। जो युवा लोगों के पसंदीदा थे, जिससे बाद की रचनात्मकता को प्रोत्साहन मिला। इसके अलावा, सैलून एक ग्राहक प्राप्त करने, ध्यान आकर्षित करने और कला में अपना करियर स्थापित करने का एक अनूठा अवसर था। सैलून पुरस्कार ने कलाकार के लिए पेशेवर पहचान की गारंटी को चिह्नित किया। इसके विपरीत, यदि जूरी ने प्रस्तुत कार्य को अस्वीकार कर दिया, तो यह एक सौंदर्य निलंबन के समान था।
अक्सर विचार के लिए प्रस्तावित तस्वीर सामान्य सिद्धांतों के अनुरूप नहीं थी, जिसके लिए सैलून की जूरी को खारिज कर दिया गया था: कलात्मक माहौल में, इस प्रकरण ने एक घोटाला और सनसनी पैदा कर दी थी।
उन कलाकारों में से एक जिनकी सैलून में भागीदारी ने हमेशा एक घोटाला किया और शिक्षाविदों के बीच बहुत चिंता पैदा की, वह थे एडौर्ड मानेट। उनके चित्रों "नाश्ता ऑन द ग्रास" (1863) और "ओलंपिया" (1865) के प्रदर्शन के साथ एक बड़ा घोटाला हुआ, जो असामान्य रूप से कठोर तरीके से बनाया गया था, जिसमें सैलून के लिए सौंदर्यशास्त्र विदेशी था। और 1864 के सैलून में प्रस्तुत पेंटिंग "इंसीडेंट इन द बुलफाइट", गोया के काम के लिए कलाकार के उत्साह को दर्शाती है। अग्रभूमि में, मानेट ने एक बुलफाइटर की फैली हुई आकृति को खींचा। पेंटिंग की पृष्ठभूमि एक स्ट्रेचिंग अखाड़ा और हतोत्साहित, स्तब्ध दर्शकों की पंक्तियाँ थीं। इस तरह की मार्मिक और उद्दंड रचना ने बहुत सारी व्यंग्यात्मक समीक्षाओं और अखबारों के कार्टूनों को उकसाया। आलोचना से आहत, मानेट ने अपनी पेंटिंग को दो हिस्सों में फाड़ दिया।
यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि आलोचकों और कार्टूनिस्टों को शब्दों की पसंद और कलाकार का अपमान करने के तरीकों को और अधिक दर्दनाक तरीके से अपमानित करने, उसे किसी प्रकार की पारस्परिक क्रियाओं के लिए प्रेरित करने में शर्म नहीं आई। "आर्टिस्ट रिजेक्टेड बाय द सैलून" और बाद में "द इम्प्रेशनिस्ट" सार्वजनिक घोटालों से पैसा कमाने वाले पत्रकारों के पसंदीदा लक्ष्य बन गए। सैलून और अन्य अवधारणाओं और प्रवृत्तियों के चित्रकारों के बीच बेरोकटोक झगड़े, जो पुरानी शिक्षावाद की सख्त सीमाओं से थक चुके थे, ने उस समय तक 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की कला में परिपक्व होने वाली गंभीर गिरावट का संकेत दिया। 1863 सैलून के रूढ़िवादी जूरी ने इतने सारे कैनवस को खारिज कर दिया कि सम्राट नेपोलियन III ने व्यक्तिगत रूप से एक और समानांतर प्रदर्शनी का समर्थन करना आवश्यक पाया ताकि दर्शक स्वीकृत कार्यों की तुलना अस्वीकार किए गए कार्यों से कर सकें। "सैलून ऑफ लेस मिजरेबल्स" नाम प्राप्त यह प्रदर्शनी मनोरंजन का एक अत्यंत फैशनेबल स्थान बन गई - लोग यहाँ हँसने और मज़ाक करने के लिए जाया करते थे।
अकादमिक जूरी को दरकिनार करने के लिए, चित्रकार रखने वाले स्वतंत्र व्यक्तिगत प्रदर्शनियों की स्थापना कर सकते थे। एक कलाकार द्वारा एक प्रदर्शनी के विचार की घोषणा सबसे पहले यथार्थवादी चित्रकार गुस्ताव कोर्टबेट ने की थी। उन्होंने 1855 की पेरिस विश्व प्रदर्शनी में अपने कार्यों की एक श्रृंखला प्रस्तुत की। चयन समिति ने उनके परिदृश्य को मंजूरी दी, लेकिन विषयगत कार्यक्रम चित्रों को खारिज कर दिया। तब Courbet, नींव के विपरीत, विश्व प्रदर्शनी के आसपास के क्षेत्र में एक व्यक्तिगत मंडप बनाया। हालांकि कोर्टबेट की व्यापक पेंटिंग शैली ने वृद्ध डेलाक्रोइक्स को प्रभावित किया, लेकिन उनके मंडप में बहुत कम दर्शक थे। 1867 में विश्व मेले में, कोर्टबेट ने इस अनुभव को बड़ी जीत के साथ नवीनीकृत किया - इस बार उन्होंने अपने सभी कार्यों को एक अलग कमरे में लटका दिया। एडौर्ड मानेट ने, कोर्टबेट के उदाहरण का अनुसरण करते हुए, उसी प्रदर्शनी के दौरान अपने कैनवस के पूर्वव्यापी प्रदर्शन के लिए अपनी गैलरी खोली।
व्यक्तिगत दीर्घाओं के निर्माण और कैटलॉग के निजी प्रकाशन में संसाधनों का एक महत्वपूर्ण निवेश शामिल था - जो अक्सर कलाकारों के स्वामित्व की तुलना में अतुलनीय रूप से अधिक होता है। हालांकि, कोर्टबेट और मानेट के मामलों ने युवा चित्रकारों को नए रुझानों से कलाकारों की एक समूह प्रदर्शनी की योजना बनाने के लिए प्रेरित किया, जिन्हें आधिकारिक सैलून द्वारा स्वीकार नहीं किया गया था।
19वीं सदी की कला पर सामाजिक परिवर्तनों के अलावा वैज्ञानिक अनुसंधान का भी महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। 1839 में, पेरिस में लुई डागुएरे और लंदन में हेनरी फॉक्स टैलबोट ने अपने स्वतंत्र रूप से बनाए गए फोटोग्राफिक उपकरणों का प्रदर्शन किया। इस घटना के तुरंत बाद, फोटोग्राफी ने कलाकारों और ग्राफिक कलाकारों को लोगों, स्थानों और घटनाओं को बनाए रखने के दायित्व से मुक्त कर दिया। किसी वस्तु को स्केच करने के कर्तव्य से मुक्त होकर, कई चित्रकार भावनाओं के कैनवास पर अपनी, व्यक्तिपरक, अभिव्यक्ति को व्यक्त करने के क्षेत्र में आ गए।
तस्वीर ने यूरोपीय कला में विभिन्न विचारों को जन्म दिया। लेंस, मानव आँख की तुलना में एक अलग कोण के साथ, रचना का एक खंडित प्रतिनिधित्व करता है। शूटिंग के कोण में बदलाव ने कलाकारों को नए रचनात्मक दृष्टिकोण की ओर धकेल दिया, जो प्रभाववाद के सौंदर्यशास्त्र का आधार बन गया। इस आंदोलन के मुख्य सिद्धांतों में से एक सहजता बन गया है।
उसी वर्ष 1839 में, जब कैमरा बनाया गया था, पेरिस के टेपेस्ट्री कारख़ाना की प्रयोगशाला के एक रसायनज्ञ मिशेल यूजीन शेवरुल ने पहली बार मानव आँख द्वारा रंग की धारणा की तार्किक व्याख्या प्रकाशित की थी। कपड़ों के लिए रंग बनाते समय, उन्होंने तीन प्राथमिक रंगों के अस्तित्व को सुनिश्चित किया - लाल, पीला और नीला, मिश्रित होने पर अन्य सभी रंग दिखाई देते हैं। कलर व्हील की सहायता से, शेवरूल ने साबित किया कि रंगों का जन्म कैसे होता है, जिसने न केवल एक कठिन वैज्ञानिक विचार को उत्कृष्ट रूप से चित्रित किया, बल्कि कलाकारों को रंगों के मिश्रण की एक कार्यशील अवधारणा भी प्रस्तुत की। अमेरिकी भौतिक विज्ञानी ओग्डेन रूड और जर्मन वैज्ञानिक हरमन वॉन हेल्महोली ने अपने हिस्से के लिए, इस आविष्कार को प्रकाशिकी के क्षेत्र में विकास के साथ पूरक किया।
1841 में, अमेरिकी वैज्ञानिक और चित्रकार जॉन रैंड ने खराब होने वाले पेंट के लिए बनाई गई टिन ट्यूबों का पेटेंट कराया। कलाकार से पहले, खुली हवा में पेंट करने के लिए, उसे पहले कार्यशाला में आवश्यक पेंट को मिलाने के लिए मजबूर होना पड़ा और फिर उन्हें कांच के कंटेनरों में डालना, जो अक्सर पीटते थे, या जानवरों की अंतड़ियों से बुलबुले में, जो जल्दी से लीक हो जाते थे। रैंड ट्यूबों के आगमन के साथ, कला के लोगों को सभी प्रकार के रंगों और रंगों को अपने साथ खुली हवा में ले जाने का सौभाग्य प्राप्त हुआ है। इस खोज ने कलाकारों के रंगों की प्रचुरता को बहुत प्रभावित किया, और साथ ही उन्हें अपनी कार्यशालाओं से बाहर प्रकृति की ओर जाने के लिए राजी किया। जल्द ही, जैसा कि एक मजाकिया ने कहा, ग्रामीण इलाकों में किसानों की तुलना में अधिक परिदृश्य चित्रकार थे।
खुली हवा में पेंटिंग के अग्रदूत बारबिजोन स्कूल के कलाकार थे, जिन्होंने फॉनटेनब्लियू के जंगल के पास बारबिजोन गांव से अपना उपनाम हासिल किया, जहां उन्होंने अधिकांश परिदृश्य बनाए।
यदि अपने काम में बारबिजोन स्कूल (टी। रूसो, जे। डुप्रे) के पुराने चित्रकार अभी भी वीर परिदृश्य की विरासत पर आधारित थे, तो युवा पीढ़ी के प्रतिनिधियों (सी। डौबिनी, सी। कोरोट) ने इस शैली को संपन्न किया। यथार्थवाद की विशेषताओं के साथ। उनके कैनवस उन परिदृश्यों को दर्शाते हैं जो अकादमिक आदर्शीकरण के लिए अलग हैं।
अपने चित्रों में, बारबिज़ोनियों ने प्रकृति के विभिन्न राज्यों को फिर से बनाने की कोशिश की। यही कारण है कि उन्होंने प्रकृति से चित्रित किया, उनमें उनकी धारणा की तत्कालता को पकड़ने की कोशिश की। हालाँकि, पेंटिंग में पुराने शैक्षणिक तरीकों और साधनों के उपयोग ने उन्हें वह हासिल करने में मदद नहीं की जो बाद में प्रभाववादी सफल हुए। इसके बावजूद, शैली के निर्माण में बारबिजोन स्कूल के कलाकारों का योगदान अकाट्य है: प्लेन एयर के लिए कार्यशालाओं को छोड़कर, उन्होंने लैंडस्केप पेंटिंग को विकास के नए तरीके पेश किए।
प्रकृति में पेंटिंग के समर्थकों में से एक, यूजीन बौडिन ने अपने युवा छात्र क्लाउड मोनेट को निर्देश दिया कि खुली हवा में - प्रकाश और हवा के बीच में, जो आप सोचते हैं उसे चित्रित करने के लिए जरूरी है। यह नियम प्लेन एयर पेंटिंग का आधार बना। मोनेट ने जल्द ही अपने दोस्तों, ऑगस्टे रेनॉयर, अल्फ्रेड सिसली और फ्रेडरिक बेसिल को एक नया सिद्धांत प्रस्तुत किया: केवल एक विशिष्ट दूरी पर और विशिष्ट प्रकाश व्यवस्था के तहत आप जो देखते हैं उसे चित्रित करने के लिए। पेरिस के कैफे में शाम को, युवा चित्रकारों ने खुशी-खुशी अपने विचार साझा किए और अपनी नई खोजों पर उत्साहपूर्वक चर्चा की।
इस तरह प्रभाववाद प्रकट हुआ - 19 वीं के अंतिम तीसरे - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में कला में एक क्रांतिकारी प्रवृत्ति। प्रभाववाद के पथ पर कदम रखने वाले चित्रकारों ने अपनी क्षणभंगुर भावनाओं को व्यक्त करने के लिए, अपनी अंतहीन गतिशीलता और अनिश्चितता में अपने कामों में अपने आसपास की दुनिया और रोजमर्रा की वास्तविकता को अधिक स्वाभाविक रूप से और सच्चाई से पकड़ने की कोशिश की।
प्रभाववाद उन वर्षों में कला में शासन करने वाले अकादमिकता के ठहराव की प्रतिक्रिया थी, पेंटिंग को निराशाजनक स्थिति से मुक्त करने की इच्छा जिसमें यह सैलून के कलाकारों की गलती से गिर गया। कई प्रगतिशील-दिमाग वाले लोगों ने दावा किया कि समकालीन कला गिरावट में है: यूजीन डेलाक्रोइक्स, गुस्ताव कोर्टबेट, चार्ल्स बौडेलेयर। प्रभाववाद "पीड़ित जीव" के लिए एक प्रकार की शॉक थेरेपी थी।
युवा शैली के चित्रकारों एडौर्ड मानेट, अगस्टे रेनॉयर, एडगर डेगास के उद्भव के साथ, फ्रांसीसी चित्रकला में परिवर्तन की हवा फट गई, जीवन के चिंतन की तात्कालिकता, क्षणिक की प्रस्तुति, जैसा कि यह था, अप्रत्याशित स्थितियों और आंदोलनों, भ्रमपूर्ण अस्थिरता और रूपों का असंतुलन, खंडित रचना, अप्रत्याशित दृष्टिकोण और कोण ...
शाम को, जब कलाकारों को कम रोशनी के कारण अपने कैनवस को चित्रित करने का अवसर नहीं मिला, तो उन्होंने अपनी कार्यशालाएँ छोड़ दीं और पेरिस के कैफे में गरमागरम बहस के लिए बैठ गए। इस तरह से एडौर्ड मानेट के आसपास एकजुट हुए मुट्ठी भर कलाकारों के लिए हर्बोइस कैफे स्थायी बैठक स्थानों में से एक बन गया। गुरुवार को नियमित बैठकें होती थीं, और अन्य दिनों में जीवंत बात करने वाले या बहस करने वाले कलाकारों का एक समूह मिल सकता था। क्लाउड मोनेट ने कैफे हर्बोइस में बैठकों का इस प्रकार वर्णन किया: "इन बैठकों और नज़रों के अंतहीन टकराव से ज्यादा रोमांचक और कुछ नहीं हो सकता है। उन्होंने हमारे दिमाग को तेज किया, हमारी नेक और हार्दिक आकांक्षाओं को उत्तेजित किया, हमें उत्साह का प्रभार दिया जिसने हमें कई हफ्तों तक बनाए रखा जब तक कि विचार आखिरकार नहीं बन गया। हमने इन बैठकों को एक मजबूत इच्छा के साथ, स्पष्ट और स्पष्ट विचारों के साथ, उच्च जोश में छोड़ा था।"
1870 के दशक की पूर्व संध्या पर, प्रभाववाद भी फ्रांसीसी परिदृश्य में आधारित था: क्लाउड मोनेट, केमिली पिसारो, अल्फ्रेड सिसली एक अनुक्रमिक प्लीन वायु प्रणाली विकसित करने वाले पहले व्यक्ति थे। उन्होंने अपने कैनवस को बिना किसी रेखाचित्र और रेखाचित्र के सीधे कैनवास पर खुली हवा में, चमचमाती धूप, प्रकृति के रंगों की शानदार बहुतायत, पर्यावरण में प्रतिनिधित्व की गई वस्तुओं का विघटन, प्रकाश और हवा के कंपन, प्रतिबिंबों का एक दंगा, में चित्रित किया। उनकी पेंटिंग। इस लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए, उन्होंने जिस रंग प्रणाली का हर विवरण में अध्ययन किया, जिसमें प्राकृतिक रंग सौर स्पेक्ट्रम के रंगों में विघटित हो गया, उन्हें बहुत सुविधा हुई। असामान्य रूप से उज्ज्वल, नाजुक रंगीन बनावट बनाने के लिए, कलाकारों ने अलग-अलग स्ट्रोक के साथ कैनवास पर एक शुद्ध रंग लगाया, जबकि मानव आंखों में ऑप्टिकल मिश्रण की उम्मीद थी। यह तकनीक, बाद में रूपांतरित हुई और सैद्धांतिक रूप से तर्क-वितर्क की गई, एक और उत्कृष्ट कलात्मक आकांक्षा का केंद्रबिंदु बन गई - बिंदुवाद, जिसे "विभाजनवाद" कहा जाता है (फ्रांसीसी "विभाजक" से - विभाजित करने के लिए)।
प्रभाववादियों ने वस्तु और पर्यावरण के बीच संबंधों में अधिक रुचि दिखाई। उनके सावधानीपूर्वक रचनात्मक विश्लेषण का विषय बदलते परिवेश में किसी वस्तु के रंग और चरित्र का परिवर्तन था। इस अवधारणा को प्राप्त करने के लिए, एक ही वस्तु को कई बार चित्रित किया गया था। छाया और प्रतिबिंबों में शुद्ध रंग जोड़ने के साथ, काले रंग ने पैलेट को लगभग छोड़ दिया है।
आलोचक जूल्स लाफोर्ग ने प्रभाववाद की घटना के बारे में निम्नलिखित तरीके से बात की: "प्रभाववादी प्रकृति को देखता है और बताता है कि वह केवल आकर्षक कंपन के साथ है। ड्राइंग, लाइट, वॉल्यूम, पर्सपेक्टिव, चिरोस्कोरो - यह सब एक ऐसा वर्गीकरण है जो वास्तविकता में लुप्त हो रहा है। यह पता चला है कि सब कुछ रंग के कंपन से वातानुकूलित है और इसे रंग के कंपन के साथ कैनवास पर कैद किया जाना चाहिए।"
27 दिसंबर, 1873 को एक कैफे में बाहरी गतिविधियों और बैठकों के लिए धन्यवाद, "बेनामी, मूर्तिकार, उत्कीर्णक, आदि।" - तो सबसे पहले प्रभाववादियों ने खुद को बुलाया। सोसाइटी की पहली प्रदर्शनी एक साल बाद नादर की वाणिज्यिक गैलरी में हुई, जो एक प्रयोगात्मक फोटोग्राफर था, जिसने समकालीन कला के कार्यों में भी कारोबार किया था।
पदार्पण 15 अप्रैल, 1874 को हुआ। प्रदर्शनी को एक महीने के लिए आयोजित करने की योजना थी, यात्राओं का समय दस से छह बजे तक था और, जो एक नवाचार भी बन गया, शाम को आठ से दस बजे तक। प्रवेश टिकट की कीमत एक फ़्रैंक है, कैटलॉग पचास सेंटीमीटर के लिए खरीदे जा सकते हैं। पहले तो प्रदर्शनी आगंतुकों से भरी हुई लग रही थी, लेकिन भीड़ वहाँ केवल उपहास में लगी हुई थी। कुछ लोगों ने मजाक में कहा कि इन कलाकारों का काम पेंट की विभिन्न ट्यूबों के साथ एक बंदूक लोड करके, फिर कैनवास पर शूटिंग करके और उस पर हस्ताक्षर करके हासिल किया जा सकता है।
राय विभाजित थी: या तो प्रदर्शनी को बिल्कुल भी गंभीरता से नहीं लिया गया था, या स्मिथेरेन्स की आलोचना की गई थी। एक सामंत के रूप में प्रकाशित लुई लेरॉय द्वारा हस्ताक्षरित व्यंग्यात्मक आकांक्षा "एक्ज़िबिशन ऑफ़ द इम्प्रेशनिस्ट्स" के निम्नलिखित लेख में सामान्य धारणा व्यक्त की जा सकती है। पदक से सम्मानित लेखक और शिक्षाविद-परिदृश्य चित्रकार के बीच संवाद का वर्णन यहां किया गया है, साथ में वे प्रदर्शनी के हॉल से गुजरते हैं:
"... एक अविवेकी कलाकार वहाँ आया, कुछ भी बुरा न मानकर, उसने वहाँ कैनवस देखने की आशा की जो हर जगह पाए जा सकते हैं, सांकेतिक और बेकार, सांकेतिक से अधिक बेकार, लेकिन कुछ कलात्मक मानकों से दूर नहीं, रूप की संस्कृति और सम्मान के लिए पुराने स्वामी।
काश, रूप! काश, पुराने स्वामी! हम उन्हें अब और नहीं पढ़ेंगे, मेरे गरीब दोस्त! हमने सब कुछ बदल दिया है!"
प्रदर्शनी ने क्लाउड मोनेट द्वारा एक परिदृश्य का भी प्रदर्शन किया, जो सुबह की सुबह को कोहरे से ढकी खाड़ी में दिखा रहा था - चित्रकार ने इसे "इंप्रेशन" कहा। सूर्योदय "(छाप)। यहाँ इस कैनवास पर लुई लेरॉय के व्यंग्य लेख के पात्रों में से एक की एक टिप्पणी है, जिसने 19 वीं शताब्दी की कला में सबसे सनसनीखेज और प्रसिद्ध प्रवृत्ति को नाम दिया:
"... - यहाँ क्या खींचा गया है? कैटलॉग पर एक नज़र डालें। - "प्रभाव। सूर्योदय"। - इंप्रेशन - जैसा मैंने उम्मीद की थी। मैंने सिर्फ अपने आप से तर्क किया है कि जब से मैं प्रभाव में हूं, तो उसमें कुछ छाप अवश्य पहुंचाई जानी चाहिए ... और क्या आराम है, क्या सहज प्रदर्शन है! प्रसंस्करण की मूल डिग्री में वॉलपेपर इस सीस्केप की तुलना में अधिक परिपूर्ण है ... "।
व्यक्तिगत रूप से, मोनेट किसी भी तरह से एक कलात्मक तकनीक के लिए ऐसे नाम के विरोध में नहीं थे, जिसे उन्होंने व्यवहार में लागू किया। उनके काम का मुख्य सार जीवन के मायावी क्षणों को ठीक से कैप्चर करना और कैप्चर करना है, जिस पर उन्होंने काम किया, उनकी अनगिनत श्रृंखलाओं को जन्म दिया: "हेस्टैक्स", "पॉपलर", "रूएन कैथेड्रल", "गारे सेंट-लाज़ारे" , "गिवर्न में तालाब", "लंदन। संसद भवन ”और अन्य। एक और मामला, एडगर डेगास, जो खुद को "स्वतंत्र" कहना पसंद करते थे, क्योंकि उन्होंने सैलून में भाग नहीं लिया था। उनकी कठोर, विचित्र लेखन शैली, जो कई समर्थकों के लिए एक उदाहरण के रूप में कार्य करती थी (जिनके बीच टूलूज़-लॉट्रेक विशेष रूप से उत्कृष्ट थे), अकादमिक जूरी के लिए अनुमेय था। ये दोनों चित्रकार फ्रांस और विदेशों में - इंग्लैंड, जर्मनी और संयुक्त राज्य अमेरिका में, प्रभाववादियों की बाद की प्रदर्शनियों के सबसे सक्रिय आयोजक बन गए।
अगस्टे रेनॉयर, इसके विपरीत, प्रभाववादियों की पहली प्रदर्शनियों में दिखाई देते हुए, हर साल अपनी प्रदर्शनियों में दो पेंटिंग भेजते हुए, सैलून जीतने की उम्मीद नहीं खोई। वह अपने कामरेड और संरक्षक डूरंड-रूएल के साथ अपने पत्राचार में अपने कार्यों की विशिष्ट अस्पष्टता की व्याख्या करता है: "... मैं दर्दनाक राय का समर्थन नहीं करता कि एक काम योग्य या अयोग्य है, उस स्थान पर निर्भर करता है जहां इसे दिखाया गया है। संक्षेप में, मैं समय बर्बाद नहीं करना चाहता और सैलून में पागल होना चाहता हूं। मैं नाराज होने का नाटक भी नहीं करना चाहता। मुझे लगता है कि आपको जितनी जल्दी हो सके आकर्षित करने की जरूरत है, बस। अगर मेरी कला में बेईमान होने के लिए, या बेतुकी महत्वाकांक्षा से मेरे विचारों को खारिज करने के लिए मुझे फटकार लगाई जाती, तो मैं ऐसे आरोपों को स्वीकार करता। लेकिन चूंकि ऐसा कुछ भी नहीं है और न ही करीब है, तो मुझे फटकार लगाने की कोई जरूरत नहीं है।"
खुद को आधिकारिक तौर पर प्रभाववादियों की दिशा में शामिल नहीं मानते हुए, एडौर्ड मानेट ने खुद को एक यथार्थवादी चित्रकार माना। हालांकि, प्रभाववादियों के साथ लगातार घनिष्ठ संबंध, उनकी प्रदर्शनियों का दौरा करते हुए, चित्रकार की शैली को स्पष्ट रूप से बदल दिया, इसे प्रभाववादी के करीब लाया। उनके जीवन के अंतिम वर्षों में, उनके चित्रों में रंग चमकते हैं, ब्रशस्ट्रोक व्यापक होता है, रचना खंडित होती है। रेनॉयर की तरह, मानेट को कला के क्षेत्र में आधिकारिक विशेषज्ञों के पक्ष की उम्मीद थी और वह सैलून की प्रदर्शनियों में भाग लेने के लिए उत्सुक थे। लेकिन उसकी इच्छा के विरुद्ध, वह पेरिस के अवंत-गार्डे, उनके बेताज राजा की मूर्ति बन गया। सब कुछ के बावजूद, उसने अपने कैनवस के साथ सैलून में हठपूर्वक तूफान मचा दिया। अपनी मृत्यु से ठीक पहले, उन्हें सैलून का आधिकारिक स्थान प्राप्त करने का सौभाग्य प्राप्त हुआ। अगस्टे रेनॉयर ने भी इसे पाया।
प्रभाववाद के प्रमुख व्यक्तियों का वर्णन करते हुए, यह कम से कम खंडित रूप से याद नहीं करना बदसूरत होगा, जिसकी मदद से बार-बार बदनाम कलात्मक दिशा 19 वीं शताब्दी का एक आवश्यक कलात्मक अधिग्रहण बन गई, जिसने पूरी दुनिया को जीत लिया। इस आदमी का नाम पॉल डूरंड-रूएल, एक कलेक्टर और कला डीलर है, जिसने बार-बार खुद को दिवालिया होने के कगार पर पाया है, लेकिन एक नई कला के रूप में प्रभाववाद को स्थापित करने के अपने प्रयासों को नहीं छोड़ा है जो अभी भी अपने चरमोत्कर्ष पर पहुंचेगा। उन्होंने पेरिस और लंदन में प्रभाववादियों की प्रदर्शनियों का आयोजन किया, उनकी गैलरी में चित्रकारों की व्यक्तिगत प्रदर्शनियों की व्यवस्था की, नीलामी आयोजित की, बस आर्थिक रूप से कलाकारों की सहायता की: ऐसे समय थे जब उनमें से कई के पास पेंट और कैनवास खरीदने का साधन नहीं था। कलाकारों की उग्र कृतज्ञता और सम्मान का प्रमाण - डूरंड-रूएल को उनके पत्र, जिनमें से बहुत सारे हैं। डूरंड-रूएल का व्यक्तित्व एक बुद्धिमान संग्राहक और परोपकारी का उदाहरण है।
"प्रभाववाद" एक सापेक्ष अवधारणा है। सभी चित्रकार जिन्हें हम इस प्रवृत्ति के रूप में रैंक करते हैं, ने अकादमिक प्रशिक्षण प्राप्त किया है, जिसमें विवरणों का गहन अध्ययन और एक चिकनी, चमकदार पेंटिंग सतह शामिल है। हालांकि, उन्होंने जल्द ही सैलून द्वारा निर्धारित सामान्य विषयों और भूखंडों के लिए यथार्थवादी दिशा में चित्रों को प्राथमिकता दी, जो वास्तविक वास्तविकता, रोजमर्रा की जिंदगी को दर्शाती है। इसके बाद, उनमें से प्रत्येक ने एक निश्चित समय के लिए प्रभाववाद की शैली में चित्रित किया, विभिन्न प्रकाश स्थितियों के तहत अपने चित्रों में वस्तुओं को निष्पक्ष रूप से व्यक्त करने की कोशिश की। इस तरह के एक प्रभाववादी चरण के बाद, इनमें से अधिकांश अवंत-गार्डे कलाकार स्वतंत्र शोध में चले गए, जिसने सामूहिक नाम "पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म" हासिल कर लिया; बाद में उनके काम ने XX सदी के अमूर्तवाद के गठन में योगदान दिया।
XIX सदी के 70 के दशक में, यूरोप जापानी कला का आदी हो गया। एडमंड डी गोनकोर्ट अपने नोट्स में कहते हैं: "... जापानी कला के लिए जुनून ... पेंटिंग से लेकर फैशन तक - सब कुछ शामिल है। पहले तो यह मेरे भाई और मैं जैसे सनकी लोगों के लिए एक उन्माद था, .. बाद में प्रभाववादी चित्रकार हमारे साथ जुड़ गए।" दरअसल, उस समय के प्रभाववादियों के चित्रों में, जापानी संस्कृति की विशेषताओं को अक्सर पकड़ लिया जाता था: प्रशंसक, किमोनो, स्क्रीन। उन्होंने जापानी उत्कीर्णन से शैलीगत तरीके और प्लास्टिक समाधान भी प्राप्त किए। कई प्रभाववादी जापानी प्रिंटों के उत्सुक संग्रहकर्ता थे। उदाहरण के लिए, एडौर्ड मानेट, क्लाउड मोनेट, एडगर डेगास।
सामान्य तौर पर, 1874 से 1886 तक तथाकथित प्रभाववादियों ने असमान समय के अंतराल पर 8 प्रदर्शनियों का आयोजन किया; बेनामी सोसाइटी के 55 चित्रकारों में से आधे, विभिन्न परिस्थितियों के कारण, केवल 1 में ही पाए गए। सभी 8 प्रदर्शनियों में एक विशेष प्रतिभागी केमिली पिसारो थे, जिनके पास एक शांत, शांतिपूर्ण स्वभाव था।
1886 में, प्रभाववादियों की अंतिम प्रदर्शनी हुई, लेकिन एक कलात्मक पद्धति के रूप में, इसका अस्तित्व बना रहा। चित्रकारों ने अपनी मेहनत नहीं छोड़ी। हालांकि पूर्व की सहकारिता, एकता, अब नहीं रही। प्रत्येक ने अपने स्वयं के पथ को रौंद डाला। ऐतिहासिक टकराव समाप्त हुए, नए विचारों की विजय के साथ समाप्त हुए, और बलों को एकजुट करने की कोई आवश्यकता नहीं थी। प्रभाववादी कलाकारों की शानदार एकता विभाजित हो गई, और यह विभाजित नहीं हो सका: वे सभी न केवल स्वभाव में, बल्कि उनके विचारों और कलात्मक विश्वासों में भी बहुत भिन्न थे।
प्रभाववाद, अपने समय के अनुरूप एक प्रवृत्ति के रूप में, फ्रांस की सीमाओं को छोड़ने में विफल नहीं हुआ। अन्य देशों के चित्रकारों ने इसी तरह के प्रश्न पूछे (इंग्लैंड और यूएसए में जेम्स व्हिस्लर, जर्मनी में मैक्स लिबरमैन और लोविस कोरिंथ, रूस में कॉन्स्टेंटिन कोरोविन और इगोर ग्रैबर)। मूर्तिकारों (फ्रांस में ऑगस्टे रोडिन, रूस में पाओलो ट्रुबेट्सकोय और अन्ना गोलूबकिना) ने तत्काल आंदोलन और तरल रूप के लिए प्रभाववाद के उत्साह को अपनाया।
अपने समकालीनों के विचारों में एक क्रांति करने के बाद, अपने विश्वदृष्टि का विस्तार करते हुए, प्रभाववादियों ने कला के बाद के गठन और नई सौंदर्य आकांक्षाओं और विचारों के उद्भव का मार्ग प्रशस्त किया, नए रूप जिन्हें प्रकट होने में देर नहीं लगी। प्रभाववाद, नव-प्रभाववाद, उत्तर-प्रभाववाद, फौववाद से उत्पन्न, बाद में नए सौंदर्य प्रवृत्तियों और प्रवृत्तियों के गठन और स्थापना को भी प्रेरित किया।
प्रभाववाद- XIX के अंतिम तीसरे की कला में दिशा - शुरुआती XX सदियों, जो फ्रांस में उत्पन्न हुई और फिर दुनिया भर में फैल गई, जिनके प्रतिनिधियों ने अपनी क्षणभंगुरता को व्यक्त करने के लिए अपनी गतिशीलता और परिवर्तनशीलता में वास्तविक दुनिया को सबसे स्वाभाविक और निष्पक्ष रूप से पकड़ने की मांग की। छापे। आमतौर पर, "प्रभाववाद" शब्द का अर्थ चित्रकला में एक दिशा है, हालांकि उनके विचारों ने साहित्य और संगीत में भी अपना अवतार पाया।
चित्र।
प्रभाववाद की उत्पत्ति 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांस में हुई थी। युवा कलाकार शास्त्रीय चित्रकला से परे जाना चाहते थे। जो इतना आसान नहीं था: न तो आलोचक और न ही जनता उन चित्रों को स्वीकार करना चाहती थी जो "प्राचीन" शैली में सामान्य अकादमिक पेंटिंग से बहुत अलग थे।
नई दिशा के कलाकारों की पेंटिंग को पेंटिंग नहीं माना जाता था, वे त्वरित रेखाचित्रों के समान थे।
लेकिन नई दिशा का सार यही था - पल को कैद करना, जीवन को वैसा ही दिखाना जैसा वह है। प्रभाववादी भूखंडों का आविष्कार नहीं करते हैं, वे उन्हें रोजमर्रा की जिंदगी से लेते हैं: यह वह सब है जो कोई भी देख सकता है, बस सड़क पर जा रहा है।
कलाकारों ने पूरी तरह से नई पेंटिंग तकनीकों का उपयोग करना शुरू कर दिया। चित्रफलक पर पेंट मिश्रित नहीं थे, लेकिन अलग-अलग स्ट्रोक के साथ कैनवास पर लागू किए गए थे। इसलिए, चित्र की एक पूरी तस्वीर बनाने के लिए, उन्हें कम दूरी से देखा जाना चाहिए, न कि पास से। इस धारणा के साथ, स्पष्ट अलग स्ट्रोक आसानी से एक दूसरे में विलीन हो जाते हैं, और चित्र का एक विचार बनता है।
पिछले वर्षों के उस्तादों के विपरीत, प्रभाववादियों ने कार्यशालाओं में काम नहीं किया, वहां अपने रेखाचित्रों को परिष्कृत और अंतिम रूप दिया। यह उनमें से है कि प्लेन एयर तकनीक लोकप्रिय हो रही है - यानी खुली हवा में काम करना। कलाकारों ने उपनगरों की यात्रा की (फ़ॉनटेनब्लियू का जंगल विशेष रूप से लोकप्रिय था), जहां उन्होंने पिकनिक का चित्रण किया, या पेरिस के जीवन के दृश्यों को चित्रित किया: मोनेट और रेनॉयर ने अक्सर सीन के तटबंधों पर दृश्यों को चित्रित किया; मौलिन डे ला से रेनॉयर द्वारा चित्रों की एक श्रृंखला गैलेट भी जाना जाता है।
लेकिन प्रभाववादी हमेशा लोगों या प्रकृति में रुचि नहीं रखते थे। यह बताना अधिक दिलचस्प था, उदाहरण के लिए, हवा की गति या सूर्य के प्रकाश का गिरना। उदाहरण के लिए, मोनेट की पेंटिंग "गारे डी सेंट-लाज़ारे" में छवि का मुख्य विषय स्टेशन या ट्रेन भी नहीं है, बल्कि धूम्रपान करने वाली चिमनी से क्लबों में उठने वाला धुआं है।
नया आंदोलन तकनीकी और वैचारिक रूप से अकादमिक पेंटिंग से अलग था। सबसे पहले, प्रभाववादियों ने समोच्च को छोड़ दिया, इसे छोटे, अलग और विपरीत स्ट्रोक के साथ बदल दिया। सनबीम अपने घटकों में विभाजित हो जाता है: बैंगनी, नीला, नीला, हरा, पीला, नारंगी, लाल, लेकिन चूंकि नीला एक प्रकार का नीला है, इसलिए उनकी संख्या कम होकर छह हो जाती है। अगल-बगल रखे गए दो पेंट एक दूसरे को मजबूत करते हैं और इसके विपरीत, मिश्रित होने पर, वे अपनी तीव्रता खो देते हैं। इसके अलावा, सभी रंगों को प्राथमिक, या प्राथमिक और दोगुने, या व्युत्पन्न में विभाजित किया जाता है, प्रत्येक दोगुने रंग पहले के पूरक होते हैं:
नीला - नारंगी
लाल, हरे
पीला - बैंगनी
सामान्य तौर पर, कई कलाकारों ने प्रभाववाद की शैली में काम किया, लेकिन आंदोलन का आधार एडौर्ड मानेट, क्लाउड मोनेट, अगस्टे रेनॉयर, डेगास थे। हालांकि, मानेट ने हमेशा खुद को "स्वतंत्र कलाकार" कहा और कभी भी प्रदर्शनियों में भाग नहीं लिया, और हालांकि डेगास ने भाग लिया, उन्होंने कभी भी अपने कार्यों को खुली हवा में चित्रित नहीं किया।
चित्रकार। (बहुत कुछ, लेकिन उनके काम के बारे में जानने के लिए पर्याप्त संक्षिप्त)
उन्नीसवीं शताब्दी के उत्कृष्ट चित्रकार का काम इस बात की गवाही देता है कि कैसे व्यवस्थित रूप से परंपरा और नवाचार प्रभाववादियों की कला में विलीन हो गए। एडौर्ड मानेटे... इस बीच, इन कार्यों में, साथ ही साथ अपने बाद के कार्यों में, कलाकार शास्त्रीय कला के अनुभव पर निर्भर करता है। समकालीन जीवन को सौंदर्य की दृष्टि से समझने के प्रयास में, मानेट ने जियोर्जियोन और टिटियन से लेकर वेलाज़क्वेज़ और गोया तक, पुनर्जागरण चित्रकारों की राजसी रचनात्मक योजनाओं का उपयोग किया है। 1860 के दशक के उनके चित्रों, कई चित्रों और अन्य कार्यों को पारंपरिक पेंटिंग तरीके से चित्रित किया गया था, जिसे अभी तक पूरी तरह से दूर नहीं किया गया है, हालांकि यहां भी, कोई पहले से ही खुले रंग और प्राकृतिक प्रकाश की इच्छा महसूस कर सकता है। बाद में, मानेट का पैलेट काफ़ी हल्का हो जाता है। वह शुद्ध सफेद जमीन पर पेंट करने वाले पहले लोगों में से एक थे, फिर इसे चमकीले धूप वाले रंगों के समृद्ध स्ट्रोक के साथ "लोडिंग" करते थे, फिर इसे महान गुलाबी और ग्रे-ग्रे रंगों के बेहतरीन सेमीटोन के साथ कवर करते थे। उनके पास रंगों की अंतहीन समृद्धि और वस्तुगत दुनिया की जीवंत घबराहट को व्यक्त करने का उपहार था, जो विशेष रूप से शांत जीवन में स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था - "मानेट के समकालीनों में से कोई भी उनसे बेहतर जीवन को चित्रित नहीं कर सकता था।" मैनेट का नवाचार यह था कि वह आसपास की वास्तविकता को देखने और उन परिघटनाओं की सीमा का विस्तार करने में सक्षम था, जिन्हें ललित कलाओं ने संबोधित किया था। वह वास्तव में उच्च कला की वस्तु बनाने और जीवन और मानवीय संबंधों के ऐसे पहलुओं को आदर्श चित्रमय रूपों में शामिल करने से नहीं डरता था कि उससे पहले कलाकार दूर हो गए या उन्हें नोटिस नहीं किया।
कला के केंद्र में एडगर देगासवहाँ हमेशा एक आदमी था, जबकि परिदृश्य, प्रभाववादियों की लगभग अग्रणी शैली, ने उनके काम में महत्वपूर्ण भूमिका नहीं निभाई। इंगर्स के एक महान प्रशंसक, उन्होंने ड्राइंग को असाधारण महत्व दिया। इटली में, उन्होंने मेंटेगना की प्रशंसा की, फ्रांसीसी कलाकारों के बीच वह पुसिन में रुचि रखते थे और उनके चित्रों की नकल करते थे। आधुनिक जीवन के दृश्यों को चित्रित करने के लिए डेगास मानेट के प्रभाव में चले गए। उनके मुख्य विषय बैले और घुड़दौड़ की दुनिया हैं, केवल दुर्लभ मामलों में ही वह उनसे आगे जाते हैं, पेरिस के बोहेमिया के जीवन का जिक्र करते हुए, मिलिनर्स, आयरनर्स और लॉन्ड्रेस का चित्रण करते हैं। आंदोलन को संप्रेषित करने में डेगास का नवाचार उनके रचनात्मक कौशल के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। उसके साथ, मानेट से भी मजबूत, अनजाने में, यादृच्छिकता की भावना है, जीवन की धारा से एक अलग प्रकरण का छीनना। वह इसे अप्रत्याशित विषमता और असामान्य दृष्टिकोण (अक्सर ऊपर से या किनारे से, एक कोण पर), "उत्थान" स्थान के साथ प्राप्त करता है, जैसे कि एक दर्पण में झाँकता है, अभिव्यंजक फ्रेमिंग और बोल्ड फ्रेम कट। स्वाभाविकता और पूर्ण स्वतंत्रता की इस भावना को कड़ी मेहनत, सटीक गणना और सटीक संरचना निर्माण द्वारा जीता गया था।
पेंटिंग की तुलना में डेगास कला के लिए एक बड़ा विरोध की कल्पना करना मुश्किल है अगस्टे रेनॉयरफ्रांस में सबसे सुन्नी और सबसे अधिक जीवन-पुष्टि करने वाले कलाकारों में से एक, जिसे ए। लुनाचार्स्की ने "खुशी का चित्रकार" कहा। रेनॉयर की सर्वोच्च उपलब्धियां महिलाओं और बच्चों की छवि से जुड़ी हैं। उनका पसंदीदा प्रकार सुडौल रूपों वाली महिलाएं, सूजे हुए होंठ, रूखी नाक और आकर्षक रूप से विचारहीन आंखें हैं। वह उन्हें नग्न और कपड़े पहने, बाहर बारिश में, बगीचे में झूले पर, तैरते समय, या नाश्ते में तना हुआ नाविकों के साथ रंग देता है। उनके मॉडल लोगों की लड़कियां और गरीब बुर्जुआ महिलाएं, स्वस्थ और ताजा हैं, जो कोर्सेट नहीं जानते हैं और अपनी नग्नता पर शर्मिंदा नहीं हैं।