सार कला: परिभाषा, प्रकार और कलाकार। सार रचना (मानव संवेदनाओं को प्रदर्शित करने के सिद्धांत) अमूर्ततावाद चित्रों के उदाहरण

पिछली शताब्दी में, अमूर्त प्रवृत्ति कला के इतिहास में एक वास्तविक सफलता बन गई, लेकिन यह काफी स्वाभाविक था - एक व्यक्ति हमेशा नए रूपों, गुणों और विचारों की तलाश में था। लेकिन हमारी सदी में भी कला की यह शैली कई सवाल उठाती है। अमूर्तवाद क्या है? आइए इस बारे में आगे बात करते हैं।

पेंटिंग और कला में सार कला

स्टाइल में अमूर्तवादकलाकार किसी विषय की व्याख्या करने के लिए आकृतियों, आकृति, रेखाओं और रंगों की दृश्य भाषा का उपयोग करता है। यह पारंपरिक कला रूपों के विपरीत है जो विषय की अधिक साहित्यिक व्याख्या करते हैं - "वास्तविकता" को व्यक्त करते हैं। दूसरी ओर, अमूर्तवाद शास्त्रीय ललित कला से जितना संभव हो उतना दूर जाता है; वास्तविक जीवन की तुलना में पूरी तरह से अलग तरीके से वस्तुनिष्ठ दुनिया का प्रतिनिधित्व करता है।

कला में अमूर्त कला, उसकी भावनाओं की तरह, पर्यवेक्षक के दिमाग को चुनौती देती है - कला के काम की पूरी तरह से सराहना करने के लिए, पर्यवेक्षक को यह समझने की आवश्यकता से छुटकारा पाना चाहिए कि कलाकार क्या कहना चाह रहा है, और प्रतिक्रिया भावना को महसूस करना चाहिए वह स्वयं। जीवन के सभी पहलू अमूर्तवाद के माध्यम से व्याख्या के लिए खुद को उधार देते हैं - विश्वास, भय, जुनून, संगीत या प्रकृति के प्रति प्रतिक्रिया, वैज्ञानिक और गणितीय गणना, आदि।

कला में यह प्रवृत्ति 20 वीं शताब्दी में क्यूबिज्म, अतियथार्थवाद, दादावाद और अन्य के साथ उभरी, हालांकि सटीक समय अज्ञात है। पेंटिंग में अमूर्तवाद की शैली के मुख्य प्रतिनिधि ऐसे कलाकार माने जाते हैं जैसे वासिली कैंडिंस्की, रॉबर्ट डेलाउने, काज़िमिर मालेविच, फ्रांटिसेक कुपका और पीट मोंड्रियन। उनके काम और महत्वपूर्ण चित्रों पर आगे चर्चा की जाएगी।

प्रसिद्ध कलाकारों की पेंटिंग: अमूर्त कला

वासिली कैंडिंस्की

कैंडिंस्की अमूर्त कला के अग्रदूतों में से एक थे। उन्होंने प्रभाववाद में अपनी खोज शुरू की, और उसके बाद ही अमूर्तवाद की शैली में आए। अपने काम में, उन्होंने एक सौंदर्य अनुभव बनाने के लिए रंग और रूप के बीच संबंधों का शोषण किया जो दर्शकों की दृष्टि और भावनाओं दोनों को शामिल करेगा। उनका मानना ​​​​था कि पूर्ण अमूर्तता गहरी, पारलौकिक अभिव्यक्ति के लिए जगह प्रदान करती है, और वास्तविकता की नकल करना ही इस प्रक्रिया में हस्तक्षेप करता है।

कैंडिंस्की के लिए पेंटिंग गहरी आध्यात्मिक थी। उन्होंने भौतिक और सांस्कृतिक सीमाओं से परे अमूर्त आकृतियों और रंगों की एक सार्वभौमिक दृश्य भाषा के माध्यम से मानवीय भावनाओं की गहराई को व्यक्त करने की मांग की। उसने देखा अमूर्तवादएक आदर्श दृश्य विधा के रूप में जो कलाकार की "आंतरिक आवश्यकता" को व्यक्त कर सकती है और मानवीय विचारों और भावनाओं को व्यक्त कर सकती है। वह खुद को एक नबी मानते थे जिनका मिशन समाज की भलाई के लिए इन आदर्शों को दुनिया के साथ साझा करना था।

रचना IV (1911)

जीवंत रंगों और कुरकुरी काली रेखाओं में छिपा हुआ, यह भाले के साथ कई कोसैक्स, साथ ही नावों, आकृतियों और पहाड़ी की चोटी पर एक महल को दर्शाता है। इस अवधि के कई चित्रों की तरह, यह एक सर्वनाश युद्ध का प्रतिनिधित्व करता है जो अनन्त शांति की ओर ले जाएगा।

एक गैर-उद्देश्य चित्रकला शैली के विकास को सुविधाजनक बनाने के लिए, जैसा कि उनके काम ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट (1912) में वर्णित है, कैंडिंस्की वस्तुओं को चित्रात्मक प्रतीकों में कम कर देता है। बाहरी दुनिया के अधिकांश संदर्भों को हटाकर, कैंडिंस्की ने अपनी दृष्टि को अधिक सार्वभौमिक तरीके से व्यक्त किया, इन सभी रूपों के माध्यम से विषय के आध्यात्मिक सार को एक दृश्य भाषा में अनुवादित किया। इनमें से कई प्रतीकात्मक आकृतियों को उनके बाद के कार्यों में दोहराया गया और परिष्कृत किया गया, और भी अधिक सारगर्भित हो गया।

काज़िमिर मालेविच

कला में रूप और अर्थ के बारे में मालेविच के विचार किसी तरह अमूर्तवाद की शैली के सिद्धांत पर एकाग्रता की ओर ले जाते हैं। मालेविच ने पेंटिंग में विभिन्न शैलियों के साथ काम किया, लेकिन सबसे अधिक शुद्ध ज्यामितीय आकृतियों (वर्गों, त्रिकोणों, वृत्तों) के अध्ययन और दृश्य स्थान में एक दूसरे से उनके संबंध पर केंद्रित था।

पश्चिम में अपने संपर्कों के माध्यम से, मालेविच यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में साथी कलाकारों को पेंटिंग के बारे में अपने विचारों को व्यक्त करने में सक्षम थे, और इस प्रकार समकालीन कला के विकास को गहराई से प्रभावित करते थे।

ब्लैक स्क्वायर (1915)

प्रतिष्ठित पेंटिंग "ब्लैक स्क्वायर" को पहली बार मालेविच ने 1915 में पेत्रोग्राद में एक प्रदर्शनी में दिखाया था। यह काम मालेविच द्वारा अपने निबंध "क्यूबिज्म एंड फ्यूचरिज्म टू सुपरमैटिज्म: न्यू रियलिज्म इन पेंटिंग" में विकसित सर्वोच्चतावाद के सैद्धांतिक सिद्धांतों का प्रतीक है।

दर्शकों के सामने कैनवास पर एक सफेद पृष्ठभूमि पर खींचे गए काले वर्ग के रूप में एक अमूर्त रूप है - यह रचना का एकमात्र तत्व है। इस तथ्य के बावजूद कि पेंटिंग सरल दिखती है, इसमें उंगलियों के निशान, ब्रश स्ट्रोक, पेंट की काली परतों के माध्यम से झाँकने जैसे तत्व हैं।

मालेविच के लिए, एक वर्ग का अर्थ है भावनाएं, और सफेद का अर्थ है खालीपन, कुछ भी नहीं। उन्होंने काले वर्ग को एक ईश्वरीय उपस्थिति के रूप में देखा, एक प्रतीक के रूप में, जैसे कि यह गैर-उद्देश्य कला के लिए एक नई पवित्र छवि बन सकता है। प्रदर्शनी में भी, इस पेंटिंग को उस स्थान पर रखा गया था जहां आमतौर पर एक रूसी घर में एक आइकन रखा जाता है।

पीट मोंड्रियन

डच डी स्टिजल आंदोलन के संस्थापकों में से एक, पीट मोंड्रियन को उनके अमूर्तता और पद्धतिगत अभ्यास की शुद्धता के लिए पहचाना जाता है। उन्होंने अपने चित्रों के तत्वों को मौलिक रूप से सरल बनाने के लिए, जो उन्होंने देखा, सीधे नहीं, बल्कि आलंकारिक रूप से प्रतिबिंबित करने के लिए, और अपने कैनवस में एक स्पष्ट और सार्वभौमिक सौंदर्य भाषा बनाने के लिए सरल बनाया।

1920 के दशक के बाद से अपने सबसे प्रसिद्ध चित्रों में, मोंड्रियन ने रूपों को रेखाओं और आयतों में कम कर दिया, और उनके पैलेट को सबसे सरल बना दिया। असममित संतुलन का उपयोग समकालीन कला के विकास के लिए मौलिक हो गया है, और उनके प्रतिष्ठित अमूर्त कार्य डिजाइन में अपना प्रभाव बनाए रखते हैं और आज लोकप्रिय संस्कृति से परिचित हैं।

द ग्रे ट्री (1912)

"ग्रे ट्री" मोंड्रियन की शैली में प्रारंभिक संक्रमण का एक उदाहरण है अमूर्तवाद... केवल भूरे और काले रंग के रंगों का उपयोग करके त्रि-आयामी पेड़ को सरलतम रेखाओं और विमानों में घटा दिया जाता है।

यह पेंटिंग मोंड्रियन द्वारा किए गए कार्यों की एक श्रृंखला में से एक है, जिसे अधिक यथार्थवादी दृष्टिकोण के साथ बनाया गया है, जहां, उदाहरण के लिए, पेड़ों को प्राकृतिक तरीके से प्रस्तुत किया जाता है। जबकि बाद में काम अधिक से अधिक सारगर्भित हो गए, उदाहरण के लिए, पेड़ की रेखाएँ तब तक कम हो जाती हैं जब तक कि पेड़ का आकार सूक्ष्म और ऊर्ध्वाधर और क्षैतिज रेखाओं की समग्र संरचना के लिए गौण न हो जाए।

यहां आप अभी भी संरचित लाइन संगठन को छोड़ने में मोंड्रियन की रुचि देख सकते हैं। मोंड्रियन के शुद्ध अमूर्तन के विकास के लिए यह कदम महत्वपूर्ण था।

रॉबर्ट डेलॉनाय

डेलाउने अमूर्त शैली के शुरुआती कलाकारों में से एक थे। उनके काम ने इस प्रवृत्ति के विकास को प्रभावित किया, जो संरचनागत तनाव पर आधारित था, जो रंगों के विरोध के कारण था। वह जल्दी से नव-प्रभाववादी रंगवादी प्रभाव में आ गया और अमूर्त कला की शैली में काम की रंग प्रणाली का बहुत बारीकी से पालन किया। उन्होंने रंग और प्रकाश को मुख्य उपकरण माना जिसके साथ कोई भी दुनिया की निष्पक्षता को प्रभावित कर सकता है।

1910 तक, Delaunay ने कैथेड्रल और एफिल टॉवर को चित्रित करने वाली पेंटिंग की दो श्रृंखलाओं के रूप में क्यूबिज़्म में अपना योगदान दिया था, जो क्यूबिक रूपों, आंदोलन की गतिशीलता और जीवंत रंगों को जोड़ती थी। रंग सामंजस्य का उपयोग करने के इस नए तरीके ने इस शैली को रूढ़िवादी क्यूबिज़्म, डब ऑर्फ़िज़्म से अलग करने में मदद की, और तुरंत यूरोपीय कलाकारों को प्रभावित किया। Delaunay की पत्नी, कलाकार सोनिया Terk-Delaunay, उसी शैली में पेंट करना जारी रखा।

एफिल टॉवर (1911)

Delaunay का मुख्य कार्य एफिल टॉवर को समर्पित है - फ्रांस का प्रसिद्ध प्रतीक। यह 1909 और 1911 के बीच एफिल टॉवर को समर्पित ग्यारह चित्रों की श्रृंखला में सबसे प्रभावशाली में से एक है। इसे चमकीले लाल रंग से रंगा गया है, जो इसे तुरंत आसपास के शहर की नीरसता से अलग करता है। कैनवास का प्रभावशाली आकार इस इमारत की भव्यता को और बढ़ाता है। एक भूत की तरह, टॉवर आसपास के घरों से ऊपर उठता है, लाक्षणिक रूप से पुरानी व्यवस्था की नींव को हिला देता है।

Delaunay की पेंटिंग उस समय की असीम आशावाद, मासूमियत और ताजगी की भावना को व्यक्त करती है जिसने अभी तक दो विश्व युद्ध नहीं देखे हैं।

फ्रांटिसेक कुप्का

फ्रांटिसेक कुप्का एक चेकोस्लोवाक कलाकार है जो की शैली में पेंट करता है अमूर्तवाद, प्राग कला अकादमी से स्नातक किया। एक छात्र के रूप में, उन्होंने मुख्य रूप से देशभक्ति विषयों पर चित्रित किया और ऐतिहासिक रचनाएँ लिखीं। उनकी शुरुआती रचनाएँ अधिक अकादमिक थीं, हालाँकि, उनकी शैली वर्षों में विकसित हुई और अंततः अमूर्त कला में बदल गई। बहुत यथार्थवादी तरीके से लिखे गए, यहां तक ​​​​कि उनके शुरुआती कार्यों में रहस्यमय अतियथार्थवादी विषय और प्रतीक शामिल थे, जो अमूर्त के लेखन में बच गए हैं।

कुप्का का मानना ​​​​था कि कलाकार और उसका काम एक निरंतर रचनात्मक गतिविधि में भाग लेते हैं, जिसकी प्रकृति असीमित है, एक निरपेक्ष की तरह।

"अमोर्फ। दो रंगों में फ्यूग्यू "(1907-1908)

१९०७-१९०८ से, कुप्का ने हाथ में गेंद पकड़े हुए एक लड़की के चित्रों की एक श्रृंखला को चित्रित करना शुरू कर दिया, जैसे कि वह उसके साथ खेलने या नृत्य करने वाली थी। फिर उसने उसकी अधिक से अधिक योजनाबद्ध छवियां विकसित कीं, और अंततः पूरी तरह से अमूर्त चित्रों की एक श्रृंखला प्राप्त की। वे लाल, नीले, काले और सफेद रंगों के सीमित पैलेट में बने थे।

1912 में, सैलून डी ऑटोमने में, इन अमूर्त कार्यों में से एक को पहली बार पेरिस में सार्वजनिक रूप से प्रदर्शित किया गया था।

XXI सदी की पेंटिंग में अमूर्ततावाद की शैली अपनी लोकप्रियता नहीं खोती है - आधुनिक कला के प्रेमी इस तरह की उत्कृष्ट कृति के साथ अपने घर को सजाने के खिलाफ नहीं हैं, और इस शैली में काम शानदार रकम के लिए विभिन्न नीलामियों में हथौड़े के नीचे बेचा जाता है।

कला में अमूर्तता के बारे में और भी अधिक जानने के लिए, निम्न वीडियो आपकी मदद करेगा:

सार कला (अव्य। सार- हटाना, व्याकुलता) या गैर-आलंकारिक कला- कला की दिशा, जिसने पेंटिंग और मूर्तिकला में वास्तविकता के करीब रूपों को चित्रित करने से इनकार कर दिया। अमूर्तवाद के लक्ष्यों में से एक कुछ रंग संयोजनों और ज्यामितीय आकृतियों को चित्रित करके "सामंजस्य" प्राप्त करना है, जिससे विचारक को रचना की पूर्णता और पूर्णता की भावना महसूस होती है। प्रमुख हस्तियां: वासिली कैंडिंस्की, काज़िमिर मालेविच, नतालिया गोंचारोवा और मिखाइल लारियोनोव, पीट मोंड्रियन।

इतिहास

अमूर्तवाद("शून्य रूपों", गैर-उद्देश्य कला के संकेत के तहत कला) एक कलात्मक दिशा है जो 20 वीं शताब्दी की पहली छमाही की कला में उभरी, जिसने वास्तविक दृश्य दुनिया के रूपों के पुनरुत्पादन को पूरी तरह से त्याग दिया। वी. कैंडिंस्की को अमूर्त कला का संस्थापक माना जाता है। , पी. मोंड्रियन तथाके मालेविच।

वी। कैंडिंस्की ने अपने स्वयं के प्रकार की अमूर्त पेंटिंग बनाई, प्रभाववादियों और "जंगली" के दागों को निष्पक्षता के किसी भी संकेत से मुक्त किया। सेज़ेन और क्यूबिस्ट द्वारा शुरू की गई प्रकृति की ज्यामितीय शैली के माध्यम से पीट मोंड्रियन अपनी व्यर्थता पर आए। 20 वीं शताब्दी की आधुनिकतावादी धाराएं, अमूर्तवाद पर केंद्रित, पारंपरिक सिद्धांतों से पूरी तरह से दूर हो जाती हैं, यथार्थवाद को नकारती हैं, लेकिन साथ ही कला के ढांचे के भीतर रहती हैं। अमूर्तता के आगमन के साथ कला का इतिहास एक क्रांति से गुजरा है। लेकिन यह क्रांति संयोग से नहीं, बल्कि स्वाभाविक रूप से उत्पन्न हुई, और इसकी भविष्यवाणी प्लेटो ने की थी! अपने बाद के काम, फाइलब में, उन्होंने अपने आप में रेखाओं, सतहों और स्थानिक रूपों की सुंदरता के बारे में लिखा, किसी भी नकल के दृश्य वस्तुओं की किसी भी नकल से स्वतंत्र। प्लेटो के अनुसार, इस तरह की ज्यामितीय सुंदरता, प्राकृतिक "अनियमित" रूपों की सुंदरता के विपरीत, एक रिश्तेदार नहीं है, बल्कि एक बिना शर्त, पूर्ण चरित्र है।

20वीं सदी और आधुनिकता

प्रथम विश्व युद्ध (1914-18) के बाद, अमूर्त कला की प्रवृत्ति अक्सर दादावाद और अतियथार्थवाद के प्रतिनिधियों के व्यक्तिगत कार्यों में प्रकट हुई; उसी समय, वास्तुकला, सजावटी कला, डिजाइन में गैर-सचित्र रूपों के लिए आवेदन खोजने की इच्छा निर्धारित की गई थी (शैली समूह और बॉहॉस के प्रयोग)। अमूर्त कला के कई समूह (कंक्रीट आर्ट, 1930; सर्कल एंड स्क्वायर, 1930; एब्स्ट्रक्शन एंड क्रिएटिविटी, 1931), विभिन्न राष्ट्रीयताओं और प्रवृत्तियों के कलाकारों को एक साथ लाते हुए, 1930 के दशक की शुरुआत में मुख्य रूप से फ्रांस में उत्पन्न हुए। हालांकि, उस समय और 30 के दशक के मध्य तक अमूर्त कला व्यापक नहीं हो पाई थी। समूह टूट गए। द्वितीय विश्व युद्ध (1939-45) के दौरान संयुक्त राज्य अमेरिका में तथाकथित अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का एक स्कूल उभरा जे. पोलक, एम. टोबीऔर अन्य), जो कई देशों में युद्ध के बाद विकसित हुआ (ताकिस्म या "आकारहीन कला" के नाम पर) और इसकी विधि "शुद्ध मानसिक automatism" और रचनात्मकता के व्यक्तिपरक अवचेतन आवेग, अप्रत्याशित रंग और बनावट संयोजनों का पंथ के रूप में घोषित किया गया। .

50 के दशक के उत्तरार्ध में, स्थापना की कला, पॉप कला, संयुक्त राज्य अमेरिका में उत्पन्न हुई, जिसने बाद में एंडी वारहोल को मर्लिन मुनरो के चित्रों और कुत्ते के भोजन के डिब्बे - कोलाज अमूर्तवाद के अपने अंतहीन प्रजनन के साथ प्रसिद्ध किया। 60 के दशक की ललित कलाओं में, अमूर्तता का सबसे कम आक्रामक, स्थिर रूप, अतिसूक्ष्मवाद लोकप्रिय हो गया। फिर बार्नेट न्यूमैन, अमेरिकी ज्यामितीय अमूर्तता के संस्थापक, साथ में ए लिबरमैन, ए हेल्डोतथा के. नोलैंडडच नियोप्लास्टिकवाद और रूसी सर्वोच्चतावाद के विचारों के आगे विकास में सफलतापूर्वक लगे हुए हैं।

अमेरिकी चित्रकला में एक अन्य प्रवृत्ति को "रंगीन" या "पोस्टपेंटिंग" अमूर्तवाद कहा जाता है। इसके प्रतिनिधियों ने कुछ हद तक फाउविज्म और पोस्ट-इंप्रेशनिज्म से शुरुआत की। कठोर शैली, कार्यों की तेज रूपरेखा पर जोर दिया ई. केली, जे. जुंगरमैन, एफ. स्टेलाधीरे-धीरे एक चिंतनशील उदासीन गोदाम की पेंटिंग का रास्ता दिया। 70 - 80 के दशक में, अमेरिकी पेंटिंग आलंकारिकता में लौट आई। इसके अलावा, फोटोरिअलिज्म जैसी चरम अभिव्यक्ति व्यापक हो गई है। अधिकांश कला समीक्षक इस बात से सहमत हैं कि 70 का दशक अमेरिकी कला के लिए सच्चाई का क्षण है, क्योंकि इस अवधि के दौरान इसने अंततः खुद को यूरोपीय प्रभाव से मुक्त कर लिया और विशुद्ध रूप से अमेरिकी बन गया। हालांकि, पारंपरिक रूपों और शैलियों की वापसी के बावजूद, चित्र से लेकर ऐतिहासिक चित्रकला तक, अमूर्तवाद भी गायब नहीं हुआ है।

चित्र, "गैर-सचित्र" कला के काम पहले की तरह बनाए गए थे, क्योंकि संयुक्त राज्य अमेरिका में यथार्थवाद की वापसी ने अमूर्तवाद को दूर नहीं किया था, लेकिन इसका विमुद्रीकरण, आलंकारिक कला पर प्रतिबंध, जिसे मुख्य रूप से हमारे समाजवादी यथार्थवाद के साथ पहचाना गया था, और इसलिए कला के सामाजिक कार्यों पर "निम्न" शैलियों पर प्रतिबंध, "मुक्त लोकतांत्रिक" समाज में घृणित नहीं माना जा सकता है। उसी समय, अमूर्त पेंटिंग की शैली ने एक निश्चित नरमता हासिल कर ली, जिसमें पहले इसकी कमी थी - वॉल्यूम को सुव्यवस्थित करना, धुंधली आकृति, हाफ़टोन की समृद्धि, सूक्ष्म रंग समाधान ( ई। मरे, जी। स्टीफन, एल। रिवर, एम। मॉर्ले, एल। चेस, ए। बयालोब्रोड).

इन सभी प्रवृत्तियों ने आधुनिक अमूर्त कला के विकास की नींव रखी। रचनात्मकता में कुछ भी जमे हुए, अंतिम नहीं हो सकता, क्योंकि यह उसके लिए मृत्यु होगी। लेकिन कोई फर्क नहीं पड़ता कि अमूर्तवाद किस रास्ते पर ले जाता है, चाहे वह कितने भी परिवर्तनों से गुजरे, इसका सार हमेशा अपरिवर्तित रहता है। यह इस तथ्य में निहित है कि दृश्य कलाओं में अमूर्तवाद व्यक्तिगत अस्तित्व को पकड़ने का सबसे सुलभ और महान तरीका है, और एक ऐसे रूप में जो सबसे पर्याप्त है - एक प्रतिकृति प्रिंट की तरह। साथ ही, अमूर्तवाद स्वतंत्रता की प्रत्यक्ष प्राप्ति है।

दिशा-निर्देश

अमूर्तवाद में, दो स्पष्ट दिशाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: ज्यामितीय अमूर्तता, मुख्य रूप से स्पष्ट रूप से चित्रित विन्यास (मालेविच, मोंड्रियन) और गीतात्मक अमूर्तता पर आधारित है, जिसमें रचना स्वतंत्र रूप से बहने वाले रूपों (कैंडिंस्की) से आयोजित की जाती है। अमूर्तवाद में भी कई अन्य बड़े स्वतंत्र रुझान हैं।

क्यूबिज्म

दृश्य कला में अवंत-गार्डे प्रवृत्ति, जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उत्पन्न हुई और ज्यामितीय आकृतियों के सशक्त रूप से पारंपरिक रूपों के उपयोग की विशेषता है, वास्तविक वस्तुओं को स्टीरियोमेट्रिक प्राइमेटिव में "विभाजित" करने की इच्छा।

रेयोनिस्म (रेयोनिस्म)

1910 के दशक की अमूर्त कला में प्रवृत्ति, प्रकाश स्पेक्ट्रा के विस्थापन और प्रकाश संचरण पर आधारित है। "विभिन्न वस्तुओं की परावर्तित किरणों के चौराहे" से रूपों के उद्भव का विचार विशेषता है, क्योंकि एक व्यक्ति वास्तव में वस्तु को नहीं मानता है, लेकिन "प्रकाश स्रोत से आने वाली किरणों का योग, वस्तु से परिलक्षित होता है" ।"

नियोप्लास्टिकवाद

1917-1928 में मौजूद अमूर्त कला की दिशा का पदनाम। हॉलैंड में और संयुक्त कलाकारों ने "डी स्टाइल" ("स्टाइल") पत्रिका के आसपास समूह बनाया। स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों में चित्रित बड़े आयताकार विमानों की व्यवस्था में वास्तुकला और अमूर्त पेंटिंग में स्पष्ट आयताकार आकृतियों द्वारा विशेषता।

ऑर्फिज्म

1910 के फ्रांसीसी चित्रकला में निर्देशन। ऑर्फ़िस्ट कलाकारों ने स्पेक्ट्रम के मूल रंगों के इंटरपेनेट्रेशन और घुमावदार सतहों के प्रतिच्छेदन की "नियमितताओं" की मदद से गति की गतिशीलता और ताल की संगीतमयता को व्यक्त करने का प्रयास किया।

सर्वोच्चतावाद

अवंत-गार्डे कला में प्रवृत्ति, 1910 के दशक में स्थापित। मालेविच। यह सबसे सरल ज्यामितीय रूपरेखा के बहु-रंगीन विमानों के संयोजन में व्यक्त किया गया था। बहुरंगी ज्यामितीय आकृतियों के संयोजन से संतुलित असममित सर्वोच्चतावादी रचनाएँ बनती हैं जो आंतरिक गति से व्याप्त होती हैं।

ताशीवाद

1950 - 60 के दशक के पश्चिमी यूरोपीय अमूर्तवाद में प्रवृत्ति, जो संयुक्त राज्य में सबसे व्यापक थी। यह उन धब्बों के साथ पेंटिंग कर रहा है जो वास्तविकता की छवियों को फिर से नहीं बनाते हैं, लेकिन कलाकार की अचेतन गतिविधि को व्यक्त करते हैं। ताशवाद में स्ट्रोक, रेखाएं और धब्बे बिना किसी पूर्व नियोजित योजना के हाथ की त्वरित गति के साथ कैनवास पर लागू होते हैं।

अमूर्त अभिव्यंजनावाद

भावनाओं की पूर्ण अभिव्यक्ति के लिए, गैर-ज्यामितीय स्ट्रोक, बड़े ब्रश, कभी-कभी कैनवास पर टपकने वाले पेंट का उपयोग करके जल्दी और बड़े कैनवस पर पेंट करने वाले कलाकारों का आंदोलन। यहाँ अभिव्यंजक पेंटिंग पद्धति का अर्थ अक्सर पेंटिंग के समान ही होता है।

इंटीरियर में Abstrakionism

हाल ही में, अमूर्तवाद ने कलाकारों के कैनवस से घर के आरामदायक इंटीरियर में स्थानांतरित करना शुरू कर दिया, इसे लाभप्रद रूप से अद्यतन किया। स्पष्ट रूपों के उपयोग के साथ न्यूनतम शैली, कभी-कभी काफी असामान्य, कमरे को असामान्य और रोचक बनाती है। लेकिन रंग के साथ इसे ज़्यादा करना बहुत आसान है। इस आंतरिक शैली में नारंगी के संयोजन पर विचार करें।

सफेद सबसे अच्छा अमीर नारंगी को पतला करता है, और इसे ठंडा करता है। नारंगी रंग कमरे को गर्म बनाता है, इसलिए थोड़ा; रोकथाम नहीं। फर्नीचर या उसकी सजावट पर जोर दिया जाना चाहिए, उदाहरण के लिए, एक नारंगी बेडस्प्रेड। इस मामले में, सफेद दीवारें रंग की चमक को खत्म कर देंगी, लेकिन कमरे को रंगीन छोड़ दें। इस मामले में, एक ही श्रेणी की तस्वीरें एक महान जोड़ के रूप में काम करेंगी - मुख्य बात यह ज़्यादा नहीं है, अन्यथा नींद की समस्या होगी।

नारंगी और नीले रंग का संयोजन नर्सरी को छोड़कर किसी भी कमरे के लिए हानिकारक है। यदि आप उज्ज्वल रंगों का चयन नहीं करते हैं, तो वे सफलतापूर्वक एक-दूसरे के साथ सामंजस्य स्थापित करेंगे, मूड जोड़ेंगे, और अतिसक्रिय बच्चों पर भी प्रतिकूल प्रभाव नहीं डालेंगे।

नारंगी हरे रंग के साथ अच्छी तरह से चला जाता है, एक कीनू प्रभाव और चॉकलेट छाया बनाता है। भूरा एक रंग है जो गर्म से ठंडे में भिन्न होता है, इसलिए यह कमरे के समग्र तापमान को पूरी तरह से सामान्य करता है। इसके अलावा, यह रंग संयोजन रसोई और रहने वाले कमरे के लिए उपयुक्त है, जहां आपको माहौल बनाने की जरूरत है, लेकिन इंटीरियर को अधिभारित नहीं करना चाहिए। दीवारों को सफेद और चॉकलेट रंगों में सजाकर, आप सुरक्षित रूप से एक नारंगी कुर्सी रख सकते हैं या एक अमीर कीनू रंग के साथ एक उज्ज्वल तस्वीर लटका सकते हैं। जब आप ऐसे कमरे में होते हैं, तो आपका मूड बहुत अच्छा होगा और जितना संभव हो उतना काम करने की इच्छा होगी।

प्रसिद्ध अमूर्त कलाकारों की पेंटिंग

कैंडिंस्की अमूर्त कला के अग्रदूतों में से एक थे। उन्होंने प्रभाववाद में अपनी खोज शुरू की, और उसके बाद ही अमूर्तवाद की शैली में आए। अपने काम में, उन्होंने एक सौंदर्य अनुभव बनाने के लिए रंग और रूप के बीच संबंधों का शोषण किया जो दर्शकों की दृष्टि और भावनाओं दोनों को शामिल करेगा। उनका मानना ​​​​था कि पूर्ण अमूर्तता गहरी, पारलौकिक अभिव्यक्ति के लिए जगह प्रदान करती है, और वास्तविकता की नकल करना ही इस प्रक्रिया में हस्तक्षेप करता है।

कैंडिंस्की के लिए पेंटिंग गहरी आध्यात्मिक थी। उन्होंने भौतिक और सांस्कृतिक सीमाओं से परे अमूर्त आकृतियों और रंगों की एक सार्वभौमिक दृश्य भाषा के माध्यम से मानवीय भावनाओं की गहराई को व्यक्त करने की मांग की। उसने देखा अमूर्तवादएक आदर्श दृश्य विधा के रूप में जो कलाकार की "आंतरिक आवश्यकता" को व्यक्त कर सकती है और मानवीय विचारों और भावनाओं को व्यक्त कर सकती है। वह खुद को एक नबी मानते थे जिनका मिशन समाज की भलाई के लिए इन आदर्शों को दुनिया के साथ साझा करना था।

जीवंत रंगों और कुरकुरी काली रेखाओं में छिपा हुआ, यह भाले के साथ कई कोसैक्स, साथ ही नावों, आकृतियों और पहाड़ी की चोटी पर एक महल को दर्शाता है। इस अवधि के कई चित्रों की तरह, यह एक सर्वनाश युद्ध का प्रतिनिधित्व करता है जो अनन्त शांति की ओर ले जाएगा।

एक गैर-उद्देश्य चित्रकला शैली के विकास को सुविधाजनक बनाने के लिए, जैसा कि उनके काम ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट (1912) में वर्णित है, कैंडिंस्की वस्तुओं को चित्रात्मक प्रतीकों में कम कर देता है। बाहरी दुनिया के अधिकांश संदर्भों को हटाकर, कैंडिंस्की ने अपनी दृष्टि को अधिक सार्वभौमिक तरीके से व्यक्त किया, इन सभी रूपों के माध्यम से विषय के आध्यात्मिक सार को एक दृश्य भाषा में अनुवादित किया। इनमें से कई प्रतीकात्मक आकृतियों को उनके बाद के कार्यों में दोहराया गया और परिष्कृत किया गया, और भी अधिक सारगर्भित हो गया।

काज़िमिर मालेविच

कला में रूप और अर्थ के बारे में मालेविच के विचार किसी तरह अमूर्तवाद की शैली के सिद्धांत पर एकाग्रता की ओर ले जाते हैं। मालेविच ने पेंटिंग में विभिन्न शैलियों के साथ काम किया, लेकिन सबसे अधिक शुद्ध ज्यामितीय आकृतियों (वर्गों, त्रिकोणों, वृत्तों) के अध्ययन और दृश्य स्थान में एक दूसरे से उनके संबंध पर केंद्रित था। पश्चिम में अपने संपर्कों के माध्यम से, मालेविच यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में साथी कलाकारों को पेंटिंग के बारे में अपने विचारों को व्यक्त करने में सक्षम थे, और इस प्रकार समकालीन कला के विकास को गहराई से प्रभावित करते थे।

ब्लैक स्क्वायर (1915)

प्रतिष्ठित पेंटिंग "ब्लैक स्क्वायर" को पहली बार मालेविच ने 1915 में पेत्रोग्राद में एक प्रदर्शनी में दिखाया था। यह काम मालेविच द्वारा अपने निबंध "क्यूबिज्म एंड फ्यूचरिज्म टू सुपरमैटिज्म: न्यू रियलिज्म इन पेंटिंग" में विकसित सर्वोच्चतावाद के सैद्धांतिक सिद्धांतों का प्रतीक है।

दर्शक के सामने कैनवास पर एक सफेद पृष्ठभूमि पर खींचे गए काले वर्ग के रूप में एक अमूर्त रूप है - यह रचना का एकमात्र तत्व है। इस तथ्य के बावजूद कि पेंटिंग सरल दिखती है, इसमें उंगलियों के निशान, ब्रश स्ट्रोक, पेंट की काली परतों के माध्यम से झाँकने जैसे तत्व हैं।

मालेविच के लिए, एक वर्ग का अर्थ है भावनाएं, और सफेद का अर्थ है खालीपन, कुछ भी नहीं। उन्होंने काले वर्ग को एक ईश्वरीय उपस्थिति के रूप में देखा, एक प्रतीक के रूप में, जैसे कि यह गैर-उद्देश्य कला के लिए एक नई पवित्र छवि बन सकता है। प्रदर्शनी में भी, इस पेंटिंग को उस स्थान पर रखा गया था जहां आमतौर पर एक रूसी घर में एक आइकन रखा जाता है।

पीट मोंड्रियन

डच डी स्टिजल आंदोलन के संस्थापकों में से एक, पीट मोंड्रियन को उनके अमूर्त और व्यवस्थित अभ्यास की शुद्धता के लिए पहचाना जाता है। उन्होंने अपने चित्रों के तत्वों को मौलिक रूप से सरल बनाने के लिए, जो उन्होंने देखा, सीधे नहीं, बल्कि आलंकारिक रूप से प्रतिबिंबित करने के लिए, और अपने कैनवस में एक स्पष्ट और सार्वभौमिक सौंदर्य भाषा बनाने के लिए सरल बनाया। 1920 के दशक के बाद से अपने सबसे प्रसिद्ध चित्रों में, मोंड्रियन ने रूपों को रेखाओं और आयतों में कम कर दिया, और उनके पैलेट को सबसे सरल बना दिया। असममित संतुलन का उपयोग समकालीन कला के विकास के लिए मौलिक हो गया है, और उनके प्रतिष्ठित अमूर्त कार्य डिजाइन में अपना प्रभाव बनाए रखते हैं और आज लोकप्रिय संस्कृति से परिचित हैं।

"ग्रे ट्री" मोंड्रियन की शैली में प्रारंभिक संक्रमण का एक उदाहरण है अमूर्तवाद... केवल भूरे और काले रंग के रंगों का उपयोग करके त्रि-आयामी पेड़ को सरलतम रेखाओं और विमानों में घटा दिया जाता है।

यह पेंटिंग मोंड्रियन द्वारा किए गए कार्यों की एक श्रृंखला में से एक है, जिसे अधिक यथार्थवादी दृष्टिकोण के साथ बनाया गया है, जहां, उदाहरण के लिए, पेड़ों को प्राकृतिक तरीके से प्रस्तुत किया जाता है। जबकि बाद में काम अधिक से अधिक सारगर्भित हो गए, उदाहरण के लिए, पेड़ की रेखाएँ तब तक कम हो जाती हैं जब तक कि पेड़ का आकार सूक्ष्म और ऊर्ध्वाधर और क्षैतिज रेखाओं की समग्र संरचना के लिए गौण न हो जाए। यहां आप अभी भी संरचित लाइन संगठन को छोड़ने में मोंड्रियन की रुचि देख सकते हैं। मोंड्रियन के शुद्ध अमूर्तन के विकास के लिए यह कदम महत्वपूर्ण था।

रॉबर्ट डेलॉनाय

डेलाउने अमूर्त शैली के शुरुआती कलाकारों में से एक थे। उनके काम ने इस प्रवृत्ति के विकास को प्रभावित किया, जो संरचनागत तनाव पर आधारित था, जो रंगों के विरोध के कारण था। वह जल्दी से नव-प्रभाववादी रंगवादी प्रभाव में आ गया और अमूर्तवाद की शैली में काम की रंग प्रणाली का बहुत बारीकी से पालन किया। उन्होंने रंग और प्रकाश को मुख्य उपकरण माना जिसके साथ कोई भी दुनिया की निष्पक्षता को प्रभावित कर सकता है।

1910 तक, Delaunay ने कैथेड्रल और एफिल टॉवर को चित्रित करने वाली पेंटिंग की दो श्रृंखलाओं के रूप में क्यूबिज़्म में अपना योगदान दिया था, जो क्यूबिक रूपों, आंदोलन की गतिशीलता और जीवंत रंगों को जोड़ती थी। रंग सामंजस्य का उपयोग करने के इस नए तरीके ने इस शैली को रूढ़िवादी क्यूबिज़्म, डब ऑर्फ़िज़्म से अलग करने में मदद की, और तुरंत यूरोपीय कलाकारों को प्रभावित किया। Delaunay की पत्नी, कलाकार सोनिया Terk-Delaunay, उसी शैली में पेंट करना जारी रखा।

Delaunay का मुख्य कार्य एफिल टॉवर को समर्पित है - फ्रांस का प्रसिद्ध प्रतीक। यह 1909 और 1911 के बीच एफिल टॉवर को समर्पित ग्यारह चित्रों की श्रृंखला में सबसे प्रभावशाली में से एक है। इसे चमकीले लाल रंग से रंगा गया है, जो इसे तुरंत आसपास के शहर की नीरसता से अलग करता है। कैनवास का प्रभावशाली आकार इस इमारत की भव्यता को और बढ़ाता है। एक भूत की तरह, टॉवर आसपास के घरों से ऊपर उठता है, लाक्षणिक रूप से पुरानी व्यवस्था की नींव को हिला देता है। Delaunay की पेंटिंग उस समय की असीम आशावाद, मासूमियत और ताजगी की भावना को व्यक्त करती है जिसने अभी तक दो विश्व युद्ध नहीं देखे हैं।

फ्रांटिसेक कुप्का

फ्रांटिसेक कुप्का एक चेकोस्लोवाक कलाकार है जो की शैली में पेंट करता है अमूर्तवाद, प्राग कला अकादमी से स्नातक किया। एक छात्र के रूप में, उन्होंने मुख्य रूप से देशभक्ति विषयों पर चित्रित किया और ऐतिहासिक रचनाएँ लिखीं। उनकी शुरुआती रचनाएँ अधिक अकादमिक थीं, हालाँकि, उनकी शैली वर्षों में विकसित हुई और अंततः अमूर्त कला में बदल गई। बहुत यथार्थवादी तरीके से लिखे गए, यहां तक ​​​​कि उनके शुरुआती कार्यों में रहस्यमय अतियथार्थवादी विषय और प्रतीक शामिल थे, जो अमूर्त के लेखन में बच गए हैं। कुप्का का मानना ​​​​था कि कलाकार और उसका काम एक निरंतर रचनात्मक गतिविधि में भाग लेते हैं, जिसकी प्रकृति असीमित है, एक निरपेक्ष की तरह।

"अमोर्फ। दो रंगों में फ्यूग्यू "(1907-1908)

१९०७-१९०८ से, कुप्का ने हाथ में गेंद पकड़े हुए एक लड़की के चित्रों की एक श्रृंखला को चित्रित करना शुरू कर दिया, जैसे कि वह उसके साथ खेलने या नृत्य करने वाली थी। फिर उसने उसकी अधिक से अधिक योजनाबद्ध छवियां विकसित कीं, और अंततः पूरी तरह से अमूर्त चित्रों की एक श्रृंखला प्राप्त की। वे लाल, नीले, काले और सफेद रंगों के सीमित पैलेट में बने थे। 1912 में, सैलून डी ऑटोमने में, इन अमूर्त कार्यों में से एक को पहली बार पेरिस में सार्वजनिक रूप से प्रदर्शित किया गया था।

आधुनिक अमूर्तवादी

बीसवीं शताब्दी की शुरुआत से, पाब्लो पिकासो, सल्वाडोर डाली, काज़ेमिर मालेविच, वासिली कैंडिंस्की सहित कलाकार, वस्तुओं के रूपों और उनकी धारणा के साथ प्रयोग कर रहे हैं, और कला में मौजूद सिद्धांतों पर भी सवाल उठा रहे हैं। हमने सबसे प्रसिद्ध समकालीन अमूर्त कलाकारों का चयन तैयार किया है जिन्होंने अपने ज्ञान की सीमाओं को आगे बढ़ाने और अपनी वास्तविकता बनाने का फैसला किया है।

जर्मन कलाकार डेविड श्नेल(डेविड श्नेल) उन जगहों पर घूमना पसंद करते हैं जो पहले प्रकृति के प्रभुत्व में थे, लेकिन अब वे मानव भवनों के साथ ढेर हो गए हैं - खेल के मैदानों से लेकर कारखानों और कारखानों तक। इन यात्राओं की यादें उनके उज्ज्वल अमूर्त परिदृश्य को जन्म देती हैं। तस्वीरों और वीडियो के बजाय, अपनी कल्पना और स्मृति पर पूरी तरह से लगाम लगाकर, डेविड श्नेल ऐसी पेंटिंग बनाते हैं जो कंप्यूटर की आभासी वास्तविकता से मिलती-जुलती हैं या विज्ञान कथा पुस्तकों के लिए चित्र हैं।

अपने बड़े पैमाने पर अमूर्त चित्रों का निर्माण करते हुए, अमेरिकी कलाकार क्रिस्टीन बेकर(क्रिस्टिन बेकर) नेस्कर और फॉर्मूला 1 कला और रेसिंग इतिहास से प्रेरणा लेती हैं। वह सिल्हूट पर ऐक्रेलिक पेंट और टेप के कई कोट लगाकर अपने काम में मात्रा जोड़ती है। फिर क्रिस्टीन धीरे से उसे चीर देती है, जिससे आप पेंट की निचली परतों को देख सकते हैं और उसके चित्रों की सतह को बहु-स्तरित बहु-रंगीन कोलाज की तरह बना देती है। काम के अंतिम चरण में, वह सभी अनियमितताओं को दूर कर देती है, जिससे उसकी पेंटिंग एक्स-रे की तरह महसूस होती है।

अपने कामों में, ब्रुकलिन, न्यू यॉर्क के एक यूनानी मूल के कलाकार, एलेना एनाग्नोस(एलेना एनाग्नोस) रोजमर्रा की जिंदगी के उन पहलुओं की पड़ताल करती है जो अक्सर लोगों से दूर रहते हैं। उसके "कैनवास के साथ संवाद" के दौरान, सामान्य अवधारणाएं नए अर्थ और पहलू प्राप्त करती हैं: नकारात्मक स्थान सकारात्मक हो जाता है और छोटे आकार आकार में बढ़ जाते हैं। इस तरह से अपने चित्रों में जान फूंकने की कोशिश करते हुए, ऐलेना मानव मन को जगाने की कोशिश कर रही है, जिसने सवाल पूछना बंद कर दिया है और कुछ नया करने के लिए खुला है।

कैनवास पर चमकीले छींटों और पेंट के धब्बों को जन्म देते हुए, अमेरिकी कलाकार सारा स्पिटलर(सारा स्पिटलर) अपने काम में अराजकता, आपदा, असंतुलन और अव्यवस्था को चित्रित करने का प्रयास करती है। वह इन अवधारणाओं के प्रति आकर्षित है, क्योंकि वे मानव नियंत्रण के लिए उत्तरदायी नहीं हैं। इसलिए, उनकी विनाशकारी शक्ति सारा स्पिटलर के अमूर्त कार्यों को शक्तिशाली, ऊर्जावान और रोमांचक बनाती है। इसके आलावा। स्याही, ऐक्रेलिक पेंट, ग्रेफाइट पेंसिल और तामचीनी के कैनवास पर परिणामी छवि जो कुछ भी हो रहा है उसकी क्षणिकता और सापेक्षता पर जोर देती है।

वास्तुकला के क्षेत्र से प्रेरणा लेते हुए, वैंकूवर, कनाडा के कलाकार, जेफ डैपनर(जेफ डेपनर) ज्यामितीय आकृतियों के बहुस्तरीय अमूर्त चित्र बनाता है। उनके द्वारा बनाई गई कलात्मक अराजकता में, जेफ रंग, रूप और संरचना में सामंजस्य चाहते हैं। उनके चित्रों में से प्रत्येक तत्व एक दूसरे से संबंधित है और निम्नलिखित की ओर जाता है: "मेरे काम चुने हुए पैलेट में रंगों के संबंध के माध्यम से [पेंटिंग की] संरचना संरचना का पता लगाते हैं ..."। कलाकार के अनुसार, उनके चित्र "अमूर्त संकेत" हैं जो दर्शकों को एक नए, अचेतन स्तर पर ले जाना चाहिए।

सिंगल बैरल पैटर्न, विलियम मॉरिस

"अमूर्ततावाद", जिसे "गैर-आलंकारिक कला", "गैर-आलंकारिक", "गैर-प्रतिनिधित्वीय", "ज्यामितीय अमूर्तता" या "ठोस कला" भी कहा जाता है, पेंटिंग या मूर्तिकला की किसी भी वस्तु के लिए एक अस्पष्ट छाता शब्द है जो करता है पहचानने योग्य वस्तुओं या दृश्यों का प्रतिनिधित्व नहीं करते। हालांकि, जैसा कि हम देख सकते हैं, अमूर्त कला की परिभाषा, प्रकार या सौंदर्य अर्थ के बारे में कोई स्पष्ट सहमति नहीं है। पिकासो ने सोचा कि इस तरह की अवधारणा बिल्कुल भी मौजूद नहीं थी, जबकि कुछ कला समीक्षकों का मानना ​​​​है कि सभी कला अमूर्त है - क्योंकि, उदाहरण के लिए, कोई भी पेंटिंग चित्रकार को देखने वाले के मोटे सारांश से ज्यादा कुछ नहीं होने की उम्मीद कर सकती है। इसके अलावा, अर्ध-अमूर्त से पूरी तरह से अमूर्त तक, अमूर्तता का एक स्लाइडिंग पैमाना है। इसलिए, जबकि सिद्धांत अपेक्षाकृत स्पष्ट है - अमूर्त कला वास्तविकता से अलग है - अमूर्त को गैर-अमूर्त कार्यों से अलग करने का व्यावहारिक कार्य बहुत अधिक समस्याग्रस्त हो सकता है।

अमूर्त कला के पीछे क्या विचार है?

आइए एक बहुत ही सरल उदाहरण से शुरू करते हैं। आइए किसी चीज का खराब (अप्राकृतिक) चित्र लें। छवि का निष्पादन वांछित होने के लिए बहुत कुछ छोड़ देता है, लेकिन यदि इसके रंग सुंदर हैं, तो चित्र हमें विस्मित कर सकता है। यह दर्शाता है कि औपचारिक गुणवत्ता (रंग) प्रतिनिधि गुणवत्ता (ड्राइंग) को कैसे ओवरराइड कर सकती है।
दूसरी ओर, एक घर की एक फोटोरिअलिस्टिक पेंटिंग, कहते हैं, उत्कृष्ट ग्राफिक्स का प्रदर्शन कर सकती है, लेकिन विषय वस्तु, रंग योजना और समग्र रचना सर्वथा उबाऊ हो सकती है।
कलात्मक औपचारिक गुणों के मूल्य का मूल्यांकन करने के लिए दार्शनिक तर्क प्लेटो के इस दावे से उपजा है कि: "सीधी रेखाएं और वृत्त ... न केवल सुंदर ... बल्कि शाश्वत और बिल्कुल सुंदर।"

कन्वर्जेंस, जैक्सन पोलक, 1952

वास्तव में, प्लेटो की उक्ति का अर्थ है कि गैर-प्रकृतिवादी छवियों (वृत्त, वर्ग, त्रिकोण, आदि) में पूर्ण, अपरिवर्तनीय सुंदरता है। इस प्रकार, एक पेंटिंग को केवल उसकी रेखा और रंग के लिए ही आंका जा सकता है; उसे किसी प्राकृतिक वस्तु या दृश्य को चित्रित करने की आवश्यकता नहीं है। फ्रांसीसी चित्रकार, लिथोग्राफर और कला सिद्धांतकार मौरिस डेनिस (1870-1943) के दिमाग में ऐसा ही था जब उन्होंने लिखा था: "याद रखें कि एक पेंटिंग युद्ध का घोड़ा या नग्न महिला बनने से पहले होती है ... एक निश्चित आदेश। ”

फ्रैंक स्टेला

अमूर्तता के प्रकार

चीजों को सरल रखने के लिए, हम अमूर्त कला को छह मुख्य प्रकारों में विभाजित कर सकते हैं:

• वक्रीय
• रंग या प्रकाश के आधार पर
• ज्यामितिक
• भावनात्मक या सहज
• हावभाव
• minimalist

इनमें से कुछ प्रकार दूसरों की तुलना में कम सारगर्भित हैं, लेकिन इन सभी में कला को वास्तविकता से अलग करना शामिल है।

वक्रीय अमूर्ततावाद

हनीसकल, विलियम मॉरिस, 1876

यह प्रकार सेल्टिक कला के साथ दृढ़ता से जुड़ा हुआ है, जिसमें नॉट्स (आठ मूल प्रकार), इंटरलेस्ड पैटर्न और सर्पिल (ट्रिस्केल या ट्रिस्केलियन सहित) सहित कई अमूर्त रूपांकनों का उपयोग किया जाता है। इन रूपांकनों का आविष्कार सेल्ट्स द्वारा नहीं किया गया था; कई अन्य प्रारंभिक संस्कृतियों ने सदियों से इन सेल्टिक डिजाइनों का उपयोग किया है। हालांकि, यह कहना उचित होगा कि सेल्टिक डिजाइनरों ने इन पैटर्नों को और अधिक जटिल और जटिल बनाकर उनमें नई जान फूंक दी है। बाद में वे 19वीं शताब्दी के दौरान वापस आए और विलियम मॉरिस (1834-96) और आर्थर मैकज़मर्डो (1851-1942) जैसे पुस्तक कवर, कपड़े, वॉलपेपर और कैलिको डिज़ाइन में विशेष रूप से स्पष्ट थे। घुमावदार अमूर्तता को "अंतहीन पेंटिंग" की अवधारणा की विशेषता है - इस्लामी कला की एक व्यापक विशेषता।

रंग या प्रकाश पर आधारित अमूर्त कला

वाटर लिली, क्लाउड मोने

इस प्रकार को टर्नर और मोनेट के काम में चित्रित किया गया है, जो रंग (या प्रकाश) का उपयोग इस तरह से करते हैं कि कला के काम को वास्तविकता से अलग किया जा सके क्योंकि वस्तु वर्णक के भंवर में घुल जाती है। उदाहरण क्लाउड मोनेट (1840-1926), द टैलीज़मैन (1888, मुसी डी'ऑर्से, पेरिस), पॉल सेरुसियर (1864-1927) द्वारा द वॉटर लिली की पेंटिंग हैं। कैंडिंस्की की कई अभिव्यक्तिवादी पेंटिंग, उनके समय के दौरान डेर ब्ल्यू रेइटर के साथ चित्रित, अमूर्तता के बहुत करीब हैं। रंग अमूर्तता 1940 और 50 के दशक के अंत में मार्क रोथको (1903-70) और बार्नेट न्यूमैन (1905-70) द्वारा विकसित रंग पेंटिंग के रूप में फिर से प्रकट हुई। 1950 के दशक में, रंग से संबंधित अमूर्त पेंटिंग की एक समानांतर विविधता, जिसे गेय एब्स्ट्रैक्शन के रूप में जाना जाता है, फ्रांस में उभरी।

तावीज़, पॉल Serusier

ज्यामितीय अमूर्तता

ब्रॉडवे पर बूगी वूगी, पीट मोंड्रियन, 1942

इस प्रकार की बुद्धिमान अमूर्त कला लगभग 1908 से चली आ रही है। एक प्रारंभिक अल्पविकसित रूप क्यूबिज़्म था, विशेष रूप से विश्लेषणात्मक क्यूबिज़्म, जिसने रैखिक परिप्रेक्ष्य और पेंटिंग में स्थानिक गहराई के भ्रम को इसके द्वि-आयामी पहलुओं पर ध्यान केंद्रित करने के लिए खारिज कर दिया। ज्यामितीय अमूर्तन को ठोस कला और वस्तुहीन कला के रूप में भी जाना जाता है। जैसा कि आप उम्मीद कर सकते हैं, यह गैर-प्रकृतिवादी इमेजरी की विशेषता है, आमतौर पर ज्यामितीय आकार जैसे कि वृत्त, वर्ग, त्रिकोण, आयत, आदि। एक अर्थ में, इसमें प्राकृतिक दुनिया का कोई संदर्भ नहीं है और यह इसके साथ जुड़ा नहीं है, ज्यामितीय अमूर्तन अमूर्तन का शुद्धतम रूप है। हम कह सकते हैं कि ठोस कला अमूर्त कला है जो शाकाहार के लिए शाकाहार है। ज्यामितीय अमूर्तता का प्रतिनिधित्व ब्लैक सर्कल (1913, राज्य रूसी संग्रहालय, सेंट पीटर्सबर्ग) द्वारा किया जाता है, जिसे काज़िमिर मालेविच (1878-1935) (सर्वोच्चतावाद के संस्थापक) द्वारा लिखा गया है; ब्रॉडवे पर बूगी वूगी (1942, MoMA, न्यूयॉर्क) पीट मोंड्रियन (1872-1944) (नियोप्लास्टिकवाद के संस्थापक); और थियो वैन डॉसबर्ग (1883-1931) (डी स्टाइल एंड एलिमेंटलिज्म के संस्थापक) द्वारा रचना VIII (द काउ) (1918, एमओएमए, न्यूयॉर्क) अन्य उदाहरणों में द अपील टू द प्लेस बाय जोसेफ अल्बर्स (1888-1976) और ऑप-आर्ट विक्टर वासरेली (1906-1997) शामिल हैं।

ब्लैक सर्कल, काज़िमिर मालेविच, 1920

रचना आठवीं, थियो वैन डॉसबर्ग

भावनात्मक या सहज अमूर्त कला

इस प्रकार की कला में शैलियों का एक संयोजन शामिल है, जिसका सामान्य विषय प्रकृतिवादी प्रवृत्ति है। यह प्रकृतिवाद प्रयुक्त रूपों और रंगों में ही प्रकट होता है। ज्यामितीय अमूर्तता के विपरीत, जो लगभग प्रकृति विरोधी है, सहज ज्ञान युक्त अमूर्तता अक्सर प्रकृति को दर्शाती है, लेकिन कम प्रतिनिधि है। इस प्रकार की अमूर्त कला के दो महत्वपूर्ण स्रोत हैं: जैविक अमूर्तता (जिसे बायोमॉर्फिक अमूर्तता भी कहा जाता है) और अतियथार्थवाद। शायद इस कला में विशेषज्ञता वाले सबसे प्रसिद्ध कलाकार रूस में जन्मे मार्क रोथको (1938-70) थे। अन्य उदाहरणों में कंडिंस्की की पेंटिंग्स जैसे कंपोजिशन नंबर 4 (1911, कुन्स्तसम्लंग नॉर्डरहेन-वेस्टफेलन) और कंपोजिशन VII (1913, ट्रीटीकोव गैलरी) शामिल हैं; वुमन (1934, प्राइवेट कलेक्शन) जोआन मिरो (1893-1983) और अनसर्टेन डिविज़िबिलिटी (1942, ऑलब्राइट-नॉक्स आर्ट गैलरी, बफ़ेलो) यवेस टैंगुय (1900-55)।

अनिश्चितकालीन विभाज्यता, यवेस टंगुय

हावभाव (हावभाव) अमूर्त कला

शीर्षकहीन, डी. पोलक, १९४९

यह एब्सट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज़्म का एक रूप है जहाँ पेंटिंग की प्रक्रिया सामान्य से अधिक महत्वपूर्ण हो जाती है। उदाहरण के लिए, पेंट असामान्य तरीके से लगाया जाता है, स्ट्रोक अक्सर बहुत ढीले और तेज़ होते हैं। जेस्चर पेंटिंग के उल्लेखनीय अमेरिकी प्रतिपादकों में एक्शन-पेंटिंग के आविष्कारक जैक्सन पोलक (1912-56) और उनकी पत्नी ली क्रसनर (1908-84) शामिल हैं, जिन्होंने उन्हें "ड्रिप पेंटिंग" नामक अपनी तकनीक का आविष्कार करने के लिए प्रेरित किया; विलेम डी कूनिंग (1904-97), वुमन सीरीज़ में अपने काम के लिए प्रसिद्ध; और रॉबर्ट मदरवेल (1912-56)। यूरोप में, इस रूप का प्रतिनिधित्व कोबरा समूह द्वारा किया जाता है, विशेष रूप से कारेल एपेल (1921-2006)।

मिनिमलिस्ट अमूर्त कला

ड्राइंग ट्रेनिंग, एड रेनहार्ड्ट, 1939

इस प्रकार की अमूर्तता एक प्रकार की अवंत-गार्डे कला थी, जो सभी बाहरी लिंक और संघों से रहित थी। यह वही है जो आप देखते हैं - और कुछ नहीं। यह अक्सर एक ज्यामितीय आकार लेता है। इस आंदोलन में मूर्तिकारों का वर्चस्व है, हालांकि इसमें एड रेनहार्ड्ट (1913-67), फ्रैंक स्टेला (जन्म 1936) जैसे कुछ महान कलाकार भी शामिल हैं, जिनकी पेंटिंग बड़े पैमाने पर हैं और इसमें रूप और रंग के समूह शामिल हैं; सीन स्कली (जन्म 1945) एक आयरिश-अमेरिकी कलाकार हैं, जिनके रंग के आयताकार आकार प्रागैतिहासिक संरचनाओं के स्मारकीय आकृतियों की नकल करते प्रतीत होते हैं। प्लस जो बेयर (जन्म 1929), एल्सवर्थ केली (1923-2015), रॉबर्ट मैंगोल्ड (जन्म 1937), ब्राइस मार्डेन (जन्म 1938), एग्नेस मार्टिन (1912-2004) और रॉबर्ट रमन (जन्म 1930)।

एल्सवर्थ केली

फ्रैंक स्टेला

परिभाषा के अनुसार, हम विकिपीडिया, एब्सट्रैक्ट आर्ट (lat. लेकिनबस्ट्रैक्टियो n - हटाना, व्याकुलता) या गैर आलंकारिकया व्यर्थकला की दिशा, जिसने पेंटिंग, ग्राफिक्स और मूर्तिकला में वास्तविकता के करीब रूपों की छवि को त्याग दिया।

पहले अमूर्तवादियों की सौंदर्यवादी अवधारणा वास्तविक रूप की अस्वीकृति पर आधारित थी, जिसके लिए कम से कम शुद्ध भावनात्मक संदेश व्यक्त करने के लिए दर्शक को विद्वान और तार्किक होने की आवश्यकता होती है। अधिकतम के रूप में, यह माना जाता था कि कलात्मक रचना ब्रह्मांड के नियमों को दर्शाती है, जो वास्तविकता की बाहरी, सतही घटनाओं के पीछे छिपी होती है। ये पैटर्न, कलाकार द्वारा सहज रूप से समझे गए, अमूर्त रूपों (रंग धब्बे, रेखाएं, वॉल्यूम, ज्यामितीय आकार) के अनुपात के माध्यम से व्यक्त किए गए थे।

चावल। 1. वी. वी. कैंडिंस्की। पहला अमूर्त जल रंग। १९१० ग्रा.

व्यापक रूप से इस्तेमाल किया जाने वाला शब्द अमूर्त रचना शिक्षा के क्षेत्र से बाहर निकलता है, जहां यह एक निर्देशात्मक अभ्यास के निर्माण को परिभाषित करता है। "रचना" शब्द का प्रयोग रचना के अर्थ में नहीं, बल्कि तैयार कार्य के पहलू में किया जाता है। या यों कहें, अमूर्त कला में रचना के बारे में बात करने के लिए। "व्यक्तिगत अनुभव" की कला के रूप में, अपने अस्तित्व की विभिन्न अवधियों में अमूर्तवाद ने दर्शकों को झकझोर दिया, कला के अवांट-गार्डे को बनाया, फिर एक कला के रूप में उपहास, निंदा और सेंसर किया, जिसका कोई अर्थ नहीं है और पतित है। हालांकि, अब अमूर्ततावाद कला के अन्य सभी रूपों के समान आधार पर मौजूद है और इसके अलावा, वास्तुशिल्प और डिजाइन विशिष्टताओं के लिए शैक्षणिक संस्थानों में प्रवेश के लिए प्रवेश परीक्षाओं के कार्यों में विशेष स्थान लेता है। आवेदक की रचनात्मक क्षमताओं के परीक्षण के रूप में, अमूर्त परीक्षण बहुत उत्पादक है क्योंकि रचनात्मक सोच, रचनात्मक ज्ञान और आसपास की दुनिया के पहचानने योग्य रूपों पर प्रतिबंध की जटिल परिस्थितियों में किसी विषय को व्यक्त करने की क्षमता को स्पष्ट रूप से प्रकट करता है। आखिरकार, ऐतिहासिक रूप से, कला की भाषा के प्राथमिक तत्वों के साथ काम करना (वे ज्यामितीय रूप जिनसे आलंकारिक कला में अतिरिक्त कटौती करके, आप दृश्य दुनिया की वस्तुएं प्राप्त कर सकते हैं), अमूर्तवादियों ने सभी के लिए सामान्य संरचना सिद्धांतों की ओर रुख किया ललित कला। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि अमूर्तवादियों ने औद्योगिक सौंदर्यशास्त्र (डिजाइन), कलात्मक डिजाइन, वास्तुकला (नीदरलैंड में स्टाइल समूह की गतिविधियों और जर्मनी में बौउउस स्कूल में अपने गैर-चित्रकारी रूपों के लिए आवेदन पाया; वीखुटेमास में कैंडिंस्की का काम; मालेविच का आर्किटेक्ट और डिजाइन परियोजनाएं; अलेक्जेंडर काल्डर के मोबाइल; व्लादिमीर टैटलिन द्वारा डिजाइन, नौम गाबो और एंटोनी पेवज़नर द्वारा काम करता है)। अमूर्तवादियों की गतिविधि ने आधुनिक वास्तुकला, कला और शिल्प और डिजाइन के निर्माण में योगदान दिया।

व्यक्तिगत रूप से, लेखक केवल अमूर्त रचना में रुचि रखता है क्योंकि पारंपरिक अमूर्त रूपों के उदाहरण का उपयोग करके एक छवि के दर्शक की धारणा के मनोविज्ञान संबंधी नियमों को समझना आसान होता है और किसी काम में लेखक के विचार की पहचान करते समय उन्हें सेवा में डाल दिया जाता है। आखिरकार, दर्शकों के लिए अपने विचारों को समझने योग्य बनाने के लिए, एक चित्रमय भाषा में संवाद करना तर्कसंगत है जो दर्शक और कलाकार के लिए समझ में आता है, जिसके बारे में कला इतिहास के डॉक्टर जी.पी. स्टेपानोव ने लिखा है। (कला के संश्लेषण की संरचना संबंधी समस्याएं, 1984)। आर। अर्नहेम (कला और दृश्य धारणा। 1974) के मानस के सामान्य मानव हावभाव की भाषा में, मस्तिष्क द्वारा जो देखा गया था, उसे देखने और प्रसंस्करण के शरीर विज्ञान को ध्यान में रखते हुए, जिसे जी.आई. द्वारा अपनी पुस्तक में कलाकारों के लिए सामान्यीकृत किया गया था। पंकसेनोव (पेंटिंग। फॉर्म, रंग, छवि, 2007)। लेख "" और "" में लेखक द्वारा इस विषय का विस्तृत विवरण दिया गया है, जिससे इस लेख की समझ में वृद्धि होगी। आइए इस तथ्य पर ध्यान दें कि जब किसी विषय के पहले विचार (शैली या कथानक, सहयोगी-अतियथार्थवादी, सजावटी, आदि) रचना * को स्केच किया जाता है, तो उसमें सभी वस्तुओं को पारंपरिक स्पॉट या द्रव्यमान के साथ रेखांकित किया जाता है, जो तब हैं अतिरिक्त "काटने" की विधि द्वारा पहचानने योग्य रूपों में लाया गया ... रचना का सिद्धांत स्पष्ट रूप से निर्देश देता है कि यह पहले निहित रेखाचित्रों के चरण में बड़े और छोटे, अंधेरे और प्रकाश के सशर्त द्रव्यमान में है कि अंतःक्रिया, सद्भाव, संरचना केंद्र, अभिव्यक्ति के साधनों को पाया जाना चाहिए और अंत तक सावधानीपूर्वक संरक्षित किया जाना चाहिए काम पर काम।

चावल। 2. चित्रों के रेखाचित्र। ए) आई.आई. लेविटन। मंच। पास आ रही ट्रेन। रेखाचित्र। 1879. ट्रीटीकोव गैलरी। बी) स्पिरिडोनोव वी.एम.बहु-आकृति रचना। स्केच 1941 चुवाश राज्य। संग्रहालय। में)
पी जी सरू। मरियकी गो। पेंटिंग "व्हेन द लिलाक ब्लॉसम" के लिए रेखाचित्र। चुवाश राज्य संग्रहालय।

इस दृष्टिकोण में रचना के सभी हाइपोस्टेसिस (शैली, अमूर्त साहचर्य, सजावटी, आदि) समान हैं। बेशक, अमूर्तता में, हम दर्शक को केवल किसी प्रकार के मनोवैज्ञानिक अनुभव, मनोदशा, संवेदना के करीब ला सकते हैं, लेकिन यह एक काम और एक उद्देश्य प्रकृति के लिए पर्याप्त नहीं है। इसलिए, अमूर्त में रचना को समझने से कला में आलंकारिक आंदोलनों के क्षितिज और कलाकारों का विस्तार होगा। इन स्थितियों से हम यह अनुमान लगाते हैं कि मनोवैज्ञानिक और दृश्य के बीच संबंध को समझना रचना ज्ञान में कुछ संवेदनाओं को व्यक्त करने का मूल सिद्धांत बनना चाहिए। यह कलाकार को अपने विचारों को अधिक सटीक रूप से व्यक्त करने और आलंकारिक और गैर-आलंकारिक प्रकृति दोनों के काम में दर्शक पर अधिक शक्तिशाली भावनात्मक प्रभाव पैदा करने की अनुमति देगा।

हालांकि, क्या सभी ड्राफ्ट्समैन कुछ संवेदनाओं को प्रदर्शित करने के सिद्धांतों को समझते हैं, इस या उस जुड़ाव, मूड को एक गैर-उद्देश्यपूर्ण रचना में, किस कोडित भाषा की मदद से लेखक और दर्शक को छवि के माध्यम से बोलना चाहिए?

* सभी ललित कलाओं को वस्तुनिष्ठ और गैर-उद्देश्य में विभाजित किया जा सकता है। दोनों वर्गों को कला में प्रवृत्तियों के एक सेट के रूप में दर्शाया जा सकता है, उदाहरण के लिए, अमूर्त कला में, ज्यामितीय अमूर्तता के दो बड़े क्षेत्र, मुख्य रूप से स्पष्ट रूप से परिभाषित विन्यास (मालेविच, मोंड्रियन) और गीतात्मक अमूर्तता पर आधारित होते हैं, जिसमें रचना स्वतंत्र रूप से आयोजित की जाती है बहने वाले रूप (कैंडिंस्की)। उनके ढांचे के भीतर, संकरी धाराओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है, उदाहरण के लिए, टैचिज़म (कलाकार की अचेतन गतिविधि को व्यक्त करने वाले धब्बों के साथ पेंटिंग), वर्चस्ववाद (सरल ज्यामितीय रूपरेखा के बहु-रंगीन विमानों के संयोजन), नियोप्लास्टिकवाद (की व्यवस्था में पेंटिंग) स्पेक्ट्रम के मुख्य रंगों में चित्रित बड़े आयताकार विमान), आदि। डी। ऑब्जेक्ट पेंटिंग में, सबसे यथार्थवादी रूप, क्रिया, समय, स्थान के चित्रण के लिए विभिन्न दृष्टिकोण हस्तक्षेप करते हैं। उदाहरण के लिए, एक शैली यथार्थवादी रचना, अर्थात्। कला की एक निश्चित शैली को दर्शाता है (चित्र, स्थिर जीवन, परिदृश्य, पशुवादी, ऐतिहासिक, युद्ध, रोजमर्रा की जिंदगी, आदि) स्पष्ट रूप से अरस्तू की एकता - समय, स्थान, क्रिया का पालन करता है। ऐसी कला में, वास्तविक स्थान में एक निश्चित समय पर कुछ पात्र एक क्रिया द्वारा एकजुट होते हैं। हालांकि, अतियथार्थवाद, घनवाद, भविष्यवाद और अन्य "विषय" अवंत-गार्डे आंदोलनों जैसे रुझान, जहां आसपास की दुनिया की वस्तुओं को शैलीकरण (विरूपण, सरलीकरण, जटिलता, आदि) की एक महत्वपूर्ण डिग्री के साथ या इसके बिना चित्रित नहीं किया गया है। वास्तविक भौतिक दुनिया की स्थितियाँ, लेकिन मानो लेखक के साहचर्य प्रतिबिंबों की धारा में। दूसरे शब्दों में, वास्तविक वस्तुएं हैं, लेकिन समय, रिक्त स्थान मिश्रण कर सकते हैं, रंग को सशर्त रूप से व्याख्या किया जा सकता है, और आकार को दृढ़ता से विकृत किया जा सकता है। "पहले से ही 19 वीं -20 वीं शताब्दी के मोड़ पर प्रोटो-अवंत-गार्डे की अवधि को एक टूटने के रूप में वर्णित किया गया है, अरस्तू के शास्त्रीय सौंदर्यशास्त्र से एक संक्रमण, गैर-शास्त्रीय, अरिस्टोटेलियन विरोधी परंपरा के लिए नकल"। लेकिन, इस सब के साथ, कानून, नियम, सिद्धांत, अभिव्यक्ति के साधन सभी अभिव्यक्तियों के लिए समान हैं और लेखक द्वारा किसी उद्देश्य या गैर-उद्देश्य छवि के किसी भी रूप में निर्धारित प्रभाव उत्पन्न करते हैं।

इस लेख का उद्देश्य उन पर्याप्त सिद्धांतों का वर्णन करने का प्रयास करना है जिनके द्वारा एक अमूर्त रचना में मानव संवेदनाएं प्रकट होती हैं, और साथ ही स्पर्श के उदाहरण का उपयोग करके रचना में जीवन संवेदनाओं की अभिव्यक्ति के बारे में सोचने की पद्धति की व्याख्या करने के लिए, रचना और आकार देने पर शैक्षिक कार्यों के लिए स्वाद, वेस्टिबुलर, आदि मानक कार्य। संवेदनाएं। आइए अमूर्त कला में रचना की विशेषताओं का विश्लेषण क्यों करें और दृष्टांतों के साथ कई उदाहरण दें।

किसी रचना में स्टैटिक्स को व्यक्त करने के लिए, निम्नलिखित विशेषताएँ हैं:

एक भारी तल और एक हल्का शीर्ष चादर में बलों के संरेखण की एक मनोवैज्ञानिक प्रत्याशा (उम्मीद) है, जो जीवन की भौतिक वास्तविकताओं के कारण है। दूसरे शब्दों में, अपने पैरों के नीचे एक विश्वसनीय सहारा महसूस करने की आदत से, और आपके सिर के ऊपर एक हल्का, चमकीला आकाश। इसलिए, संरचना केंद्र को शीट के ज्यामितीय केंद्र के ठीक नीचे रखना बेहतर है ताकि नीचे को मजबूत किया जा सके, रचना को निहित प्लेटफॉर्म पर खींचा जा सके। शीट के निचले किनारे पर सहयोगी रूप से महसूस किया जाता है, भौतिक कानून के संबंध में समर्थन क्षेत्र बड़ा होना आवश्यक है कि एक बड़ा विमान एक बड़ा घर्षण बल देता है। संतुलन स्थिर अवस्थाओं को खोजने के जीवन के अनुभव के संबंध में, एक रचना में एक प्रमुख सिद्धांत या एक प्रमुख सिद्धांत के रूप में ऊर्ध्वाधर और क्षैतिज पर जोर देना आवश्यक है। एक कोने पर लगाने के लिए कुछ भी खर्च नहीं होता है। यहां तक ​​​​कि रचनाओं में त्रिकोण जो उनके पक्षों के साथ विकर्णों का परिचय देते हैं, उन्हें एक विस्तृत आधार पर रखा जाना चाहिए, जो समद्विबाहु और समकोण त्रिभुजों की ओर झुकता है। लेखक के अनुसार, रंग वेस्टिबुलर संवेदनाओं को प्रभावित नहीं करता है।

रचना में गतिशीलता को व्यक्त करने के लिए इसकी विशेषता है:

मानस के प्रचलित "अर्नहेम" जेस्टाल्ट के संबंध में, सिर के ऊपर एक हल्का, उज्ज्वल आकाश महसूस करने के लिए, अक्सर सचित्र विमान को देखते समय, शीट के ऊपरी हिस्से में रखी गई वस्तुएं उड़ती या गिरती हुई प्रतीत होती हैं। इसलिए, दर्शक के लिए जोर को स्थानांतरित करने के लिए शीट के ज्यामितीय केंद्र के ठीक ऊपर गतिशील रचनाओं में रचना केंद्र रखना बेहतर है, जैसा कि "आकाश में" था। आइए हम यह सुझाव देने के लिए उद्यम करें कि गहरे रंग की वस्तुएं और गुरुत्वाकर्षण से जुड़ी बड़ी वस्तुएं गिरती हुई प्रतीत होती हैं, जबकि प्रकाश और प्रकाश, फुलाना, बर्फ, भाप, आदि के सादृश्य से उड़ते हुए प्रतीत होते हैं। शीट के निचले किनारे पर समर्थन क्षेत्र बिल्कुल अनावश्यक है। स्टैटिक्स के विपरीत, एक गतिशील रचना की संरचना अक्सर एक विकर्ण होती है। एक सर्पिल हो सकता है, लेकिन एक सर्पिल के साथ, निरंतर हटाने और उड़ान की छाप ताल और पैमाने से "निचोड़" होनी चाहिए। कृपया ध्यान दें कि गतिकी का अर्थ अराजक गति नहीं है, बल्कि वेक्टर-निर्देशित है, जैसे कि किसी दिए गए त्वरण के साथ। दूसरे शब्दों में, चित्रित वस्तुओं को एक विशिष्ट लक्ष्य की ओर उड़ते हुए (बल के साथ फेंका हुआ) प्रतीत होना चाहिए। विभिन्न आयतों के रूप में ऐसी स्थिर आकृतियों को तिरछे कोण पर रखा जाना चाहिए। अभिव्यक्ति का मुख्य साधन लय है। एक खींची गई वस्तु से दूसरी वस्तु की दूरी अलग-अलग करके, कलाकार त्वरण या मंदी की भावना पैदा कर सकता है, यह इस बात पर निर्भर करता है कि आंख को एक वस्तु से दूसरी वस्तु पर कितनी दूर कूदना है। साथ ही, प्रस्थान करने वाली वस्तुओं की संभावित कमी का प्रभाव भी एक अच्छी मदद होगी। लेखक के अनुसार, रंग वेस्टिबुलर संवेदनाओं को प्रभावित नहीं करता है।

चावल। 3. ज्यामितीय सार रचना में स्थैतिक और गतिकी की छवियों के उदाहरण। ए) युलदाशेवा ई। बी) लाज़रेवा वी। सी) लाज़रेवा वी।

एक रचना में बड़े पैमाने पर व्यक्त करने के लिए, यह विशिष्ट है:

शीट में गुरुत्वाकर्षण को व्यक्त करने के लिए, ज्यामितीय केंद्र के ठीक नीचे रचना केंद्र रखना बेहतर होता है। क्षैतिज प्रारूप को चुनना अधिक सफल है, जैसे कि "डाउन टू अर्थ"। विशेष मामलों में, बड़े पैमाने पर, समर्थन क्षेत्र होना चाहिए, और बड़ा, बेहतर (कई भारी वस्तुओं सहित) इस तथ्य के कारण कि भारी द्रव्यमान जमीन पर अधिक मजबूती से आकर्षित होता है। छवि को शीट के निचले किनारे पर दबाना आवश्यक है। हालांकि, ऐसे कई कलात्मक कार्य हो सकते हैं जिनमें बड़े पैमाने को जमीन से नहीं जोड़ा जाना चाहिए, फिर इसे केवल बड़े पैमाने पर चादर में और गहरे स्वर में ही सीमित किया जाना चाहिए। बड़े पैमाने पर रचनाएँ बनाने के लिए शायद कोई स्पष्ट संरचना नहीं है, लेकिन इस तथ्य के कारण भारीपन, भरापन और दबाव की भावना को बढ़ाना दिलचस्प है कि रेखांकन के साथ आप एक छोटी वस्तु को बड़े लोगों के साथ चुटकी या कुचल सकते हैं, रुकावटों के साथ सादृश्य द्वारा। वस्तुओं को उनके बीच दिखाई देने वाले अंतराल के बिना, कसकर चित्रित करने का प्रयास करें। वजन संवेदनाओं के लिए, स्वर, हल्का या गहरा, रंग से कहीं अधिक महत्वपूर्ण है। तो, सामूहिकता की भावना को प्रकट करने के लिए, अंधेरे स्वर बचाव में आने चाहिए। यह फिर से जीवन के अनुभव से जुड़ा है, जो भारी स्वर को अनुभव से पहले अपेक्षित (प्राथमिकता) गंभीरता के साथ जोड़ता है। सहित, आलंकारिक रूप से, अंधेरा किसी व्यक्ति की कठिन भावनात्मक अवस्थाओं से जुड़ा होता है। और चूंकि यह रंग विज्ञान पाठ्यक्रम से ज्ञात होता है कि आप प्रत्येक रंग के लिए उपयुक्त स्वर चुन सकते हैं, तो स्वाभाविक रूप से गहरे रंग भूरे, नीले, बैंगनी, गहरे हरे, गहरे बरगंडी और अन्य गहरे रंग के रंग बड़े पैमाने पर उपयुक्त होते हैं। अभिव्यक्ति का मुख्य साधन पैमाना है। यह फिर से जीवन के अनुभव से संबंधित है, जो वस्तु के अपेक्षित वजन के साथ विशाल आकार को जोड़ता है।

रचना में हल्कापन की भावना पैदा करने के लिए, यह विशेषता है:

एक हल्के रचना केंद्र के लिए, शीट के ज्यामितीय केंद्र की तुलना में थोड़ा अधिक डिजाइन करना बेहतर होता है ताकि रचना में सबसे महत्वपूर्ण चीज को कुछ बढ़ते, उदात्त से जोड़ा जा सके। यहां तक ​​​​कि प्रारूप सबसे अधिक लंबवत होना चाहिए। स्टैटिक्स या स्थिरता से संबंधित विशेष मामलों में, समर्थन बिंदुओं की आवश्यकता होगी, लेकिन हल्के संरचनाओं की अधिक अभिव्यक्ति के लिए, उन्हें समर्थन क्षेत्र की परवाह किए बिना, बिंदु (ठोस नहीं), नेत्रहीन पतले समर्थन होना चाहिए। हालांकि, गतिशील प्रकृति के विभिन्न कलात्मक कार्य हो सकते हैं। फिर इसे पैमाने और हल्के स्वर की सहायता से विचार की अभिव्यक्ति तक ही सीमित रखना चाहिए। यहां रचना की स्पष्ट संरचना को उजागर करना व्यर्थ है, लेकिन छवि में वस्तुओं के बीच "वायु" की प्रचुरता से हल्कापन की भावना को बढ़ाना दिलचस्प है। उसी समय, तथाकथित "ड्राइंग थ्रू" या "ऑब्जेक्ट के माध्यम से" लपट पर जोर देने के लिए एक उत्कृष्ट कलात्मक तकनीक बन जाएगी, जिससे चित्रित वस्तुओं की पारदर्शिता का आभास होता है। वस्तुओं को खोखले के रूप में चित्रित करना भी अच्छा है, साहचर्य रूप से उनके द्रव्यमान को हल्का करना। हल्केपन की भावना को प्रकट करने के लिए, जीवन की वास्तविकताओं के अनुरूप, हल्के रंग उपयुक्त हैं, फुलाना, बर्फ, भाप, आदि के साथ सादृश्य द्वारा। और चूंकि यह रंग विज्ञान के पाठ्यक्रम से जाना जाता है कि आप प्रत्येक रंग के लिए उपयुक्त स्वर चुन सकते हैं, तो स्वाभाविक रूप से प्रकाश रंगों के हल्के रंगों से जुड़ा होता है: पीला, गुलाबी, नारंगी, नीला, हल्का हरा। अभिव्यक्ति का मुख्य साधन पैमाना है। यह फिर से जीवन के अनुभव से जुड़ा है, जो वस्तु के ज्ञात हल्केपन के साथ छोटे आकार को जोड़ता है।

चावल। 4. ज्यामितीय अमूर्त रचना में द्रव्यमान और प्रकाश की छवि के उदाहरण। ए) बिल्लायेवा ई।, बी) लाज़रेवा वी।, सी) युलदाशेवा ई।

रचना में स्थिरता और अस्थिरता की भावना पैदा करने के लिए, यह महत्वपूर्ण है:

ये दो विषय पृथ्वी, तल, पोडियम, समर्थन के विमान की मानवीय अवधारणा के साथ अटूट रूप से जुड़े हुए हैं। बेशक, इन विमानों को खींचने की ज़रूरत नहीं है, लेकिन उन्हें लाइनों की एकाग्रता से निहित और जोर दिया जा सकता है। स्थिर स्थिर से केवल इस भावना से भिन्न होगा कि स्थैतिक सदियों तक खड़ा रहेगा, और स्थिरता एक क्षणभंगुर घटना है। यदि स्टैटिक्स, जैसा कि हम इसे समझते हैं, नष्ट करना मुश्किल है, तो स्थिर को थोड़े प्रयास से नष्ट कर दिया जाता है। ग्राफिक संरचना में स्थिरता की भावना को स्पष्ट रूप से प्रस्तुत करने के लिए, समर्थन क्षेत्र (कई वस्तुओं के कुल सहित) बड़ा नहीं हो सकता है, लेकिन इच्छित "मंजिल" के विमान पर संपूर्ण संरचना के संरचना केंद्र का कुल प्रक्षेपण "समर्थन क्षेत्र में आना चाहिए। इसके विपरीत यदि गुरुत्वाकर्षण के केंद्र का प्रक्षेपण समर्थन क्षेत्र से आगे जाता है, तो पतन, पतन, विनाश की भावना होती है। इस मामले में, हम लंबवत प्रारूप चुनने की सलाह देते हैं। प्रतिरचना केंद्र को ज्यामितीय केंद्र के ऊपर रखें।

चावल। 5. एक अमूर्त ज्यामितीय रचना में स्थिर और अस्थिर की छवियों के उदाहरण। ए) लाज़रेवा वी।, बी) युलदाशेवा ई।

खट्टे की स्वाद संवेदनाओं को व्यक्त करने के लिए, रचना के लिए यह महत्वपूर्ण है:

लेखक की राय में, स्वाद संवेदनाओं को व्यक्त करने में रंग बहुत बड़ी भूमिका निभाता है। नींबू, चूना, अनानास, अंगूर आदि के चमकीले रंग जीवन से खट्टेपन से जुड़े हैं इसलिए पीले, हरे, पन्ना, नीले, नीले, बैंगनी रंग के सभी ठंडे रंग हमारे लिए उपयुक्त हैं। स्वाभाविक रूप से, सूचीबद्ध रंग लेखक-संगीतकार के विचार के लिए पर्याप्त नहीं हो सकते हैं। उसी समय, आपको सूचीबद्ध रंगों के साथ अपनी रचना को खराब नहीं करना चाहिए। याद रखने का एक ही नियम है - 75% ठंडे खट्टे रंग और 25% अन्य। यह स्पष्ट रूप से समझा जाना चाहिए कि जितना अधिक आप विपरीत संवेदनाओं से तत्वों को रचना में लाते हैं, आपके पास उतने ही बाहरी संघ हैं, जो रचना की अखंडता के सिद्धांतों का खंडन करते हैं, जब प्रत्येक तत्व को लेखक के सामान्य विचार को व्यक्त करने के लिए काम करना चाहिए। वास्तविक जीवन की छवियों के कारण रचना में गठन फिर से होता है। मेंनींबू खाने से अपनी संवेदनाओं को याद रखें। मौखिक गुहा कट, चुभन, डंक लगती है, इसलिए, रचना में रूपों का उपयोग कांटेदार, सुई की तरह, तेज, झालरदार किया जाना चाहिए।

मीठी चीजों के स्वाद को व्यक्त करने के लिए रचना के लिए महत्वपूर्ण है:

पीले, हरे, साथ ही नारंगी, लाल, भूरे रंग के गर्म रंग जीवन में मीठे से जुड़े होते हैं। अन्य रंगों के लिए, ठीक यही नियम लागू होता है: 75% मीठे स्वाद से जुड़े होते हैं और 25% अन्य रंग होते हैं। रचना में वस्तुओं का आकार बनाने के लिए, मीठा खाने से लेकर मीठा मीठा खाने तक की अपनी भावनाओं को याद रखें। नरम घुमावदार वक्र, चिपचिपा, बूंद जैसी आकृतियाँ तुरंत दिमाग में आती हैं, निचोड़ने वाले जाम के साथ जुड़ाव, बहुपरत केक के बीच बहने वाली क्रीम परतों के साथ उत्पन्न हो सकते हैं। आपको बस अपनी यादों का विश्लेषण और वस्तुओं से अमूर्त रेखाओं और रंगों में बदलने की जरूरत है।

चावल। 6. खट्टे और मीठे संवेदनाओं की एक अमूर्त गीतात्मक रचना में अभिव्यक्ति के उदाहरण ए) काले और सफेद ग्राफिक्स में, बी) रंग में। इकोनिकोवा ई.

किसी रचना में खुशी और दुख कैसे व्यक्त करें

उदासीड्राइंग में - ये गहरे, मोटे अक्रोमैटिक या अक्रोमैटिक रंग हैं, एक निश्चित अवैयक्तिकता या ऊब, नीरस रूपों और उनके बीच समान दूरी, ऊर्ध्वाधर लय, घुमावदार वक्र, "धुंध" का प्रभाव पैदा करते हुए, विशेष तकनीकों के साथ नेबुला, जैसे कि एक नुकीला हर्ष- यह एक गतिशील रचना है, असममित, ताल लगातार बदल रहे हैं, जैसे कि तराजू हैं। सभी तत्व अपना काम करते हैं: प्रारूप के संबंध में औसत रूप, एक नियम के रूप में, मुख्य शब्दार्थ भार को वहन करते हैं और मुख्य क्रिया बनाते हैं, एक रचना में बड़े तत्वों में माध्यम को एक प्रणाली में संयोजित करने की क्षमता होती है, अधीनस्थ असमान तत्व, छोटे वाले प्रत्येक रचना के "किशमिश" हैं। विचारशील प्लास्टिक वाक्यांशों के साथ, वे एक अलमारी में एक छोटे से अलंकरण की तरह रचना को सजाते हैं। फिर से, छुट्टी की विशेषताओं को याद रखें और आतिशबाजी, बारिश, कंफ़ेद्दी, रिबन, पॉप, फ्लैश आदि जैसी डॉट लाइनों की व्यवस्था करें। रंग क्रमशः खुले चमकीले होने चाहिए।

चावल। 7. अमूर्त रचना में छवियों के उदाहरण a) स्पर्शनीय, b) स्पर्शनीय, c) श्रवण और अन्य संवेदनाएं। इकोनिकोवा ई.

हमने एक जबरदस्त काम किया है, जो व्यक्तिगत धारणा के कारण पूरी तरह से करना लगभग असंभव है। हमने लोगों के सांस्कृतिक, धार्मिक और सामाजिक संघों को नहीं छुआ, केवल भौतिक और शारीरिक - सामान्य, शायद, दुनिया की पूरी आबादी के लिए। यहां तर्क की एक विधि प्रस्तुत करना और भी महत्वपूर्ण था, जिसे बाद में गर्मी और ठंड, ध्वनि और बहरापन, आक्रामकता या शांति, उत्तेजना और शांति आदि व्यक्त करने जैसे कार्यों पर लागू किया जा सकता है। वास्तुशिल्प और कलात्मक व्यवसायों को पढ़ाने में चक्र, अमूर्त में संवेदनाओं की अभिव्यक्ति के लिए कार्य हैं, लेकिन लेखक एक स्पष्ट सहायक सिद्धांत के अस्तित्व को नहीं जानता है। इसलिए, नौसिखिए कलाकारों की लेखक की तकनीकों की खोज के लिए, व्यक्तिगत प्रतिबिंबों के लिए लेखक के व्यक्तिगत विकास से आधार देने का प्रयास किया गया था। हम पाठक का ध्यान इस तथ्य की ओर आकर्षित करते हैं कि लेख में बुनियादी सिद्धांत हैं जो शायद अनुभव और विश्लेषणात्मक सोच वाले पेशेवरों के लिए समझ में आते हैं। और चूंकि रचना के सिद्धांतों में से एक नवीनता है (इस अर्थ में नहीं कि किसी भी लेखक का विकास जो पहले मौजूद नहीं था, वह अपने आप में नया है, लेकिन इस अर्थ में कि इसकी रचना को एक नीरस द्रव्यमान से व्यक्तिगत रूप से अलग किया जाना चाहिए), फिर इस आधार पर प्रत्येक लेखक को अपने व्यक्तिगत विकास की तलाश करनी चाहिए। यह कहना बाकी है कि प्रस्तुत लेखक की अवधारणा अंतिम सत्य नहीं है, अपने स्वयं के अनुभव से सीखें, विश्लेषण करें, संश्लेषण करें। अपनी अंतरात्मा की आवाज को सुनना, अजीब तरह से, बहुत महत्वपूर्ण है, अपने आप को दिए गए उत्तर का विश्लेषण करना कितना महत्वपूर्ण है और यह पता लगाने की कोशिश करें कि आपको जो पसंद नहीं है उसे कैसे ठीक किया जाए, या जो आपको पसंद है उसे कैसे खराब न करें। इसलिए वर्षों से सकारात्मक उत्तर से जुड़ी तकनीकें और निष्कर्ष एक बहुत बड़ा पेशेवर सामान बन जाते हैं, जो कि नकारात्मक व्यक्तिगत अनुभवों और शिक्षकों से प्रतिक्रिया से जुड़े असफल परीक्षणों से भी मुक्त हो जाएगा।

जैसा। चुवाशोव

ग्रंथ सूची:

1. क्रायुचकोवा वीए एब्स्ट्रैक्शनिज्म // ग्रेट रशियन इनसाइक्लोपीडिया / एस एल क्रैवेट्स। मॉस्को: ग्रेट रशियन इनसाइक्लोपीडिया, २००५.वॉल्यूम १.पी. ४२-४३। ७६८ एस.

2. सरुखानयन एपी "आधुनिकतावाद" और "अवंत-गार्डे" की अवधारणाओं के बीच संबंध पर // बीसवीं शताब्दी की संस्कृति में अवंत-गार्डे (1900-1930): सिद्धांत। इतिहास। पोएटिक्स: 2 खंडों में। / ईडी। यूएन गिरिना। - एम।: आईएमएलआई आरएएन, 2010 .-- टी। 1. - पी। 23।

अवंत-गार्डे की कला में मुख्य प्रवृत्तियों में से एक। अमूर्त कला का मुख्य सिद्धांत दृश्य वास्तविकता की नकल करने और काम बनाने की प्रक्रिया में इसके तत्वों के साथ काम करने से इनकार करना है। आसपास की दुनिया की वास्तविकताओं के बजाय, कला का उद्देश्य कलात्मक रचनात्मकता का टूलकिट है - रंग, रेखा, रूप। साजिश को प्लास्टिक के विचार से बदल दिया गया है। कलात्मक प्रक्रिया में साहचर्य सिद्धांत की भूमिका कई गुना बढ़ जाती है, और बाहरी आवरण से शुद्ध की गई अमूर्त छवियों में निर्माता की भावनाओं और मनोदशाओं को व्यक्त करना भी संभव हो जाता है, जो घटना के आध्यात्मिक सिद्धांत को केंद्रित करने में सक्षम हैं और हो सकते हैं इसके वाहक (वीवी कैंडिंस्की के सैद्धांतिक कार्य)।

रॉक पेंटिंग से शुरू होकर, अमूर्तता के यादृच्छिक तत्व विश्व कला में इसके पूरे विकास में पाए जा सकते हैं। लेकिन इस शैली की उत्पत्ति की तलाश उन प्रभाववादियों की पेंटिंग में की जानी चाहिए, जिन्होंने रंग को अलग-अलग तत्वों में विघटित करने का प्रयास किया था। फाउविज्म ने जानबूझकर इस प्रवृत्ति को विकसित किया, "खुलासा" रंग, अपनी स्वतंत्रता पर जोर दिया और छवि का उद्देश्य बनाया। फाउव्स में से, फ्रांज मार्क और हेनरी मैटिस अमूर्तता के सबसे करीब आए (उनके शब्द रोगसूचक हैं: "सभी कला सार है"), फ्रांसीसी क्यूबिस्ट (विशेषकर अल्बर्ट ग्लीज़ और जीन मेटज़िंगर) और इतालवी भविष्यवादी (गियाकोमो बल्ला और गीनो सेवरिनी) ने भी इसका अनुसरण किया। पथ। ... लेकिन उनमें से कोई भी लाक्षणिकता की सीमा को पार नहीं कर सकता था या नहीं करना चाहता था। "हालांकि, हम स्वीकार करते हैं कि मौजूदा रूपों के कुछ अनुस्मारक को कम से कम वर्तमान समय में पूरी तरह से गायब नहीं किया जाना चाहिए" (ए। ग्लैस, जे। मेट्ज़ेंज। क्यूबिज़्म पर। सेंट पीटर्सबर्ग, 1913, पृष्ठ 14)।

पहली अमूर्त रचनाएँ 1900 के दशक के अंत में दिखाई दीं - 1910 की शुरुआत में "ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट" पाठ पर काम करते हुए कैंडिंस्की के काम में, और उनकी पहली अमूर्त पेंटिंग को उनकी "पेंटिंग विद ए सर्कल" (1911। एनएमजी) माना जाता है। ) उनका तर्क इस समय का है: "<...>केवल फॉर्म सही है जो<...>सामग्री को तदनुसार मूर्त रूप देता है। सभी प्रकार के पक्ष विचार, और उनमें से तथाकथित "प्रकृति" के रूप की अनुरूपता, अर्थात्। बाहरी प्रकृति के लिए, महत्वहीन और हानिकारक हैं, क्योंकि वे रूप के एकमात्र कार्य से विचलित होते हैं - सामग्री का अवतार। फॉर्म अमूर्त सामग्री की एक भौतिक अभिव्यक्ति है "(सामग्री और रूप। 1910 // कैंडिंस्की 2001। टी। 1. पी। 84)।

प्रारंभिक अवस्था में, कैंडिंस्की द्वारा प्रस्तुत अमूर्त कला, निरपेक्ष रंग। रंग के अध्ययन में, व्यावहारिक और सैद्धांतिक दोनों तरह से, कैंडिंस्की ने जोहान वोल्फगैंग गोएथे द्वारा रंग के सिद्धांत को विकसित किया और पेंटिंग में रंग के सिद्धांत की नींव रखी (रूसी कलाकारों के बीच, रंग के सिद्धांत का अध्ययन एमवी मत्युशिन, जीजी क्लुटिस द्वारा किया गया था, IV क्लाइन और अन्य) ...

1912-1915 में रूस में, रेयोनिस्म (एमएफ लारियोनोव, 1912) और सर्वोच्चतावाद (केएस मालेविच, 1915) की अमूर्त सचित्र प्रणालियाँ बनाई गईं, जिन्होंने बड़े पैमाने पर अमूर्त कला के आगे के विकास को निर्धारित किया। घन-भविष्यवाद और तर्कवाद में अमूर्त कला के साथ तालमेल पाया जा सकता है। अमूर्तता की एक सफलता एनएस गोंचारोवा "खालीपन" (1914, ट्रेटीकोव गैलरी) की पेंटिंग थी, लेकिन इस विषय को कलाकार के काम में और विकास नहीं मिला। रूसी अमूर्तता का एक और गैर-अवशोषित पहलू ओ.वी. रोज़ानोवा द्वारा रंगीन पेंटिंग है (देखें: गैर-उद्देश्य कला)।

चेक फ्रांटिसेक कुप्का, फ्रांसीसी रॉबर्ट डेलाउने और जैक्स विलन, डचमैन पीट मोंड्रियन, अमेरिकी स्टैंटन मैकडोनाल्ड-राइट और मॉर्गन रसेल ने उसी वर्षों में सचित्र अमूर्तता के अपने रास्ते का अनुसरण किया। पहले अमूर्त स्थानिक निर्माण वी.ई. टैटलिन (1914) द्वारा काउंटर-रिलीफ थे।

समरूपता की अस्वीकृति और आध्यात्मिक सिद्धांत की अपील ने अमूर्त कला को थियोसोफी, नृविज्ञान और यहां तक ​​​​कि भोगवाद के साथ जोड़ने को जन्म दिया। लेकिन कलाकारों ने स्वयं अमूर्त कला के विकास के पहले चरणों में इस तरह के विचार व्यक्त नहीं किए।

प्रथम विश्व युद्ध के बाद, अमूर्त पेंटिंग ने धीरे-धीरे यूरोप में प्रमुख स्थान प्राप्त किया और एक सार्वभौमिक कलात्मक विचारधारा बन गई। यह एक शक्तिशाली कलात्मक आंदोलन है, जो अपनी आकांक्षाओं में सचित्र और प्लास्टिक कार्यों के दायरे से बहुत आगे निकल जाता है और सौंदर्य और दार्शनिक प्रणाली बनाने और सामाजिक समस्याओं को हल करने की क्षमता प्रदर्शित करता है (उदाहरण के लिए, जीवन के सिद्धांतों के आधार पर मालेविच का "सुपरमैटिस्ट सिटी" -इमारत)। 1920 के दशक में, उनकी विचारधारा के आधार पर, बॉहॉस या गिन्होक जैसे शोध संस्थानों का उदय हुआ। रचनावाद भी अमूर्तता से विकसित हुआ।

अमूर्तता के रूसी संस्करण को गैर-उद्देश्य कला कहा जाता है।

अमूर्त कला के कई सिद्धांत और तकनीक, जो बीसवीं शताब्दी में क्लासिक्स बन गए, व्यापक रूप से डिजाइन, थिएटर और सजावटी कला, फिल्म, टेलीविजन और कंप्यूटर ग्राफिक्स में उपयोग किए जाते हैं।

अमूर्त कला की अवधारणा समय के साथ बदल गई है। 1910 के दशक तक, इस शब्द का इस्तेमाल पेंटिंग के संबंध में किया जाता था, जहां रूपों को सामान्यीकृत और सरल तरीके से चित्रित किया जाता था, अर्थात। "सार" बनाम अधिक विस्तृत या प्राकृतिक चित्रण। इस अर्थ में, यह शब्द मुख्य रूप से सजावटी कलाओं या चपटे रूपों वाली रचनाओं पर लागू होता था।

लेकिन 1910 के दशक से, "अमूर्त" कार्यों को ऐसे कार्य कहा जाता है जहां एक रूप या रचना को ऐसे कोण से दर्शाया जाता है कि मूल वस्तु लगभग मान्यता से परे बदल जाती है। सबसे अधिक बार, यह शब्द कला की एक शैली को दर्शाता है जो पूरी तरह से दृश्य तत्वों की व्यवस्था पर आधारित है - रूप, रंग, संरचना, जबकि यह बिल्कुल भी आवश्यक नहीं है कि भौतिक दुनिया में उनकी एक दीक्षा छवि हो।

अमूर्त कला में अर्थ की अवधारणा (इसके पहले और बाद के दोनों अर्थों में) एक जटिल मुद्दा है जिस पर लगातार बहस होती है। सार रूप गैर-दृश्य घटनाओं जैसे प्रेम, गति या भौतिकी के नियमों का भी उल्लेख कर सकते हैं, जो एक व्युत्पन्न इकाई ("अनिवार्यता") से जुड़े हैं, विस्तृत, विस्तृत और महत्वहीन, आकस्मिक से अलग होने के एक काल्पनिक या अन्य तरीके से। एक प्रतिनिधि विषय वस्तु की अनुपस्थिति के बावजूद, एक अमूर्त कार्य में महान अभिव्यक्ति जमा हो सकती है, और लय, दोहराव और रंग प्रतीकवाद जैसे अर्थपूर्ण रूप से समृद्ध तत्व छवि के बाहर विशिष्ट विचारों या घटनाओं में शामिल होने का संकेत देते हैं।

साहित्य:

• एम. सेफ़र. ल'आर्ट एब्सट्रेट, सेस ओरिजिन, सेस प्रीमियर्स मैत्रेस। पेरिस, १९४९;
• एम. ब्रायन। एल'आर्ट सार। पेरिस, १९५६; डी.वैलियर. एल'आर्ट सार। पेरिस, 1967;
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• सी ब्लॉक। Geschichte der Abstrakten Kunst. 1900-1960। कोलन, १९७५;
• एम. शापिरो। सार कला की प्रकृति (1937) // एम। शापिरो। आधुनिक कला। चयनित कागजात। न्यूयॉर्क, 1978;
• टूवर्ड्स ए न्यू आर्ट: एसेज ऑन द बैकग्राउंड टू एब्सट्रैक्ट पेंटिंग 1910-1920। ईडी। एम.कॉम्पटन। लंदन, 1980;
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• एम। तुचमन द्वारा पाठ; बी अल्टशुलर। प्रदर्शनी में अवंत-गार्डे। 20 वीं शताब्दी में नई कला। न्यूयॉर्क, 1994;
• रूस में अमूर्त। XX सदी। टी 1-2। राज्य रूसी संग्रहालय [सूची] एसपीबी।, 2001;
• वस्तुहीनता और अमूर्तता। बैठ गया। लेख। सम्मान ईडी। जी.एफ.कोवलेंको। एम।, 2011 ।;