प्रभाववाद की शैली में शहरी परिदृश्य। प्रभाववाद में शहरी परिदृश्य

यूरोपीय चित्रकला का आगे विकास प्रभाववाद से जुड़ा है। यह शब्द संयोग से पैदा हुआ था। इसका कारण सी। मोनेट द्वारा परिदृश्य का नाम "इंप्रेशन" था। सनराइज "(परिशिष्ट संख्या 1, चित्र 3 देखें) (फ्रांसीसी छाप - छाप से), जो 1874 में प्रभाववादियों की प्रदर्शनी में दिखाई दिया। कलाकारों के एक समूह की यह पहली सार्वजनिक उपस्थिति है, जिसमें सी. मोनेट, ई. डेगास, ओ. रेनॉयर, ए. सिसली, सी. पिसारो और अन्य शामिल थे, जिसका आधिकारिक बुर्जुआ आलोचना ने क्रूड उपहास और उत्पीड़न के साथ स्वागत किया था। सच है, 1880 के दशक के अंत से, उनकी पेंटिंग के औपचारिक तरीकों को अकादमिक कला के प्रतिनिधियों ने अपनाया, जिसने डेगास को कड़वाहट के साथ नोट करने का एक कारण दिया: "हमें गोली मार दी गई, लेकिन साथ ही उन्होंने हमारी जेब में तोड़फोड़ की।"

अब, जब प्रभाववाद के बारे में गरमागरम बहस अतीत की बात है, तो शायद ही कोई यह विवाद करने की हिम्मत करेगा कि प्रभाववादी आंदोलन यूरोपीय यथार्थवादी चित्रकला के विकास में एक और कदम था। "प्रभाववाद, सबसे पहले, वास्तविकता को देखने की कला है, जो अभूतपूर्व परिष्कार तक पहुंच गई है" (वीएन प्रोकोफिव)। दृश्यमान दुनिया को संप्रेषित करने में अधिकतम तात्कालिकता और सटीकता के लिए प्रयास करते हुए, उन्होंने मुख्य रूप से खुली हवा में पेंट करना शुरू किया और प्रकृति से स्केच के महत्व को उठाया, जिसने स्टूडियो में सावधानीपूर्वक और धीरे-धीरे बनाए गए पारंपरिक प्रकार की पेंटिंग को लगभग बदल दिया।

अपने पैलेट को लगातार प्रबुद्ध करते हुए, प्रभाववादियों ने पेंटिंग को मिट्टी और भूरे रंग के वार्निश और पेंट से मुक्त कर दिया। उनके कैनवस में पारंपरिक, "संग्रहालय" कालापन प्रतिबिंबों और रंगीन छायाओं के अंतहीन विविध खेल का मार्ग प्रशस्त करता है। उन्होंने न केवल सूर्य, प्रकाश और वायु की दुनिया की खोज की, बल्कि कोहरे की सुंदरता, बड़े शहर के जीवन का बेचैन वातावरण, रात की रोशनी का बिखराव और निरंतर गति की लय की खोज करते हुए, ललित कला की संभावनाओं का विस्तार किया।

खुली हवा में काम करने के तरीके के आधार पर, उनके द्वारा खोजे गए शहर के परिदृश्य सहित परिदृश्य ने प्रभाववादियों की कला में एक बहुत ही महत्वपूर्ण स्थान ले लिया। 19वीं सदी के उत्कृष्ट चित्रकार एडौर्ड मानेट (1832-1883) का काम इस बात की गवाही देता है कि कैसे व्यवस्थित रूप से परंपरा और नवाचार प्रभाववादियों की कला में विलीन हो गए। सच है, वह खुद को प्रभाववाद का प्रतिनिधि नहीं मानते थे और हमेशा अलग से प्रदर्शित होते थे, लेकिन वैचारिक और वैचारिक रूप से, वे निस्संदेह इस आंदोलन के अग्रदूत और वैचारिक नेता दोनों थे।

अपने करियर की शुरुआत में, ई. मानेट को बहिष्कृत (समाज का उपहास) किया गया था। बुर्जुआ जनता और आलोचकों की नज़र में, उनकी कला बदसूरत का पर्याय बन जाती है, और कलाकार खुद को "एक पागल आदमी जो एक चित्र पेंट करता है, प्रलाप में कांपता है" (एम। डी मोंटिफो) (परिशिष्ट संख्या 1 देखें) कहा जाता है। अंजीर। 4)। केवल उस समय के सबसे समझदार दिमाग ही मानेट की प्रतिभा की सराहना करने में सक्षम थे। उनमें से सी. बौडेलेयर और युवा ई. ज़ोला थे, जिन्होंने घोषणा की कि "महाशय मानेट लौवर में एक जगह के लिए नियत है।"

क्लाउड मोनेट (1840-1926) के काम में प्रभाववाद की सबसे सुसंगत, लेकिन दूरगामी अभिव्यक्ति भी पाई गई। उनका नाम अक्सर इस सचित्र पद्धति की ऐसी उपलब्धियों से जुड़ा होता है जैसे कि मायावी संक्रमणकालीन अवस्थाओं का प्रसारण, प्रकाश और वायु का कंपन, निरंतर परिवर्तन और परिवर्तनों की प्रक्रिया में उनका संबंध। "यह, निस्संदेह, नए युग की कला के लिए एक महान जीत थी," वीएन प्रोकोफिव लिखते हैं और कहते हैं: "लेकिन उनकी अंतिम जीत भी।" यह कोई संयोग नहीं है कि सीज़ैन, हालांकि कुछ हद तक विवादास्पद रूप से अपनी स्थिति को तेज कर रहे थे, ने बाद में कहा कि मोनेट की कला "केवल एक आंख" है।

मोनेट का शुरुआती काम काफी पारंपरिक है। उनमें अभी भी मानव आकृतियाँ हैं, जो बाद में अधिक से अधिक स्टाफ़ में बदल जाती हैं और धीरे-धीरे उनके चित्रों से गायब हो जाती हैं। 1870 के दशक में, कलाकार का प्रभाववादी तरीका आखिरकार बन गया, अब से उसने खुद को पूरी तरह से परिदृश्य के लिए समर्पित कर दिया। उस समय से, वह लगभग विशेष रूप से खुली हवा में काम कर रहा है। यह उनके काम में है कि एक बड़ी तस्वीर का प्रकार - एक अध्ययन - अंततः स्थापित होता है।

पहले मोनेट में से एक पेंटिंग की एक श्रृंखला बनाना शुरू करता है जिसमें अलग-अलग रोशनी और मौसम की स्थिति के तहत साल और दिन के अलग-अलग समय पर एक ही आदर्श दोहराया जाता है (परिशिष्ट संख्या 1, चित्र 5, 6 देखें)। उनमें से सभी समान नहीं हैं, लेकिन इन श्रृंखलाओं के सर्वश्रेष्ठ कैनवस रंगों की ताजगी, रंग की तीव्रता और प्रकाश प्रभाव के प्रतिपादन की कलात्मकता से विस्मित करते हैं।

मोनेट की पेंटिंग में रचनात्मकता के उत्तरार्ध में सजावटीता और सपाटता की प्रवृत्ति तेज हो गई। रंगों की चमक और शुद्धता उनके विपरीत हो जाती है, कुछ सफेदी दिखाई देती है। देर से प्रभाववादियों के दुरुपयोग के बारे में बोलते हुए "एक हल्का स्वर जो कुछ कामों को एक फीका पड़ा हुआ कैनवास में बदल देता है", ई। ज़ोला ने लिखा: "और आज प्लीन एयर के अलावा कुछ भी नहीं है ... केवल धब्बे ही रहते हैं: एक चित्र केवल एक स्थान है, आंकड़े केवल धब्बे हैं, केवल धब्बे हैं"...

अन्य प्रभाववादी चित्रकार भी अधिकतर भूदृश्य चित्रकार थे। उनका काम अक्सर अवांछनीय रूप से मोनेट के वास्तव में रंगीन और प्रभावशाली व्यक्ति के बगल में छाया में रहता था, हालांकि वे प्रकृति को देखने और चित्रात्मक कौशल में उनसे कम नहीं थे। इनमें सबसे पहले अल्फ्रेड सिसली (1839-1899) और केमिली पिसारो (1831-1903) के नामों का उल्लेख किया जाना चाहिए। जन्म से एक अंग्रेज सिसली की कृतियों को एक विशेष सचित्र लालित्य की विशेषता है। प्लीइन एयर का एक शानदार मास्टर, वह जानता था कि एक स्पष्ट सर्दियों की सुबह की पारदर्शी हवा, सूरज से गर्म कोहरे की हल्की धुंध, एक हवादार दिन में आसमान में दौड़ते बादल। इसकी सीमा रंगों की समृद्धि और स्वरों की निष्ठा के लिए उल्लेखनीय है। कलाकार के परिदृश्य हमेशा एक गहरी मनोदशा से प्रभावित होते हैं, जो प्रकृति की उनकी मूल रूप से गीतात्मक धारणा को दर्शाते हैं (देखें परिशिष्ट # 1, चित्र 7, 8, 9)।

अधिक कठिन था पिसारो का रचनात्मक मार्ग, एकमात्र कलाकार जिसने प्रभाववादियों की सभी आठ प्रदर्शनियों में भाग लिया - जे। रेवाल्ड ने उन्हें इस आंदोलन का "पितृसत्ता" कहा। बारबिजोन लोगों के लिए पेंटिंग में करीब के परिदृश्य से शुरू होकर, उन्होंने मानेट और उनके युवा दोस्तों के प्रभाव में, खुली हवा में काम करना शुरू कर दिया, लगातार पैलेट को उजागर किया। धीरे-धीरे वह अपनी स्वयं की प्रभाववादी पद्धति विकसित करता है। वह काले रंग के उपयोग को छोड़ने वाले पहले लोगों में से एक थे। पिसारो का झुकाव हमेशा पेंटिंग के लिए एक विश्लेषणात्मक दृष्टिकोण की ओर रहा है, इसलिए रंग के अपघटन पर उनके प्रयोग - "विभाजनवाद" और "बिंदुवाद"। हालाँकि, वह जल्द ही उस प्रभाववादी तरीके से लौट आया जिसमें उसकी सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ बनाई गईं - पेरिस में शहर के परिदृश्य की अद्भुत श्रृंखला (देखें परिशिष्ट # 1, अंजीर। 10,11,12,13)। उनकी रचना हमेशा सोची-समझी और संतुलित होती है, पेंटिंग को रंग में परिष्कृत किया जाता है और तकनीक में कलाप्रवीण व्यक्ति।

रूस में, प्रभाववाद में शहर के परिदृश्य को कॉन्स्टेंटिन कोरोविन द्वारा प्रबुद्ध किया गया था। "पेरिस मेरे लिए एक झटके के रूप में आया ... प्रभाववादी ... उनमें मैंने देखा कि मुझे मास्को में क्या डांटा गया था।" कोरोविन (1861-1939), अपने मित्र वैलेन्टिन सेरोव के साथ, रूसी प्रभाववाद के केंद्रीय व्यक्ति थे। फ्रांसीसी आंदोलन के महान प्रभाव के तहत, उन्होंने अपनी शैली बनाई, जिसने उस अवधि की रूसी कला के समृद्ध रंगों के साथ फ्रांसीसी प्रभाववाद के मुख्य तत्वों को मिश्रित किया (देखें परिशिष्ट # 1, अंजीर। 15)।

"एक नई दुनिया का जन्म हुआ जब प्रभाववादियों ने इसे लिखा"

हेनरी काह्नवीलर

XIX सदी। फ्रांस। पेंटिंग में एक अभूतपूर्व बात हुई। युवा कलाकारों के एक समूह ने 500 साल की परंपरा को हिला देने का फैसला किया। एक स्पष्ट ड्राइंग के बजाय, उन्होंने एक विस्तृत, "मैला" ब्रशस्ट्रोक का उपयोग किया।

और उन्होंने सामान्य छवियों को पूरी तरह से त्याग दिया, सभी को एक पंक्ति में चित्रित किया। और आसान गुण की महिलाओं, और संदिग्ध प्रतिष्ठा के सज्जनों।

जनता प्रभाववादी पेंटिंग के लिए तैयार नहीं थी। उनका मजाक उड़ाया गया और उन्हें डांटा गया। और सबसे महत्वपूर्ण बात, उनसे कुछ भी नहीं खरीदा गया था।

लेकिन विरोध टूट गया। और कुछ प्रभाववादी अपनी विजय देखने के लिए जीवित रहे। सच है, वे पहले से ही 40 से अधिक थे। क्लाउड मोनेट या अगस्टे रेनॉयर की तरह। दूसरों को उनके जीवन के अंत में ही पहचान मिली, जैसे केमिली पिसारो। अल्फ्रेड सिसली की तरह कोई उसके साथ नहीं रहा।

उनमें से प्रत्येक ने कौन-सा क्रांतिकारी हासिल किया? जनता ने उन्हें इतने लंबे समय तक स्वीकार क्यों नहीं किया? यहाँ 7 सबसे प्रसिद्ध फ्रांसीसी प्रभाववादी हैं जिन्हें दुनिया जानती है।

1. एडौर्ड मानेट (1832-1883)

एडौर्ड मानेट। पैलेट के साथ सेल्फ-पोर्ट्रेट। 1878 निजी संग्रह

मानेट अधिकांश प्रभाववादियों से बड़े थे। वे उनके प्रमुख प्रेरणास्त्रोत थे।

मानेट ने स्वयं क्रांतिकारियों के नेता होने का ढोंग नहीं किया। वह एक सोशलाइट थे। मैंने आधिकारिक पुरस्कारों का सपना देखा था।

लेकिन उन्होंने बहुत लंबे समय तक मान्यता का इंतजार किया। भोजन कक्ष में सुंदर दिखने के लिए दर्शक ग्रीक देवी-देवताओं को देखना चाहते थे या अभी भी सबसे खराब जीवन जीते हैं। मानेट आधुनिक जीवन लिखना चाहते थे। उदाहरण के लिए, शिष्टाचार।

नतीजा था घास पर नाश्ता। आसान पुण्य की महिलाओं की संगति में दो डांडी आराम कर रहे हैं। उनमें से एक, जैसे कि कुछ हुआ ही न हो, कपड़े पहने पुरुषों के बगल में बैठता है।

एडौर्ड मानेट। घास पर नाश्ता। 1863, पेरिस

डिक्लाइन में टॉम कॉउचर के रोमनों के साथ घास पर उसके नाश्ते की तुलना करें। कॉउचर की पेंटिंग ने धूम मचा दी। कलाकार तुरन्त प्रसिद्ध हो गया।

"नाश्ता ऑन द ग्रास" पर अश्लीलता का आरोप लगाया गया था। गर्भवती महिलाओं को उसे देखने के लिए बिल्कुल गंभीरता से अनुशंसा नहीं की गई थी।

थॉमस कॉउचर। रोमनों को अस्वीकार करें। 1847 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस। artchive.ru

कॉउचर की पेंटिंग में हम अकादमिकता (16वीं-19वीं शताब्दी की पारंपरिक पेंटिंग) की सभी विशेषताओं को देखते हैं। स्तंभ और मूर्तियाँ। अपोलो उपस्थिति के लोग। पारंपरिक मौन रंग। मुद्राओं और इशारों का ढंग। पूरी तरह से अलग लोगों के दूर के जीवन से एक साजिश।

मानेट का "नाश्ता ऑन द ग्रास" एक अलग प्रारूप का है। उनसे पहले किसी ने भी इतनी आसानी से दरबारियों को चित्रित नहीं किया था। सम्मानित शहरवासियों के बगल में। हालांकि उस समय के कई पुरुष और अपना ख़ाली समय बिताया करते थे। यह वास्तविक लोगों का वास्तविक जीवन था।

एक बार उन्होंने एक सम्मानित महिला का चित्रण किया। कुरूप। वह ब्रश से उसकी चापलूसी नहीं कर सकता था। महिला निराश हो गई। उसने उसे आँसू में छोड़ दिया।

एडौर्ड मानेट। एंजेलीना। 1860 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस। विकिमीडिया.commons.org

इसलिए उन्होंने प्रयोग जारी रखा। उदाहरण के लिए, रंग के साथ। उन्होंने तथाकथित प्राकृतिक स्वाद को चित्रित करने की कोशिश नहीं की। यदि उसने भूरे-भूरे पानी को चमकीले नीले रंग के रूप में देखा, तो उसने इसे चमकीले नीले रंग के रूप में चित्रित किया।

बेशक, इसने दर्शकों को नाराज कर दिया। "आखिरकार, भूमध्य सागर भी मानेट के पानी के रूप में नीले रंग का दावा नहीं कर सकता," वे बोले।

एडौर्ड मानेट। अर्जेंटीना। 1874 ललित कला संग्रहालय, टुर्नाई, बेल्जियम। विकिपीडिया.org

लेकिन तथ्य बना रहता है। मानेट ने पेंटिंग के उद्देश्य को मौलिक रूप से बदल दिया। पेंटिंग कलाकार के व्यक्तित्व का प्रतीक बन गई, जो जैसा चाहे वैसा लिखता है। पैटर्न और परंपराओं को भूल जाना।

लंबे समय तक नवाचार को माफ नहीं किया गया था। पहचान ने उनके जीवन के अंत में ही इंतजार किया। लेकिन उसे अब इसकी जरूरत नहीं थी। वह एक लाइलाज बीमारी से दर्द से दूर होते जा रहे थे।

2. क्लाउड मोनेट (1840-1926)

क्लॉड मोनेट। एक बेरेट में सेल्फ-पोर्ट्रेट। 1886 निजी संग्रह

क्लाउड मोनेट को पाठ्यपुस्तक प्रभाववादी कहा जा सकता है। चूंकि वह जीवन भर इस दिशा के प्रति वफादार रहे।

उन्होंने वस्तुओं और लोगों को नहीं, बल्कि चकाचौंध और धब्बों की एक ही रंग संरचना को चित्रित किया। अलग स्ट्रोक। कांपती हवा।

क्लॉड मोनेट। तैरने का तालाब। 1869 मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क। Metmuseum.org

मोनेट ने न केवल प्रकृति के बारे में लिखा। वह शहरी परिदृश्य में भी सफल रहे। सबसे प्रसिद्ध - ।

इस तस्वीर में काफी फोटोग्राफी है। उदाहरण के लिए, धुंधली छवि का उपयोग करके गति को व्यक्त किया जाता है।

कृपया ध्यान दें: दूर के पेड़ और आकृतियाँ धुंध में प्रतीत होती हैं।

क्लॉड मोनेट। पेरिस में बुलेवार्ड डेस कैपुसीन। 1873 (19वीं और 20वीं शताब्दी की यूरोप और अमेरिका की कला की गैलरी), मास्को

हमारे सामने पेरिस के उभरते जीवन का एक जमे हुए क्षण है। कोई मंचन नहीं। कोई पोज नहीं दे रहा है। लोगों को स्ट्रोक के संग्रह के रूप में चित्रित किया गया है। यह प्लॉटलेसनेस और फ्रीज-फ्रेम इफेक्ट इम्प्रेशनिज्म की मुख्य विशेषता है।

80 के दशक के मध्य तक, कलाकारों का प्रभाववाद से मोहभंग हो गया। बेशक, सौंदर्यशास्त्र अच्छा है। लेकिन साजिशहीनता ने बहुतों को निराश किया।

प्रभाववाद को बढ़ा-चढ़ाकर पेश करते हुए केवल मोनेट ही कायम रहा। यह चित्रों की एक श्रृंखला में विकसित हुआ।

उन्होंने एक ही परिदृश्य को दर्जनों बार चित्रित किया। दिन के अलग-अलग समय पर। साल के अलग-अलग समय पर। यह दिखाने के लिए कि तापमान और प्रकाश कैसे पहचान से परे एक ही रूप को बदल सकते हैं।

इस तरह अनगिनत घास के ढेर दिखाई दिए।

बोस्टन में ललित कला संग्रहालय में क्लाउड मोनेट द्वारा पेंटिंग। लेफ्ट: हेस्टैक्स एट सनसेट एट गिवेर्नी, 1891 राइट: हेस्टैक (स्नो इफेक्ट), 1891

कृपया ध्यान दें कि इन चित्रों में छाया रंगीन हैं। और ग्रे या काला नहीं, जैसा कि प्रभाववादियों से पहले प्रथागत था। यह उनका एक और आविष्कार है।

मोनेट सफलता और भौतिक कल्याण का आनंद लेने में कामयाब रहा। 40 के बाद, वह पहले ही गरीबी के बारे में भूल गया है। एक घर और एक प्यारा बगीचा मिला। और उसने अपनी खुशी के लिए और कई सालों तक काम किया।

लेख में मास्टर की सबसे प्रतिष्ठित पेंटिंग के बारे में पढ़ें

3. अगस्टे रेनॉयर (1841-1919)

पियरे-अगस्टे रेनॉयर। आत्म चित्र। 1875 स्टर्लिंग और फ्रांसिन क्लार्क कला संस्थान, मैसाचुसेट्स, यूएसए। Pinterest.ru

प्रभाववाद सबसे सकारात्मक पेंटिंग है। और प्रभाववादियों में सबसे सकारात्मक था रेनॉयर।

उनके चित्रों में आपको नाटक नहीं मिलेगा। उन्होंने ब्लैक पेंट का भी इस्तेमाल नहीं किया। केवल होने का आनंद। यहां तक ​​​​कि रेनॉयर में सबसे आम जगह भी खूबसूरत दिखती है।

मोनेट के विपरीत, रेनॉयर ने लोगों को अधिक बार चित्रित किया। परिदृश्य उसके लिए कम महत्वपूर्ण थे। चित्रों में उनके दोस्त और परिचित आराम कर रहे हैं और जीवन का आनंद ले रहे हैं।

पियरे-अगस्टे रेनॉयर। नाविकों का नाश्ता। 1880-1881 द फिलिप्स कलेक्शन, वाशिंगटन, यूएसए। विकिमीडिया.commons.org

आप रेनॉयर और प्रफुल्लता में नहीं पाएंगे। वह प्रभाववादियों में शामिल होने से बहुत खुश थे, जिन्होंने चुनाव में भूखंडों से इनकार कर दिया था।

जैसा कि उन्होंने खुद कहा था, आखिरकार उनके पास फूलों को रंगने और उन्हें केवल "फूल" कहने का अवसर है। और उनके बारे में कोई कहानी न बनाएं।

पियरे-अगस्टे रेनॉयर। बगीचे में छाता लिए महिला। 1875 थिसेन-बोर्मेनिस संग्रहालय, मैड्रिड। arteuam.com

सबसे अच्छी बात, रेनॉयर ने खुद को महिलाओं की संगति में महसूस किया। उसने अपनी नौकरानियों को गाने और मजाक करने के लिए कहा। गाना जितना बेवकूफ और भोला था, उसके लिए उतना ही अच्छा था। और पुरुष बकबक ने उसे थका दिया। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि रेनॉयर अपने नग्न चित्रों के लिए जाने जाते हैं।

पेंटिंग "न्यूड इन द सनलाइट" में मॉडल एक रंगीन अमूर्त पृष्ठभूमि के खिलाफ दिखाई देता है। क्योंकि रेनॉयर के लिए कुछ भी गौण नहीं है। मॉडल की आंख या पृष्ठभूमि क्षेत्र समतुल्य है।

पियरे-अगस्टे रेनॉयर। धूप में नग्न. 1876 ​​संग्रहालय डी'ऑर्से, पेरिस। wikimedia.commons.org

रेनॉयर ने एक लंबा जीवन जिया। और मैंने कभी ब्रश और पैलेट नहीं डाला। जब उनके हाथ पूरी तरह से गठिया से जकड़े हुए थे, तब भी उन्होंने ब्रश को अपने हाथ में रस्सी से बांध दिया। और खींचा।

मोनेट की तरह उन्हें भी 40 साल बाद पहचान मिली। और मैंने अपने चित्रों को लौवर में, प्रसिद्ध उस्तादों के कार्यों के बगल में देखा।

लेख में रेनॉयर के सबसे आकर्षक चित्रों में से एक के बारे में पढ़ें

4. एडगर देगास (1834-1917)

एडगर देगास। आत्म चित्र। 1863 Calouste Gulbenkian संग्रहालय, लिस्बन, पुर्तगाल। कल्चरल.कॉम

देगास शास्त्रीय प्रभाववादी नहीं थे। उन्हें खुली हवा में काम करना पसंद नहीं था। आप उसके साथ जानबूझकर हल्का पैलेट नहीं पाएंगे।

इसके विपरीत, वह एक स्पष्ट रेखा से प्यार करता था। उसके पास बहुत काला रंग है। और उन्होंने विशेष रूप से स्टूडियो में काम किया।

फिर भी उन्हें हमेशा अन्य महान प्रभाववादियों के साथ स्थान दिया जाता है। क्योंकि वह हावभाव के प्रभाववादी थे।

अप्रत्याशित कोण। वस्तुओं की व्यवस्था में विषमता। आश्चर्य से लिया चरित्र। ये उनके चित्रों की मुख्य विशेषताएँ हैं।

उन्होंने किरदारों को होश में नहीं आने देते, जिंदगी के लम्हों को रोक दिया। जरा उनके ओपेरा ऑर्केस्ट्रा को देखिए।

एडगर देगास। ओपेरा ऑर्केस्ट्रा। 1870 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस। Commons.wikimedia.org

अग्रभूमि में एक कुर्सी के पीछे है। संगीतकार की पीठ हमारे पास है। और पृष्ठभूमि में मंच पर बैलेरिना "फ्रेम" में फिट नहीं हुए। उनके सिर चित्र के किनारे से बेरहमी से "काटे गए" हैं।

उनके पसंदीदा नर्तकियों को हमेशा सुंदर मुद्रा में नहीं दिखाया जाता है। कभी-कभी वे सिर्फ खिंचते हैं।

लेकिन ऐसा आशुरचना काल्पनिक है। बेशक, देगास ने रचना के बारे में ध्यान से सोचा। यह सिर्फ एक फ्रीज फ्रेम प्रभाव है, वास्तविक फ्रीज फ्रेम नहीं।

एडगर देगास। दो बैले डांसर। 1879 शेलबोर्न संग्रहालय, वर्माउथ, यूएसए

एडगर डेगास को महिलाओं को पेंट करना बहुत पसंद था। लेकिन बीमारी या शरीर की विशेषताओं ने उन्हें उनके साथ शारीरिक संपर्क करने की अनुमति नहीं दी। उन्होंने कभी शादी नहीं की है। किसी ने उसे कभी किसी महिला के साथ नहीं देखा।

उनके निजी जीवन में वास्तविक कथानकों की अनुपस्थिति ने उनकी छवियों में एक सूक्ष्म और तीव्र कामुकता को जोड़ा।

एडगर देगास। बैले स्टार। 1876-1878 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस। wikimedia.comons.org

कृपया ध्यान दें कि "द स्टार ऑफ़ द बैले" पेंटिंग में केवल बैलेरीना ही खींची गई है। पर्दे के पीछे उनके सहयोगी मुश्किल से अलग दिखते हैं। शायद कुछ पैर।

इसका मतलब यह नहीं है कि डेगास ने तस्वीर पूरी नहीं की। यही तकनीक है। केवल सबसे महत्वपूर्ण को फोकस में रखने के लिए। बाकी को गायब, अपठनीय बनाया जाना चाहिए।

लेख में मास्टर द्वारा अन्य चित्रों के बारे में पढ़ें

5. बर्थे मोरिसोट (1841-1895)

एडौर्ड मानेट। बर्थे मोरिसोट का पोर्ट्रेट। 1873 मर्मोटन-मोनेट संग्रहालय, पेरिस।

बर्थे मोरिसोट को शायद ही कभी महान प्रभाववादियों की पहली पंक्ति में रखा जाता है। मुझे यकीन है कि यह योग्य नहीं है। बस यहाँ आपको प्रभाववाद की सभी मुख्य विशेषताएं और तकनीकें मिलेंगी। और अगर आपको यह स्टाइल पसंद आता है तो आप पूरे दिल से उनका काम पसंद करेंगे।

मोरिसोट ने अपने छापों को कैनवास पर स्थानांतरित करते हुए, जल्दी और आवेग से काम किया। ऐसा लगता है कि आंकड़े अंतरिक्ष में घुलने वाले हैं।

बर्थे मोरिसोट। ग्रीष्म ऋतु। 1880 फैबरे संग्रहालय, मोंटपेलियर, फ्रांस।

देगास की तरह, वह अक्सर कुछ विवरण छोड़ देती थी। और यहां तक ​​कि मॉडल के शरीर के अंग भी। हम पेंटिंग "समर" में लड़की के हाथों में अंतर नहीं कर सकते।

मोरिसोट की आत्म-अभिव्यक्ति का मार्ग कठिन था। इतना ही नहीं वह "मैला" पेंटिंग में लगी हुई थीं। वह अभी भी एक महिला थी। उन दिनों, एक महिला को शादी का सपना देखना चाहिए था। उसके बाद, कोई शौक भूल गया।

इसलिए बर्था ने लंबे समय तक शादी से इंकार कर दिया। जब तक मुझे एक ऐसा आदमी नहीं मिला जो अपने व्यवसाय का सम्मान करता हो। यूजीन मानेट कलाकार एडौर्ड मानेट के भाई थे। उन्होंने कर्तव्यपरायणता से अपनी पत्नी के लिए एक चित्रफलक और पेंट किया।

बर्थे मोरिसोट। यूजीन मानेट अपनी बेटी के साथ बौगिवल में। 1881 मर्मोटन-मोनेट संग्रहालय, पेरिस।

लेकिन फिर भी यह 19वीं सदी में था। नहीं, मोरिसोट ने पतलून नहीं पहनी थी। लेकिन वह आवाजाही की पूर्ण स्वतंत्रता नहीं दे सकती थी।

वह अपने किसी करीबी के बिना अकेले काम करने के लिए पार्क में नहीं जा सकती थी। मैं एक कैफे में अकेला नहीं बैठ सकता था। इसलिए, उनकी पेंटिंग्स फैमिली सर्कल के लोग हैं। पति, बेटी, रिश्तेदार, नानी।

बर्थे मोरिसोट। बौगीवल के बगीचे में बच्चे के साथ महिला। 1881 वेल्स, कार्डिफ़ के लिए राष्ट्रीय संग्रहालय।

मोरिसोट ने मान्यता की प्रतीक्षा नहीं की। 54 वर्ष की आयु में निमोनिया से उनकी मृत्यु हो गई, उनके जीवनकाल में उनका लगभग कोई भी काम नहीं बेचा गया। उसके मृत्यु प्रमाण पत्र पर, व्यापार की रेखा में एक पानी का छींटा था। एक महिला के लिए कलाकार कहलाना अकल्पनीय था। भले ही वह वास्तव में थी।

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6. केमिली पिसारो (1830 - 1903)

केमिली पिसारो। आत्म चित्र। 1873 संग्रहालय डी'ऑर्से, पेरिस। विकिपीडिया.org

केमिली पिसारो। विवाद रहित, विवेकपूर्ण। कई लोग उन्हें एक शिक्षक के रूप में मानते थे। यहां तक ​​​​कि सबसे मनमौजी सहयोगियों ने भी पिसारो के बारे में बुरा नहीं कहा।

वह प्रभाववाद के कट्टर अनुयायी थे। सख्त जरूरत में, पत्नी और पांच बच्चों के साथ, उन्होंने अभी भी अपने पसंदीदा शैली में कड़ी मेहनत की। और अधिक लोकप्रिय होने के लिए उन्होंने कभी भी सैलून पेंटिंग की ओर रुख नहीं किया। उसे अंत तक खुद पर विश्वास करने की ताकत कहां से मिली यह पता नहीं है।

भूख से बिल्कुल न मरने के लिए, पिसारो ने प्रशंसकों को चित्रित किया, जिसे उन्होंने स्वेच्छा से खरीदा था। और असली पहचान उन्हें 60 साल बाद मिली! तब वह अंततः आवश्यकता के बारे में भूलने में सक्षम था।

केमिली पिसारो। Louveciennes में स्टेजकोच। 1869 संग्रहालय डी'ऑर्से, पेरिस

पिसारो के चित्रों में हवा मोटी और घनी है। रंग और मात्रा का एक असाधारण संलयन।

कलाकार सबसे परिवर्तनशील प्राकृतिक घटनाओं को चित्रित करने से डरता नहीं था जो एक पल के लिए प्रकट होते हैं और गायब हो जाते हैं। पहली बर्फ, ठंढी धूप, लंबी छाया।

केमिली पिसारो। ठंढ। 1873 मुसी डी'ऑर्से, पेरिस

उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ पेरिस के दृश्य हैं। चौड़ी बुलेवार्ड के साथ, चहल-पहल से भरी भीड़। रात में, दिन में, अलग-अलग मौसम में। कुछ मायनों में, क्लाउड मोनेट द्वारा चित्रों की एक श्रृंखला के साथ उनके पास कुछ समान है।

इस लेख में, आप देखेंगे सेंट पीटर्सबर्ग cityscapeआर्ट गैलरी "आर्ट-ब्रीज़" में प्रस्तुत किया गया। यहां विभिन्न लेखकों की संग्रहित कृतियां हैं, जिन्हें विभिन्न शैलियों और तकनीकों में प्रदर्शित किया गया है। इन सभी कार्यों में एक बात समान है - वे सेंट को चित्रित करते हैं, जिस तरह से कलाकार ने उन्हें देखा था।

शहरी परिदृश्यपेंटिंग की एक शैली के रूप में, 18 वीं शताब्दी में काफी देर से बनाई गई थी। यह तब था जब शहरों ने अपना आधुनिक स्वरूप हासिल करना शुरू कर दिया और शहरी निवासियों की संख्या तेजी से बढ़ने लगी। इससे पहले, केवल कुछ मध्ययुगीन कलाकारों ने अपने कैनवस पर शहरों का चित्रण किया था। ये चित्र बहुत ही आदिम थे, उनमें स्थलाकृतिक सटीकता का अभाव था और उन्होंने उन घटनाओं के दृश्य को इंगित करने का काम किया, जिनके लिए कथानक समर्पित था। पूर्वज cityscapeपेंटिंग में 17 वीं शताब्दी के डच चित्रकारों को वर्मीर डेल्फ़्ट, जे। गोयन और जे। रीसडेल कहा जा सकता है। यह उनके कामों में है कि आप शहर के परिदृश्य को उस तरह से पा सकते हैं जैसे हम इसे आधुनिक चित्रों में देखने के आदी हैं।

समकालीन कलाकार जो सेंट पीटर्सबर्ग की अर-ब्रीज़ आर्ट गैलरी में अपने स्वयं के शहर के दृश्य प्रदर्शित करते हैं, सेंट पीटर्सबर्ग को बड़े पैमाने पर एक धूमिल समुद्र तटीय शहर के रूप में एक हलचल भरे जीवन और भव्य वास्तुकला के साथ चित्रित करते हैं। अधिकांश पेंटिंग प्रभाववाद और क्लासिक्स की शैली में बनाई गई हैं। रंगों की संतृप्ति और कैनवास को प्रकाश से भरने की संभावना, जो प्रभाववादी पेंटिंग तकनीक प्रदान करती है, आपको पूरी तरह से नेवा पर इस शहर की भावना को प्रतिबिंबित करने की अनुमति देती है!

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शरद ऋतु रोमांस और विशेष आत्मीयता से भरी होती है। प्रकृति सोने और लाल रंग से चमकती है, लोग अधिक भावुक हो जाते हैं, और कलाकार प्रेरणा से अपने ब्रश उठाते हैं। और उनकी कृतियों में, निष्पादन में इतना अलग, सभी सबसे सुंदर परिलक्षित होते हैं: रंगीन जंगल, बारिश से घिरे मेगालोपोलिस, झीलों में गिरे पत्ते ...

टीम स्थलएक गीतात्मक मनोदशा से भी प्रेरित है और आपको उन कलाकारों के चित्रों का आनंद लेने के लिए आमंत्रित करता है जो पतझड़ से मोहित हैं।

गाइ डेसैट की शहरी धुन

प्रतिभाशाली फ्रांसीसी कलाकार ने दुनिया के विभिन्न हिस्सों की यात्रा की है। उनके चित्रों में आप जापान और अमेरिका दोनों को देख सकते हैं। लेकिन सबसे यादगार गाइ डेसैट की रचनाएँ हैं, जो पृथ्वी पर सबसे रोमांटिक शहर - पेरिस को समर्पित हैं।

अबे तोशीयुकी द्वारा मैजिक वॉटरकलर

जापानी कलाकार अबे तोशीयुकी के अद्भुत जलरंगों ने एक दार्शनिक मनोदशा को स्थापित किया। सबसे छोटा विवरण महत्वपूर्ण है: नदी का छींटा, पत्तों की सरसराहट, सकुरा की पंखुड़ियों की कोमलता ... चित्रकार के अनुसार, "कला देखने वाले की आत्मा का दर्पण है," इसलिए आप स्वयं अपना मूड सेट कर सकते हैं किसी भी तस्वीर के लिए।

पीटर मर्क मोनस्टेड की खूबसूरत हकीकत

डेनमार्क के एक प्रसिद्ध यथार्थवादी चित्रकार पीटर मोर्क मोनस्टेड ने अपने चित्रों में अक्सर ग्रामीण परिवेश, जंगलों और नदियों को चित्रित किया है। कथानक की सभी सादगी के साथ, प्रतिभाशाली चित्रकार के परिदृश्य को भुलाया नहीं जा सकता है। वे उत्कृष्ट कौशल के साथ किए जाते हैं और हमें प्राकृतिक दुनिया के चिंतन का आनंद लेने के लिए आमंत्रित करते हैं।

लॉरेंट पार्सेलियर की सौर दुनिया

अगर बादल का मौसम आपको उदास करता है, तो आपको सच्चे फ्रांसीसी लॉरेंट पार्सेलियर की धूप वाली तस्वीरें पसंद आएंगी। एक सकारात्मक प्रभाववादी कलाकार के चित्रों में, शरद ऋतु में भी, केवल सुंदर मौसम होता है। और उसकी "ब्रांडेड" धूप तुरंत खिल उठती है।

जॉन एटकिंसन ग्रिमशॉ का रहस्य

इस अद्भुत कलाकार के बारे में कहा गया था कि वह "चांदनी, कोहरे और गोधूलि के साथ पेंट करता है।" उनके तेजस्वी चित्र एक प्रकार के रहस्यमय अर्थ से भरे हुए प्रतीत होते हैं। आज, जॉन एटकिंसन का काम केवल कैटलॉग में देखा जा सकता है, क्योंकि सभी मूल निजी संग्रह में हैं। लेकिन एक बार युवा जॉन के माता-पिता स्पष्ट रूप से पेंटिंग के उनके जुनून के खिलाफ थे।