अमेरिकी कलाकार बहुत विविध हैं। कोई सार्जेंट की तरह एक खुला महानगरीय था। जन्म से एक अमेरिकी, लेकिन उसने अपना लगभग पूरा वयस्क जीवन लंदन और पेरिस में बिताया है।

उनमें से प्रामाणिक अमेरिकी भी हैं जिन्होंने रॉकवेल की तरह केवल अपने हमवतन लोगों के जीवन को चित्रित किया।

और ऐसे कलाकार भी हैं जो पोलक की तरह इस दुनिया के नहीं हैं। या जिनकी कला उपभोक्ता समाज की उपज बन गई है। यह, निश्चित रूप से, वारहोल के बारे में है।

हालांकि, वे सभी अमेरिकी हैं। स्वतंत्रता-प्रेमी, साहसी, उज्ज्वल। उनमें से सात के बारे में नीचे पढ़ें।

1. जेम्स व्हिस्लर (1834-1903)

जेम्स व्हिस्लर। आत्म चित्र। 1872 डेट्रॉइट, यूएसए में कला संस्थान।

व्हिस्लर को शायद ही असली अमेरिकी कहा जा सकता है। बड़े होकर, वह यूरोप में रहता था। और उन्होंने अपना बचपन ... रूस में बिताया। उनके पिता सेंट पीटर्सबर्ग में रेलवे का निर्माण कर रहे थे।

यह वहाँ था कि लड़के जेम्स को कला से प्यार हो गया, अपने पिता के कनेक्शन के लिए हर्मिटेज और पीटरहॉफ का दौरा किया (तब ये अभी भी जनता के लिए बंद महल थे)।

व्हिस्लर किस लिए प्रसिद्ध है? उन्होंने जिस भी शैली में लिखा, यथार्थवाद से लेकर स्वरवाद तक *, उन्हें लगभग तुरंत दो संकेतों से पहचाना जा सकता है। असामान्य रंग और संगीत के नाम।

उनके कुछ चित्र पुराने उस्तादों की नकल हैं। उदाहरण के लिए, उनका प्रसिद्ध चित्र "द आर्टिस्ट्स मदर"।

जेम्स व्हिस्लर। कलाकार की माँ। ग्रे और काले रंग में व्यवस्थित। १८७१ जी.

कलाकार ने हल्के भूरे से गहरे भूरे रंग के रंगों का उपयोग करके एक अद्भुत काम बनाया है। और थोड़ा पीला।

लेकिन इसका मतलब यह नहीं है कि व्हिस्लर को ये रंग पसंद थे। वह एक असाधारण व्यक्ति थे। वह आसानी से समाज में पीले मोजे में और एक चमकदार छतरी के साथ दिखाई दे सकता था। और यह तब होता है जब पुरुष विशेष रूप से काले और भूरे रंग के कपड़े पहनते हैं।

उनके पास "माँ" की तुलना में बहुत हल्का काम भी है। उदाहरण के लिए, सिम्फनी इन व्हाइट। तो तस्वीर का नाम प्रदर्शनी में एक पत्रकार ने रखा था। व्हिस्लर को यह विचार पसंद आया। तब से, उन्होंने अपने लगभग सभी कार्यों को संगीतमय तरीके से बुलाया।

जेम्स व्हिस्लर। व्हाइट में सिम्फनी # 1. 1862, नेशनल गैलरी ऑफ वाशिंगटन, यूएसए

लेकिन फिर, 1862 में, जनता को सिम्फनी पसंद नहीं आई। फिर से, व्हिस्लर की अजीबोगरीब रंग योजनाओं के कारण। सफेद पृष्ठभूमि पर सफेद रंग में एक महिला को लिखना लोगों को अजीब लगता था।

तस्वीर में हम व्हिस्लर की लाल बालों वाली मालकिन को देखते हैं। प्री-राफेलाइट्स की भावना में काफी। आखिरकार, तब कलाकार प्री-राफेलिज्म के मुख्य संस्थापकों में से एक गेब्रियल रॉसेटी के दोस्त थे। सौंदर्य, लिली, असामान्य तत्व (भेड़िया त्वचा)। सब कुछ वैसा ही है जैसा होना चाहिए।

लेकिन व्हिस्लर जल्दी ही प्री-राफेलिज्म से दूर हो गए। चूंकि यह बाहरी सुंदरता नहीं थी जो उसके लिए महत्वपूर्ण थी, बल्कि मनोदशा और भावनाएं थीं। और उन्होंने एक नई दिशा बनाई - स्वरवाद।

स्वरवाद की शैली में उनके परिदृश्य-निशाचर वास्तव में संगीत की तरह दिखते हैं। मोनोक्रोम, चिपचिपा।

व्हिस्लर ने खुद कहा था कि संगीत के नाम पेंटिंग, लाइनों और रंग पर ध्यान केंद्रित करने में मदद करते हैं। साथ ही, जगह और चित्रित लोगों के बारे में नहीं सोच रहा है।

जेम्स व्हिस्लर। नीले और चांदी में निशाचर: चेल्सी। १८७१ टेट गैलरी, लंदन
मैरी कसाट। सोता हुआ बच्चा। कागज पर पेस्टल। 1910 डलास म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, यूएसए

लेकिन वह अंत तक अपने स्टाइल पर खरी रहीं। प्रभाववाद। नरम पेस्टल। बच्चों के साथ माताएँ।

पेंटिंग के लिए कसाट ने मातृत्व छोड़ दिया। लेकिन उनका स्त्री सिद्धांत "द स्लीपिंग चाइल्ड" जैसे नाजुक कार्यों में तेजी से प्रकट हुआ था। यह अफ़सोस की बात है कि रूढ़िवादी समाज ने एक बार उसे इस तरह के विकल्प से पहले रखा था।

3. जॉन सार्जेंट (1856-1925)

जॉन सार्जेंट। आत्म चित्र। 1892 मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क,

जॉन सार्जेंट को विश्वास था कि वह जीवन भर एक चित्रकार रहेगा। करियर अच्छा चल रहा था। अभिजात वर्ग ने उसे आदेश देने के लिए लाइन में खड़ा किया।

लेकिन एक दिन कलाकार ने समाज की राय में हद से आगे कदम बढ़ा दिया। अब हमारे लिए यह समझना मुश्किल है कि "मैडम एक्स" तस्वीर में इतना अस्वीकार्य क्या है।

सच है, मूल संस्करण में, नायिका ने अपने कंधे की पट्टियों में से एक को छोड़ दिया था। सार्जेंट ने इसे "उठाया", लेकिन इससे मामले में मदद नहीं मिली। आदेश धराशायी हो गए।

जॉन सार्जेंट। मैडम एच। 1878 मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क

दर्शकों ने क्या अश्लील देखा? और तथ्य यह है कि सार्जेंट ने मॉडल को बहुत आत्मविश्वासी मुद्रा में चित्रित किया। इसके अलावा, पारभासी त्वचा और गुलाबी कान बहुत वाक्पटु हैं।

तस्वीर यह कहती दिख रही है कि बढ़ी हुई कामुकता वाली यह महिला दूसरे पुरुषों के प्रेमालाप को स्वीकार करने से भी गुरेज नहीं करती। इसके अलावा, शादीशुदा होना।

दुर्भाग्य से, समकालीनों ने इस घोटाले के पीछे की उत्कृष्ट कृति नहीं देखी। गहरी पोशाक, हल्की त्वचा, गतिशील मुद्रा - एक साधारण संयोजन जो केवल सबसे प्रतिभाशाली कारीगरों द्वारा पाया जा सकता है।

लेकिन हर बादल में चांदी की परत होती है। बदले में सार्जेंट को स्वतंत्रता मिली। उन्होंने प्रभाववाद के साथ और अधिक प्रयोग करना शुरू किया। बच्चों को तत्काल स्थितियों में लिखें। इस तरह "कार्नेशन, लिली, लिली, रोज़" काम दिखाई दिया।

सार्जेंट गोधूलि के एक निश्चित क्षण को कैद करना चाहता था। इसलिए दिन में केवल 2 मिनट काम करें जब रोशनी सही हो। उन्होंने गर्मियों और शरद ऋतु में काम किया। और जब फूल मुरझा गए, तो उसने उन्हें कृत्रिम फूलों से बदल दिया।

जॉन सार्जेंट। कार्नेशन, लिली, लिली, गुलाब। १८८५-१८८६ टेट गैलरी, लंदन

हाल के दशकों में, सार्जेंट स्वतंत्रता के स्वाद में इतना अधिक हो गया है कि उसने पूरी तरह से चित्रों को छोड़ना शुरू कर दिया। हालांकि उनकी प्रतिष्ठा पहले ही बहाल हो चुकी है। उसने एक मुवक्किल को यह कहते हुए बेरहमी से खारिज कर दिया कि वह उसके चेहरे के बजाय उसके द्वार को रंगना पसंद करेगा।

जॉन सार्जेंट। सफेद जहाज। 1908 ब्रुकलिन संग्रहालय, यूएसए

समकालीनों ने सार्जेंट के साथ विडंबना का व्यवहार किया। आधुनिकता के युग में इसे अप्रचलित मानते हुए। लेकिन समय ने सब कुछ अपनी जगह पर रख दिया है।

अब उनका काम सबसे प्रसिद्ध आधुनिकतावादियों के काम से कम नहीं है। खैर, जनता के प्यार के बारे में कहने के लिए कुछ नहीं है। उनके काम हमेशा प्रदर्शनियों में बेचे जाते हैं।

4. नॉर्मन रॉकवेल (1894-1978)

नॉर्मन रॉकवेल। आत्म चित्र। द सैटरडे इवनिंग पोस्ट के फरवरी १३, १९६० अंक के लिए चित्रण।

अपने जीवनकाल में नॉर्मन रॉकवेल से अधिक लोकप्रिय कलाकार की कल्पना करना कठिन है। अमेरिकियों की कई पीढ़ियां उनके दृष्टांतों से बड़ी हुई हैं। उन्हें पूरे दिल से प्यार करना।

आखिरकार, रॉकवेल ने आम अमेरिकियों को चित्रित किया। लेकिन साथ ही अपने जीवन को सबसे सकारात्मक पक्ष से दिखा रहे हैं। रॉकवेल न तो दुष्ट पिता या उदासीन माताओं को दिखाना चाहता था। और आप उसके साथ दुर्भाग्यपूर्ण बच्चों से नहीं मिलेंगे।

नॉर्मन रॉकवेल। पूरा परिवार छुट्टी पर और छुट्टी पर। इवनिंग सैटरडे पोस्ट में चित्रण, ३० अगस्त, १९४७। स्टॉकब्रिज, मैसाचुसेट्स, यूएसए में नॉर्मन रॉकवेल संग्रहालयwell

उनके काम हास्य, समृद्ध रंगों और जीवन से बहुत ही कुशलता से कैप्चर किए गए भावों से भरे हुए हैं।

लेकिन यह भ्रम है कि रॉकवेल को काम आसानी से मिल गया। एक पेंटिंग बनाने के लिए, वह सही इशारों को पकड़ने के लिए पहले अपने मॉडलों के साथ सौ तस्वीरें ले सकता था।

रॉकवेल के काम का लाखों अमेरिकियों के दिमाग पर जबरदस्त प्रभाव पड़ा है। आखिरकार, वह अक्सर अपने चित्रों की मदद से बात करते थे।

द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान, उन्होंने यह दिखाने का फैसला किया कि उनके देश के सैनिक किस लिए लड़ रहे हैं। अन्य बातों के अलावा, पेंटिंग "फ्रीडम फ्रॉम वांट" बनाई। थैंक्सगिविंग डे के रूप में, जिस पर परिवार के सभी सदस्य, अच्छी तरह से खिलाए गए और संतुष्ट, परिवार की छुट्टी में आनन्दित होते हैं।

नॉर्मन रॉकवेल। चाहत से आज़ादी। 1943 स्टॉकब्रिज, मैसाचुसेट्स, यूएसए में नॉर्मन रॉकवेल संग्रहालय Museum

सैटरडे इवनिंग पोस्ट में 50 वर्षों के बाद, रॉकवेल अधिक लोकतांत्रिक लुक पत्रिका में चले गए, जहाँ वे सामाजिक मुद्दों पर अपने विचार व्यक्त करने में सक्षम थे।

उन वर्षों की सबसे हड़ताली कृति "द प्रॉब्लम वी लिव विथ" है।

नॉर्मन रॉकवेल। जिस समस्या के साथ हम रहते हैं। 1964 नॉर्मन रॉकवेल संग्रहालय, स्टॉकब्रिज, यूएसए

यह एक अश्वेत लड़की की असली कहानी है जो एक गोरे स्कूल में गई थी। चूंकि यह कहते हुए एक कानून पारित किया गया था कि लोगों (और इसलिए शैक्षणिक संस्थानों) को अब नस्लीय आधार पर विभाजित नहीं किया जाना चाहिए।

लेकिन शहरवासियों के गुस्से का कोई ठिकाना नहीं था। स्कूल जाते वक्त पुलिस ने बच्ची को पहरा दिया। यहाँ एक ऐसा "नियमित" क्षण है और रॉकवेल को दिखाया गया है।

यदि आप अमेरिकियों के जीवन को थोड़े अलंकृत प्रकाश में जानना चाहते हैं (जैसा कि वे स्वयं इसे देखना चाहते थे), रॉकवेल के चित्रों को अवश्य देखें।

शायद, इस लेख में प्रस्तुत सभी चित्रकारों में, रॉकवेल सबसे अधिक है कि न तो एक अमेरिकी कलाकार है।

5. एंड्रयू वायथ (1917-2009)

एंड्रयू व्याथ। आत्म चित्र। 1945 नेशनल एकेडमी ऑफ डिज़ाइन, न्यूयॉर्क

रॉकवेल के विपरीत, व्याथ इतना सकारात्मक नहीं था। स्वभाव से वैरागी, उसने कुछ भी अलंकृत करने की कोशिश नहीं की। इसके विपरीत, उन्होंने सबसे साधारण परिदृश्य और अचूक चीजों का चित्रण किया। सिर्फ गेहूं का खेत, सिर्फ लकड़ी का घर। लेकिन यहां तक ​​​​कि उन पर कुछ जादुई जासूसी करने में भी कामयाब रहे।

उनका सबसे प्रसिद्ध काम क्रिस्टीना वर्ल्ड है। व्याथ ने एक महिला, अपने पड़ोसी के भाग्य का खुलासा किया। बचपन से ही लकवाग्रस्त, वह अपने खेत के आसपास ग्रामीण इलाकों में रेंगती रही।

तो इस तस्वीर में कुछ भी रोमांटिक नहीं है, जैसा कि पहली नज़र में लग सकता है। यदि आप बारीकी से देखें, तो महिला को दर्दनाक पतलापन होता है। और यह जानकर कि नायिका के पैर लकवाग्रस्त हैं, आप दुख के साथ महसूस करते हैं कि वह घर से कितनी दूर है।

पहली नज़र में, व्याथ ने सबसे अधिक सांसारिक लिखा। यहाँ एक पुराने घर की एक पुरानी खिड़की है। एक जीर्ण-शीर्ण पर्दा जो पहले से ही फटने लगा है। खिड़की के बाहर जंगल अंधेरा है।

लेकिन इन सब में कोई न कोई रहस्य जरूर है। किसी तरह का अलग लुक।

एंड्रयू व्याथ। समुद्र से हवा। 1947 वाशिंगटन, यूएसए की राष्ट्रीय गैलरी

इस तरह बच्चे दुनिया को खुली नजरों से देखना जानते हैं। तो व्याथ करता है। और हम उसके साथ हैं।

व्याथ के सारे मामले उनकी पत्नी संभालते थे। वह एक अच्छी आयोजक थीं। यह वह थी जो संग्रहालयों और कलेक्टरों के संपर्क में थी।

उनके रिश्ते में रोमांस कम था। म्यूज़िक को प्रकट होना था। और वह सरल हो गई, लेकिन एक असाधारण उपस्थिति के साथ हेल्गा। यह वह है जिससे हम कई नौकरियों में मिलते हैं।

एंड्रयू व्याथ। ब्रैड्स ("हेल्गा" श्रृंखला से)। १९७९ निजी संग्रह

ऐसा लगता है कि हम केवल एक महिला की फोटोग्राफिक छवि देखते हैं। लेकिन किसी कारण से उससे अलग होना मुश्किल है। उसकी आँखें बहुत जटिल हैं, उसके कंधे तनावग्रस्त हैं। हम, जैसे थे, उसके साथ आंतरिक रूप से तनावग्रस्त हैं। इस तनाव के लिए स्पष्टीकरण खोजने के लिए संघर्ष।

वास्तविकता को हर विवरण में चित्रित करते हुए, व्याथ ने जादुई रूप से उसे भावनाओं से संपन्न किया जो उदासीन नहीं छोड़ सकती।

कलाकार को लंबे समय तक पहचाना नहीं गया था। अपने यथार्थवाद के साथ, जादुई होने के बावजूद, यह २०वीं शताब्दी के आधुनिकतावादी रुझानों में फिट नहीं हुआ।

जब संग्रहालय के कर्मचारियों ने उसका काम खरीदा, तो उन्होंने ध्यान आकर्षित किए बिना इसे चुपचाप करने की कोशिश की। प्रदर्शनियां शायद ही कभी आयोजित की जाती थीं। लेकिन आधुनिकतावादियों की ईर्ष्या के लिए, वे हमेशा एक शानदार सफलता रहे हैं। भीड़ में लोग आए। और वे अभी भी आते हैं।

6. जैक्सन पोलक (1912-1956)

जैक्सन पोलक। 1950 हंस नमुतो द्वारा फोटो

जैक्सन पोलक को नजरअंदाज नहीं किया जा सकता है। उन्होंने कला में एक निश्चित रेखा को पार किया, जिसके बाद पेंटिंग पहले जैसी नहीं रह सकी। उन्होंने दिखाया कि कला में आम तौर पर सीमाओं के बिना करना संभव है। जब मैंने अपना कैनवास फर्श पर रखा और उस पर पेंट का छिड़काव किया।

और यह अमेरिकी कलाकार अमूर्तवाद के साथ शुरू हुआ, जिसमें आलंकारिक का पता लगाया गया था। 40 के दशक के उनके काम "स्टेनोग्राफिक फिगर" में हम चेहरे और हाथों दोनों की रूपरेखा देखते हैं। और यहां तक ​​कि ऐसे प्रतीक भी जो हमें क्रॉस और जीरो के रूप में स्पष्ट हैं।

जैक्सन पोलक। आशुलिपिक आकृति। 1942 न्यूयॉर्क में आधुनिक कला संग्रहालय (MOMA)

उनके काम की तारीफ हुई, लेकिन खरीदने की कोई जल्दी नहीं थी। वह चर्च के चूहे की तरह गरीब था। और उसने बिना सोचे समझे पी लिया। सुखी वैवाहिक जीवन के बावजूद। उनकी पत्नी ने उनकी प्रतिभा की प्रशंसा की और अपने पति की सफलता के लिए सब कुछ किया।

लेकिन पोलक मूल रूप से एक टूटा हुआ व्यक्तित्व था। युवावस्था से ही उनके कार्यों से यह स्पष्ट हो गया था कि शीघ्र मृत्यु उनकी नियति थी।

इस टूटने के परिणामस्वरूप 44 वर्ष की आयु में उनकी मृत्यु हो जाएगी। लेकिन उसके पास कला में क्रांति लाने और प्रसिद्ध होने का समय होगा।

जैक्सन पोलक। शरद ऋतु ताल (संख्या 30)। 1950 न्यूयॉर्क, यूएसए में मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट

और उसने इसे दो साल के संयम की अवधि में किया। वह 1950-1952 में फलदायी रूप से काम करने में सक्षम थे। ड्रिप तकनीक में आने तक उन्होंने लंबे समय तक प्रयोग किया।

अपने खलिहान के फर्श पर एक विशाल कैनवास बिछाकर, वह उसके चारों ओर चला गया, जैसे कि चित्र में ही। और छिड़का या सिर्फ पेंट डाला।

इन असामान्य चित्रों को उनकी अविश्वसनीय मौलिकता और नवीनता के लिए उत्सुकता से उनसे खरीदा जाने लगा।

जैक्सन पोलक। नीले स्तंभ। 1952 ऑस्ट्रेलिया की राष्ट्रीय गैलरी, कैनबरा

पोलॉक प्रसिद्धि से दंग रह गया और अवसाद में गिर गया, न जाने आगे कहाँ जाना है। शराब और अवसाद के घातक मिश्रण ने उसके बचने का कोई मौका नहीं छोड़ा। एक दिन वह बहुत नशे में गाड़ी चला गया। पिछली बार।

7. एंडी वारहोल (1928-1987)

एंडी वारहोल। १९७९ आर्थर ट्रेस द्वारा फोटो

केवल अमेरिका जैसे उपभोग के पंथ वाले देश में ही पॉप कला का जन्म हो सकता है। और इसका मुख्य सर्जक, निश्चित रूप से, एंडी वारहोल था।

वह सबसे साधारण चीजों को लेने और उन्हें कला के काम में बदलने के लिए प्रसिद्ध हो गए। यह कैंपबेल के सूप कैन के साथ हुआ।

चुनाव आकस्मिक नहीं था। वारहोल की माँ ने अपने बेटे को 20 से अधिक वर्षों तक हर दिन इस सूप से खिलाया। यहां तक ​​कि जब वे न्यूयॉर्क चले गए और अपनी मां को अपने साथ ले गए।

एंडी वारहोल। कैंपबेल सूप के डिब्बे। पॉलिमर, हाथ से मुद्रित। 32 पेंटिंग 50x40 प्रत्येक। 1962 न्यूयॉर्क में आधुनिक कला संग्रहालय (MOMA)

इस प्रयोग के बाद, वारहोल को स्क्रीन प्रिंटिंग में दिलचस्पी हो गई। तब से, उन्होंने पॉप सितारों की तस्वीरें लीं और उन्हें अलग-अलग रंगों में रंग दिया।

इस तरह उनकी प्रसिद्ध चित्रित मर्लिन मुनरो दिखाई दीं।

ऐसे असंख्य मर्लिन एसिड फूल जारी किए गए हैं। वारहोल ने कला को धारा पर रखा। जैसा कि एक उपभोक्ता समाज में होना चाहिए।

एंडी वारहोल। मैरिलिन मुनरो। सिल्क स्क्रीन प्रिंटिंग, कागज। 1967 न्यू यॉर्क में आधुनिक कला संग्रहालय (MOMA)

वारहोल द्वारा खरोंच से चित्रित चेहरों का आविष्कार नहीं किया गया था। और फिर, यह माँ के प्रभाव के बिना नहीं था। एक बच्चे के रूप में, अपने बेटे की लंबी बीमारी के दौरान, उसने उसे रंग के पैक के साथ खींच लिया।

बचपन का यह शौक उनका ट्रेडमार्क बन गया और उन्हें शानदार रूप से समृद्ध बना दिया।

उन्होंने न केवल पॉप सितारों को चित्रित किया, बल्कि उनके पूर्ववर्तियों की उत्कृष्ट कृतियों को भी चित्रित किया। मिल गया और।

"वीनस", मर्लिन की तरह, बहुत कुछ किया गया था। कला के एक काम की विशिष्टता को वारहोल द्वारा "मिटा" दिया गया है। कलाकार ने ऐसा क्यों किया?

पुरानी कृतियों को लोकप्रिय बनाने के लिए? या, इसके विपरीत, उनका अवमूल्यन करने का प्रयास करें? पॉप सितारों को अमर करने के लिए? या मौत को विडम्बना के साथ मसाला?

एंडी वारहोल। वीनस बॉटलिकली। सिल्क स्क्रीन प्रिंटिंग, एक्रिलिक, कैनवास। 122х183 सेमी। 1982 ई। पिट्सबर्ग, यूएसए में वारहोल संग्रहालय

मैडोना, एल्विस प्रेस्ली या लेनिन के उनके चित्रित कार्य कभी-कभी मूल तस्वीरों की तुलना में अधिक पहचानने योग्य होते हैं।

लेकिन उत्कृष्ट कृतियों की देखरेख की संभावना नहीं है। फिर भी, आदिम "शुक्र" अमूल्य रहता है।

वारहोल एक उत्साही पार्टी-गोअर था, जो बहुत से बहिष्कृत लोगों को आकर्षित करता था। नशेड़ी, असफल अभिनेता, या बस असंतुलित व्यक्तित्व। जिनमें से एक ने उसे एक बार गोली मार दी थी।

वारहोल बच गया। लेकिन 20 साल बाद, एक बार चोट लगने के परिणाम के कारण, वह अपने अपार्टमेंट में अकेले मर गया।

पिघलने वाला बॉयलर यूएसए

अमेरिकी कला के संक्षिप्त इतिहास के बावजूद, सीमा विस्तृत है। अमेरिकी कलाकारों में प्रभाववादी (सार्जेंट), और जादू यथार्थवादी (व्याथ), और अमूर्त अभिव्यक्तिवादी (पोलॉक), और पॉप कला (वारहोल) के अग्रदूत हैं।

खैर, अमेरिकियों को हर चीज में पसंद की आजादी पसंद है। सैकड़ों संप्रदाय। सैकड़ों राष्ट्र। सैकड़ों कला रुझान। इसलिए वह संयुक्त राज्य अमेरिका का पिघलने वाला बर्तन है।

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अमेरिकन पेंटिंग 19वीं और 20वीं सदी की सीमा पर यथार्थवाद।

१९वीं और २०वीं शताब्दी के मोड़ पर, जब दो व्यावसायिक रूप से सफल और सम्मानित दिशाओं में अमेरिकी चित्रकला का प्रभुत्व था - प्रभाववाद और अकादमिक यथार्थवाद, कुछ कलाकारों की इच्छा शहर के वास्तविक आधुनिक जीवन को कभी-कभी क्रूर क्षणों के साथ प्रतिबिंबित करने के लिए दर्शाती है। शहर के बाहरी इलाके, सड़क पर रहने वाले बच्चों का बेदाग जीवन, पैदा हुआ और मजबूत हुआ, वेश्याओं, शराबियों, अपार्टमेंट इमारतों का जीवन। उनका मानना ​​​​था कि पेंटिंग पत्रकारिता के समान हो सकती है, हालांकि इनमें से कई कलाकार गैर-राजनीतिक थे और उन्होंने शहर के जीवन की विपत्तियों और गरीबी को प्रतिबिंबित करने के लिए खुद को सीमित नहीं किया।

"... मैं शहर से बहुत प्यार करता था, मैं आलीशान, तेज नदी से प्यार करता था,
सभी महिलाएं, जितने पुरुष मुझे जानते थे, वे मेरे करीब थे ...
... और मैं दुनिया में रहता था, मैं ब्रुकलिन से प्यार करता था - पहाड़ियों में अमीर, वह मेरा था,
और मैं मैनहट्टन में घूमता रहा, और मैं द्वीप को धोते हुए खारे पानी में तैर गया ... "
(वॉल्ट व्हिटमैन। घास की पत्तियां। ब्रुकलिन नौका पर।)

इस आंदोलन के विचारक, रॉबर्ट हेनरी, वॉल्ट व्हिटमैन की कविता के प्रशंसक, ने अपने छात्रों से मांग की कि उनके रंग मिट्टी के समान वास्तविक हों, जैसे सर्दियों में ब्रॉडवे पर घोड़े की गंदगी और बर्फ के झुरमुट। इस तरह के विषयों की लत के लिए, इस दिशा को "कूड़ेदान का स्कूल" या "कूड़ेदान का स्कूल" उपनाम मिला, जो इसे सौंपा गया था और कला इतिहास साहित्य में उपयोग किया जाता है। कई आलोचकों ने इस आंदोलन को शत्रुता के साथ बधाई दी, पहली प्रदर्शनी के बाद, उनमें से एक ने छद्म नाम "ज्वेलर" के तहत लिखा: "इस प्रदर्शनी में अश्लीलता आंखों पर वार करती है ... क्या हमारे घावों को दिखाने वाली कला अद्भुत हो सकती है?" कभी-कभी "बिन स्कूल" को "आठ" समूह के साथ पहचाना जाता है, हालांकि इसके सभी (केवल 5) सदस्य इसका हिस्सा नहीं थे, और तीन कलाकारों, डेविस, लॉसन और प्रेंडरगैस्ट ने पूरी तरह से अलग शैली में प्रदर्शन किया।

रॉबर्ट हेनरी(कोज़ाद), (1865-1929), कलाकार, शिक्षक, "स्कूल ऑफ़ ट्रैश कैन और समूह के आयोजक" आठ "के प्रेरक,

सिनसिनाटी में एक डेवलपर और एक खिलाड़ी के परिवार में जन्मे। भूमि के स्वामित्व को लेकर एक झड़प में, पिता ने अपने प्रतिद्वंद्वी को गोली मार दी और डेनवर भाग गए, जहां बाद में पूरा परिवार अपना पहला और अंतिम नाम बदलकर चला गया। फिलाडेल्फिया में ललित कला अकादमी में दो साल तक अध्ययन करने के बाद, युवा रॉबर्ट अकादमिक यथार्थवादियों के साथ अध्ययन करने के लिए एकडेमी जूलियन के लिए पेरिस जाते हैं।

इटली की यात्रा के बाद, वे फिलाडेल्फिया लौट आए और महिलाओं के लिए स्कूल ऑफ़ डिज़ाइन में पढ़ाना शुरू किया, उन्हें एक जन्मजात शिक्षक माना जाता था। तीस साल की उम्र तक, हेनरी को पेंटिंग में ऐसी दिशा विकसित करने की आवश्यकता का विचार आता है जो यथार्थवाद और प्रभाववाद के तत्वों को जोड़ती है, और इसे "नई शिक्षावाद" कहा जाता है।

उनके दोस्तों और अनुयायियों ने खुद को एक संगठित समूह के रूप में नहीं देखा, लेकिन 1908 में न्यूयॉर्क में मैकबेथ गैलरी में एक प्रदर्शनी ने ध्यान आकर्षित किया और नई दिशा के प्रसिद्ध कलाकारों को बनाया। 1910 में, हेनरी ने स्लोएन की मदद से स्वतंत्र कलाकारों की एक प्रदर्शनी का आयोजन किया, जिसमें केवल कुछ पेंटिंग बेची गईं; नई आधुनिक कला पहले से ही इस दिशा के कलाकारों को बदलने जा रही थी, जिसके अग्रदूत और "पिता" कर सकते हैं रॉबर्ट हेनरी भी माना जाता है।

अगले वर्षों में हेनरी को लोकप्रियता मिली, उन्होंने आयरलैंड और सांता फ़े में बहुत समय बिताया, न्यूयॉर्क में स्टूडेंट्स लीग में पढ़ाया गया, और उनकी महिला कला छात्रों के बीच आधुनिकतावादी दिशा के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा। 1929 में, न्यूयॉर्क की कला परिषद द्वारा उन्हें शीर्ष तीन जीवित अमेरिकी कलाकारों में से एक नामित किया गया था। एक चित्र में उनकी शैली के क्लासिक तत्व लेखन का एक सशक्त तरीका, तीव्र रंग और प्रकाश प्रभाव, किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व और आध्यात्मिक गुणों का प्रतिबिंब हैं।

जॉन फ्रेंच स्लोएन(१८७१-१९५१), "ट्रैश बिन स्कूल" के संस्थापकों में से एक, "आठ" समूह के सदस्य, कलाकार और प्रिंटमेकर।

उनके पिता में कलात्मक प्रतिभा थी और उन्होंने अपने बच्चों को बचपन से ही आकर्षित करने के लिए प्रोत्साहित किया। उन्होंने अपने पिता की बीमारी के कारण जल्दी काम करना शुरू कर दिया, और किताबों की दुकान सेल्समैन के रूप में काम करने से उनके पास ड्यूरर और रेम्ब्रांट के कार्यों को पढ़ने, आकर्षित करने और कॉपी करने के लिए बहुत खाली समय बचा, जिनकी उन्होंने प्रशंसा की। उन्होंने नक़्क़ाशी बनाना और उन्हें स्टोर में बेचना भी शुरू कर दिया, और उनके पोस्टकार्ड और कैलेंडर सफल रहे। बाद में एक इलस्ट्रेटर के रूप में काम करते हुए, उन्होंने फिलाडेल्फिया एकेडमी ऑफ फाइन आर्ट्स में शाम का पाठ लेना शुरू किया, जहां उनकी मुलाकात रॉबर्ट हेनरी से हुई, जिन्होंने उन्हें पेंटिंग की ओर मुड़ने के लिए मना लिया।

उनके पारिवारिक जीवन का कठिन इतिहास (शराब और उनकी पत्नी की मानसिक अस्थिरता, एक पूर्व वेश्या, जिनसे वे एक वेश्यालय में मिले) ने उनके काम में हस्तक्षेप किया, और हालाँकि उन्होंने 1903 तक लगभग 60 चित्रों को चित्रित किया, फिर भी उनका कोई नाम नहीं था कला की दुनिया में और अपने कामों की ज्यादा बिक्री नहीं की। न्यूयॉर्क जाने के बाद, उन्होंने पत्रिकाओं में चांदनी दी, राजनीतिक कार्टून बनाए, सचित्र पुस्तकें बनाईं, मैकबेथ गैलरी में एक प्रदर्शनी में भाग लिया और इसके बाद एक यात्रा प्रदर्शनी का आयोजन किया, आखिरकार उन्हें सफलता मिली।

अपने बाद के जीवन के दौरान, स्लोअन समाजवादी विचारों के प्रति वफादार थे, जो निश्चित रूप से उनके काम में परिलक्षित होता था, लेकिन उन्होंने अपनी पेंटिंग के जागरूक सामाजिक अभिविन्यास के बारे में आलोचकों के बयानों पर स्पष्ट रूप से आपत्ति जताई।

1920 के दशक के उत्तरार्ध में, स्लोन ने न केवल तकनीक को बदल दिया, बल्कि उनके चित्रों के विषयों को भी जुराबों और चित्रों के पक्ष में बदल दिया, अक्सर अंडरपेंटिंग और छायांकन का उपयोग करते हुए, और फिर कभी वह लोकप्रियता हासिल नहीं की जो उनके शुरुआती कार्यों में थी।

विलियम जे. ग्लैकेंस(१८७०-१९३८), बिन स्कूल के संस्थापकों में से एक, का जन्म फिलाडेल्फिया में हुआ था, जहां उनका परिवार पीढ़ियों से रहा है। उनके भाई और बहन भी कलाकार बने। विलियम खुद, स्कूल में कलात्मक प्रतिभा दिखाते हुए, अखबारों में एक कलाकार के रूप में स्नातक होने के बाद काम किया, ललित कला अकादमी में एक शाम के पाठ्यक्रम में भाग लिया, जहाँ उनकी मुलाकात एक युवा स्लोन से हुई, जिन्होंने उन्हें रॉबर्ट हेनरी से मिलवाया।

1895 में, ग्लैकेंस पूरे यूरोप में कलाकारों के एक समूह के साथ यात्रा करता है, महान "डच" के चित्रों की प्रशंसा करता है, और पेरिस में पहले प्रभाववादियों की कला से परिचित होता है, फिर अपने पूरे जीवन में वह पेरिस में पेंट करने के लिए एक से अधिक बार छोड़ देता है और फ्रांस के दक्षिण। संयुक्त राज्य अमेरिका लौटने के बाद, ग्लैकेंस न्यूयॉर्क में बस गए और स्कूल ऑफ द ट्रैश बिन और आठ के समूह की प्रदर्शनी गतिविधियों में सक्रिय भाग लिया।

उनके काम में, प्रभाववादी दिशा तेजी से प्रकट होती है, उन्हें "अमेरिकन रेनॉयर" भी कहा जाता है, और स्लोएन के विपरीत, वह "सामाजिक इतिहासकार" नहीं थे, बल्कि एक "शुद्ध" कलाकार थे, जिनके लिए कलात्मक रूप, रंग और कामुकता थी। सर्वोपरि महत्व का। उनका पैलेट वर्षों में चमकता है, भूखंड अपना अर्थ बदलते हैं, परिदृश्य, समुद्र तट के दृश्य प्रबल होते हैं, और उनके जीवन के अंत में - अभी भी जीवन और चित्र।

उनकी कला दिन की सामाजिक समस्याओं, महामंदी के समय को प्रतिबिंबित नहीं करती है, बल्कि इसके विपरीत - "उनके चित्र खुशी के भूत से भरे हुए हैं, वे आनंद के चिंतन से ग्रस्त हैं" (लेस्ली कीथ, "दृढ़ता विलियम ग्लैकेन्स, 1966)।

जॉर्ज बेंजामिन लैक्स(१८६७-१९३३) विलियमस्पोर्ट में जन्मे, एक फार्मासिस्ट के बेटे, उनकी माँ एक शौकिया कलाकार और संगीतकार थीं। कोयले के खेतों के पास स्थित दक्षिणी पेंसिल्वेनिया के एक छोटे से शहर में जाने के बाद, जॉर्ज ने गरीबी को जल्दी देखा और मदद करने वाले माता-पिता से करुणा सीखी खनिकों के परिवार।

उन्होंने वाडेविल में अपने भाई के साथ काम करते हुए एक किशोर के रूप में अपना कामकाजी जीवन शुरू किया, लेकिन बहुत जल्दी उन्हें एहसास हुआ कि वह एक कलाकार बनना चाहते हैं। ललित कला अकादमी में एक छोटे से अध्ययन के बाद, वे यूरोप गए, विभिन्न कला विद्यालयों का अध्ययन किया, स्पेनिश और डच पेंटिंग (विशेष रूप से वेलास्केज़ और फ्रैंस हल्स) और मानेट की तकनीक के प्रशंसक बन गए। फिलाडेल्फिया लौटकर, लैक्स एक अखबार के लिए एक इलस्ट्रेटर के रूप में काम करता है, ग्लैकेंस, स्लोअन और शिन से मिलता है, रॉबर्ट हेनरी की बौद्धिक बैठकों में भाग लेता है, और न्यूयॉर्क जाने और पुलित्जर की पत्रिका के लिए एक कलाकार के रूप में काम करने के बाद, वह पेंटिंग के लिए अधिक समय देना शुरू कर देता है। .

वह बिन स्कूल और आठ के समूह की गतिविधियों में भाग लेता है, नए यथार्थवाद के बारे में बहस को बढ़ावा देता है, बहुत कुछ आकर्षित करता है, अप्रवासियों के जीवन, उनकी जातीय विविधता, लोअर ईस्ट साइड और ब्रुकलिन से ड्राइंग सामग्री को संदेश देता है। न्यूयॉर्क के जीवन के बारे में चित्रों के अलावा, लैक्स ने परिदृश्य और चित्रों को चित्रित किया, उन्हें शक्तिशाली रंग और प्रकाश प्रभावों का स्वामी माना जाता था।

लैक्स एक मूल व्यक्तित्व था, एक जन्मजात विद्रोही, इस तथ्य पर गर्व था कि उसके आस-पास के लोग उसे अमेरिकी कला का "बुरा लड़का" मानते थे, अपने बारे में मिथक बनाते थे, अक्सर बेहोश होने तक नशे में रहते थे, एक शराबी था, और अंततः पाया गया था घरेलू लड़ाई के परिणामस्वरूप प्रवेश द्वार में मृत।

एवरेट शिन्नो(१८७६-१९५३), क्वेकर समुदाय के वुडस्टाउन में किसानों के एक परिवार में पैदा हुए थे।

उनकी शुरुआती क्षमताओं ने उन्हें १५ साल की उम्र में, ड्राइंग की मूल बातों का गंभीरता से अध्ययन शुरू करने की अनुमति दी, एक साल बाद ललित कला अकादमी में सबक लेने के लिए, और १७ साल की उम्र में अखबारों में एक कर्मचारी कलाकार के रूप में काम करना शुरू किया। १८९७ में न्यूयॉर्क जाने के बाद, युवा शिन जल्द ही उन प्रतिभाशाली यथार्थवादीों में से एक के रूप में ख्याति प्राप्त करने लगे, जिन्होंने शहरी जीवन, सड़क पर हिंसा, दुर्घटनाओं और आग को चित्रित किया।

अपनी पत्नी के साथ यूरोप की यात्रा करने के बाद, शिन ने पेंटिंग में नए विषयों (थिएटर, बैले) और प्रभाववादी तत्वों का विकास किया। वह कचरा बिन के स्कूल और आठ के समूह से एकमात्र है, जिसके पास बहुत सारे पेस्टल हैं, साथ ही न केवल मैनहट्टन अभिजात वर्ग के अपार्टमेंट में, बल्कि प्रसिद्ध ब्रॉडवे बेलास्को थिएटर के लिए 18 भित्तिचित्र भी हैं। शिन का मानना ​​​​था कि "वह आठ के सामयिक सदस्य थे," बिना किसी राजनीतिक रुख के और सामाजिक जीवन के लिए प्रतिबद्ध थे, लेकिन एक यथार्थवादी और रोमांटिक भावना में बीसवीं सदी की शुरुआत की अमेरिकी वास्तविकता के एक टुकड़े को दर्शाते हैं।

एक धारणा है कि एवरेट शिन ने टी। ड्रेइज़र के उपन्यास "जीनियस" में कलाकार यूजीन व्हाइट के प्रोटोटाइप के रूप में काम किया।

अर्नेस्ट लॉसन(१८७३-१९३९), हैलिफ़ैक्स में पैदा हुए, संयुक्त राज्य अमेरिका में आने के बाद, पहले कैनसस सिटी में रहे और फिर न्यूयॉर्क में, टौक्टमैन के साथ आर्ट स्टूडेंट्स लीग में अध्ययन किया, जिसने उन्हें प्रभाववाद से परिचित कराया।

फ्रांस में, जूलियन अकादमी में अध्ययन के दौरान, उन्हें प्लीन एयर पेंटिंग में दिलचस्पी हो गई, सिसली और समरसेट मौघम से मुलाकात की। राज्यों में लौटकर, लॉसन ने अपनी खुद की सौंदर्य शैली विकसित की, प्रभाववाद और यथार्थवाद के कगार पर, उन्हें "अमेरिका का अंतिम प्रभाववादी" कहा जाता है।

वह देश भर में बहुत यात्रा करता है, सुनसान परिदृश्यों को चित्रित करता है, "कचरा बिन स्कूल" के कलाकारों के साथ अभिसरण करता है और "आठ" समूह का सदस्य बन जाता है, लेकिन उनके विपरीत, वह शहरी जीवन के चित्रण में नाटक से बचता है और उसके बाद यथार्थवादी और प्रभाववादी प्रवृत्तियों को खारिज करते हुए समकालीन कला "शस्त्रागार शो" की प्रदर्शनी में भाग लेना, विशेष रूप से सीज़ेन में, बाद के प्रभाववाद में रुचि दिखाता है।

लॉसन के काम को उनके अन्य समकालीनों के रूप में अच्छी तरह से नहीं जाना जाता है, लेकिन रॉबर्ट हेनरी ने उन्हें "विंसलो होमर के बाद सबसे महान परिदृश्य चित्रकार" माना। मियामी बीच में तैरते समय वह रहस्यमय परिस्थितियों में डूब गया।

जॉर्ज वेस्ली धौंकनी(१८८२-१९२५), एक व्हेलिंग जहाज के कप्तान की बेटी के परिवार में दिवंगत और इकलौती संतान थी। ओहियो स्टेट यूनिवर्सिटी में, उन्होंने अध्ययन किया और सफलतापूर्वक बेसबॉल और बास्केटबॉल खेला, एक विश्वविद्यालय की वार्षिक पुस्तक को चित्रित करने की शर्त पर, एक पेशेवर बेसबॉल खिलाड़ी बनने का सपना देखा और पत्रिकाओं के लिए एक इलस्ट्रेटर के रूप में काम किया। 1904 में, विश्वविद्यालय से स्नातक किए बिना, बेलोज़ न्यूयॉर्क चले गए, कला के स्कूल में प्रवेश किया, "कचरा के स्कूल और समूह" आठ "के कलाकारों में शामिल हो गए, ब्रॉडवे पर अपना स्टूडियो किराए पर लिया।

रॉबर्ट हेनरी के छात्रों के साथ प्रदर्शनियों में भाग लेने और आर्ट स्टूडेंट्स लीग में अध्यापन ने उन्हें प्रसिद्धि दिलाई, हालांकि कई आलोचकों ने उनके काम को न केवल विषय वस्तु के संदर्भ में, बल्कि शैलीगत रूप से भी "मोटा" माना।

अपने काम में शहरी जीवन और खेल के विषयों को जारी रखते हुए, बेलोज़ को अमीर अभिजात वर्ग से चित्रों के लिए कमीशन मिलना शुरू हो जाता है, और गर्मियों में वह मेन में समुद्री दृश्यों को चित्रित करता है।

उनका बहुत राजनीतिकरण हुआ, समाजवादी और यहां तक ​​कि अराजकतावादी विचारों का पालन किया, एक समाजवादी पत्रिका के लिए एक चित्रकार के रूप में काम किया। 1918 में, उन्होंने बेल्जियम पर आक्रमण के दौरान जर्मन सैनिकों द्वारा किए गए अत्याचारों को दर्शाने वाले प्रिंट और चित्रों की एक श्रृंखला बनाई।

बेलोज़ ने लिथोग्राफी में भी महत्वपूर्ण योगदान दिया, एचजी वेल्स के कई संस्करणों सहित कई पुस्तकों का चित्रण किया। 42 साल की उम्र में एक असफल ऑपरेशन के बाद पेरिटोनिटिस से उनकी मृत्यु हो गई, एक पत्नी, दो बेटियों और बड़ी संख्या में पेंटिंग और प्रिंट को छोड़कर जो आज कई प्रमुख अमेरिकी संग्रहालयों में हैं।

अगले दो कलाकारों को पूरी तरह से "ट्रैश बिन स्कूल" या "आठ" समूह के लिए जिम्मेदार नहीं ठहराया जा सकता है, वे पहले से ही आधुनिकतावादी दिशा के करीब हैं, वे प्रयोगों के लिए अधिक खुले हैं, उनके काम को पोस्ट करने के लिए एक संक्रमणकालीन चरण माना जा सकता है। -प्रभाववाद।

आर्थर बोवेन डेविस(१८५३-१९२८), १५ साल की उम्र में उन्होंने हडसन रिवर स्कूल के सदस्यों द्वारा आयोजित अपने शहर में एक यात्रा प्रदर्शनी में भाग लिया। परिवार के शिकागो चले जाने के बाद, उन्होंने डिजाइन अकादमी में अध्ययन किया, और न्यूयॉर्क जाने के बाद, उन्होंने आर्ट स्टूडेंट्स लीग में अध्ययन किया और एक पत्रिका के लिए एक चित्रकार के रूप में काम किया।

कठिन पारिवारिक परिस्थितियों (डेविस की बेवफाई, दूसरी नाजायज पत्नी और एक नाजायज बच्चे की उपस्थिति) ने उनके व्यवहार और गुप्त स्वभाव पर छाप छोड़ी, लेकिन उनकी शादी के पहले साल में ही, डेविस की पेंटिंग सफलतापूर्वक बिकने लगीं, और नियमित यात्राएं यूरोप और कोरोट और बाजरा के काम ने उन्हें आपके रंग की समझ को निखारने और आपकी पेंटिंग शैली को विकसित करने में मदद की।

बिसवां दशा में, उन्हें सबसे सम्मानित और आर्थिक रूप से सफल अमेरिकी कलाकारों में से एक के रूप में पहचाना गया। आठ के समूह के सदस्य के रूप में, वह शस्त्रागार शो के मुख्य आयोजक थे, जो अपने साथियों की तुलना में समकालीन कला के अधिक जानकार थे, उन्होंने अपने संग्रह के लिए खरीदारी करते समय कई धनी न्यू यॉर्कर्स को सलाह दी और सलाह और धन के साथ कई युवा कलाकारों की मदद की।

आर्थर बी डेविस अमेरिकी पेंटिंग में एक असामान्य घटना है: उनकी अपनी गीतात्मक शैली को आरक्षित रूप से रूढ़िवादी के रूप में वर्णित किया जा सकता है, लेकिन उनके स्वाद और रुचियां पूरी तरह से अवांट-गार्डे थीं।

मौरिस ब्राजील प्रेंडरगैस्टो(१८५८-१९२४) और उनके जुड़वां भाई का जन्म उत्तरी अमेरिका के ब्रिटिश कॉलोनी में एक व्यापारिक पद के परिवार में हुआ था। बोस्टन जाने के बाद, उनके पिता ने ड्राइंग में सक्षम मौरिस को एक व्यावसायिक कलाकार के साथ अध्ययन करने के लिए भेजा, जो उनके काम की चमक और "समतलता" की व्याख्या करता है।

एकडेमी कोलारोसी में पेरिस में अध्ययन, और फिर एकेडेमी जूलियन में, अंग्रेजी और फ्रेंच अवांट-गार्डे कलाकारों के काम से परिचित, वैन गॉग और सेरात के कार्यों के अध्ययन ने उन्हें वास्तव में पोस्ट-इंप्रेशनवाद की ओर अग्रसर किया। प्रेंडरगैस्ट पहले अमेरिकियों में से एक थे जिन्होंने सेज़ेन को पहचाना, उनके काम को समझा और रूप और रंग को व्यक्त करने के अपने अभिव्यंजक तरीकों का उपयोग किया। 1895 में बोस्टन लौटकर, उन्होंने मुख्य रूप से वाटर कलर तकनीक में काम किया।

और मोनोटाइप, और इटली की यात्रा के बाद, उन्हें वेनिस को समर्पित उनके कार्यों के लिए प्रसिद्धि और आलोचनात्मक प्रशंसा मिली।

वह आठ के समूह के कलाकारों से मिले, उनके साथ 1908 में मैकबेथ गैलरी में प्रसिद्ध प्रदर्शनी में भाग लिया और ग्लैकेंस उनके आजीवन मित्र बन गए। आर्मरी शो में उन्होंने जो सात रचनाएँ प्रस्तुत कीं, उनमें उनकी शैलीगत परिपक्वता और पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म का अंतिम पालन दिखाया गया, उनकी शैली का गठन किया गया था और आलोचकों द्वारा "टेपेस्ट्री" या "मोज़ेक" के रूप में उपयुक्त रूप से चित्रित किया गया था।

प्रेंडरगैस्ट जीवन भर कुंवारे रहे, संभवतः बाद के वर्षों में प्राकृतिक शर्म, खराब स्वास्थ्य और गंभीर बहरेपन के कारण।
यह दिलचस्प है कि बाद के वर्षों में अमेरिकी चित्रकला में यथार्थवादी प्रवृत्ति ने अपनी प्रासंगिकता नहीं खोई और प्रभाववाद के बाद, "जादुई यथार्थवाद" और "क्षेत्रवाद" में परिलक्षित और विकसित हुई। लेकिन अगली बार उस पर और।
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चमकीले धब्बे, प्रकाश के छींटे, जगमगाती हवा - ये कलाकार दुनिया को स्पर्श से सुंदर और आनंदमय रंगीन के रूप में देखते हैं।
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प्रभाववादी शैली में बल्गेरियाई कलाकार त्सवित्को किनचेव की कृतियाँ डिजिटल पेंटिंग हैं: वे कंप्यूटर पर, फोटोशॉप में बनाई गई हैं। कलाकार की अविश्वसनीय रूप से रसदार रचनाएँ आसपास की दुनिया की सुंदरता और चमक पर जोर देती हैं।

डच कलाकार विलियम हेनरिट्स वॉटरकलर, एक्रेलिक और पेस्टल के साथ काम करते हैं। उनकी रचनाएँ अद्भुत कोमलता, बजती हुई हवा जिसमें उनके रंग सांस लेते हैं, उनकी सुंदर रेखाएँ हैं। विलियम का काम अपने उच्च गुणवत्ता वाले पोस्टर और लिथोग्राफ के लिए विश्व प्रसिद्ध है।

यूरी पेट्रेंको का जन्म सोची में हुआ था। लगभग 20 वर्षों से पेशेवर रूप से पेंटिंग में लगे हुए हैं। रसदार रंग, प्यारे घर, जहाज और समुद्र। उनके चित्रों से तेज धूप और नमकीन हवा चलती है। दुनिया के लगभग सभी देशों में काम निजी संग्रह में हैं।

अर्मेनियाई कलाकार होविक ज़ोहराबयान का जन्म प्रसिद्ध कलाकार और मूर्तिकार निकोगोस ज़ोहराबयान के परिवार में हुआ था। प्रभाववाद की विशेषता के पीछे कलाकार की अनूठी शैली स्वयं प्रकट होती है। इसके आरामदायक रंगीन शहर, चमकीले घर धूप और खुशियों से भरे हुए हैं।

लिंडा वाइल्डर एक कनाडाई कलाकार हैं। लिंडा को परिदृश्य पेंट करना पसंद है, और पैलेट चाकू उसके पसंदीदा उपकरणों में से एक है। उज्ज्वल, सटीक स्ट्रोक, सूक्ष्म रूप से देखे गए रंग और रेखाएं - लिंडा की पेंटिंग कनाडा और दुनिया भर में कॉर्पोरेट और निजी संग्रह में हैं।

चीनी-अमेरिकी कलाकार केन होंग लंग रंग की सूक्ष्म समझ रखते हैं और शांति के जादू को व्यक्त करना जानते हैं। इसके मछली पकड़ने के गांव और तटीय परिदृश्य हांगकांग की कला मंडलियों में सनसनी बन गए हैं। केन को दुनिया के सर्वश्रेष्ठ नव-प्रभाववादी चित्रकारों में से एक माना जाता है। उन्हें मुग्ध परिदृश्य, स्वप्निल मनोदशा और प्रकाश और रंग के जादुई प्रतिबिंबों का स्वामी कहा जाता है।

जोहान मेसेली बेल्जियम में रहता है और काम करता है। उनके चित्र छायादार प्रांतीय प्रांगणों, पुराने द्वारों और अच्छी खिड़कियों की आरामदायक दुनिया को दर्शाते हैं। जोहान जानता है कि लापरवाह स्ट्रोक के साथ शांति और शांत खुशी कैसे व्यक्त की जाती है। कलाकार तेल और पेस्टल में काम करता है।

जिल चारुक एक समकालीन कनाडाई कलाकार हैं। बीस साल से वह कपड़े और इंटीरियर डिजाइन उद्योग में काम कर रही है। वह रंगों को बढ़ा-चढ़ाकर पेश करना, कंट्रास्ट को बढ़ाना पसंद करती है। उनके हड़ताली चित्रों को अंतरराष्ट्रीय पहचान मिली है, वे उत्तरी अमेरिका, मैक्सिको और यूरोप में समकालीन कला के संग्रह में हैं। जिल मुख्य रूप से तेल और एक्रेलिक में पेंट करता है।

अमेरिकी पेंटिंग
अमेरिकी चित्रकला की पहली जीवित कृतियाँ १६वीं शताब्दी की हैं; ये अनुसंधान अभियानों के सदस्यों द्वारा बनाए गए रेखाचित्र हैं। हालांकि, पेशेवर कलाकार १८वीं शताब्दी की शुरुआत तक अमेरिका में दिखाई नहीं दिए; उनके लिए आय का एकमात्र स्थिर स्रोत एक चित्र था; इस शैली ने 19वीं शताब्दी की शुरुआत तक अमेरिकी चित्रकला में एक अग्रणी स्थान पर कब्जा करना जारी रखा।
औपनिवेशिक काल।चित्रों का पहला समूह, तेल चित्रकला की तकनीक में निष्पादित, १७वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से है; इस समय, बसने वालों का जीवन अपेक्षाकृत शांत था, जीवन स्थिर था और कला के अवसर थे। इन कार्यों में, श्रीमती फ्रिक का उनकी बेटी मैरी (1671-1674, मैसाचुसेट्स, कला के वर्स्टर संग्रहालय) के साथ सबसे प्रसिद्ध चित्र, एक अज्ञात अंग्रेजी कलाकार द्वारा चित्रित। 1730 के दशक तक, पूर्वी तट के शहरों में पहले से ही कई कलाकार थे, जो अधिक आधुनिक और यथार्थवादी तरीके से काम कर रहे थे: चार्ल्सटन में हेनरीटा जॉनस्टन (1705), एनापोलिस में जस्टस एंगलहार्ट कुहेन (1708), फिलाडेल्फिया में गुस्ताव हेसेलियस (1712) , न्यू जर्सी में पर्थ एम्बॉय में जॉन वॉटसन (1714), बोस्टन में पीटर पेलेम (1726) और जॉन स्मीबर्ट (1728)। बाद के दो चित्रों का जॉन सिंगलटन कोपले (1738-1815) के काम पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा, जिन्हें पहला प्रमुख अमेरिकी कलाकार माना जाता है। पेलम संग्रह से उत्कीर्णन से, युवा कोपले को 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में इस शैली में काम करने वाले एक प्रमुख अंग्रेजी मास्टर गॉडफ्रे नेलर के अंग्रेजी औपचारिक चित्र और पेंटिंग का एक विचार मिला। पेंटिंग बॉय विद ए स्क्विरेल (1765, बोस्टन, ललित कला संग्रहालय) में कोपले ने वस्तुओं की बनावट को व्यक्त करने में एक अद्भुत यथार्थवादी चित्र, कोमल और आश्चर्यजनक रूप से सटीक बनाया। 1765 में जब कोपले ने यह काम लंदन भेजा, तो जोशुआ रेनॉल्ड्स ने उन्हें इंग्लैंड में अपनी पढ़ाई जारी रखने की सलाह दी। हालांकि, कोपले 1774 तक अमेरिका में रहे और उन्होंने चित्रों को चित्रित करना जारी रखा, ध्यान से उनमें सभी विवरणों और बारीकियों पर काम किया। फिर उन्होंने यूरोप की यात्रा की और 1775 में लंदन में बस गए; उनकी शैली में, व्यवहार और आदर्शीकरण के लक्षण, इस समय की अंग्रेजी चित्रकला की विशेषता दिखाई दी। इंग्लैंड में कोपले द्वारा बनाई गई बेहतरीन कृतियों में बेंजामिन वेस्ट की याद ताजा करने वाले बड़े औपचारिक चित्र हैं, जिनमें ब्रुक वॉटसन और शार्क (1778, बोस्टन, ललित कला संग्रहालय) शामिल हैं। बेंजामिन वेस्ट (1738-1820) का जन्म पेंसिल्वेनिया में हुआ था; फिलाडेल्फिया के निवासियों के कई चित्रों को चित्रित करने के बाद, वह 1763 में लंदन चले गए। यहां उन्होंने एक ऐतिहासिक चित्रकार के रूप में प्रसिद्धि प्राप्त की। इस शैली में उनके काम का एक उदाहरण पेंटिंग डेथ ऑफ जनरल वोल्फ (1770, ओटावा, कनाडा की नेशनल गैलरी) है। 1792 में वेस्ट ने रेनॉल्ड्स को ब्रिटिश रॉयल एकेडमी ऑफ आर्ट्स के अध्यक्ष के रूप में सफलता दिलाई।
स्वतंत्रता संग्राम और 19वीं सदी की शुरुआत कोपले और वेस्ट के विपरीत, जो हमेशा के लिए लंदन में रहे, चित्रकार गिल्बर्ट स्टुअर्ट (1755-1828) 1792 में लंदन और डबलिन में अपना करियर बनाते हुए अमेरिका लौट आए। वह जल्द ही युवा गणराज्य में इस शैली के अग्रणी मास्टर बन गए; स्टीवर्ट ने अमेरिका में लगभग हर प्रमुख राजनीतिक और सार्वजनिक व्यक्ति के चित्र चित्रित किए। उनके कार्यों को जीवंत, मुक्त, स्केची तरीके से निष्पादित किया जाता है, जो कोपले के अमेरिकी कार्यों की शैली से बहुत अलग है। बेंजामिन वेस्ट ने अपने लंदन स्टूडियो में युवा अमेरिकी कलाकारों का स्वेच्छा से स्वागत किया; उनके छात्रों में चार्ल्स विल्सन पील (1741-1827) और सैमुअल एफबी मोर्स (1791-1872) शामिल थे। पील फिलाडेल्फिया में चित्रकारों के एक राजवंश और एक परिवार के स्वामित्व वाले कला व्यवसाय के संस्थापक बन गए। उन्होंने चित्रों को चित्रित किया, वैज्ञानिक अनुसंधान किया, और फिलाडेल्फिया (1786) में प्राकृतिक इतिहास और चित्रकला का संग्रहालय खोला। उनके सत्रह बच्चों में से कई कलाकार और प्राकृतिक वैज्ञानिक बने। मोर्स, जिसे टेलीग्राफ के आविष्कारक के रूप में जाना जाता है, ने कई सुंदर चित्रों को चित्रित किया और सभी अमेरिकी पेंटिंग, लौवर गैलरी में सबसे भव्य चित्रों में से एक है। इस काम में, लगभग 37 कैनवस को लघु रूप में अद्भुत सटीकता के साथ पुन: प्रस्तुत किया गया है। मोर्स की सभी गतिविधियों की तरह, इस काम का उद्देश्य युवा राष्ट्र को महान यूरोपीय संस्कृति से परिचित कराना था। वाशिंगटन ऑलस्टन (1779-1843) रूमानियत को श्रद्धांजलि देने वाले पहले अमेरिकी कलाकारों में से एक थे; यूरोप में अपनी लंबी यात्राओं के दौरान, उन्होंने समुद्री तूफानों, काव्यात्मक इतालवी रेखाचित्रों और भावुक चित्रों को चित्रित किया। 19वीं सदी की शुरुआत में। कला की पहली अमेरिकी अकादमियां खोली गईं, जो छात्रों को पेशेवर प्रशिक्षण प्रदान करती थीं और सीधे प्रदर्शनियों के आयोजन में शामिल थीं: फिलाडेल्फिया में कला की पेंसिल्वेनिया अकादमी (1805) और न्यूयॉर्क में नेशनल एकेडमी ऑफ ड्रॉइंग (1825), के पहले राष्ट्रपति जो एसआर मोर्स थे। 1820 और 1830 के दशक में, जॉन ट्रंबल (1756-1843) और जॉन वेंडरलिन (1775-1852) ने अमेरिकी इतिहास पर आधारित विशाल रचनाएं लिखीं, जो वाशिंगटन डीसी में कैपिटल रोटुंडा की दीवारों को सुशोभित करती थीं। 1830 के दशक में, परिदृश्य अमेरिकी चित्रकला की प्रमुख शैली बन गई। थॉमस कोल (1801-1848) ने उत्तर (न्यूयॉर्क राज्य) की कुंवारी प्रकृति लिखी। उन्होंने तर्क दिया कि सुरम्य यूरोपीय खंडहरों की तुलना में अमेरिकी कलाकारों के लिए अनुभवी पहाड़ और एक जीवंत शरद ऋतु जंगल अधिक उपयुक्त विषय थे। कोल ने नैतिक और धार्मिक अर्थों से ओतप्रोत कई परिदृश्यों को भी चित्रित किया; उनमें से चार बड़ी पेंटिंग हैं लाइफ्स पाथ (1842, वाशिंगटन, नेशनल गैलरी) - नदी के नीचे जा रही एक नाव को दर्शाती अलंकारिक रचनाएँ, जिसमें एक लड़का बैठा है, फिर एक युवक, फिर एक आदमी और अंत में एक बूढ़ा। कई परिदृश्य चित्रकारों ने कोल के उदाहरण का अनुसरण किया और अपने काम में अमेरिकी प्रकृति के विचारों को चित्रित किया; उन्हें अक्सर "हडसन रिवर स्कूल" नामक एक समूह में जोड़ा जाता है (जो सच नहीं है, क्योंकि उन्होंने पूरे देश में काम किया और विभिन्न शैलियों में लिखा)। अमेरिकी शैली के चित्रकारों में, सबसे प्रसिद्ध विलियम सिडनी माउंट (1807-1868) हैं, जिन्होंने लॉन्ग आईलैंड के किसानों के जीवन के दृश्यों को चित्रित किया, और जॉर्ज कालेब बिंघम (1811-1879), जिनके चित्र मछुआरों के जीवन को समर्पित हैं। मिसौरी तट और छोटे प्रांतीय शहरों में चुनाव। गृहयुद्ध से पहले, सबसे लोकप्रिय चित्रकार फ्रेडरिक एडविन चर्च (1826-1900) था, जो कोल का छात्र था। उन्होंने ज्यादातर बड़े प्रारूप वाली रचनाएँ लिखीं और कभी-कभी जनता को आकर्षित करने और अचेत करने के लिए बहुत अधिक प्राकृतिक उद्देश्यों का इस्तेमाल किया। चर्च ने दक्षिण अमेरिकी ज्वालामुखियों और उत्तरी समुद्र के हिमखंडों को चित्रित करने के लिए सामग्री एकत्र करते हुए सबसे विदेशी और खतरनाक स्थानों की यात्रा की; उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक पेंटिंग नियाग्रा फॉल्स (1857, वाशिंगटन, कोरकोरन गैलरी) है। 1860 के दशक में, अल्बर्ट बिएरस्टेड (1830-1902) के विशाल कैनवस ने अपनी साफ झीलों, जंगलों और टॉवर जैसी चोटियों के साथ, उन पर चित्रित रॉकी पर्वत की सुंदरता के लिए सामान्य प्रशंसा पैदा की।

युद्ध के बाद की अवधि और सदी की बारी।गृहयुद्ध के बाद, यूरोप में पेंटिंग का अध्ययन करना फैशन बन गया। डसेलडोर्फ, म्यूनिख और विशेष रूप से पेरिस में, अमेरिका की तुलना में अधिक मौलिक शिक्षा प्राप्त की जा सकती है। जेम्स मैकनील व्हिस्लर (1834-1903), मैरी कसाट (1845-1926) और जॉन सिंगर सार्जेंट (1856-1925) ने पेरिस में अध्ययन किया, फ्रांस और इंग्लैंड में रहे और काम किया। व्हिस्लर फ्रांसीसी प्रभाववादियों के करीब थे; अपने चित्रों में, उन्होंने रंग संयोजनों और अभिव्यंजक, संक्षिप्त रचनाओं पर विशेष ध्यान दिया। एडगर डेगास के निमंत्रण पर मैरी कसाट ने 1879 से 1886 तक प्रभाववादियों की प्रदर्शनियों में भाग लिया। सार्जेंट ने पुरानी और नई दुनिया के सबसे प्रमुख लोगों के चित्रों को बोल्ड, तेज, स्केची तरीके से चित्रित किया। 19वीं सदी के उत्तरार्ध की कला में शैलीगत स्पेक्ट्रम के प्रभाववाद के विपरीत पक्ष। विलियम माइकल हार्नेट (1848-1892), जॉन फ्रेडरिक पेटो (1854-1907) और जॉन हैबरल (1856-1933) में यथार्थवादी कलाकारों का कब्जा है, जिन्होंने अभी भी जीवन को चित्रित किया है। 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत के दो प्रमुख कलाकार, विंसलो होमर (1836-1910) और थॉमस एकिन्स (1844-1916), उस समय फैशनेबल किसी भी कला प्रवृत्ति से संबंधित नहीं थे। होमर ने अपने रचनात्मक करियर की शुरुआत 1860 के दशक में न्यूयॉर्क पत्रिकाओं के लिए चित्रों के साथ की थी; पहले से ही 1890 के दशक में उनकी एक प्रसिद्ध कलाकार के रूप में ख्याति थी। उनकी प्रारंभिक पेंटिंग तेज धूप से संतृप्त ग्रामीण जीवन के दृश्य हैं। बाद में, होमर ने अधिक जटिल और नाटकीय छवियों और विषयों की ओर रुख करना शुरू किया: पेंटिंग गल्फ स्ट्रीम (1899, मेट्रोपॉलिटन) एक तूफानी, शार्क-संक्रमित समुद्र में एक नाव के डेक पर पड़े एक काले नाविक की निराशा को दर्शाती है। अपने जीवनकाल के दौरान, अत्यधिक निष्पक्षता और प्रत्यक्षता के लिए थॉमस एकिन्स की कड़ी आलोचना की गई थी। अब उनके कार्यों को उनके सख्त और स्पष्ट चित्रण के लिए अत्यधिक माना जाता है; उनके ब्रश एथलीटों और ईमानदार, सहानुभूतिपूर्ण चित्रों की छवियों से संबंधित हैं।

बीसवी सदी। सदी की शुरुआत में, फ्रांसीसी प्रभाववाद की नकल को अत्यधिक महत्व दिया गया था। सार्वजनिक स्वाद को आठ कलाकारों के एक समूह ने चुनौती दी: रॉबर्ट हेनरी (1865-1929), डब्ल्यूजे ग्लैकेंस (1870-1938), जॉन स्लोअन (1871-1951), जेबी लैक्स (1867-1933), एवरेट शिन ( 1876-1953) , एबी डेविस (1862-1928), मौरिस प्रेंडरगैस्ट (1859-1924) और अर्नेस्ट लॉसन (1873-1939)। आलोचकों ने मलिन बस्तियों और अन्य अभियोगात्मक विषयों को चित्रित करने के उनके शौक के लिए उन्हें "कचरा" स्कूल करार दिया है। 1913 में तथाकथित पर। "शस्त्रागार शो" ने प्रभाववाद के बाद की विभिन्न दिशाओं से संबंधित उस्तादों के कार्यों को प्रदर्शित किया। अमेरिकी कलाकार विभाजित थे: उनमें से कुछ रंग और औपचारिक अमूर्तता की संभावनाओं की खोज में बदल गए, अन्य यथार्थवादी परंपरा की गोद में बने रहे। दूसरे समूह में चार्ल्स बर्चफील्ड (1893-1967), रेजिनाल्ड मार्श (1898-1954), एडवर्ड हॉपर (1882-1967), फेयरफील्ड पोर्टर (1907-1975), एंड्रयू वायथ (बी। 1917) और अन्य शामिल थे। इवान अलब्राइट (1897-1983), जॉर्ज टकर (बी। 1920) और पीटर ब्लूम (1906-1992) की पेंटिंग "जादुई यथार्थवाद" की शैली में लिखी गई हैं (उनके कार्यों में प्रकृति की समानता अतिरंजित है, लेकिन वास्तविकता है एक सपने या मतिभ्रम की तरह)। अन्य कलाकार, जैसे चार्ल्स शीलर (1883-1965), चार्ल्स डेमथ (1883-1935), लियोनेल फ़िनिंगर (1871-1956) और जॉर्जिया ओ "कीफ़े (1887-1986), उनके कार्यों में यथार्थवाद, घनवाद, अभिव्यक्तिवाद के संयुक्त तत्व और यूरोपीय कला की अन्य धाराएं। जॉन मारिन (1870-1953) और मार्सडेन हार्टले (1877-1943) के समुद्र के दृश्य अभिव्यक्तिवाद के करीब हैं। मौरिस ग्रेव्स (बी। 1910) के चित्रों में पक्षियों और जानवरों की छवियां अभी भी दृश्यमान दुनिया के साथ संबंध बनाए रखें, हालांकि द्वितीय विश्व युद्ध के बाद के रूप, गैर-आलंकारिक चित्रकला अमेरिकी कला में अग्रणी प्रवृत्ति बन गई। मुख्य ध्यान अब सचित्र सतह पर ही था; इसे लाइनों की बातचीत के क्षेत्र के रूप में देखा गया था , जनता और रंग के धब्बे। इन वर्षों के दौरान अमूर्त अभिव्यक्तिवाद ने कब्जा कर लिया। यह पेंटिंग में पहला आंदोलन बन गया जो संयुक्त राज्य अमेरिका में उभरा और अंतरराष्ट्रीय महत्व का था। इस आंदोलन के नेता अर्शीले गोर्की थे (1904-1948), विलेम डी कूनिंग (कूनिंग) (1904-1997), जैक्सन पोलक (1912-1956), मार्क रोथको (1903-1970) और फ्रांज क्लाइन (1910-1962)। सार अभिव्यक्तिवाद की सबसे दिलचस्प खोजों में से एक जैक्सन पोलक की कलात्मक पद्धति थी, जिसने गतिशील रैखिक रूपों की एक जटिल भूलभुलैया बनाने के लिए कैनवास पर पेंट टपका या फेंका। इस आंदोलन के अन्य कलाकार - हैंस हॉफमैन (1880-1966), क्लेफोर्ड स्टिल (1904-1980), रॉबर्ट मदरवेल (1915-1991), और हेलेन फ्रैंकेंथेलर (बी। 1928) - ने पेंटिंग तकनीक का अभ्यास किया। गैर-उद्देश्य कला का एक अन्य संस्करण जोसेफ अल्बर्स (1888-1976) और एड रेनहार्ट (1913-1967) की पेंटिंग है; उनकी पेंटिंग ठंडी, सटीक गणना की गई ज्यामितीय आकृतियों से बनी हैं। इस शैली में काम करने वाले अन्य कलाकारों में एल्सवर्थ केली (बी। 1923), बार्नेट न्यूमैन (1905-1970), केनेथ नोलैंड (बी। 1924), फ्रैंक स्टेला (बी। 1936), और अल हेल्ड (बी। 1928) शामिल हैं; बाद में उन्होंने ऑप्ट-आर्ट की दिशा का नेतृत्व किया। 1950 के दशक के अंत में, रॉबर्ट रोसचेनबर्ग (बी। 1925), जैस्पर जॉन्स (बी। 1930), और लैरी रिवर (बी। 1923), जिन्होंने असेंबली तकनीक सहित मिश्रित मीडिया में काम किया, ने गैर-उद्देश्य कला के खिलाफ बात की। उन्होंने अपनी "पेंटिंग" में तस्वीरों, समाचार पत्रों, पोस्टर और अन्य वस्तुओं के टुकड़े शामिल किए। 1960 के दशक की शुरुआत में, विधानसभा ने एक नए आंदोलन को जन्म दिया, तथाकथित। पॉप कला, जिसके प्रतिनिधियों ने अपने कार्यों में अमेरिकी पॉप संस्कृति की विभिन्न वस्तुओं और छवियों को बहुत सावधानी से और सटीक रूप से पुन: पेश किया: कोका-कोला के डिब्बे और डिब्बाबंद भोजन, सिगरेट के पैक, कॉमिक्स। इस दिशा में अग्रणी कलाकार एंडी वारहोल (1928-1987), जेम्स रोसेनक्विस्ट (बी। 1933), जिम डाइन (बी। 1935), और रॉय लिचेंस्टीन (बी। 1923) हैं। ऑप्टिक्स और ऑप्टिकल इल्यूजन के सिद्धांतों पर आधारित ऑप्ट आर्ट के बाद पॉप आर्ट का अनुसरण किया गया। 1970 के दशक में, अमेरिका में अभिव्यक्तिवाद के विभिन्न स्कूल मौजूद रहे, ज्यामितीय हार्ड-एज, पॉप आर्ट, फोटोरिअलिज़्म, जो तेजी से फैशनेबल होता जा रहा था, और दृश्य कला की अन्य शैलियाँ।

साहित्य
चेगोडेव ए.डी. स्वतंत्रता संग्राम से लेकर आज तक संयुक्त राज्य अमेरिका की कला। एम।, 1960 चेगोडेव ए.डी. संयुक्त राज्य अमेरिका की कला। 1675-1975। पेंटिंग, वास्तुकला, मूर्तिकला, ग्राफिक्स। एम।, 1975

कोलियर का विश्वकोश। - खुला समाज. 2000 .

देखें कि "अमेरिकन पेंटिंग" अन्य शब्दकोशों में क्या है:

1920 और 1930 के दशक के अमेरिकी कलाकारों द्वारा घरेलू दृश्यों और परिदृश्यों को प्राकृतिक, वर्णनात्मक तरीके से प्रदर्शित किया गया। अमेरिकी शैली की पेंटिंग एक संगठित आंदोलन नहीं थी, यह अमेरिकी लोगों के बीच व्यापक थी ... विकिपीडिया

- "किसान वेडिंग", 1568, पीटर ब्रूगल, कुन्थिस्टोरिसचेस संग्रहालय, विएना ... विकिपीडिया

निर्देशांक: 29 ° 43'32 एस। श. 95 ° 23′26 W घ. / २९.७२५५५६ ° उत्तर श. 95.390556 ° W आदि ... विकिपीडिया

मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट न्यूयॉर्क- दुनिया के सबसे बड़े संग्रहालयों में से एक और संयुक्त राज्य अमेरिका में सबसे बड़ा कला संग्रहालय - मैनहट्टन में सेंट्रल पार्क के पूर्व की ओर न्यूयॉर्क में स्थित मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट। इस जगह को म्यूजियम माइल के नाम से जाना जाता है... न्यूज़मेकर्स का विश्वकोश

विकिपीडिया में इस उपनाम वाले अन्य लोगों के बारे में लेख हैं, बेसोनोवा देखें। मरीना अलेक्जेंड्रोवना बेसोनोवा (22 फरवरी, 1945 (19450222), मास्को 27 जून, 2001, मास्को) रूसी कला इतिहासकार, आलोचक, संग्रहालय कार्यकर्ता। सामग्री १ ... ... विकिपीडिया

संयुक्त राज्य अमेरिका में सबसे बड़े कला संग्रहालयों में से एक। 1870 में बोस्टन में स्थापित। यह प्राचीन मिस्र (अंखफ, तीसरी सहस्राब्दी ईसा पूर्व), ग्रीस और रोम, कॉप्टिक कपड़े, चीन और जापान से मध्ययुगीन कला से मूर्तिकला के उत्कृष्ट उदाहरण संग्रहीत करता है ... ... महान सोवियत विश्वकोश

- (डी कूनिंग, विलेम) डीई कूनिंग अपनी कार्यशाला में। (1904 1997), समकालीन अमेरिकी कलाकार, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के स्कूल के प्रमुख। डी कूनिंग का जन्म 24 अप्रैल, 1904 को रॉटरडैम में हुआ था। 15 साल की उम्र में उन्होंने इवनिंग पेंटिंग कोर्स में दाखिला लिया... कोलियर का विश्वकोश

- (चट्टानोगा) दक्षिणपूर्वी संयुक्त राज्य अमेरिका का एक शहर (संयुक्त राज्य अमेरिका देखें) (टेनेसी); ग्रेट एपलाचियन घाटी में टेनेसी नदी पर एक बंदरगाह; जॉर्जिया राज्य की सीमा से लगे एपलाचियन पर्वत और कंबरलैंड पठार के बीच स्थित है। जनसंख्या 153.6 हजार …… भौगोलिक विश्वकोश

- (चट्टानोगा), दक्षिणपूर्वी संयुक्त राज्य अमेरिका, टेनेसी का एक शहर। नदी पर बंदरगाह टेनेसी। 152 हजार निवासी (1994; उपनगरों के साथ लगभग 430 हजार निवासी)। रसायन, कपड़ा, लुगदी और कागज उद्योग। लौह धातु विज्ञान, यांत्रिक अभियांत्रिकी। ... ... विश्वकोश शब्दकोश

बारबरा रोज़ (जन्म 1938) एक अमेरिकी कला इतिहासकार और कला समीक्षक हैं। उन्होंने स्मिथ कॉलेज, बरनार्ड कॉलेज और कोलंबिया विश्वविद्यालय से पढ़ाई की। 1961 में 1969 में उनकी शादी कलाकार फ्रैंक स्टेला से हुई थी। में ... ... विकिपीडिया

पुस्तकें

• वाशिंगटन नेशनल गैलरी (सॉफ्टकवर) में अंग्रेजी और अमेरिकी पेंटिंग, ईजी मिलुगिना, वाशिंगटन नेशनल गैलरी में उच्च कलात्मक स्तर की अंग्रेजी और अमेरिकी पेंटिंग का दुनिया का सबसे बड़ा संग्रह है। संग्रह विश्व चित्रकला के दोनों इतिहास को दर्शाते हैं, ... श्रेणी:

"कार्ड प्लेयर्स"

लेखक

पॉल सेज़ान

देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1839–1906
अंदाज प्रभाववाद के बाद

कलाकार का जन्म फ्रांस के दक्षिण में ऐक्स-एन-प्रोवेंस के छोटे से शहर में हुआ था, लेकिन उन्होंने पेरिस में पेंटिंग करना शुरू किया। कलेक्टर एम्ब्रोज़ वोलार्ड द्वारा आयोजित एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी के बाद उन्हें वास्तविक सफलता मिली। 1886 में, अपने प्रस्थान से 20 साल पहले, वह अपने गृहनगर के बाहरी इलाके में चले गए। युवा कलाकारों ने उन्हें अपनी यात्राओं को "ऐक्स की तीर्थयात्रा" कहा।

130x97 सेमी
१८९५ वर्ष
कीमत
$ 250 मिलियन
बिक गया 2012 में
एक निजी नीलामी में

सीज़ेन के काम को समझना आसान है। कलाकार का एकमात्र नियम विषय या कथानक को सीधे कैनवास पर स्थानांतरित करना था, इसलिए उसके चित्र दर्शक को भ्रमित नहीं करते हैं। सेज़ेन ने अपनी कला में दो मुख्य फ्रांसीसी परंपराओं को जोड़ा: क्लासिकवाद और रोमांटिकवाद। उन्होंने रंगीन बनावट की मदद से वस्तुओं के रूप को एक अद्भुत प्लास्टिसिटी दी।

पांच चित्रों की श्रृंखला "द कार्ड प्लेयर्स" 1890-1895 के वर्षों में लिखी गई थी। उनका प्लॉट एक ही है - कई लोगों को पोकर खेलने का शौक होता है। कार्य केवल खिलाड़ियों की संख्या और कैनवास के आकार में भिन्न होते हैं।

यूरोप और अमेरिका के संग्रहालयों में चार पेंटिंग रखी गई हैं (म्यूजियम डी'ऑर्से, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट, बार्न्स फाउंडेशन और कोर्टौल्ड इंस्टीट्यूट ऑफ आर्ट), और पांचवां, हाल तक, ग्रीक अरबपति जहाज के मालिक के निजी संग्रह का श्रंगार था। जॉर्ज एम्बिरिकोस। अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले, 2011 की सर्दियों में, उन्होंने इसे बिक्री के लिए रखने का फैसला किया। कला डीलर विलियम एक्वावेला और विश्व-प्रसिद्ध गैलरी के मालिक लैरी गागोसियन, सेज़ेन के "मुक्त" काम के संभावित खरीदार बन गए, इसके लिए लगभग $ 220 मिलियन की पेशकश की। नतीजतन, पेंटिंग 250 मिलियन के लिए अरब राज्य कतर के शाही परिवार में चली गई। पेंटिंग के इतिहास में सबसे बड़ा कला सौदा फरवरी 2012 में बंद हो गया था। पत्रकार एलेक्जेंड्रा पीयर्स ने वैनिटी फेयर में इसकी सूचना दी थी। उसने पेंटिंग की लागत और नए मालिक के नाम का पता लगाया, और फिर जानकारी दुनिया भर के मीडिया में फैल गई।

2010 में, समकालीन कला का अरब संग्रहालय और कतर राष्ट्रीय संग्रहालय कतर में खोला गया। अब उनके संग्रह की भरपाई की जा रही है। शायद इस उद्देश्य के लिए द कार्ड प्लेयर्स के पांचवें संस्करण को शेख द्वारा अधिग्रहित किया गया था।

सबसे अधिकमहंगी पेंटिंगइस दुनिया में

मालिक
शेख हमदी
बिन खलीफा अल-थानीक

अल-थानी राजवंश ने क़तर पर 130 से अधिक वर्षों तक शासन किया है। लगभग आधी सदी पहले, यहां तेल और गैस के विशाल भंडार की खोज की गई थी, जिसने तुरंत कतर को दुनिया के सबसे अमीर क्षेत्रों में से एक बना दिया। हाइड्रोकार्बन के निर्यात के लिए धन्यवाद, इस छोटे से देश में प्रति व्यक्ति सबसे बड़ा सकल घरेलू उत्पाद है। 1995 में शेख हमद बिन खलीफा अल-थानी, जबकि उनके पिता स्विट्जरलैंड में थे, परिवार के सदस्यों के समर्थन से सत्ता पर कब्जा कर लिया। विशेषज्ञों के अनुसार वर्तमान शासक की योग्यता देश के विकास की स्पष्ट रणनीति, राज्य की सफल छवि बनाने में है। कतर में अब एक संविधान और एक प्रधान मंत्री है, और महिलाओं को संसदीय चुनावों में वोट देने का अधिकार मिला है। वैसे, कतर के अमीर ने ही अल-जज़ीरा न्यूज़ चैनल की स्थापना की थी। अरब राज्य के अधिकारी संस्कृति पर बहुत ध्यान देते हैं।

2

"नंबर 5"

लेखक

जैक्सन पोलक

देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1912–1956
अंदाज अमूर्त अभिव्यंजनावाद

जैक स्प्रिंकलर - इस तरह का उपनाम पोलक को अमेरिकी जनता द्वारा एक विशेष पेंटिंग तकनीक के लिए दिया गया था। कलाकार ने ब्रश और चित्रफलक को छोड़ दिया, और कैनवास या फाइबरबोर्ड की सतह पर लगातार और उनके अंदर घूमते हुए पेंट डाला। कम उम्र से ही वह जिद्दू कृष्णमूर्ति के दर्शन के शौकीन थे, जिसका मुख्य संदेश यह है कि सच्चाई का खुलासा मुक्त "उछाल" के दौरान होता है।

122x244 सेमी
१९४८ वर्ष
कीमत
$१४० मिलियन
बिक गया 2006 में
नीलामी पर सूदबी के

पोलक के काम का मूल्य परिणाम में नहीं, बल्कि प्रक्रिया में है। लेखक ने गलती से अपनी कला को "कार्रवाई की पेंटिंग" नहीं कहा। उनके हल्के हाथ से यह अमेरिका का मुख्य खजाना बन गया। जैक्सन पोलक ने पेंट को रेत, टूटे कांच के साथ मिश्रित किया, और कार्डबोर्ड के एक टुकड़े, एक पैलेट चाकू, एक चाकू और एक स्कूप के साथ लिखा। कलाकार इतना लोकप्रिय था कि 1950 के दशक में यूएसएसआर में भी नकल करने वाले पाए गए थे। पेंटिंग "नंबर 5" को दुनिया में सबसे अजीब और सबसे महंगी में से एक माना जाता है। ड्रीमवर्क्स कंपनी के संस्थापकों में से एक, डेविड गेफेन ने इसे एक निजी संग्रह के लिए अधिग्रहित किया, और 2006 में इसे सोथबी की नीलामी में मैक्सिकन कलेक्टर डेविड मार्टिनेज को 140 मिलियन डॉलर में बेच दिया। हालांकि, कानूनी फर्म ने जल्द ही अपने मुवक्किल की ओर से एक प्रेस विज्ञप्ति जारी कर कहा कि डेविड मार्टिनेज पेंटिंग के मालिक नहीं थे। केवल एक चीज निश्चित रूप से जानी जाती है: मैक्सिकन फाइनेंसर वास्तव में हाल ही में समकालीन कला के कार्यों का संग्रह कर रहा है। यह संभावना नहीं है कि वह "नंबर 5" पोलक जैसी "बड़ी मछली" से चूक गया होगा।

3

"महिला III"

लेखक

विलेम डी कूनिंग

देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1904–1997
अंदाज अमूर्त अभिव्यंजनावाद

नीदरलैंड के मूल निवासी, वह 1926 में संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए। 1948 में, कलाकार की एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी हुई। कला समीक्षकों ने अपने लेखक में महान आधुनिकतावादी कलाकार को पहचानते हुए, जटिल, घबराए हुए काले और सफेद रचनाओं की सराहना की है। अपने जीवन का अधिकांश समय वे मद्यपान से पीड़ित रहे, लेकिन नई कला के निर्माण का आनंद हर काम में महसूस किया जाता है। डी कूनिंग पेंटिंग की आवेगशीलता, व्यापक स्ट्रोक से प्रतिष्ठित है, यही वजह है कि कभी-कभी छवि कैनवास की सीमाओं के भीतर फिट नहीं होती है।

121x171 सेमी
१९५३ वर्ष
कीमत
$ 137 मिलियन
बिक गया 2006 में
एक निजी नीलामी में

1950 के दशक में, डी कूनिंग की पेंटिंग में खाली आंखों, बड़े स्तनों और बदसूरत चेहरे वाली महिलाओं को दिखाया गया था। वुमन III नीलाम होने वाली श्रृंखला की अंतिम प्रविष्टि है।

1970 के दशक से, पेंटिंग को तेहरान म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट में रखा गया है, लेकिन देश में सख्त नैतिक नियमों की शुरुआत के बाद, उन्होंने इससे छुटकारा पाने की कोशिश की। 1994 में, काम ईरान से निर्यात किया गया था, और 12 साल बाद, इसके मालिक डेविड गेफेन (वही निर्माता जिसने जैक्सन पोलक की पेंटिंग "नंबर 5" बेची थी) ने करोड़पति स्टीफन कोहेन को $ 137.5 मिलियन में तस्वीर दी। दिलचस्प बात यह है कि गेफेन ने एक साल में अपने चित्रों का संग्रह बेचना शुरू कर दिया। इसने बहुत सी अफवाहों को जन्म दिया, उदाहरण के लिए, कि निर्माता ने लॉस एंजिल्स टाइम्स अखबार खरीदने का फैसला किया।

एक कला मंच पर, लियोनार्डो दा विंची की पेंटिंग "लेडी विद ए एर्मिन" के साथ "वुमन III" की समानता के बारे में एक राय व्यक्त की गई थी। नायिका की दांतेदार मुस्कान और निराकार आकृति के पीछे, चित्रकला के पारखी ने शाही रक्त के व्यक्ति की कृपा को पहचाना। इसका प्रमाण महिला के सिर पर मुकुट के खराब निशान से भी मिलता है।

4

"एडेल का पोर्ट्रेट"बलोच-बाउर I "

लेखक

गुस्ताव क्लिम्टो

देश ऑस्ट्रिया
जीवन के वर्ष 1862–1918
अंदाज आधुनिक

गुस्ताव क्लिम्ट का जन्म एक उत्कीर्णन कलाकार के परिवार में हुआ था और वह सात बच्चों में से दूसरे थे। अर्नेस्ट क्लिम्ट के तीन बेटे कलाकार बन गए, और केवल गुस्ताव ही दुनिया भर में प्रसिद्ध हुए। उन्होंने अपना अधिकांश बचपन गरीबी में बिताया। अपने पिता की मृत्यु के बाद, वह पूरे परिवार के लिए जिम्मेदार था। यह इस समय था कि क्लिंट ने अपनी शैली विकसित की। कोई भी दर्शक उनके चित्रों के सामने जम जाता है: सोने के पतले स्पर्श के तहत, स्पष्ट कामुकता स्पष्ट रूप से दिखाई देती है।

138x136 सेमी
१९०७ वर्ष
कीमत
$135 मिलियन
बिक गया 2006 में
नीलामी पर सूदबी के

पेंटिंग का भाग्य, जिसे "ऑस्ट्रियाई मोना लिसा" कहा जाता है, आसानी से बेस्टसेलर का आधार बन सकता है। कलाकार का काम पूरे राज्य और एक बुजुर्ग महिला के बीच संघर्ष का कारण बन गया।

तो, "एडेल बलोच-बाउर I का पोर्ट्रेट" फर्डिनेंड बलोच की पत्नी एक अभिजात वर्ग को दर्शाता है। उनकी आखिरी वसीयत पेंटिंग को ऑस्ट्रियाई स्टेट गैलरी में स्थानांतरित करने की थी। हालांकि, बलोच ने अपनी वसीयत में दान को रद्द कर दिया, और कैनवास को नाजियों द्वारा जब्त कर लिया गया। बाद में, गैलरी ने शायद ही गोल्डन एडेल खरीदा, लेकिन फिर उत्तराधिकारी दिखाई दिया - फर्डिनेंड बलोच की भतीजी मारिया ऑल्टमैन।

2005 में, हाई-प्रोफाइल परीक्षण "ऑस्ट्रियाई गणराज्य के खिलाफ मारिया ऑल्टमैन" शुरू हुआ, जिसके परिणामस्वरूप तस्वीर उसके साथ लॉस एंजिल्स के लिए "छोड़ गई"। ऑस्ट्रिया ने अभूतपूर्व उपाय किए: ऋण पर बातचीत हुई, जनसंख्या ने चित्र को भुनाने के लिए धन दान किया। अच्छाई ने कभी बुराई को नहीं हराया: ऑल्टमैन ने कीमत बढ़ाकर 30 करोड़ डॉलर कर दी। मुकदमे के समय, वह 79 वर्ष की थी, और वह इतिहास में उस व्यक्ति के रूप में नीचे चली गई जिसने व्यक्तिगत हितों के पक्ष में बलोच-बाउर की इच्छा को बदल दिया। पेंटिंग न्यूयॉर्क में न्यू गैलरी के मालिक रोनाल्ड लॉडर द्वारा अधिग्रहित की गई थी, जहां यह आज भी बनी हुई है। ऑस्ट्रिया के लिए नहीं, ऑल्टमैन ने उसके लिए कीमत घटाकर 135 मिलियन डॉलर कर दी।

5

"चिल्लाओ"

लेखक

एडवर्ड मंच

देश नॉर्वे
जीवन के वर्ष 1863–1944
अंदाज इक्सप्रेस्सियुनिज़म

मंच की पहली पेंटिंग, जिसे दुनिया भर में जाना जाता है, "द सिक गर्ल" (पांच प्रतियों में मौजूद है), कलाकार की बहन को समर्पित है, जिसकी 15 साल की उम्र में तपेदिक से मृत्यु हो गई थी। मुंच हमेशा मौत और अकेलेपन के विषय में रुचि रखते थे। जर्मनी में, उनकी भारी, उन्मत्त पेंटिंग ने एक घोटाले को भी उकसाया। हालांकि, निराशाजनक भूखंडों के बावजूद, उनके चित्रों में एक विशेष चुंबकत्व है। उदाहरण के लिए, स्क्रीम लें।

७३,५x९१ सेमी
१८९५ वर्ष
कीमत
$119.992 मिलियन
में बेचा गया 2012 वर्ष
नीलामी पर सूदबी के

पेंटिंग का पूरा नाम डेर श्रेई डेर नेचर (जर्मन से अनुवादित - "प्रकृति का रोना") है। किसी व्यक्ति या विदेशी का चेहरा निराशा और दहशत व्यक्त करता है - एक तस्वीर को देखते समय दर्शक द्वारा समान भावनाओं का अनुभव किया जाता है। अभिव्यक्तिवाद के प्रमुख कार्यों में से एक उन विषयों की चेतावनी देता है जो 20 वीं शताब्दी की कला में तीव्र हो गए हैं। एक संस्करण के अनुसार, कलाकार ने इसे एक मानसिक विकार के प्रभाव में बनाया, जिसे उसने जीवन भर झेला।

पेंटिंग को अलग-अलग संग्रहालयों से दो बार चुराया गया था, लेकिन इसे वापस कर दिया गया था। चीख, जिसे चोरी के बाद मामूली क्षति का सामना करना पड़ा, को बहाल कर दिया गया और 2008 में मंच संग्रहालय में प्रदर्शित करने के लिए फिर से तैयार किया गया। पॉप संस्कृति के प्रतिनिधियों के लिए, काम प्रेरणा का स्रोत बन गया: एंडी वारहोल ने अपने प्रिंट-प्रतियों की एक श्रृंखला बनाई, और फिल्म "स्क्रीम" से मुखौटा चित्र के नायक की छवि और समानता में बनाया गया है।

एक विषय पर, मंच ने काम के चार संस्करण लिखे: एक निजी संग्रह में, पेस्टल में बनाया गया। नॉर्वेजियन अरबपति पेट्टर ऑलसेन ने इसे 2 मई 2012 को नीलामी के लिए रखा। खरीदार लियोन ब्लैक था, जिसे "चीख" के लिए रिकॉर्ड राशि का पछतावा नहीं था। अपोलो एडवाइजर्स के संस्थापक एल.पी. और लायन एडवाइजर्स, एल.पी. कला के अपने प्यार के लिए जाना जाता है। ब्लैक डार्टमाउथ कॉलेज, म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट, लिंकन आर्ट सेंटर, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट का संरक्षक है। इसमें पिछली शताब्दियों के समकालीन कलाकारों और शास्त्रीय उस्तादों के चित्रों का सबसे बड़ा संग्रह है।

6

"एक बस्ट और हरी पत्तियों की पृष्ठभूमि के खिलाफ नग्न"

लेखक

पब्लो पिकासो

देश स्पेन, फ्रांस
जीवन के वर्ष 1881–1973
अंदाज क्यूबिज्म

जन्म से वह स्पैनियार्ड है, लेकिन आत्मा और निवास स्थान से वह एक वास्तविक फ्रांसीसी है। पिकासो ने केवल 16 साल की उम्र में बार्सिलोना में अपना आर्ट स्टूडियो खोला। फिर वे पेरिस गए और अपना अधिकांश जीवन वहीं बिताया। इसलिए उनके सरनेम में दोहरा दबाव है। पिकासो द्वारा आविष्कार की गई शैली इस राय के खंडन पर आधारित है कि कैनवास पर चित्रित वस्तु को केवल एक कोण से देखा जा सकता है।

130x162 सेमी
१९३२ वर्ष
कीमत
$ 106.482 मिलियन
बिक गया 2010 वर्ष में
नीलामी पर क्रिस्टी का

रोम में अपने काम के दौरान, कलाकार की मुलाकात नर्तक ओल्गा खोखलोवा से हुई, जो जल्द ही उसकी पत्नी बन गई। उसने योनि को समाप्त कर दिया, उसके साथ एक शानदार अपार्टमेंट में चला गया। उस समय तक, मान्यता को एक नायक मिल गया था, लेकिन शादी नष्ट हो गई थी। दुनिया में सबसे महंगे चित्रों में से एक लगभग दुर्घटना से बनाया गया था - महान प्रेम के लिए, जो हमेशा पिकासो के साथ था, अल्पकालिक था। 1927 में, उन्हें युवा मैरी-थेरेस वाल्थर में दिलचस्पी हो गई (वह 17 वर्ष की थीं, वह 45 वर्ष की थीं)। अपनी पत्नी से अनजान, वह अपनी मालकिन के साथ पेरिस के पास एक कस्बे में चला गया, जहाँ उसने डेफने की छवि में मैरी-थेरेस को चित्रित करते हुए एक चित्र चित्रित किया। कैनवास न्यूयॉर्क के डीलर पॉल रोसेनबर्ग द्वारा अधिग्रहित किया गया था और 1951 में सिडनी एफ. ब्रॉडी को बेच दिया गया था। ब्रॉडी पति-पत्नी ने दुनिया को केवल एक बार और केवल इसलिए चित्र दिखाया क्योंकि कलाकार 80 वर्ष का हो गया था। मार्च 2010 में अपने पति की मृत्यु के बाद, श्रीमती ब्रॉडी ने क्रिस्टी के घर पर नीलामी के लिए टुकड़ा रखा। छह दशकों में, कीमत 5,000 गुना से अधिक बढ़ गई है! एक अज्ञात कलेक्टर ने इसे 106.5 मिलियन डॉलर में खरीदा था। 2011 में, ब्रिटेन में एक "एक-पेंटिंग प्रदर्शनी" हुई, जहां इसे दूसरी बार प्रकाशित किया गया था, लेकिन मालिक का नाम अभी भी अज्ञात है।

7

"आठ एल्विस"

लेखक

एंडी वारहोल

देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1928-1987
अंदाज
पॉप कला

इंटरव्यू पत्रिका के सह-संस्थापक, प्रतिष्ठित पॉप आर्ट कलाकार, फिल्म निर्माता एंडी वारहोल ने कहा, "सेक्स और पार्टियां ही एकमात्र ऐसी जगह हैं जहां आपको व्यक्तिगत रूप से उपस्थित होना पड़ता है।" उन्होंने वोग और हार्पर बाजार के साथ काम किया, एल्बम कवर डिजाइन किए, और आई. मिलर के लिए जूते डिजाइन किए। 1960 के दशक में, पेंटिंग अमेरिका के प्रतीकों को दर्शाती हुई दिखाई दीं: कैंपबेल का सूप और कोका-कोला, प्रेस्ली और मुनरो - जिसने उन्हें एक किंवदंती बना दिया।

358x208 सेमी
1963 वर्ष
कीमत
$ 100 मिलियन
बिक गया 2008 में
एक निजी नीलामी में

वारहोल का 60 का दशक - यह अमेरिका में पॉप कला के युग का नाम था। 1962 में, उन्होंने मैनहट्टन में फ़ैक्टरी स्टूडियो में काम किया, जहाँ न्यूयॉर्क के सभी बोहेमियन एकत्र हुए। इसके प्रमुख प्रतिनिधि: मिक जैगर, बॉब डायलन, ट्रूमैन कैपोट और दुनिया की अन्य प्रसिद्ध हस्तियां। उसी समय, वारहोल ने सिल्क-स्क्रीन प्रिंटिंग की तकनीक की कोशिश की - एक छवि के कई दोहराव। उन्होंने "आठ एल्विस" बनाते समय भी इस पद्धति का उपयोग किया: दर्शक को एक फिल्म के शॉट्स देखने लगते हैं जहां स्टार जीवन में आता है। वह सब कुछ है जो कलाकार को बहुत पसंद था: एक जीत-जीत वाली सार्वजनिक छवि, चांदी का रंग और मुख्य संदेश के रूप में मृत्यु का पूर्वाभास।

दो कला डीलर हैं जो आज विश्व बाजार पर वारहोल के काम का प्रचार कर रहे हैं: लैरी गागोसियन और अल्बर्टो मुघराबी। 2008 में वॉरहोल के 15 से अधिक कार्यों का अधिग्रहण करने के लिए पहले ने $ 200 मिलियन खर्च किए। दूसरा क्रिसमस कार्ड की तरह अपनी पेंटिंग खरीदता और बेचता है, केवल अधिक महंगा। लेकिन वे नहीं, बल्कि एक मामूली फ्रांसीसी कला सलाहकार फिलिप सेगलो ने रोमन कला पारखी एनीबेल बर्लिंगिएरी को आठ एल्विस को एक अज्ञात खरीदार को वॉरहोल के लिए रिकॉर्ड राशि - $ 100 मिलियन में बेचने में मदद की।

8

"संतरा,लाल पीला"

लेखक

मार्क रोथको

देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1903–1970
अंदाज अमूर्त अभिव्यंजनावाद

कलर फील्ड पेंटिंग के रचनाकारों में से एक का जन्म रूस के डविंस्क (अब डौगवपिल्स, लातविया) में एक यहूदी फार्मासिस्ट के एक बड़े परिवार में हुआ था। 1911 में वे संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए। रोथको ने येल विश्वविद्यालय के कला विभाग में अध्ययन किया, छात्रवृत्ति प्राप्त की, लेकिन यहूदी विरोधी भावनाओं ने उन्हें अपनी पढ़ाई छोड़ने के लिए मजबूर कर दिया। सब कुछ के बावजूद, कला समीक्षकों ने कलाकार को मूर्तिमान कर दिया, और संग्रहालयों ने उसे जीवन भर परेशान किया।

206x236 सेमी
1961 वर्ष
कीमत
$86,882 मिलियन
बिक गया 2012 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

रोथको के पहले कलात्मक प्रयोग एक अतियथार्थवादी अभिविन्यास के थे, लेकिन समय के साथ उन्होंने रंग के धब्बों के लिए कथानक को सरल बनाया, उन्हें किसी भी निष्पक्षता से वंचित किया। सबसे पहले उनके पास चमकीले रंग थे, और 1960 के दशक में वे कलाकार की मृत्यु के समय तक भूरे, बैंगनी, गाढ़े से काले हो गए। मार्क रोथको ने अपने चित्रों में किसी भी अर्थ की तलाश के खिलाफ चेतावनी दी। लेखक ठीक वही कहना चाहता था जो उसने कहा था: केवल एक रंग जो हवा में घुल जाता है, और कुछ नहीं। उन्होंने 45 सेमी की दूरी से कार्यों को देखने की सिफारिश की, ताकि दर्शक फ़नल की तरह रंग में "खींचा" जाए। सावधानी: सभी नियमों के अनुसार देखने से ध्यान का प्रभाव हो सकता है, अर्थात धीरे-धीरे अनंत का बोध, स्वयं में पूर्ण विसर्जन, विश्राम, शुद्धि का आभास होता है। उनके चित्रों में रंग रहता है, सांस लेता है और एक मजबूत भावनात्मक प्रभाव पड़ता है (वे कहते हैं, कभी-कभी - उपचार)। कलाकार ने घोषणा की: "दर्शक को उन्हें देखकर रोना चाहिए," और वास्तव में ऐसे मामले थे। रोथको के सिद्धांत के अनुसार, इस समय लोग उसी आध्यात्मिक अनुभव का अनुभव करते हैं जो उन्होंने एक पेंटिंग पर काम करने की प्रक्रिया में किया था। यदि आप उन्हें इतने सूक्ष्म स्तर पर समझने में कामयाब रहे, तो आपको आश्चर्य नहीं होना चाहिए कि आलोचक अक्सर अमूर्त कला के इन कार्यों की तुलना चिह्नों से करते हैं।

काम "ऑरेंज, रेड, येलो" मार्क रोथको की पेंटिंग के पूरे सार को व्यक्त करता है। न्यूयॉर्क में क्रिस्टी की नीलामी में इसकी शुरुआती लागत 35-45 मिलियन डॉलर है। एक अज्ञात खरीदार ने अनुमान से दोगुनी कीमत की पेशकश की। जैसा कि अक्सर होता है, पेंटिंग के भाग्यशाली मालिक के नाम का खुलासा नहीं किया गया था।

9

"ट्रिपटिक"

लेखक

फ़्रांसिस बेकन

देश
ग्रेट ब्रिटेन
जीवन के वर्ष 1909–1992
अंदाज इक्सप्रेस्सियुनिज़म

फ्रांसिस बेकन, एक पूर्ण नाम और, इसके अलावा, महान दार्शनिक के दूर के वंशज के कारनामों की शुरुआत तब हुई जब उनके पिता ने उन्हें अस्वीकार कर दिया, अपने बेटे के समलैंगिक झुकाव को स्वीकार करने में असमर्थ थे। बेकन पहले बर्लिन गए, फिर पेरिस गए, और फिर उनके निशान पूरे यूरोप में भ्रमित हैं। उनके जीवनकाल के दौरान, उनके कार्यों को दुनिया के प्रमुख सांस्कृतिक केंद्रों में प्रदर्शित किया गया, जिसमें गुगेनहाइम संग्रहालय और ट्रीटीकोव गैलरी शामिल हैं।

147.5x198 सेमी (प्रत्येक)
1976 वर्ष
कीमत
$८६.२ मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर सूदबी के

प्रतिष्ठित संग्रहालयों ने बेकन के चित्रों को रखने की मांग की, लेकिन प्रमुख अंग्रेजी जनता इस तरह की कला के लिए बाहर निकलने की जल्दी में नहीं थी। महान ब्रिटिश प्रधान मंत्री मार्गरेट थैचर ने उनके बारे में कहा: "वह व्यक्ति जो इन भयावह चित्रों को चित्रित करता है।"

कलाकार ने स्वयं युद्ध के बाद की अवधि को अपने काम में शुरुआती अवधि माना। सेवा से लौटकर, उन्होंने फिर से पेंटिंग शुरू की और मुख्य कृतियों का निर्माण किया। नीलामी में "ट्रिप्टिच, 1976" की भागीदारी से पहले, बेकन का सबसे महंगा काम "पोप इनोसेंट एक्स के चित्र के लिए अध्ययन" ($ 52.7 मिलियन) था। "ट्रिप्टिच, 1976" में कलाकार ने फ्यूरीज़ द्वारा ओरेस्टेस की खोज के पौराणिक कथानक को चित्रित किया। बेशक, ओरेस्टेस खुद बेकन है, और रोष उसकी पीड़ा है। 30 से अधिक वर्षों के लिए, पेंटिंग एक निजी संग्रह में थी और प्रदर्शनियों में भाग नहीं लेती थी। यह तथ्य इसे एक विशेष मूल्य देता है और तदनुसार, इसके मूल्य को बढ़ाता है। लेकिन कला के पारखी और यहां तक ​​​​कि रूसी में उदार के लिए कुछ मिलियन क्या हैं? रोमन अब्रामोविच ने 1990 के दशक में अपना संग्रह बनाना शुरू किया, इसमें वह अपने दोस्त दशा ज़ुकोवा से काफी प्रभावित थे, जो आधुनिक रूस में एक फैशनेबल गैलरी के मालिक बन गए। अनौपचारिक आंकड़ों के अनुसार, व्यवसायी अल्बर्टो जियाओमेट्टी और पाब्लो पिकासो के कामों का मालिक है, जिसे $ 100 मिलियन से अधिक की राशि में खरीदा गया था। 2008 में उन्होंने Triptych जीता। वैसे, 2011 में, बेकन का एक और मूल्यवान काम हासिल किया गया था - "लुसियन फ्रायड के चित्र के लिए तीन रेखाचित्र।" छिपे हुए सूत्रों का कहना है कि रोमन अर्कादिविच फिर से खरीदार बन गया।

10

"पानी के लिली के साथ तालाब"

लेखक

क्लॉड मोनेट

देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1840–1926
अंदाज प्रभाववाद

कलाकार को प्रभाववाद के संस्थापक के रूप में पहचाना जाता है, जिसने अपने कैनवस में इस पद्धति का "पेटेंट" किया। पहला महत्वपूर्ण काम पेंटिंग "नाश्ता ऑन द ग्रास" (एडौर्ड मानेट के काम का मूल संस्करण) था। अपनी युवावस्था में, उन्होंने कार्टून बनाए, और तट के किनारे और खुली हवा में अपनी यात्रा के दौरान वास्तविक पेंटिंग बनाई। पेरिस में, उन्होंने बोहेमियन जीवन शैली का नेतृत्व किया और सेना में सेवा करने के बाद भी इसे नहीं छोड़ा।

210x100 सेमी
१९१९ वर्ष
कीमत
$ 80.5 मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

इस तथ्य के अलावा कि मोनेट एक महान कलाकार थे, वे उत्साहपूर्वक बागवानी में भी लगे हुए थे, वन्य जीवन और फूलों को पसंद करते थे। उनके परिदृश्य में, प्रकृति की स्थिति क्षणिक है, हवा की गति से वस्तुएं धुंधली लगती हैं। प्रभाव बड़े स्ट्रोक द्वारा बढ़ाया जाता है, एक निश्चित दूरी से वे अदृश्य हो जाते हैं और एक बनावट, त्रि-आयामी छवि में विलीन हो जाते हैं। स्वर्गीय मोनेट की पेंटिंग में, पानी और उसमें जीवन का विषय एक विशेष स्थान रखता है। गिवरनी शहर में, कलाकार का अपना तालाब था, जहाँ उसने विशेष रूप से जापान से लाए गए बीजों से पानी की लिली उगाई। जब उनके फूल खिले तो वह रंगने लगा। श्रृंखला "वाटर लिली" में 60 कार्य शामिल हैं जिन्हें कलाकार ने अपनी मृत्यु तक लगभग 30 वर्षों तक चित्रित किया है। उम्र के साथ उनकी नजर कमजोर होती गई, लेकिन वे रुके नहीं। हवा, मौसम और मौसम के आधार पर, तालाब का दृश्य लगातार बदल रहा था, और मोनेट इन परिवर्तनों को पकड़ना चाहता था। सावधानीपूर्वक काम करने से उन्हें प्रकृति के सार की समझ आ गई। श्रृंखला के कुछ चित्रों को दुनिया की प्रमुख दीर्घाओं में रखा गया है: पश्चिमी कला का राष्ट्रीय संग्रहालय (टोक्यो), ओरंगेरी (पेरिस)। अगले "पानी के लिली के साथ तालाब" का संस्करण एक अज्ञात खरीदार के हाथों में रिकॉर्ड राशि के लिए चला गया।

11

झूठा तारा तो

लेखक

जैस्पर जॉन्स

देश अमेरीका
जन्म का साल 1930
अंदाज पॉप कला

1949 में, जोन्स ने न्यूयॉर्क के एक डिज़ाइन स्कूल में प्रवेश लिया। जैक्सन पोलक, विलेम डी कूनिंग और अन्य लोगों के साथ, उन्हें 20 वीं शताब्दी के मुख्य कलाकारों में से एक के रूप में पहचाना जाता है। 2012 में, उन्हें संयुक्त राज्य अमेरिका में सर्वोच्च नागरिक सम्मान, स्वतंत्रता का राष्ट्रपति पदक मिला।

137.2x170.8 सेमी
१९५९ वर्ष
कीमत
$80 मिलियन
बिक गया 2006 में
एक निजी नीलामी में

मार्सेल ड्यूचैम्प की तरह, जोन्स ने वास्तविक वस्तुओं के साथ काम किया, उन्हें कैनवास पर और मूर्तिकला में, मूल के अनुसार पूर्ण रूप से चित्रित किया। अपने काम के लिए, उन्होंने ऐसी वस्तुओं का इस्तेमाल किया जो सभी के लिए सरल और समझने योग्य थीं: एक बीयर की बोतल, एक झंडा या नक्शे। फाल्स स्टार्ट पेंटिंग में कोई स्पष्ट रचना नहीं है। ऐसा लगता है कि कलाकार दर्शक के साथ खेल रहा है, अक्सर "गलत तरीके से" चित्र में रंगों पर हस्ताक्षर करता है, रंग की अवधारणा को उलट देता है: "मैं रंग को चित्रित करने का एक तरीका खोजना चाहता था ताकि इसे किसी अन्य विधि द्वारा निर्धारित किया जा सके"। उनकी सबसे विस्फोटक और "असुरक्षित", आलोचकों के अनुसार, पेंटिंग एक अज्ञात खरीदार द्वारा अधिग्रहित की गई थी।

12

"बैठा"नंगासोफे पर"

लेखक

एमेडियो मोदिग्लिआनी

देश इटली, फ्रांस
जीवन के वर्ष 1884–1920
अंदाज इक्सप्रेस्सियुनिज़म

बचपन से ही, मोदिग्लिआनी अक्सर बीमार रहते थे, एक ज्वलनशील प्रलाप के दौरान, उन्होंने एक कलाकार के रूप में अपने भाग्य को पहचाना। उन्होंने लिवोर्नो, फ्लोरेंस, वेनिस में ड्राइंग का अध्ययन किया और 1906 में वे पेरिस चले गए, जहाँ उनकी कला का विकास हुआ।

65x100 सेमी
१९१७ वर्ष
कीमत
$68.962 मिलियन
बिक गया 2010 वर्ष में
नीलामी पर सूदबी के

1917 में, मोदिग्लिआनी की मुलाकात 19 वर्षीय जीन हेब्यूटर्न से हुई, जो उनकी मॉडल और बाद में उनकी पत्नी बनीं। 2004 में, उनके एक चित्र को $ 31.3 मिलियन में बेचा गया था, जो 2010 में सोफे पर नग्न बैठने का सबसे हालिया रिकॉर्ड था। पेंटिंग को एक अज्ञात खरीदार ने मोदिग्लिआनी के लिए अधिकतम कीमत पर खरीदा था। कलाकार की मृत्यु के बाद ही कार्यों की सक्रिय बिक्री शुरू हुई। वह गरीबी में मर गया, तपेदिक से बीमार हो गया, और अगले दिन, जीन हेब्युटर्न, जो नौ महीने की गर्भवती थी, ने भी आत्महत्या कर ली।

13

"ईगल ऑन ए पाइन"

लेखक

क्यूई बैशी

देश चीन
जीवन के वर्ष 1864–1957
अंदाज गोहुआ

सुलेख में रुचि ने क्यूई बैशी को पेंट करने के लिए प्रेरित किया। 28 साल की उम्र में, वह कलाकार हू किंगयुआन के छात्र बन गए। उन्हें चीन के संस्कृति मंत्रालय द्वारा "चीनी लोगों के महान कलाकार" की उपाधि से सम्मानित किया गया और 1956 में उन्हें अंतर्राष्ट्रीय शांति पुरस्कार मिला।

10x26 सेमी
१९४६ वर्ष
कीमत
$ 65.4 मिलियन
बिक गया 2011 में
नीलामी पर चीन अभिभावक

क्यूई बैशी को आसपास की दुनिया की उन अभिव्यक्तियों में दिलचस्पी थी, जिन्हें कई लोग महत्व नहीं देते हैं, और यह उनकी महानता है। बिना शिक्षा वाला व्यक्ति इतिहास में प्रोफेसर और उत्कृष्ट रचनाकार बन गया। पाब्लो पिकासो ने उसके बारे में कहा: "मुझे आपके देश जाने में डर लगता है, क्योंकि चीन में की बैशी है।" रचना "ईगल ऑन ए पाइन" को कलाकार के सबसे बड़े काम के रूप में मान्यता प्राप्त है। कैनवास के अलावा, इसमें दो चित्रलिपि स्क्रॉल शामिल हैं। चीन के लिए, जिस राशि के लिए टुकड़ा खरीदा गया था वह एक रिकॉर्ड - 425.5 मिलियन युआन का प्रतिनिधित्व करता है। अकेले प्राचीन कॉलिग्राफर हुआंग टिंगजियान का स्क्रॉल 436.8 मिलियन डॉलर में बिका।

14

"1949-ए-№1"

लेखक

क्लिफर्ड स्टिल

देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1904–1980
अंदाज अमूर्त अभिव्यंजनावाद

20 साल की उम्र में, उन्होंने न्यूयॉर्क में मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट का दौरा किया और निराश हुए। बाद में मैंने छात्र कला लीग पाठ्यक्रम में दाखिला लिया, लेकिन पाठ शुरू होने के 45 मिनट बाद छोड़ दिया - यह "उसके लिए नहीं" निकला। पहली एकल प्रदर्शनी ने एक प्रतिध्वनि पैदा की, कलाकार ने खुद को पाया, और इसके साथ मान्यता

79x93 सेमी
१९४९ वर्ष
कीमत
$61.7 मिलियन
बिक गया 2011 में
नीलामी पर सूदबी के

उनके सभी काम, जो 800 से अधिक कैनवस और कागज पर 1600 काम हैं, अभी भी अमेरिकी शहर को विरासत में मिले हैं, जहां उनके नाम पर एक संग्रहालय खोला जाएगा। डेनवर एक ऐसा शहर बन गया, लेकिन अकेले निर्माण में अधिकारियों को महंगा पड़ा, और इसे पूरा करने के लिए, चार कार्यों को नीलामी के लिए रखा गया था। स्टिल के कार्यों की फिर कभी नीलामी होने की संभावना नहीं है, जिससे उनकी कीमत पहले से बढ़ गई। पेंटिंग "1949-ए-नंबर 1" को कलाकार के लिए रिकॉर्ड राशि में बेचा गया था, हालांकि विशेषज्ञों ने अधिकतम $ 25-35 मिलियन की बिक्री की भविष्यवाणी की थी।

15

"सुपरमैटिस्ट रचना"

लेखक

काज़िमिर मालेविच

देश रूस
जीवन के वर्ष 1878–1935
अंदाज सर्वोच्चतावाद

मालेविच ने कीव आर्ट स्कूल में पेंटिंग का अध्ययन किया, फिर मॉस्को एकेडमी ऑफ आर्ट्स में। 1913 में, उन्होंने अमूर्त ज्यामितीय चित्रों को एक शैली में चित्रित करना शुरू किया, जिसे उन्होंने सर्वोच्चतावाद (लैटिन "वर्चस्व" से) कहा।

71x 88.5 सेमी
१९१६ वर्ष
कीमत
$60 मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर सूदबी के

एम्स्टर्डम के शहर के संग्रहालय में, पेंटिंग को लगभग 50 वर्षों तक रखा गया था, लेकिन मालेविच के रिश्तेदारों के साथ 17 साल के विवाद के बाद, संग्रहालय ने इसे छोड़ दिया। कलाकार ने इस काम को एक साल में "सुपरमैटिज्म के घोषणापत्र" के साथ लिखा था, इसलिए सोथबी ने नीलामी से पहले ही घोषणा कर दी थी कि यह $ 60 मिलियन से कम के निजी संग्रह में नहीं जाएगा। और ऐसा हुआ भी। इसे ऊपर से देखना बेहतर है: कैनवास पर आंकड़े हवा से पृथ्वी के दृश्य से मिलते जुलते हैं। वैसे, कुछ साल पहले, उन्हीं रिश्तेदारों ने एमओएमए संग्रहालय से एक और "सुपरमैटिस्ट रचना" को फिलिप्स नीलामी में $ 17 मिलियन में बेचने के लिए जब्त कर लिया था।

16

"नहाने वाले"

लेखक

पॉल गौगुइन

देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1848–1903
अंदाज प्रभाववाद के बाद

सात साल की उम्र तक, कलाकार पेरू में रहता था, फिर अपने परिवार के साथ फ्रांस लौट आया, लेकिन बचपन की यादों ने उसे लगातार यात्रा करने के लिए प्रेरित किया। फ्रांस में, उन्होंने पेंट से पेंट करना शुरू किया, वैन गॉग के दोस्त थे। यहां तक ​​​​कि उन्होंने कई महीने उनके साथ आर्ल्स में बिताए, जब तक कि वैन गॉग ने झगड़े के दौरान अपना कान नहीं काट लिया।

93.4x60.4 सेमी
१९०२ वर्ष
कीमत
$55 मिलियन
बिक गया 2005 में
नीलामी पर सूदबी के

1891 में, गौगुइन ने ताहिती द्वीप के अंतर्देशीय जाने के लिए आय का उपयोग करने के लिए अपने चित्रों की बिक्री की व्यवस्था की। वहां उन्होंने ऐसे कार्यों की रचना की जिनमें प्रकृति और मनुष्य के बीच एक सूक्ष्म संबंध महसूस किया जाता है। गौगुइन एक फूस की झोपड़ी में रहता था, और उसके कैनवस पर एक उष्णकटिबंधीय स्वर्ग खिलता था। उनकी पत्नी एक 13 वर्षीय ताहिती महिला तेहुरा थी, जिसने कलाकार को विचित्र संबंधों में प्रवेश करने से नहीं रोका। उपदंश से बीमार पड़ने के बाद, वह फ्रांस के लिए रवाना हो गए। हालाँकि, गौगुइन वहाँ तंग था, और वह ताहिती लौट आया। इस अवधि को "दूसरा ताहिती" कहा जाता है - यह तब था जब पेंटिंग "बाथर्स" चित्रित की गई थी, जो उनके काम में सबसे शानदार में से एक थी।

17

"डैफोडील्स और नीले और गुलाबी रंग में एक मेज़पोश"

लेखक

हेनरी मैटिस

देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1869–1954
अंदाज फौविज़्म

1889 में, हेनरी मैटिस को एपेंडिसाइटिस का दौरा पड़ा। जब वह ऑपरेशन से ठीक हो रहे थे, तो उनकी मां ने उनके लिए पेंट खरीदे। सबसे पहले, मैटिस ने बोरियत से रंगीन पोस्टकार्ड की नकल की, फिर - महान चित्रकारों के काम जो उन्होंने लौवर में देखे, और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उन्होंने एक शैली का आविष्कार किया - फाउविज्म।

65.2x81 सेमी
१९११ वर्ष
कीमत
$४६.४ मिलियन
बिक गया 2009 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

लंबे समय तक पेंटिंग "डैफोडील्स एंड टेबलक्लोथ इन ब्लू एंड पिंक" लंबे समय तक यवेस सेंट लॉरेंट की थी। कॉट्यूरियर की मृत्यु के बाद, कला का उनका पूरा संग्रह उनके दोस्त और प्रेमी पियरे बर्जर के हाथों में चला गया, जिन्होंने इसे क्रिस्टी की नीलामी में रखने का फैसला किया। बेचे गए संग्रह का मोती पेंटिंग "डैफोडील्स एंड ए टेबलक्लोथ इन ब्लू एंड पिंक टोन" था, जिसे कैनवास के बजाय एक साधारण मेज़पोश पर चित्रित किया गया था। फाउविज़्म के उदाहरण के रूप में, यह रंग की ऊर्जा से भरा है, रंग फटने और चीखने लगते हैं। मेज़पोश पर चित्रित चित्रों की प्रसिद्ध श्रृंखला से, आज यह एकमात्र ऐसा काम है जो एक निजी संग्रह में है।

18

"सो रही लड़की"

लेखक

रॉयली

हेन्स्टीन

देश अमेरीका
जीवन के वर्ष 1923–1997
अंदाज पॉप कला

कलाकार का जन्म न्यूयॉर्क में हुआ था, और स्कूल से स्नातक होने के बाद, वह ओहियो के लिए रवाना हो गए, जहाँ उन्होंने कला पाठ्यक्रम लिया। लिकटेंस्टीन ने 1949 में मास्टर ऑफ फाइन आर्ट्स प्राप्त किया। कॉमिक्स में उनकी रुचि और विडंबनापूर्ण होने की उनकी क्षमता ने उन्हें पिछली शताब्दी का एक पंथ कलाकार बना दिया।

91x91 सेमी
1964 वर्ष
कीमत
$44,882 मिलियन
बिक गया 2012 में
नीलामी पर सूदबी के

एक दिन, च्युइंग गम लिकटेंस्टीन के हाथों में गिर गई। उसने चित्र को सम्मिलित से कैनवास पर फिर से खींचा और प्रसिद्ध हो गया। उनकी जीवनी की इस कहानी में पॉप कला का पूरा संदेश है: खपत एक नया भगवान है, और मोना लिसा की तुलना में गोंद से कैंडी रैपर में कम सुंदरता नहीं है। उनकी पेंटिंग कॉमिक्स और कार्टून से मिलती-जुलती हैं: लिकटेंस्टीन ने केवल तैयार छवि, चित्रित रेखापुंज, स्क्रीन प्रिंटिंग और सिल्क-स्क्रीन प्रिंटिंग का उपयोग किया। लगभग 50 वर्षों तक पेंटिंग "द स्लीपिंग गर्ल" कलेक्टरों बीट्राइस और फिलिप गेर्श की थी, जिनके उत्तराधिकारियों ने इसे नीलामी में बेच दिया था।

19

"विजय। बूगी वूगी"

लेखक

पीट मोंड्रियन

देश नीदरलैंड
जीवन के वर्ष 1872–1944
अंदाज नियोप्लास्टिकवाद

1912 में पेरिस जाने पर कलाकार ने अपना असली नाम - कॉर्नेलिस - मोंड्रियन में बदल दिया। कलाकार थियो वैन डूसबर्ग के साथ उन्होंने "नियोप्लास्टिकवाद" आंदोलन की स्थापना की। पीट प्रोग्रामिंग भाषा का नाम मोंड्रियन के नाम पर रखा गया है।

27x127 सेमी
१९४४ वर्ष
कीमत
$ 40 मिलियन
बिक गया 1998 में
नीलामी पर सूदबी के

20 वीं शताब्दी के सबसे "संगीतमय" कलाकारों ने जल रंग के साथ अपना जीवन यापन किया, हालांकि वे एक नियोप्लास्टिक कलाकार के रूप में प्रसिद्ध हुए। वह 1940 के दशक में यूएसए चले गए और अपना शेष जीवन वहीं बिताया। जैज़ और न्यूयॉर्क ने उन्हें सबसे अधिक प्रेरित किया! पेंटिंग "विजय। बूगी वूगी इसका सबसे अच्छा उदाहरण है। मोंड्रियन की पसंदीदा सामग्री चिपकने वाली टेप के उपयोग के माध्यम से "ट्रेडमार्क" साफ वर्ग प्राप्त किए गए थे। अमेरिका में उन्हें "सबसे प्रसिद्ध अप्रवासी" कहा जाता था। साठ के दशक में, यवेस सेंट लॉरेंट ने एक बड़े रंगीन पिंजरे में प्रिंट के साथ विश्व प्रसिद्ध मोंड्रियन कपड़े जारी किए।

20

"रचना संख्या 5"

लेखक

तुलसीकैंडिंस्की

देश रूस
जीवन के वर्ष 1866–1944
अंदाज हरावल

कलाकार का जन्म मास्को में हुआ था, और उसके पिता साइबेरिया से थे। क्रांति के बाद, उन्होंने सोवियत सरकार के साथ सहयोग करने की कोशिश की, लेकिन जल्द ही महसूस किया कि सर्वहारा वर्ग के कानून उनके लिए नहीं बनाए गए थे, और जर्मनी में आने वाली कठिनाइयों के बिना नहीं।

275x190 सेमी
१९११ वर्ष
कीमत
$ 40 मिलियन
बिक गया 2007 में
नीलामी पर सूदबी के

कैंडिंस्की ऑब्जेक्ट पेंटिंग को पूरी तरह से छोड़ने वाले पहले लोगों में से एक थे, जिसके लिए उन्हें जीनियस की उपाधि मिली। जर्मनी में नाज़ीवाद के दौरान, उनके चित्रों को "पतित कला" के रूप में वर्गीकृत किया गया था और उन्हें कहीं भी प्रदर्शित नहीं किया गया था। 1939 में, कैंडिंस्की ने फ्रांसीसी नागरिकता स्वीकार कर ली, पेरिस में उन्होंने स्वतंत्र रूप से कलात्मक प्रक्रिया में भाग लिया। उनकी पेंटिंग "ध्वनि" जैसे फ्यूग्स, कई को "रचनाएं" कहा जाता था (पहला 1910 में लिखा गया था, आखिरी - 1939 में)। "रचना संख्या 5" इस शैली में प्रमुख कार्यों में से एक है: "शब्द" रचना "मुझे प्रार्थना की तरह लग रहा था," कलाकार ने कहा। कई अनुयायियों के विपरीत, उसने योजना बनाई कि वह एक विशाल कैनवास पर क्या चित्रित करेगा, जैसे कि वह शीट संगीत लिख रहा हो।

21

"नीले रंग में एक महिला का अध्ययन"

लेखक

फर्नांड लेगर

देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1881–1955
अंदाज क्यूबिज़्म-पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म

लेगर ने एक वास्तुशिल्प शिक्षा प्राप्त की और फिर पेरिस में इकोले डेस बीक्स-आर्ट्स में भाग लिया। कलाकार खुद को सीज़ेन का अनुयायी मानता था, क्यूबिज़्म के लिए क्षमाप्रार्थी था, और 20 वीं शताब्दी में वह एक मूर्तिकार के रूप में भी सफल रहा।

96.5x129.5 सेमी
१९१२-१९१३ वर्ष
कीमत
$39.2 मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर सूदबी के

सोथबी में प्रभाववाद और आधुनिकतावाद के अंतर्राष्ट्रीय विभाग के अध्यक्ष डेविड नॉर्मन का मानना ​​है कि "द लेडी इन ब्लू" के लिए भुगतान की गई बड़ी राशि पूरी तरह से उचित है। पेंटिंग प्रसिद्ध लेगर संग्रह से संबंधित है (कलाकार ने एक विषय पर तीन चित्रों को चित्रित किया, उनमें से अंतिम आज निजी हाथों में है। - एड।), और कैनवास की सतह को उसके मूल रूप में संरक्षित किया गया है। लेखक ने खुद यह काम गैलरी डेर स्टर्म को दिया, फिर यह आधुनिकता के जर्मन कलेक्टर हरमन लैंग के संग्रह में समाप्त हो गया, और अब एक अज्ञात खरीदार के अंतर्गत आता है।

22

"सड़क का दृश्य। बर्लिन"

लेखक

अर्न्स्ट लुडविगकिर्चेनर

देश जर्मनी
जीवन के वर्ष 1880–1938
अंदाज इक्सप्रेस्सियुनिज़म

जर्मन अभिव्यक्तिवाद के लिए, किर्चनर एक प्रतिष्ठित व्यक्ति बन गए। हालांकि, स्थानीय अधिकारियों ने उन पर "पतित कला" का पालन करने का आरोप लगाया, जिसने उनके चित्रों के भाग्य और कलाकार के जीवन को बुरी तरह प्रभावित किया, जिन्होंने 1938 में आत्महत्या कर ली थी।

95x121 सेमी
१९१३ वर्ष
कीमत
$38,096 मिलियन
बिक गया 2006 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

बर्लिन जाने के बाद, Kirchner ने सड़क के दृश्यों के 11 रेखाचित्र बनाए। वह बड़े शहर की हलचल और घबराहट से प्रेरित था। 2006 में न्यूयॉर्क में बेचा गया, कलाकार की चिंता विशेष रूप से तीव्र है: बर्लिन की सड़क पर लोग पक्षियों से मिलते-जुलते हैं - सुंदर और खतरनाक। यह नीलामी में बिकने वाली प्रसिद्ध श्रृंखला की आखिरी कृति थी, बाकी को संग्रहालयों में रखा गया है। 1937 में, नाजियों द्वारा किरचनर के साथ क्रूरता से व्यवहार किया गया: उनके 639 कार्यों को जर्मन दीर्घाओं से हटा दिया गया, नष्ट कर दिया गया या विदेशों में बेच दिया गया। कलाकार इससे बच नहीं सका।

23

"आराम करनानर्तकी"

लेखक

एडगर देगास

देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1834–1917
अंदाज प्रभाववाद

एक कलाकार के रूप में डेगास का इतिहास तब शुरू हुआ जब उन्होंने लौवर में एक कॉपीिस्ट के रूप में काम किया। उसने "प्रसिद्ध और अज्ञात" बनने का सपना देखा, और अंत में वह सफल हुआ। अपने जीवन के अंत में, बहरे और अंधे, 80 वर्षीय डेगास प्रदर्शनियों और नीलामियों में भाग लेते रहे।

64x59 सेमी
१८७९ वर्ष
कीमत
$37,043 मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर सूदबी के

डेगास ने कहा, "बैलेरिना हमेशा मेरे लिए कपड़ों को चित्रित करने और आंदोलन को पकड़ने का एक बहाना रहा है।" ऐसा लगता है कि नर्तकियों के जीवन के भूखंडों पर जासूसी की गई है: लड़कियां कलाकार के लिए पोज नहीं देती हैं, बल्कि डेगास की नजरों से पकड़े गए माहौल का हिस्सा बन जाती हैं। द रेस्टिंग डांसर को 1999 में 28 मिलियन डॉलर में बेचा गया था, और 10 साल से भी कम समय के बाद इसे 37 मिलियन डॉलर में खरीदा गया था - आज यह किसी कलाकार का अब तक का सबसे महंगा काम है जिसे नीलामी के लिए रखा गया है। डेगास ने फ्रेम पर बहुत ध्यान दिया, उन्हें खुद डिजाइन किया और उन्हें बदलने से मना किया। मुझे आश्चर्य है कि बेची गई पेंटिंग पर कौन सा फ्रेम लगाया गया है?

24

"चित्र"

लेखक

जुआन मिरोस

देश स्पेन
जीवन के वर्ष 1893–1983
अंदाज अमूर्त कला

स्पेनिश गृहयुद्ध के दौरान, कलाकार रिपब्लिकन के पक्ष में था। 1937 में, वह फासीवादी शासन से पेरिस भाग गया, जहाँ वह अपने परिवार के साथ गरीबी में रहा। इस अवधि के दौरान, मिरो ने "स्पेन की मदद करें!" चित्र बनाया, जिसने पूरी दुनिया का ध्यान फासीवाद के प्रभुत्व की ओर आकर्षित किया।

89x115 सेमी
१९२७ वर्ष
कीमत
$36,824 मिलियन
बिक गया 2012 में
नीलामी पर सूदबी के

तस्वीर का दूसरा नाम "ब्लू स्टार" है। कलाकार ने इसे उसी वर्ष लिखा था, जब उन्होंने घोषणा की: "मैं पेंटिंग को मारना चाहता हूं" और बेरहमी से कैनवस का मजाक उड़ाया, नाखूनों से पेंट को खरोंचते हुए, पंखों को कैनवास पर चिपका दिया, काम को कचरे से ढक दिया। उनका लक्ष्य पेंटिंग के रहस्य के बारे में मिथकों को खत्म करना था, लेकिन इससे मुकाबला करने के बाद, मिरो ने अपना मिथक बनाया - एक असली अमूर्त। उनकी "पेंटिंग" "ड्रीम पिक्चर्स" के चक्र से संबंधित है। नीलामी में इसके लिए चार खरीदार लड़े, लेकिन एक गुप्त फोन कॉल ने विवाद को सुलझा दिया, और "पेंटिंग" कलाकार की सबसे महंगी पेंटिंग बन गई।

25

"नीला गुलाब"

लेखक

यवेस क्लेन

देश फ्रांस
जीवन के वर्ष 1928–1962
अंदाज मोनोक्रोम पेंटिंग

कलाकार का जन्म चित्रकारों के परिवार में हुआ था, लेकिन उन्होंने प्राच्य भाषाओं, नौकायन, फ्रेम के गिल्डर के शिल्प, ज़ेन बौद्ध धर्म और बहुत कुछ का अध्ययन किया। उनका व्यक्तित्व और चुटीली हरकतें मोनोक्रोम पेंटिंग से कई गुना ज्यादा दिलचस्प थीं।

153x199x16 सेमी
१९६० वर्ष
कीमत
$36,779 मिलियन
2012 में बेचा गया
क्रिस्टी की नीलामी में

ठोस पीले, नारंगी, गुलाबी कार्यों की पहली प्रदर्शनी ने जनहित को जगाया नहीं। क्लेन ने अपराध किया और अगली बार एक विशेष सिंथेटिक राल के साथ मिश्रित अल्ट्रामरीन के साथ रंगे हुए 11 समान कैनवस प्रस्तुत किए। उन्होंने इस पद्धति का पेटेंट भी कराया। इतिहास में रंग "क्लेन का अंतर्राष्ट्रीय नीला" के रूप में नीचे चला गया। कलाकार ने खालीपन भी बेचा, पेंटिंग बनाई, बारिश में कागज की जगह, गत्ते में आग लगाई, कैनवास पर मानव शरीर के प्रिंट बनाए। एक शब्द में, उन्होंने जितना हो सके उतना अच्छा प्रयोग किया। "ब्लू रोज़" बनाने के लिए मैंने सूखे रंगद्रव्य, रेजिन, कंकड़ और प्राकृतिक स्पंज का इस्तेमाल किया।

26

"मूसा की तलाश में"

लेखक

सर लॉरेंस अल्मा-तदेमा

देश ग्रेट ब्रिटेन
जीवन के वर्ष 1836–1912
अंदाज नियोक्लासिज्म

सर लॉरेंस ने कला कैटलॉग में पहली बार प्रदर्शित होने के लिए, अपने उपनाम में "अल्मा" उपसर्ग जोड़ा। विक्टोरियन इंग्लैंड में, उनके चित्रों की इतनी मांग थी कि कलाकार को नाइटहुड से सम्मानित किया गया।

213.4x136.7 सेमी
१९०२ वर्ष
कीमत
$ 35,922 मिलियन
बिक गया 2011 में
नीलामी पर सूदबी के

अल्मा-तदेमा के काम का मुख्य विषय पुरातनता था। चित्रों में, उन्होंने रोमन साम्राज्य के युग को सबसे छोटे विवरण में चित्रित करने की कोशिश की, इसके लिए वह एपिनेन प्रायद्वीप पर पुरातात्विक खुदाई में भी लगे हुए थे, और अपने लंदन के घर में उन्होंने उन वर्षों के ऐतिहासिक इंटीरियर को पुन: पेश किया। पौराणिक कहानियाँ उनके लिए प्रेरणा का एक अन्य स्रोत बनीं। अपने जीवनकाल में कलाकार की बहुत मांग थी, लेकिन उनकी मृत्यु के बाद उन्हें जल्दी ही भुला दिया गया। अब ब्याज पुनर्जीवित हो रहा है, जैसा कि "इन सर्च ऑफ मूसा" पेंटिंग की लागत से पूर्व-बिक्री अनुमान से सात गुना अधिक है।

27

"एक सोते हुए नग्न अधिकारी का पोर्ट्रेट"

लेखक

लुसियन फ्रायड

देश जर्मनी,
ग्रेट ब्रिटेन
जीवन के वर्ष 1922–2011
अंदाज आलंकारिक पेंटिंग

कलाकार मनोविश्लेषण के जनक सिगमंड फ्रायड के पोते हैं। जर्मनी में फासीवाद की स्थापना के बाद, उनका परिवार ब्रिटेन चला गया। फ्रायड की कृतियाँ लंदन के वालेस संग्रह में हैं, जहाँ पहले किसी समकालीन कलाकार ने प्रदर्शन नहीं किया है।

219.1x151.4 सेमी
१९९५ वर्ष
कीमत
$३३.६ मिलियन
बिक गया 2008 में
नीलामी पर क्रिस्टी का

जबकि २०वीं शताब्दी के फैशनेबल कलाकारों ने सकारात्मक "दीवार पर रंग के धब्बे" बनाए और उन्हें लाखों में बेचा, फ्रायड ने अत्यंत प्राकृतिक चित्रों को चित्रित किया और उन्हें और भी अधिक महंगा बेचा। "मैं आत्मा की चीख और लुप्त होती मांस की पीड़ा को पकड़ता हूं," उन्होंने कहा। आलोचकों का मानना ​​है कि यह सब सिगमंड फ्रायड की "विरासत" है। चित्रों को इतनी सक्रिय रूप से प्रदर्शित किया गया और सफलतापूर्वक बेचा गया कि विशेषज्ञों को संदेह था: क्या उनके पास कृत्रिम निद्रावस्था का गुण है? नीलामी में बेचा गया "एक सोते हुए नग्न अधिकारी का चित्र", सूर्य के प्रकाशन के अनुसार, सौंदर्य और अरबपति रोमन अब्रामोविच के पारखी द्वारा अधिग्रहित किया गया था।

28

"वायलिन और गिटार"

लेखक

एक्सएक ग्रीज़

देश स्पेन
जीवन के वर्ष 1887–1927
अंदाज क्यूबिज्म

मैड्रिड में जन्मे, जहां उन्होंने स्कूल ऑफ आर्ट्स एंड क्राफ्ट्स से स्नातक किया। 1906 में वे पेरिस चले गए और उस समय के सबसे प्रभावशाली कलाकारों के सर्कल में प्रवेश किया: पिकासो, मोदिग्लिआनी, ब्रैक, मैटिस, लेगर, ने सर्गेई डायगिलेव और उनकी मंडली के साथ भी काम किया।

5x100 सेमी
१९१३ वर्ष
कीमत
$28.642 मिलियन
बिक गया 2010 वर्ष में
नीलामी पर क्रिस्टी का

ग्रिस, अपने शब्दों में, "सपाट, रंग वास्तुकला" में लगे हुए थे। उनके चित्रों को ठीक से सोचा गया है: उन्होंने एक भी आकस्मिक स्ट्रोक नहीं छोड़ा, जो रचनात्मकता को ज्यामिति के समान बनाता है। कलाकार ने क्यूबिज्म का अपना संस्करण बनाया, हालांकि उन्होंने दिशा के संस्थापक पिता पाब्लो पिकासो का बहुत सम्मान किया। उत्तराधिकारी ने अपना पहला काम क्यूबिज़्म की शैली में "ट्रिब्यूट टू पिकासो" को भी समर्पित किया। पेंटिंग "वायलिन और गिटार" को कलाकार के काम में उत्कृष्ट माना जाता है। अपने जीवनकाल के दौरान, ग्रिस को आलोचकों और कला समीक्षकों द्वारा जाना जाता था और उनके साथ अच्छा व्यवहार किया जाता था। उनके कार्यों को दुनिया के सबसे बड़े संग्रहालयों में प्रदर्शित किया जाता है और निजी संग्रह में रखा जाता है।

29

"पोर्ट्रेटफील्ड्स एलुअर्ड "

लेखक

साल्वाडोर डाली

देश स्पेन
जीवन के वर्ष 1904–1989
अंदाज अतियथार्थवाद

"अतियथार्थवाद मैं हूं," डाली ने कहा जब उन्हें अतियथार्थवादी समूह से निष्कासित कर दिया गया था। समय के साथ, वह सबसे प्रसिद्ध अतियथार्थवादी चित्रकार बन गया। सिर्फ दीर्घाओं में ही नहीं, डाली का काम हर जगह है। उदाहरण के लिए, यह वह था जिसने चुप-चुप के लिए पैकेजिंग का आविष्कार किया था।

25x33 सेमी
१९२९ वर्ष
कीमत
$ 20.6 मिलियन
बिक गया 2011 में
नीलामी पर सूदबी के

1929 में, कवि पॉल एलुअर्ड और उनकी रूसी पत्नी गाला महान उत्तेजक लेखक और विवाद करने वाले डाली से मिलने आए। मुलाकात एक प्रेम कहानी की शुरुआत थी जो आधी सदी से भी ज्यादा समय तक चली। पेंटिंग "पोर्ट्रेट ऑफ पॉल एलुअर्ड" को इस ऐतिहासिक यात्रा के दौरान ही चित्रित किया गया था। "मैंने महसूस किया कि कवि के चेहरे को पकड़ना मेरा कर्तव्य था, जिसके ओलिंप से मैंने एक कस्तूरी का अपहरण कर लिया था," कलाकार ने कहा। गाला से मिलने से पहले, वह एक कुंवारी थी और एक महिला के साथ यौन संबंध बनाने के विचार से घृणा करती थी। प्रेम त्रिकोण एलुअर्ड की मृत्यु तक अस्तित्व में था, जिसके बाद यह दली-गाला युगल बन गया।

30

"वर्षगांठ"

लेखक

मार्क शगाली

देश रूस, फ्रांस
जीवन के वर्ष 1887–1985
अंदाज हरावल

Moishe Segal का जन्म विटेबस्क में हुआ था, लेकिन 1910 में वह पेरिस चले गए, अपना नाम बदल लिया, उस युग के प्रमुख अवंत-गार्डे कलाकारों के करीब हो गए। 1930 के दशक में, जब नाजियों ने सत्ता पर कब्जा कर लिया, तो वह अमेरिकी कौंसल की मदद से संयुक्त राज्य अमेरिका के लिए रवाना हो गए। वह 1948 में ही फ्रांस लौटे।

80x103 सेमी
१९२३ वर्ष
कीमत
$14.85 मिलियन
1990 में बेचा गया
सोथबी की नीलामी में

पेंटिंग "जुबली" को कलाकार के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक माना जाता है। इसमें उनके काम की सभी विशेषताएं शामिल हैं: दुनिया के भौतिक नियम मिट जाते हैं, एक परी कथा की भावना एक परोपकारी जीवन के दृश्यों में संरक्षित होती है, और कथानक के केंद्र में प्रेम होता है। चागल ने लोगों को प्रकृति से नहीं, बल्कि केवल स्मृति या कल्पना से आकर्षित किया। पेंटिंग "जुबली" में कलाकार को अपनी पत्नी बेला के साथ दिखाया गया है। पेंटिंग 1990 में बेची गई थी और तब से इसकी नीलामी नहीं हुई है। दिलचस्प बात यह है कि न्यू यॉर्क में एमओएमए आधुनिक कला संग्रहालय बिल्कुल वही स्टोर करता है, केवल "जन्मदिन" नाम के तहत। वैसे, यह पहले लिखा गया था - 1915 में।

मसौदा तैयार
तातियाना पलासोवा
रेटिंग संकलित
सूची के अनुसार www.art-spb.ru
टीएमएन पत्रिका नंबर 13 (मई-जून 2013)