Ο σημερινός ιμπρεσιονισμός. Γαλλικός ιμπρεσιονισμός: γενικά χαρακτηριστικά, κύριοι δάσκαλοι

«Ένας νέος κόσμος γεννήθηκε όταν τον έγραψαν οι ιμπρεσιονιστές»

Henri Kahnweiler

XIX αιώνα. Γαλλία. Ένα πρωτόγνωρο συνέβη στη ζωγραφική. Μια ομάδα νέων καλλιτεχνών αποφάσισε να ταρακουνήσει 500 χρόνια παράδοσης. Αντί για καθαρό σχέδιο, χρησιμοποίησαν μια φαρδιά, «ατημέλητη» πινελιά.

Και εγκατέλειψαν εντελώς τις συνηθισμένες εικόνες, που απεικονίζουν τους πάντες στη σειρά. Και κυρίες της εύκολης αρετής, και κύριοι αμφίβολης φήμης.

Το κοινό δεν ήταν έτοιμο για τον ιμπρεσιονιστικό πίνακα. Τους χλεύασαν και τους μάλωσαν. Και το πιο σημαντικό, δεν αγοράστηκε τίποτα από αυτούς.

Όμως η αντίσταση έσπασε. Και μερικοί από τους ιμπρεσιονιστές έζησαν για να δουν τον θρίαμβό τους. Είναι αλήθεια ότι ήταν ήδη πάνω από 40. Όπως ο Claude Monet ή ο Auguste Renoir. Άλλοι έλαβαν αναγνώριση μόνο στο τέλος της ζωής τους, όπως ο Camille Pissarro. Κάποιος δεν στάθηκε στο ύψος του, όπως ο Άλφρεντ Σίσλεϊ.

Τι επαναστάτη πέτυχε ο καθένας τους; Γιατί το κοινό δεν τους δέχτηκε τόσο καιρό; Εδώ είναι 7 από τους πιο διάσημους Γάλλους ιμπρεσιονιστές που γνωρίζει ο κόσμος.

1. Εντουάρ Μανέ (1832-1883)

Εντουάρ Μανέ. Αυτοπροσωπογραφία με παλέτα. 1878 Ιδιωτική συλλογή

Ο Μανέ ήταν μεγαλύτερος από τους περισσότερους ιμπρεσιονιστές. Ήταν η κύρια έμπνευσή τους.

Ο ίδιος ο Μανέ δεν προσποιήθηκε τον αρχηγό των επαναστατών. Ήταν κοινωνικός. Ονειρευόμουν επίσημα βραβεία.

Όμως περίμενε την αναγνώριση για πολύ καιρό. Το κοινό ήθελε να δει ελληνικές θεές ή στη χειρότερη νεκρές φύσεις, να δείχνει όμορφος στην τραπεζαρία. Ο Μανέ ήθελε να γράψει τη σύγχρονη ζωή. Για παράδειγμα, εταίρες.

Το αποτέλεσμα ήταν Πρωινό στο γρασίδι. Δύο δανδήδες αναπαύονται παρέα με κυρίες της εύκολης αρετής. Ένας από αυτούς, σαν να μην είχε συμβεί τίποτα, κάθεται δίπλα στους ντυμένους.

Εντουάρ Μανέ. Πρωινό στο γρασίδι. 1863, Παρίσι

Συγκρίνετε το Breakfast on the Grass με το Romans in Decline του Tom Couture. Ο πίνακας του Couture έκανε θραύση. Ο καλλιτέχνης έγινε αμέσως διάσημος.

Το «Breakfast on the Grass» κατηγορήθηκε για χυδαιότητα. Οι έγκυες γυναίκες δεν συνιστούσαν απολύτως σοβαρά να την κοιτάξουν.

Thomas Couture. Παρακμή Ρωμαίοι. 1847 Musée d'Orsay, Παρίσι. artchive.ru

Στον πίνακα του Couture, βλέπουμε όλες τις ιδιότητες του ακαδημαϊσμού (παραδοσιακή ζωγραφική του 16ου-19ου αιώνα). Στήλες και αγάλματα. Άνθρωποι του Απόλλωνα εμφάνιση. Παραδοσιακά σιωπηλά χρώματα. Ο μανιερισμός των στάσεων και των χειρονομιών. Μια πλοκή από τη μακρινή ζωή ενός εντελώς διαφορετικού λαού.

Το «Breakfast on the Grass» του Μανέ είναι διαφορετικής μορφής. Πριν από αυτόν, κανείς δεν είχε απεικονίσει τόσο εύκολα τις εταίρες. Δίπλα σε αξιοσέβαστους κατοίκους της πόλης. Αν και πολλοί άνδρες εκείνης της εποχής και περνούσαν τον ελεύθερο χρόνο τους. Ήταν η πραγματική ζωή πραγματικών ανθρώπων.

Κάποτε απεικόνιζε μια αξιοσέβαστη κυρία. Ασχημος. Δεν μπορούσε να την κολακέψει με ένα πινέλο. Η κυρία ήταν απογοητευμένη. Τον άφησε με κλάματα.

Εντουάρ Μανέ. Αντζελίνα. 1860 Musée d'Orsay, Παρίσι. Wikimedia.commons.org

Έτσι συνέχισε να πειραματίζεται. Για παράδειγμα, με χρώμα. Δεν προσπάθησε να απεικονίσει τη λεγόμενη φυσική γεύση. Αν είδε το γκρι-καφέ νερό ως έντονο μπλε, τότε το απεικόνιζε ως έντονο μπλε.

Αυτό φυσικά ενόχλησε το κοινό. «Σε τελική ανάλυση, ακόμη και η Μεσόγειος Θάλασσα δεν μπορεί να καυχηθεί για ένα τέτοιο γαλάζιο όπως το νερό του Μανέ», ψιθύρισαν.

Εντουάρ Μανέ. Argenteuil. 1874 Μουσείο Καλών Τεχνών, Tournai, Βέλγιο. Wikipedia.org

Όμως το γεγονός παραμένει. Ο Μανέ άλλαξε ριζικά τον σκοπό της ζωγραφικής. Ο πίνακας έγινε η ενσάρκωση της ατομικότητας του καλλιτέχνη, που γράφει όπως θέλει. Ξεχνώντας πρότυπα και παραδόσεις.

Η καινοτομία δεν του συγχωρήθηκε για πολύ καιρό. Η αναγνώριση περίμενε μόνο στο τέλος της ζωής του. Όμως δεν το χρειαζόταν πια. Εξαφανιζόταν οδυνηρά από μια ανίατη ασθένεια.

2. Claude Monet (1840-1926)

Κλοντ Μονέ. Αυτοπροσωπογραφία σε μπερέ. 1886 Ιδιωτική συλλογή

Ο Claude Monet μπορεί να ονομαστεί ιμπρεσιονιστής σχολικών βιβλίων. Αφού ήταν πιστός σε αυτή την κατεύθυνση σε όλη του τη ζωή.

Δεν ζωγράφιζε αντικείμενα και ανθρώπους, αλλά μια μονόχρωμη δομή από λάμψη και κηλίδες. Ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια. Αέρας που τρέμει.

Κλοντ Μονέ. Κωπηλασία πισίνα. 1869 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη. Metmuseum.org

Ο Μονέ δεν έγραψε μόνο για τη φύση. Πέτυχε και στα αστικά τοπία. Ένα από τα πιο διάσημα - .

Αυτή η εικόνα έχει πολλή φωτογραφία. Για παράδειγμα, η κίνηση μεταδίδεται χρησιμοποιώντας μια θολή εικόνα.

Παρακαλώ σημειώστε: τα μακρινά δέντρα και φιγούρες φαίνεται να είναι σε ομίχλη.

Κλοντ Μονέ. Boulevard des Capucines στο Παρίσι. 1873 (Γκαλερί Τέχνης Ευρώπης και Αμερικής του 19ου και 20ου αιώνα), Μόσχα

Μπροστά μας είναι μια παγωμένη στιγμή της βουβής ζωής του Παρισιού. Χωρίς σκηνικό. Κανείς δεν ποζάρει. Οι άνθρωποι απεικονίζονται ως μια συλλογή από εγκεφαλικά επεισόδια. Αυτή η έλλειψη πλοκής και το εφέ παγωμένου καρέ είναι το κύριο χαρακτηριστικό του ιμπρεσιονισμού.

Στα μέσα της δεκαετίας του '80, οι καλλιτέχνες απογοητεύτηκαν από τον ιμπρεσιονισμό. Η αισθητική είναι, φυσικά, καλή. Όμως η ασυναρτησία καταθλίβει πολλούς.

Μόνο ο Μονέ συνέχισε να επιμένει, υπερβάλλοντας τον ιμπρεσιονισμό. Αυτό εξελίχθηκε σε μια σειρά από πίνακες.

Ζωγράφισε το ίδιο τοπίο δεκάδες φορές. Σε διαφορετικές ώρες της ημέρας. Σε διαφορετικές εποχές του χρόνου. Για να δείξει πώς η θερμοκρασία και το φως μπορούν να αλλάξουν την ίδια εμφάνιση πέρα ​​από την αναγνώριση.

Κάπως έτσι εμφανίστηκαν αμέτρητες θημωνιές.

Πίνακες του Claude Monet στο Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης. Αριστερά: Haystacks στο ηλιοβασίλεμα στο Giverny, 1891 Δεξιά: Haystack (φαινόμενο χιονιού), 1891

Σημειώστε ότι οι σκιές σε αυτούς τους πίνακες είναι έγχρωμες. Και όχι γκρι ή μαύρο, όπως συνηθιζόταν πριν από τους ιμπρεσιονιστές. Αυτή είναι μια άλλη εφεύρεση τους.

Ο Μονέ κατάφερε να απολαύσει την επιτυχία και την υλική ευημερία. Μετά τα 40 έχει ήδη ξεχάσει τη φτώχεια. Έχει ένα σπίτι και έναν υπέροχο κήπο. Και δούλεψε για τη χαρά του πολλά χρόνια ακόμα.

Διαβάστε για τον πιο εμβληματικό πίνακα του πλοιάρχου στο άρθρο

3. Ογκίστ Ρενουάρ (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Αυτοπροσωπογραφία. 1875 Ινστιτούτο Τέχνης Sterling and Francine Clark, Μασαχουσέτη, ΗΠΑ. Pinterest.ru

Ο ιμπρεσιονισμός είναι ο πιο θετικός πίνακας. Και το πιο θετικό μεταξύ των ιμπρεσιονιστών ήταν ο Ρενουάρ.

Δεν θα βρείτε δράμα στους πίνακές του. Ούτε μαύρη μπογιά δεν χρησιμοποίησε. Μόνο η χαρά της ύπαρξης. Ακόμα και το πιο συνηθισμένο στο Ρενουάρ φαίνεται όμορφο.

Σε αντίθεση με τον Μονέ, ο Ρενουάρ ζωγράφιζε ανθρώπους πιο συχνά. Τα τοπία ήταν λιγότερο σημαντικά για αυτόν. Στους πίνακες οι φίλοι και οι γνωστοί του ξεκουράζονται και απολαμβάνουν τη ζωή.

Pierre-Auguste Renoir. Πρωινό των κωπηλατών. 1880-1881 The Phillips Collection, Ουάσιγκτον, Η.Π.Α. Wikimedia.commons.org

Δεν θα βρείτε στο Renoir και το βάθος. Ήταν πολύ χαρούμενος που προσχώρησε στους ιμπρεσιονιστές, οι οποίοι οι δημοσκοπήσεις αρνήθηκαν να συνωμοτήσουν.

Όπως είπε και ο ίδιος, επιτέλους έχει την ευκαιρία να ζωγραφίσει λουλούδια και να τα ονομάσει απλά «Λουλούδια». Και να μην φτιάχνεις ιστορίες για αυτούς.

Pierre-Auguste Renoir. Γυναίκα με την ομπρέλα στον κήπο. 1875 Μουσείο Thyssen-Bormenis, Μαδρίτη. arteuam.com

Το καλύτερο από όλα, ο Ρενουάρ ένιωσε τον εαυτό του στην παρέα των γυναικών. Ζήτησε από τις υπηρέτριές του να τραγουδήσουν και να αστειευτούν. Όσο πιο ανόητο και αφελές ήταν το τραγούδι, τόσο το καλύτερο για αυτόν. Και η αρσενική φλυαρία τον κούρασε. Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι ο Ρενουάρ είναι γνωστός για τους γυμνούς πίνακές του.

Το μοντέλο στον πίνακα "Γυμνό στο φως του ήλιου" φαίνεται να εμφανίζεται σε ένα πολύχρωμο αφηρημένο φόντο. Γιατί για τον Ρενουάρ δεν υπάρχει τίποτα δευτερεύον. Η περιοχή των ματιών ή του φόντου του μοντέλου είναι ισοδύναμη.

Pierre-Auguste Renoir. Γυμνό στο φως του ήλιου. 1876 ​​Μουσείο Ορσέ, Παρίσι. wikimedia.commons.org

Ο Ρενουάρ έζησε πολύ. Και δεν άφησα ποτέ κάτω το πινέλο και την παλέτα. Ακόμη και όταν τα χέρια του ήταν τελείως δεσμευμένα από ρευματισμούς, έδεσε τη βούρτσα στο χέρι του με ένα σχοινί. Και τράβηξε.

Όπως ο Μονέ, έλαβε αναγνώριση μετά από 40 χρόνια. Και είδα τους πίνακές μου στο Λούβρο, δίπλα σε έργα διάσημων δασκάλων.

Διαβάστε για ένα από τα πιο γοητευτικά πορτρέτα του Ρενουάρ στο άρθρο

4. Έντγκαρ Ντεγκά (1834-1917)

Έντγκαρ Ντεγκά. Αυτοπροσωπογραφία. 1863 Μουσείο Calouste Gulbenkian, Λισαβόνα, Πορτογαλία. Cultured.com

Ο Ντεγκά δεν ήταν κλασικός ιμπρεσιονιστής. Δεν του άρεσε να δουλεύει στο ύπαιθρο. Δεν θα βρείτε μια εσκεμμένα φωτισμένη παλέτα μαζί του.

Αντίθετα, αγαπούσε τη σαφή γραμμή. Έχει άφθονο μαύρο χρώμα. Και δούλευε αποκλειστικά στο στούντιο.

Ωστόσο, κατατάσσεται πάντα δίπλα σε άλλους μεγάλους ιμπρεσιονιστές. Γιατί ήταν ιμπρεσιονιστής της χειρονομίας.

Απροσδόκητες γωνίες. Ασυμμετρία στη διάταξη των αντικειμένων. Χαρακτήρες ξαφνιασμένοι. Αυτά είναι τα κύρια χαρακτηριστικά των έργων του.

Σταμάτησε στιγμές ζωής, μην αφήνοντας τους χαρακτήρες να συνέλθουν. Απλά κοιτάξτε την Ορχήστρα της Όπερας του.

Έντγκαρ Ντεγκά. Ορχήστρα της Όπερας. 1870 Musée d'Orsay, Παρίσι. commons.wikimedia.org

Σε πρώτο πλάνο είναι η πλάτη μιας καρέκλας. Ο μουσικός έχει την πλάτη του σε εμάς. Και στο βάθος οι μπαλαρίνες στη σκηνή δεν χωρούσαν στο «κάδρο». Τα κεφάλια τους είναι αλύπητα «κομμένα» από την άκρη της εικόνας.

Οι αγαπημένοι του χορευτές δεν απεικονίζονται πάντα σε όμορφες πόζες. Μερικές φορές απλώς τεντώνονται.

Όμως ένας τέτοιος αυτοσχεδιασμός είναι φανταστικός. Φυσικά, ο Ντεγκά σκέφτηκε προσεκτικά τη σύνθεση. Αυτό είναι απλώς ένα εφέ παγώματος καρέ, όχι ένα πραγματικό καρέ παγώματος.

Έντγκαρ Ντεγκά. Δύο χορευτές μπαλέτου. 1879 Μουσείο Shelbourne, Βερμούτ, Η.Π.Α

Ο Έντγκαρ Ντεγκά λάτρευε να ζωγραφίζει γυναίκες. Όμως η ασθένεια ή τα χαρακτηριστικά του σώματος δεν του επέτρεπαν να έχει σωματική επαφή μαζί τους. Δεν έχει παντρευτεί ποτέ. Κανείς δεν τον έχει δει ποτέ με κυρία.

Η απουσία πραγματικών πλοκών στην προσωπική του ζωή πρόσθεσε έναν λεπτό και έντονο ερωτισμό στις εικόνες του.

Έντγκαρ Ντεγκά. αστέρι του μπαλέτου. 1876-1878 Musée d'Orsay, Παρίσι. wikimedia.comons.org

Σημειώστε ότι μόνο η ίδια η μπαλαρίνα σχεδιάζεται στον πίνακα "Το αστέρι του μπαλέτου". Οι συνάδελφοί της στα παρασκήνια μετά βίας διακρίνονται. Ίσως μερικά πόδια.

Αυτό δεν σημαίνει ότι ο Ντεγκά δεν ολοκλήρωσε την εικόνα. Αυτή είναι η τεχνική. Για να κρατάτε μόνο τα πιο σημαντικά στο επίκεντρο. Τα υπόλοιπα πρέπει να εξαφανιστούν, δυσανάγνωστα.

Διαβάστε για άλλους πίνακες του πλοιάρχου στο άρθρο

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Εντουάρ Μανέ. Πορτρέτο του Berthe Morisot. 1873 Μουσείο Marmottan-Monet, Παρίσι.

Η Berthe Morisot σπάνια τοποθετείται στην πρώτη σειρά των μεγάλων ιμπρεσιονιστών. Είμαι σίγουρος ότι δεν αξίζει. Εδώ ακριβώς θα βρείτε όλα τα κύρια χαρακτηριστικά και τεχνικές του ιμπρεσιονισμού. Και αν σας αρέσει αυτό το στυλ, θα λατρέψετε τη δουλειά της με όλη σας την καρδιά.

Η Morisot δούλεψε γρήγορα και παρορμητικά, μεταφέροντας τις εντυπώσεις της στον καμβά. Οι φιγούρες φαίνεται να πρόκειται να διαλυθούν στο διάστημα.

Berthe Morisot. Καλοκαίρι. 1880 Μουσείο Fabre, Μονπελιέ, Γαλλία.

Όπως και ο Ντεγκά, συχνά άφηνε έξω κάποιες λεπτομέρειες. Και ακόμη και μέρη του σώματος του μοντέλου. Δεν μπορούμε να ξεχωρίσουμε τα χέρια του κοριτσιού στον πίνακα «Καλοκαίρι».

Ο δρόμος του Morisot προς την αυτοέκφραση ήταν δύσκολος. Όχι μόνο ότι ασχολούνταν με την «ατημέλητη» ζωγραφική. Ήταν ακόμα γυναίκα. Εκείνες τις μέρες, μια κυρία υποτίθεται ότι ονειρευόταν τον γάμο. Μετά από αυτό, οποιοδήποτε χόμπι ξεχάστηκε.

Ως εκ τούτου, η Bertha αρνήθηκε το γάμο για μεγάλο χρονικό διάστημα. Μέχρι που βρήκα έναν άντρα που σεβόταν το επάγγελμά της. Ο Eugene Manet ήταν αδερφός του καλλιτέχνη Édouard Manet. Κουβαλούσε με ευσυνειδησία ένα καβαλέτο και μπογιές για τη γυναίκα του.

Berthe Morisot. Ο Eugene Manet με την κόρη του στο Bougival. 1881 Μουσείο Marmottan-Monet, Παρίσι.

Αλλά και πάλι ήταν στον 19ο αιώνα. Όχι, η Morisot δεν φορούσε παντελόνι. Αλλά δεν μπορούσε να αντέξει την πλήρη ελευθερία κινήσεων.

Δεν μπορούσε να πάει στο πάρκο για να δουλέψει μόνη της, χωρίς κάποιο κοντινό της πρόσωπο. Δεν μπορούσα να κάτσω μόνος μου σε ένα καφέ. Επομένως, οι πίνακές της είναι άνθρωποι από τον οικογενειακό κύκλο. Σύζυγος, κόρη, συγγενείς, νταντάδες.

Berthe Morisot. Μια γυναίκα με ένα παιδί σε έναν κήπο στο Bougival. 1881 Εθνικό Μουσείο για την Ουαλία, Κάρντιφ.

Ο Μορισό δεν περίμενε την αναγνώριση. Πέθανε σε ηλικία 54 ετών από πνευμονία, χωρίς να πουλήσει σχεδόν κανένα έργο της όσο ζούσε. Στο πιστοποιητικό θανάτου της, υπήρχε μια παύλα στη γραμμή των επιχειρήσεων. Ήταν αδιανόητο μια γυναίκα να λέγεται καλλιτέχνης. Ακόμα κι αν ήταν πραγματικά.

Διαβάστε για τους πίνακες του πλοιάρχου στο άρθρο

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Αυτοπροσωπογραφία. 1873 Μουσείο Ορσέ, Παρίσι. Wikipedia.org

Camille Pissarro. Χωρίς συγκρούσεις, συνετή. Πολλοί τον αντιλαμβάνονταν ως δάσκαλο. Ακόμα και οι πιο ιδιοσυγκρασιακοί συνάδελφοι δεν μίλησαν άσχημα για τον Πισάρο.

Ήταν πιστός οπαδός του ιμπρεσιονισμού. Σε απόλυτη ανάγκη, με σύζυγο και πέντε παιδιά, δούλευε ακόμα σκληρά στο αγαπημένο του στυλ. Και ποτέ δεν μεταπήδησε στη ζωγραφική σαλονιού για να γίνει πιο δημοφιλής. Δεν είναι γνωστό από πού βρήκε τη δύναμη να πιστέψει στον εαυτό του μέχρι τέλους.

Για να μην πεθάνει καθόλου από την πείνα, ο Pissarro ζωγράφισε βεντάλιες, τις οποίες αγόρασε πρόθυμα. Και η πραγματική αναγνώριση του ήρθε μετά από 60 χρόνια! Τότε κατάφερε επιτέλους να ξεχάσει την ανάγκη.

Camille Pissarro. Πούλμαν στη Λουβσιέν. 1869 Museum d'Orsay, Παρίσι

Ο αέρας στους πίνακες του Pissarro είναι πυκνός και πυκνός. Μια εξαιρετική συγχώνευση χρώματος και όγκου.

Ο καλλιτέχνης δεν φοβήθηκε να ζωγραφίσει τα πιο ευμετάβλητα φυσικά φαινόμενα που εμφανίζονται για μια στιγμή και εξαφανίζονται. Πρώτο χιόνι, παγωμένος ήλιος, μεγάλες σκιές.

Camille Pissarro. Παγωνιά. 1873 Musée d'Orsay, Παρίσι

Τα πιο διάσημα έργα του είναι οι απόψεις του Παρισιού. Με φαρδιές λεωφόρους, πολύβουο ετερόκλητο πλήθος. Τη νύχτα, τη μέρα, με διαφορετικό καιρό. Κατά κάποιο τρόπο, έχουν κάτι κοινό με μια σειρά από πίνακες του Κλοντ Μονέ.

Ο ιμπρεσιονισμός (impressionnisme) είναι ένα στυλ ζωγραφικής που εμφανίστηκε στα τέλη του 19ου αιώνα στη Γαλλία και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε όλο τον κόσμο. Η ίδια η ιδέα του ιμπρεσιονισμού βρίσκεται στο όνομά του: εντύπωση - εντύπωση... Οι καλλιτέχνες που είχαν κουραστεί από τις παραδοσιακές τεχνικές ζωγραφικής του ακαδημαϊσμού, οι οποίες, κατά τη γνώμη τους, δεν μετέφεραν όλη την ομορφιά και τη ζωντάνια του κόσμου, άρχισαν να χρησιμοποιούν εντελώς νέες τεχνικές και μεθόδους εικόνας, οι οποίες υποτίθεται ότι εκφράζουν με τον πιο προσιτό τρόπο. σχηματίζει όχι μια «φωτογραφική» ματιά, αλλά μια εντύπωση από αυτό που είδε. Στη ζωγραφική του, ο ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης, χρησιμοποιώντας τη φύση των πινελιών και μια χρωματική παλέτα, προσπαθεί να μεταφέρει την ατμόσφαιρα, τη ζεστασιά ή το κρύο, τους δυνατούς ανέμους ή τη γαλήνια σιωπή, το ομιχλώδες βροχερό πρωινό ή το φωτεινό ηλιόλουστο απόγευμα, καθώς και τις προσωπικές του εμπειρίες από είδε.

Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένας κόσμος συναισθημάτων, συναισθημάτων και φευγαλέων εντυπώσεων. Δεν είναι ο εξωτερικός ρεαλισμός ή φυσικότητα που εκτιμάται εδώ, αλλά ο ρεαλισμός των εκφραζόμενων αισθήσεων, η εσωτερική κατάσταση της εικόνας, η ατμόσφαιρα και το βάθος της. Αρχικά, αυτό το στυλ δέχτηκε έντονη κριτική. Οι πρώτοι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες εκτέθηκαν στο Παρισινό Salon of Les Miserables, όπου εκτέθηκαν έργα καλλιτεχνών που απορρίφθηκαν από το επίσημο Παρισινό Salon of Art. Ο όρος «ιμπρεσιονισμός» χρησιμοποιήθηκε για πρώτη φορά από τον κριτικό Louis Leroy, ο οποίος έγραψε μια απαξιωτική κριτική στο Le Charivari για την έκθεση του καλλιτέχνη. Ως βάση για τον όρο, πήρε τον πίνακα του Κλοντ Μονέ «Εντύπωση. Ανατολή του ηλίου". Ονόμασε όλους τους καλλιτέχνες ιμπρεσιονιστές, κάτι που μπορεί να μεταφραστεί χονδρικά ως «εντυπωσιασμένοι». Στην αρχή, οι πίνακες επικρίθηκαν πραγματικά, αλλά σύντομα όλο και περισσότεροι θαυμαστές της νέας κατεύθυνσης στην τέχνη άρχισαν να έρχονται στο σαλόνι και το ίδιο το είδος από έναν απόκληρο μετατράπηκε σε αναγνωρισμένο.

Αξίζει να σημειωθεί ότι οι καλλιτέχνες του τέλους του 19ου αιώνα στη Γαλλία δεν βρήκαν ένα νέο στυλ από το πουθενά. Έλαβαν ως βάση τις τεχνικές των ζωγράφων του παρελθόντος, συμπεριλαμβανομένων των καλλιτεχνών της Αναγέννησης. Ζωγράφοι όπως ο El Greco, ο Velazquez, ο Goya, ο Rubens, ο Turner και άλλοι, πολύ πριν από την εμφάνιση του ιμπρεσιονισμού, προσπάθησαν να μεταδώσουν τη διάθεση του πίνακα, τη ζωντάνια της φύσης, την ιδιαίτερη εκφραστικότητα του καιρού χρησιμοποιώντας διάφορους ενδιάμεσους τόνους, φωτεινούς ή , αντίθετα, θαμπές πινελιές που έμοιαζαν με αφηρημένα πράγματα. Στους πίνακές τους το χρησιμοποιούσαν αρκετά φειδωλά, οπότε η ασυνήθιστη τεχνική δεν τράβηξε το μάτι του θεατή. Οι ιμπρεσιονιστές αποφάσισαν να λάβουν αυτές τις μεθόδους απεικόνισης ως βάση για τα έργα τους.

Ένα άλλο ιδιαίτερο χαρακτηριστικό των έργων των ιμπρεσιονιστών είναι ένα είδος επιφανειακής καθημερινότητας, που όμως εμπεριέχει απίστευτο βάθος. Δεν προσπαθούν να εκφράσουν βαθιά φιλοσοφικά θέματα, μυθολογικά ή θρησκευτικά καθήκοντα, ιστορικά και σημαντικά γεγονότα. Οι πίνακες ζωγραφικής από καλλιτέχνες αυτής της τάσης είναι εγγενώς απλοί και καθημερινοί - τοπία, νεκρές φύσεις, άνθρωποι που περπατούν στο δρόμο ή κάνουν τις συνήθεις δουλειές τους και ούτω καθεξής. Είναι ακριβώς τέτοιες στιγμές που δεν υπάρχει υπερβολική θεματολογία που αποσπά την προσοχή ενός ανθρώπου, τα συναισθήματα και τα συναισθήματα από αυτό που είδε έρχονται στο προσκήνιο. Επίσης, οι ιμπρεσιονιστές, τουλάχιστον στην αρχή της ύπαρξής τους, δεν απεικόνιζαν «δύσκολα» θέματα - φτώχεια, πολέμους, τραγωδίες, βάσανα κ.λπ. Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες είναι συνήθως τα πιο θετικά και χαρούμενα έργα, όπου υπάρχει πολύ φως, φωτεινά χρώματα, λειασμένο κιαροσκούρο, ομαλές αντιθέσεις. Ο ιμπρεσιονισμός είναι μια ευχάριστη εντύπωση, χαρά της ζωής, ομορφιά κάθε στιγμής, ευχαρίστηση, αγνότητα, ειλικρίνεια.

Οι πιο διάσημοι ιμπρεσιονιστές ήταν τόσο μεγάλοι καλλιτέχνες όπως ο Claude Monet, ο Edgar Degas, ο Alfred Sisley, ο Camille Pissarro και πολλοί άλλοι.

Δεν ξέρετε πού να αγοράσετε μια αληθινή εβραϊκή άρπα; Μπορείτε να βρείτε τη μεγαλύτερη επιλογή στον ιστότοπο khomus.ru. Ένα ευρύ φάσμα έθνικ μουσικών οργάνων στη Μόσχα.

Alfred Sisley - Χλοοτάπητες την Άνοιξη

Camille Pissarro - Boulevard Montmartre. Απόγευμα, ηλιόλουστος.

Η ευρωπαϊκή τέχνη του τέλους του 19ου αιώνα εμπλουτίστηκε με την άνοδο του μοντερνιστή. Αργότερα, η επιρροή του εξαπλώθηκε στη μουσική και τη λογοτεχνία. Πήρε το όνομα «ιμπρεσιονισμός» επειδή βασίστηκε στις πιο λεπτές εντυπώσεις του καλλιτέχνη, εικόνες και διαθέσεις.

Προέλευση και ιστορία εμφάνισης

Αρκετοί νέοι καλλιτέχνες στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα ενώθηκαν σε μια ομάδα. Είχαν κοινό στόχο και συνέπιπταν συμφέροντα. Το κύριο πράγμα για αυτή την εταιρεία ήταν να εργάζεται στη φύση, χωρίς τοίχους εργαστηρίου και διάφορους περιορισμούς. Στους πίνακές τους προσπάθησαν να μεταφέρουν όλο τον αισθησιασμό, την εντύπωση του παιχνιδιού φωτός και σκιάς. Τοπία και πορτρέτα αντανακλούσαν την ενότητα της ψυχής με το Σύμπαν, με τον περιβάλλοντα κόσμο. Οι πίνακές τους είναι αληθινή ποίηση χρωμάτων.

Το 1874 πραγματοποιήθηκε έκθεση αυτής της ομάδας καλλιτεχνών. Τοπίο του Κλοντ Μονέ «Εντύπωση. Το Sunrise «τράβηξε το μάτι του κριτικού, ο οποίος στην κριτική του για πρώτη φορά αποκάλεσε αυτούς τους δημιουργούς ιμπρεσιονιστές (από το γαλλικό impression - «impression»).

Τα προαπαιτούμενα για τη γέννηση του στυλ του ιμπρεσιονισμού, του οποίου οι πίνακες θα βρουν σύντομα απίστευτη επιτυχία, ήταν τα έργα της Αναγέννησης. Η δημιουργικότητα των Ισπανών Velazquez, El Greco, του Άγγλου Turner, Constable επηρέασε άνευ όρων τους Γάλλους, που ήταν οι ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού.

Οι Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir και άλλοι έγιναν εξέχοντες εκπρόσωποι του στυλ στη Γαλλία.

Η φιλοσοφία του ιμπρεσιονισμού στη ζωγραφική

Οι καλλιτέχνες που έγραψαν με αυτό το στυλ δεν έθεσαν στον εαυτό τους το καθήκον να επιστήσουν την προσοχή του κοινού στα προβλήματα. Στα έργα τους, δεν μπορεί κανείς να βρει πλοκές για το θέμα της ημέρας, δεν μπορεί να ηθικολογήσει ή να παρατηρήσει ανθρώπινες αντιφάσεις.

Οι πίνακες στο στυλ του ιμπρεσιονισμού στοχεύουν στη μετάδοση της στιγμιαίας διάθεσης, στην ανάπτυξη χρωματικών λύσεων μυστηριώδους φύσης. Στα έργα υπάρχει μόνο ένα μέρος για μια θετική αρχή, η κατήφεια παρέκαμψε τους ιμπρεσιονιστές.

Μάλιστα, οι ιμπρεσιονιστές δεν μπήκαν στον κόπο να σκεφτούν την πλοκή και τις λεπτομέρειες. Ο κύριος παράγοντας δεν ήταν τι να σχεδιάσετε, αλλά πώς να απεικονίσετε και να μεταφέρετε τη διάθεσή σας.

Τεχνική ζωγραφικής

Υπάρχει μια κολοσσιαία διαφορά μεταξύ του ακαδημαϊκού στυλ ζωγραφικής και της τεχνικής των ιμπρεσιονιστών. Απλώς εγκατέλειψαν πολλές από τις μεθόδους, άλλαξαν κάποιες πέρα ​​από την αναγνώριση. Εδώ είναι μερικές από τις καινοτομίες που έκαναν:

1. Εγκατέλειψε το περίγραμμα. Αντικαταστάθηκε με πινελιές - μικρές και αντίθετες.
2. Σταματήσαμε να χρησιμοποιούμε παλέτες για Χρώματα που αλληλοσυμπληρώνονται και δεν απαιτούν συγχώνευση για να έχουμε ένα συγκεκριμένο αποτέλεσμα. Για παράδειγμα, το κίτρινο είναι μωβ.
3. Σταμάτησαν να ζωγραφίζουν στα μαύρα.
4. Αρνήθηκαν εντελώς να δουλέψουν στα εργαστήρια. Ζωγράφιζαν αποκλειστικά πάνω στη φύση, ώστε να είναι πιο εύκολο να αποτυπωθεί μια στιγμή, μια εικόνα, ένα συναίσθημα.
5. Χρησιμοποιήθηκαν μόνο χρώματα με καλή καλυπτική δύναμη.
6. Δεν περίμενα να στεγνώσει το νέο στρώμα. Εφαρμόστηκαν αμέσως φρέσκα επιχρίσματα.
7. Δημιούργησε κύκλους έργων για να ακολουθήσει τις αλλαγές στο φως και τη σκιά. Για παράδειγμα, το «Haystacks» του Claude Monet.

Φυσικά, δεν απέδωσαν όλοι οι καλλιτέχνες ακριβώς τα χαρακτηριστικά του στυλ ιμπρεσιονισμού. Πίνακες του Edouard Manet, για παράδειγμα, δεν συμμετείχαν ποτέ σε κοινές εκθέσεις και ο ίδιος τοποθετήθηκε ως αυτόνομος καλλιτέχνης. Ο Edgar Degas δούλευε μόνο σε εργαστήρια, αλλά αυτό δεν έβλαπτε την ποιότητα των έργων του.

Εκπρόσωποι του γαλλικού ιμπρεσιονισμού

Η πρώτη έκθεση ιμπρεσιονιστικών έργων χρονολογείται από το 1874. 12 χρόνια αργότερα πραγματοποιήθηκε η τελευταία τους έκθεση. Το πρώτο έργο σε αυτό το στυλ μπορεί να ονομαστεί «Πρωινό στο γρασίδι» του Ε. Μανέ. Αυτός ο πίνακας παρουσιάστηκε στο Salon of the Outcast. Χαιρετίστηκε εχθρικά, καθώς ήταν πολύ διαφορετικό από τους ακαδημαϊκούς κανόνες. Γι' αυτό ο Μανέ γίνεται μια φιγούρα γύρω από την οποία συγκεντρώνεται ένας κύκλος οπαδών αυτής της στιλιστικής τάσης.

Δυστυχώς, ένα τέτοιο στυλ όπως ο ιμπρεσιονισμός δεν εκτιμήθηκε από τους σύγχρονους. Οι πίνακες και οι καλλιτέχνες υπήρχαν σε αντίθεση με την επίσημη τέχνη.

Ο Κλοντ Μονέ ήρθε σταδιακά στο προσκήνιο στη συλλογικότητα των ζωγράφων, που αργότερα θα γίνει ο αρχηγός τους και ο κύριος ιδεολόγος του ιμπρεσιονισμού.

Claude Monet (1840-1926)

Το έργο αυτού του καλλιτέχνη μπορεί να περιγραφεί ως ύμνος στον ιμπρεσιονισμό. Ήταν ο πρώτος που αρνήθηκε τη χρήση του μαύρου στους πίνακές του, επικαλούμενος το γεγονός ότι ακόμη και οι σκιές και η νύχτα έχουν διαφορετικούς τόνους.

Ο κόσμος στους πίνακες του Μονέ είναι ασαφή περιγράμματα, εκτεταμένες πινελιές, κοιτάζοντας τα οποία μπορείς να νιώσεις όλο το φάσμα του παιχνιδιού των χρωμάτων της ημέρας και της νύχτας, τις εποχές, την αρμονία του υποσεληνιακού κόσμου. Μόνο μια στιγμή που αρπάχτηκε από το ρεύμα της ζωής, κατά την κατανόηση του Μονέ, είναι ο ιμπρεσιονισμός. Οι πίνακές του μοιάζουν να μην έχουν υλικότητα, είναι όλοι κορεσμένοι με ακτίνες φωτός και ρεύματα αέρα.

Ο Claude Monet δημιούργησε καταπληκτικά έργα: «Gare Saint-Lazare», «Rouen Cathedral», τον κύκλο «Charing Cross Bridge» και πολλά άλλα.

Auguste Renoir (1841-1919)

Οι δημιουργίες του Renoir δημιουργούν την εντύπωση εξαιρετικής ελαφρότητας, αερατικότητας, αιθέριας. Η πλοκή γεννήθηκε σαν τυχαία, αλλά είναι γνωστό ότι ο καλλιτέχνης σκέφτηκε προσεκτικά όλα τα στάδια της δουλειάς του και εργάστηκε από το πρωί μέχρι το βράδυ.

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του έργου του Ο. Ρενουάρ είναι η χρήση υαλοπινάκων, η οποία είναι δυνατή μόνο όταν ο ιμπρεσιονισμός στα έργα του καλλιτέχνη εκδηλώνεται σε κάθε πινελιά. Αντιλαμβάνεται ένα άτομο ως ένα μόριο της ίδιας της φύσης, γι' αυτό υπάρχουν τόσοι πολλοί γυμνοί πίνακες.

Το αγαπημένο χόμπι του Ρενουάρ ήταν η εικόνα μιας γυναίκας με όλη την ελκυστική και ελκυστική ομορφιά της. Τα πορτρέτα κατέχουν ξεχωριστή θέση στη δημιουργική ζωή του καλλιτέχνη. "Ομπρέλες", "Κορίτσι με βεντάλια", "Πρωινό των κωπηλατών" - μόνο ένα μικρό μέρος της εκπληκτικής συλλογής έργων ζωγραφικής του Ογκίστ Ρενουάρ.

Georges Seurat (1859-1891)

Ο Seurat συνέδεσε τη διαδικασία δημιουργίας πινάκων με την επιστημονική τεκμηρίωση της θεωρίας του χρώματος. Το περιβάλλον φωτός-αέρα σχεδιάστηκε με βάση την εξάρτηση των βασικών και πρόσθετων τόνων.

Παρά το γεγονός ότι ο J. Seurat είναι εκπρόσωπος του τελικού σταδίου του ιμπρεσιονισμού και η τεχνική του είναι από πολλές απόψεις διαφορετική από τους ιδρυτές, δημιουργεί επίσης με τη βοήθεια πινελιών μια απατηλή αναπαράσταση της μορφής του αντικειμένου, η οποία μπορεί να φανεί και φαίνεται μόνο σε απόσταση.

Οι πίνακες "Sunday", "Cancan", "Models" μπορούν να ονομαστούν αριστουργήματα δημιουργικότητας.

Εκπρόσωποι του ρωσικού ιμπρεσιονισμού

Ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός προέκυψε σχεδόν αυθόρμητα, ανακατεύοντας από μόνος του πολλά φαινόμενα και μεθόδους. Ωστόσο, η βάση, όπως και οι Γάλλοι, ήταν ένα φυσικό όραμα της διαδικασίας.

Στον ρωσικό ιμπρεσιονισμό, αν και διατηρήθηκαν τα χαρακτηριστικά των Γάλλων, τα χαρακτηριστικά της εθνικής φύσης και της κατάστασης του νου έκαναν σημαντικές αλλαγές. Για παράδειγμα, οράματα χιονιού ή βόρειων τοπίων εκφράστηκαν χρησιμοποιώντας ασυνήθιστες τεχνικές.

Στη Ρωσία, λίγοι καλλιτέχνες εργάστηκαν με το στυλ του ιμπρεσιονισμού, οι πίνακές τους προσελκύουν τα βλέμματα μέχρι σήμερα.

Η ιμπρεσιονιστική περίοδος διακρίνεται στο έργο του Valentin Serov. Το «Κορίτσι με ροδάκινα» του είναι το πιο ξεκάθαρο παράδειγμα και πρότυπο αυτού του στυλ στη Ρωσία.

Οι εικόνες κατακτούν με τη φρεσκάδα τους και τη συνοχή των καθαρών χρωμάτων. Το κύριο θέμα της δουλειάς αυτού του καλλιτέχνη είναι η απεικόνιση ενός ατόμου στη φύση. «Βόρειο ειδύλλιο», «Σε μια βάρκα», «Φιοντόρ Χαλιάπιν» - φωτεινά ορόσημα στις δραστηριότητες του Κ. Κόροβιν.

Ο ιμπρεσιονισμός στη σύγχρονη εποχή

Επί του παρόντος, αυτή η τάση στην τέχνη έχει πάρει μια νέα ζωή. Αρκετοί καλλιτέχνες ζωγραφίζουν τους πίνακές τους σε αυτό το στυλ. Ο σύγχρονος ιμπρεσιονισμός υπάρχει στη Ρωσία (Andre Cohn), στη Γαλλία (Laurent Parsellier), στην Αμερική (Diana Leonard).

Ο André Cohn είναι ο πιο εξέχων εκπρόσωπος του νέου ιμπρεσιονισμού. Οι ελαιογραφίες του είναι εντυπωσιακές με την απλότητά τους. Ο καλλιτέχνης βλέπει την ομορφιά στα καθημερινά πράγματα. Ο Δημιουργός ερμηνεύει πολλά αντικείμενα μέσα από το πρίσμα της κίνησης.

Όλος ο κόσμος γνωρίζει τα έργα ακουαρέλας του Laurent Parsellier. Η σειρά του Strange World έχει κυκλοφορήσει ως καρτ ποστάλ. Πανέμορφα, ζωντανά και αισθησιακά, θα σας κόψουν την ανάσα.

Όπως και τον 19ο αιώνα, η υπαίθρια ζωγραφική παραμένει για τους καλλιτέχνες σήμερα. Χάρη σε αυτήν, ο ιμπρεσιονισμός θα ζει για πάντα. οι καλλιτέχνες συνεχίζουν να εμπνέουν, να εντυπωσιάζουν και να εμπνέουν.

Σήμερα, τα αριστουργήματα των ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών γίνονται αντιληπτά από εμάς στο πλαίσιο της παγκόσμιας τέχνης: για εμάς έχουν γίνει κλασικά εδώ και πολύ καιρό. Ωστόσο, αυτό δεν συνέβαινε πάντα. Συνέβη ότι οι καμβάδες τους δεν έγιναν δεκτοί σε επίσημες εκθέσεις, επικρίθηκαν στον Τύπο και δεν ήθελαν να αγοράσουν ούτε για ονομαστική αμοιβή. Υπήρχαν χρόνια απόγνωσης, έλλειψης και κακουχιών. Και ο αγώνας για την ευκαιρία να ζωγραφίσουν τον κόσμο όπως τον είδαν. Χρειάστηκαν πολλές δεκαετίες για να μπορέσει η πλειοψηφία να κατανοήσει και να αντιληφθεί, να δει τον εαυτό της μέσα από τα μάτια της. Πώς ήταν, ο κόσμος στον οποίο εισέβαλε ο ιμπρεσιονισμός στις αρχές της δεκαετίας του 1860, σαν ένας δυνατός άνεμος που δίνει μεταμορφώσεις;

Οι κοινωνικές ανατροπές στα τέλη του 18ου αιώνα, οι επαναστάσεις στη Γαλλία και την Αμερική, μεταμόρφωσαν την ίδια την ουσία του δυτικού πολιτισμού, που δεν θα μπορούσε παρά να επηρεάσει τον ρόλο της τέχνης σε μια κοινωνία που αλλάζει ταχέως. Συνηθισμένοι στην κοινωνική τάξη από τη βασιλεύουσα δυναστεία ή την εκκλησία, οι καλλιτέχνες ξαφνικά διαπίστωσαν ότι έμειναν χωρίς τους πελάτες τους. Η αρχοντιά και ο κλήρος, οι κύριοι πελάτες της τέχνης, γνώρισαν σοβαρές δυσκολίες. Ιδρύθηκε μια νέα εποχή, η εποχή του καπιταλισμού, που άλλαξε εντελώς τους κανόνες και τις προτεραιότητες.

Σταδιακά, στις νεοσύστατες δημοκρατίες και στις δημοκρατικά οργανωμένες δυνάμεις αναπτύχθηκε μια πλούσια μεσαία τάξη, με αποτέλεσμα να αρχίσει να αναπτύσσεται έντονα μια νέα αγορά τέχνης. Δυστυχώς, οι επιχειρηματίες και οι έμποροι, κατά κανόνα, δεν είχαν κληρονομική κουλτούρα και ανατροφή, χωρίς την οποία ήταν αδύνατο να εκτιμηθεί σωστά η ποικιλία των αλληγοριών της πλοκής ή των επιδέξιων δεξιοτήτων εκτέλεσης που από καιρό γοήτευαν την αριστοκρατία.

Χωρίς να παρουσιάζονται ως αριστοκρατική ανατροφή και εκπαίδευση, οι εκπρόσωποι της μεσαίας τάξης, που έγιναν καταναλωτές της τέχνης, ήταν υποχρεωμένοι να προσανατολιστούν αρχικά στις εκτιμήσεις των κριτικών εφημερίδων και των επίσημων ειδικών. Οι παλιές ακαδημίες τέχνης, που είναι οι θεματοφύλακες των κλασικών θεμελίων, έχουν γίνει κεντρικοί κριτές σε θέματα καλλιτεχνικής βαρύτητας. Δεν είναι παράδοξο ότι κάποιοι νέοι και αναζητητές ζωγράφοι που αηδιάζονταν από τον κομφορμισμό επαναστάτησαν ενάντια στην τυπική κυριαρχία του ακαδημαϊσμού στην τέχνη.

Ένα από τα βασικά προπύργια του ακαδημαϊσμού εκείνης της εποχής ήταν οι εκθέσεις σύγχρονης τέχνης που προστατεύονταν από τις αρχές. Τέτοιες εκθέσεις ονομάζονταν Salons - κατά παράδοση, αναφερόμενοι στο όνομα της αίθουσας στο Λούβρο, όπου κάποτε οι καλλιτέχνες της αυλής εξέθεταν τους καμβάδες τους.

Η συμμετοχή στο Salon ήταν η μόνη ευκαιρία να τραβήξει το ενδιαφέρον του Τύπου και των πελατών στα έργα τους. Ο Auguste Renoir, σε μια από τις επιστολές του προς τον Durand-Ruel, μιλά για την τρέχουσα κατάσταση: «Σε όλο το Παρίσι δεν υπάρχουν μόλις δεκαπέντε θαυμαστές που μπορούν να αναγνωρίσουν τον καλλιτέχνη χωρίς τη βοήθεια του Salon και ογδόντα χιλιάδες άνθρωποι που δεν θα αποκτήστε έστω και ένα τετραγωνικό εκατοστό καμβά αν ο καλλιτέχνης δεν εισέλθει στο Σαλόνι."

Οι νέοι ζωγράφοι δεν είχαν τίποτα άλλο να λάμψουν εκτός από το πώς να εμφανιστούν στα Σαλόνια: στην έκθεση άκουγαν τα κολακευτικά λόγια όχι μόνο των μελών της κριτικής επιτροπής, αλλά και βαθιά σεβαστών ζωγράφων όπως ο Eugene Delacroix, ο Gustave Courbet, ο Edouard Manet, που ήταν τα αγαπημένα των νέων, δίνοντας έτσι ώθηση για επακόλουθη δημιουργικότητα. Επιπλέον, το Salon ήταν μια μοναδική ευκαιρία να αποκτήσεις έναν πελάτη, να γίνεις αντιληπτός και να κάνεις καριέρα στην τέχνη. Το βραβείο Salon σήμανε την εγγύηση της επαγγελματικής αναγνώρισης για τον καλλιτέχνη. Αντίστροφα, εάν η κριτική επιτροπή απέρριψε το υποβληθέν έργο, ισοδυναμούσε με αισθητική αναστολή.

Συχνά η εικόνα που προτάθηκε για εξέταση δεν αντιστοιχούσε στους συνήθεις κανόνες, για τους οποίους η κριτική επιτροπή του Salon απορρίφθηκε: στο καλλιτεχνικό περιβάλλον, αυτό το επεισόδιο προκάλεσε σκάνδαλο και αίσθηση.

Ένας από τους καλλιτέχνες του οποίου η εμπλοκή στο Salon δημιούργησε πάντα σκάνδαλο και προκάλεσε μεγάλη ανησυχία στους ακαδημαϊκούς ήταν ο Edouard Manet. Ένα μεγάλο σκάνδαλο συνοδεύτηκε από την επίδειξη των έργων του «Πρωινό στο γρασίδι» (1863) και «Ολυμπία» (1865), που δημιουργήθηκαν με ασυνήθιστα σκληρό τρόπο, που περιείχαν αισθητική ξένη προς το Σαλόνι. Και ο πίνακας "Περιστατικό στην Ταυρομαχία", που παρουσιάστηκε στο Σαλόνι του 1864, αντανακλούσε τον ενθουσιασμό του καλλιτέχνη για το έργο του Γκόγια. Σε πρώτο πλάνο, ο Μανέ σχεδίασε την απλωμένη φιγούρα ενός ταυρομάχου. Το σκηνικό του πίνακα ήταν μια τεντωμένη αρένα και σειρές αποθαρρυμένων, μουδιασμένων θεατών. Μια τέτοια συγκλονιστική και προκλητική σύνθεση προκάλεσε πολλές σαρκαστικές κριτικές και κινούμενα σχέδια εφημερίδων. Προσβεβλημένος από την κριτική, ο Μανέ έσκισε τον πίνακα του στα δύο.

Πρέπει να σημειωθεί ότι οι κριτικοί και οι σκιτσογράφοι δεν ντράπηκαν για την επιλογή των λέξεων και των τρόπων για να προσβάλουν πιο οδυνηρά τον καλλιτέχνη, να τον ωθήσουν σε κάποιου είδους αμοιβαίες ενέργειες. Ο «Artist Rejected by the Salon» και αργότερα ο «The Impressionist» έγιναν οι αγαπημένοι στόχοι των δημοσιογράφων, βγάζοντας χρήματα από δημόσια σκάνδαλα. Οι αμείωτες διαμάχες ανάμεσα στο Σαλόνι και τους ζωγράφους άλλων εννοιών και τάσεων, που είχαν κουραστεί από τα αυστηρά όρια του ξεπερασμένου ακαδημαϊσμού, σηματοδοτούσαν σημαντικά τη σοβαρή παρακμή που είχε ωριμάσει τότε στην τέχνη του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Η συντηρητική κριτική επιτροπή του Salon του 1863 απέρριψε τόσους πολλούς καμβάδες που ο αυτοκράτορας Ναπολέων Γ' θεώρησε απαραίτητο να υποστηρίξει προσωπικά μια άλλη, παράλληλη έκθεση, ώστε ο θεατής να συγκρίνει τα αποδεκτά έργα με τα απορριφθέντα. Αυτή η έκθεση, που απέκτησε το όνομα "Salon of Les Miserables", έγινε ένας εξαιρετικά μοντέρνος χώρος διασκέδασης - οι άνθρωποι πήγαιναν εδώ για να γελάσουν και να παίξουν αστεία.

Προκειμένου να παρακάμψουν την ακαδημαϊκή κριτική επιτροπή, οι κατέχοντες ζωγράφοι θα μπορούσαν να δημιουργήσουν ανεξάρτητες ατομικές εκθέσεις. Η ιδέα μιας έκθεσης ενός καλλιτέχνη ανακοινώθηκε για πρώτη φορά από τον ρεαλιστή ζωγράφο Gustave Courbet. Υπέβαλε μια σειρά από έργα του στην Παγκόσμια Έκθεση του Παρισιού το 1855. Η επιτροπή επιλογής ενέκρινε τα τοπία του, αλλά απέρριψε τις θεματικές εικόνες του προγράμματος. Τότε ο Κουρμπέ, αντίθετα με τα θεμέλια, έστησε ένα προσωπικό περίπτερο κοντά στην Παγκόσμια Έκθεση. Αν και το ευρύ ζωγραφικό στυλ του Κουρμπέ εντυπωσίασε τον ηλικιωμένο Ντελακρουά, υπήρχαν λίγοι θεατές στο περίπτερο του. Στην Παγκόσμια Έκθεση το 1867, ο Κουρμπέ ανανέωσε αυτή την εμπειρία με μεγάλο θρίαμβο - αυτή τη φορά κρέμασε όλα του τα έργα σε ξεχωριστό δωμάτιο. Ο Edouard Manet, ακολουθώντας το παράδειγμα του Courbet, άνοιξε τη δική του γκαλερί κατά τη διάρκεια της ίδιας έκθεσης για μια αναδρομική προβολή των καμβάδων του.

Η δημιουργία προσωπικών γκαλερί και η ιδιωτική δημοσίευση καταλόγων περιελάμβανε σημαντική επένδυση πόρων - ασύγκριτα μεγαλύτερες από αυτές που συχνά κατέχουν καλλιτέχνες. Ωστόσο, οι περιπτώσεις του Courbet και του Manet ώθησαν νέους ζωγράφους να σχεδιάσουν μια ομαδική έκθεση καλλιτεχνών από νέες τάσεις που δεν έγιναν αποδεκτές από το επίσημο Salon.

Εκτός από τις κοινωνικές αλλαγές, η επιστημονική έρευνα είχε επίσης σημαντικό αντίκτυπο στην τέχνη του 19ου αιώνα. Το 1839, ο Louis Daguerre στο Παρίσι και ο Henry Fox Talbot στο Λονδίνο παρουσίασαν τις ανεξάρτητες φωτογραφικές τους συσκευές. Λίγο μετά από αυτό το γεγονός, η φωτογραφία απάλλαξε τους καλλιτέχνες και τους γραφίστες από την υποχρέωση απλώς να διαιωνίζουν ανθρώπους, μέρη και γεγονότα. Απελευθερωμένοι από το καθήκον να σκιαγραφήσουν ένα αντικείμενο, πολλοί ζωγράφοι έσπευσαν στη σφαίρα της μεταφοράς της δικής τους, υποκειμενικής, έκφρασης στον καμβά των συναισθημάτων.

Η φωτογραφία έδωσε αφορμή για διαφορετικές απόψεις στην ευρωπαϊκή τέχνη. Ο φακός, με διαφορετική οπτική γωνία από το ανθρώπινο μάτι, σχημάτιζε μια αποσπασματική αναπαράσταση της σύνθεσης. Η αλλαγή στη γωνία λήψης ώθησε τους καλλιτέχνες σε νέα συνθετικά οράματα, τα οποία αποτέλεσαν τη βάση της αισθητικής του ιμπρεσιονισμού. Μία από τις βασικές αρχές αυτού του κινήματος έχει γίνει ο αυθορμητισμός.

Το ίδιο έτος 1839, όταν δημιουργήθηκε η κάμερα, ένας χημικός από το εργαστήριο του εργοστασίου ταπετσαρίας του Παρισιού Michel Eugene Chevreul δημοσίευσε για πρώτη φορά μια λογική ερμηνεία της αντίληψης του χρώματος από το ανθρώπινο μάτι. Καθώς δημιουργούσε βαφές για υφάσματα, φρόντισε για την ύπαρξη τριών βασικών χρωμάτων - κόκκινο, κίτρινο και μπλε, όταν αναμειγνύονται, εμφανίζονται όλα τα άλλα χρώματα. Με τη βοήθεια του χρωματικού τροχού, ο Chevreul απέδειξε πώς γεννιούνται οι αποχρώσεις, οι οποίες όχι μόνο απεικόνισαν άριστα μια δύσκολη επιστημονική ιδέα, αλλά παρουσίασαν στους καλλιτέχνες μια λειτουργική ιδέα ανάμειξης χρωμάτων. Ο Αμερικανός φυσικός Ogden Rude και ο Γερμανός επιστήμονας Hermann von Helmholi, από την πλευρά τους, συμπλήρωσαν αυτήν την εφεύρεση με εξελίξεις στον τομέα της οπτικής.

Το 1841, ο Αμερικανός επιστήμονας και ζωγράφος John Rand κατοχύρωσε με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας τους σωλήνες από κασσίτερο που δημιούργησε για φθαρτά χρώματα. Πριν ο καλλιτέχνης, φεύγοντας να ζωγραφίσει στο ύπαιθρο, αναγκάστηκε να αναμείξει πρώτα τις μπογιές που χρειαζόταν στο εργαστήριο και μετά να τις ρίξει σε γυάλινα δοχεία, που συχνά χτυπούσαν, ή σε φυσαλίδες από τα εντόσθια των ζώων, που διέρρευσαν γρήγορα. Με την άφιξη των σωλήνων Rand, οι άνθρωποι της τέχνης έχουν το προνόμιο να παίρνουν μαζί τους όλη την ποικιλία χρωμάτων και αποχρώσεων στο ύπαιθρο. Αυτή η ανακάλυψη επηρέασε πολύ την αφθονία των χρωμάτων των καλλιτεχνών, και επιπλέον τους έπεισε να πάνε από τα εργαστήριά τους στη φύση. Σύντομα, όπως σημείωσε ένας πνευματώδης, υπήρχαν περισσότεροι τοπιογράφοι παρά αγρότες στην ύπαιθρο.

Πρωτοπόροι της ζωγραφικής στο ύπαιθρο ήταν οι καλλιτέχνες της Σχολής Barbizon, η οποία απέκτησε το παρατσούκλι της από το χωριό Barbizon κοντά στο δάσος του Fontainebleau, όπου δημιούργησαν τα περισσότερα τοπία.

Αν οι παλαιότεροι ζωγράφοι της σχολής Barbizon (T. Rousseau, J. Dupre) στη δουλειά τους εξακολουθούσαν να βασίζονται στην κληρονομιά του ηρωικού τοπίου, τότε οι εκπρόσωποι της νεότερης γενιάς (C. Daubigny, C. Corot) προίκισαν αυτό το είδος. με χαρακτηριστικά ρεαλισμού. Οι καμβάδες τους απεικονίζουν τοπία που είναι ξένα στην ακαδημαϊκή εξιδανίκευση.

Στους πίνακές τους, οι Barbizonians προσπάθησαν να αναδημιουργήσουν την ποικιλία των καταστάσεων της φύσης. Γι' αυτό ζωγράφιζαν από τη φύση προσπαθώντας να αποτυπώσουν μέσα τους την αμεσότητα της αντίληψής τους. Ωστόσο, η χρήση παλαιών ακαδημαϊκών μεθόδων και μέσων στη ζωγραφική δεν τους βοήθησε να πετύχουν αυτό που πέτυχαν αργότερα οι ιμπρεσιονιστές. Παρόλα αυτά, η συνεισφορά των καλλιτεχνών της Σχολής Barbizon στη διαμόρφωση του είδους είναι αδιαμφισβήτητη: αφήνοντας τα εργαστήρια για το plein air, πρόσφεραν στη ζωγραφική τοπίου νέους τρόπους ανάπτυξης.

Ένας από τους υποστηρικτές της ζωγραφικής στη φύση, ο Eugene Boudin, έδωσε εντολή στον νεαρό μαθητή του Claude Monet ότι είναι απαραίτητο να δημιουργείς στο ύπαιθρο - στη μέση του φωτός και του αέρα, για να ζωγραφίζεις αυτό που συλλογίζεσαι. Αυτός ο κανόνας έγινε η βάση της plein air painting. Ο Monet παρουσίασε σύντομα στους φίλους του, Auguste Renoir, Alfred Sisley και Frederic Basil, μια νέα θεωρία: να ζωγραφίζεις μόνο αυτό που παρατηρείς σε μια συγκεκριμένη απόσταση και κάτω από συγκεκριμένο φωτισμό. Τα βράδια στα καφενεία του Παρισιού, νεαροί ζωγράφοι μοιράζονταν με χαρά τις σκέψεις τους και συζητούσαν ένθερμα τις νέες ανακαλύψεις τους.

Έτσι εμφανίστηκε ο ιμπρεσιονισμός - μια επαναστατική τάση στην τέχνη στο τελευταίο τρίτο του 19ου - αρχές του 20ού αιώνα. Οι ζωγράφοι που ξεκίνησαν το μονοπάτι του ιμπρεσιονισμού προσπάθησαν να αποτυπώσουν πιο φυσικά και αληθινά τον κόσμο γύρω και την καθημερινή πραγματικότητα στα έργα τους στην ατελείωτη κινητικότητα και ασυνέπειά τους, να εκφράσουν τα φευγαλέα συναισθήματά τους.

Ο ιμπρεσιονισμός ήταν μια απάντηση στη στασιμότητα του ακαδημαϊσμού που βασίλευε στην τέχνη εκείνα τα χρόνια, στην επιθυμία να απελευθερωθεί η ζωγραφική από την απελπιστική κατάσταση στην οποία έπεσε με υπαιτιότητα των καλλιτεχνών του Σαλονιού. Πολλοί προοδευτικοί άνθρωποι υποστήριξαν ότι η σύγχρονη τέχνη βρίσκεται σε παρακμή: ο Ευγένιος Ντελακρουά, ο Γκουστάβ Κουρμπέ, ο Σαρλ Μπωντλαίρ. Ο ιμπρεσιονισμός ήταν ένα είδος σοκ θεραπείας για τον «οργανισμό που πάσχει».

Με την εμφάνιση των νεαρών ζωγράφων του είδους Edouard Manet, Auguste Renoir, Edgar Degas, ο άνεμος της αλλαγής ξέσπασε στη γαλλική ζωγραφική, δίνοντας την αμεσότητα του στοχασμού της ζωής, την παρουσίαση παροδικών, όπως λες, απροσδόκητων καταστάσεων και κινήσεων, απατηλής αστάθειας και ανισορροπία μορφών, αποσπασματική σύνθεση, απρόβλεπτες απόψεις και γωνίες ...

Τα βράδια, όταν οι καλλιτέχνες δεν είχαν πλέον την ευκαιρία να ζωγραφίσουν τους καμβάδες τους λόγω του πενιχρού φωτισμού, άφηναν τα εργαστήριά τους και κάθονταν για έντονους καβγάδες στα καφενεία του Παρισιού. Έτσι το καφέ Herbois έγινε ένα από τα μόνιμα μέρη συνάντησης για μια χούφτα καλλιτεχνών που ενώθηκαν γύρω από τον Edouard Manet. Τακτικές συναντήσεις γίνονταν τις Πέμπτες και τις άλλες μέρες μπορούσε κανείς να βρει μια ομάδα ζωηρών καλλιτεχνών που μιλούσαν ή μαλώνανε. Ο Claude Monet περιέγραψε τις συναντήσεις στο Cafe Herbois με τον εξής τρόπο: «Δεν θα μπορούσε να υπάρχει τίποτα πιο συναρπαστικό από αυτές τις συναντήσεις και την ατελείωτη σύγκρουση των βλεμμάτων. Μας όξυναν το μυαλό, τόνωσαν τις ευγενείς και εγκάρδιες φιλοδοξίες μας, μας έδωσαν μια φόρτιση ενθουσιασμού που μας κράτησε για πολλές εβδομάδες μέχρι να σχηματιστεί τελικά η ιδέα. Αποχωρήσαμε από αυτές τις συναντήσεις με ανεβασμένη διάθεση, με ισχυρότερη θέληση, με ολοένα και καθαρότερες σκέψεις».

Στις παραμονές της δεκαετίας του 1870, ο ιμπρεσιονισμός βασίστηκε επίσης στο γαλλικό τοπίο: οι Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley ήταν οι πρώτοι που ανέπτυξαν ένα διαδοχικό σύστημα plein air. Ζωγράφισαν τους καμβάδες τους χωρίς σκίτσα και σκίτσα στο ύπαιθρο απευθείας σε καμβά, ενσωματώνοντας στους πίνακές τους το αστραφτερό φως του ήλιου, την υπέροχη αφθονία των χρωμάτων της φύσης, τη διάλυση των αντικειμένων που αναπαριστώνται στο περιβάλλον, δονήσεις φωτός και αέρα, μια ταραχή αντανακλαστικά. Για την επίτευξη αυτού του στόχου, διευκολύνθηκε πολύ από αυτούς το σύστημα χρωμάτων που μελέτησαν με κάθε λεπτομέρεια, στο οποίο το φυσικό χρώμα αποσυντέθηκε στα χρώματα του ηλιακού φάσματος. Για να δημιουργήσουν μια ασυνήθιστα φωτεινή, λεπτή πολύχρωμη υφή, οι καλλιτέχνες εφάρμοσαν ένα καθαρό χρώμα στον καμβά με ξεχωριστές πινελιές, ενώ αναμενόταν η οπτική ανάμειξη στο ανθρώπινο μάτι. Αυτή η τεχνική, που αργότερα μετασχηματίστηκε και υποστηρίχθηκε θεωρητικά, έγινε το επίκεντρο μιας άλλης εξαιρετικής καλλιτεχνικής φιλοδοξίας - του pointillism, που ονομάζεται "divisionism" (από τα γαλλικά "diviser" - to divide).

Οι ιμπρεσιονιστές έδειξαν αυξημένο ενδιαφέρον για τη σχέση μεταξύ του αντικειμένου και του περιβάλλοντος. Αντικείμενο της σχολαστικής δημιουργικής τους ανάλυσης ήταν η μεταμόρφωση του χρώματος και του χαρακτήρα ενός αντικειμένου σε ένα μεταβαλλόμενο περιβάλλον. Για να επιτευχθεί αυτή η ιδέα, το ίδιο αντικείμενο απεικονίστηκε πολλές φορές. Με την προσθήκη καθαρού χρώματος στις σκιές και τις ανταύγειες, το μαύρο χρώμα έχει σχεδόν φύγει από την παλέτα.

Ο κριτικός Ζυλ Λαφόργκ μίλησε για το φαινόμενο του ιμπρεσιονισμού με τον εξής τρόπο: «Ο ιμπρεσιονιστής βλέπει και μεταφέρει τη φύση όπως είναι, δηλαδή μόνο με μαγευτικές δονήσεις. Σχέδιο, φως, όγκος, προοπτική, chiaroscuro - όλα αυτά είναι μια ταξινόμηση που ξεθωριάζει στην πραγματικότητα. Αποδεικνύεται ότι όλα εξαρτώνται από δονήσεις χρώματος και πρέπει να αποτυπωθούν στον καμβά με δονήσεις χρώματος.»

Χάρη σε υπαίθριες δραστηριότητες και συναντήσεις σε ένα καφέ στις 27 Δεκεμβρίου 1873, «Ανώνυμοι, γλύπτες, χαράκτες κ.λπ. - έτσι στην αρχή οι ιμπρεσιονιστές αυτοαποκαλούνταν. Η πρώτη έκθεση της εταιρείας πραγματοποιήθηκε την άνοιξη ενός έτους αργότερα στην Εμπορική Πινακοθήκη του Nadar, ενός πειραματικού φωτογράφου που ασχολήθηκε επίσης με έργα σύγχρονης τέχνης.

Το ντεμπούτο έπεσε στις 15 Απριλίου 1874. Η έκθεση είχε προγραμματιστεί να γίνει για ένα μήνα, ο χρόνος των επισκέψεων ήταν από τις δέκα έως τις έξι και, που έγινε και καινοτομία, από τις οκτώ έως τις δέκα το βράδυ. Το εισιτήριο εισόδου κόστιζε ένα φράγκο, οι κατάλογοι μπορούσαν να αγοραστούν για πενήντα εκατοστά. Στην αρχή, η έκθεση φαινόταν να γεμίζει με επισκέπτες, αλλά το πλήθος ασχολήθηκε εκεί μόνο με την κοροϊδία. Μερικοί άνθρωποι αστειεύτηκαν ότι το καθήκον αυτών των καλλιτεχνών θα μπορούσε να επιτευχθεί με το να γεμίσουν ένα όπλο με διαφορετικούς σωλήνες χρώματος, μετά να πυροβολήσουν τον καμβά και να το υπογράψουν.

Οι απόψεις διίστανται: είτε η έκθεση δεν λήφθηκε καθόλου στα σοβαρά, είτε επικρίθηκε από τους λάτρεις. Η γενική αντίληψη μπορεί να εκφραστεί στο παρακάτω άρθρο της σαρκαστικής φιλοδοξίας «Έκθεση των Ιμπρεσιονιστών», με την υπογραφή του Louis Leroy, που εκδόθηκε σε μορφή φειγιέ. Ο διάλογος μεταξύ του συγγραφέα και του βραβευμένου με μετάλλια ακαδημαϊκού-τοπιογράφου, περιγράφεται εδώ, μαζί περνούν από τις αίθουσες της έκθεσης:

«... Ένας απρόσεκτος καλλιτέχνης ήρθε εκεί, χωρίς να υποθέσει τίποτα κακό, ήλπιζε να δει εκεί καμβάδες που μπορούν να βρεθούν παντού, ενδεικτικοί και άχρηστοι, πιο άχρηστοι παρά ενδεικτικοί, αλλά όχι μακριά από ορισμένα καλλιτεχνικά πρότυπα, την κουλτούρα της μορφής και τον σεβασμό για οι παλιοί κύριοι.

Αλίμονο, η φόρμα! Αλίμονο, οι παλιοί κύριοι! Δεν θα τα διαβάζουμε άλλο καημένο μου φίλε! Έχουμε αλλάξει τα πάντα!».

Η έκθεση εξέθεσε επίσης ένα τοπίο του Κλοντ Μονέ, που έδειχνε την πρωινή αυγή σε έναν κόλπο με ομίχλη - ο ζωγράφος το ονόμασε «Εντύπωση. Ανατολή "(Εντύπωση). Εδώ είναι ένα σχόλιο ενός από τους χαρακτήρες στο σατιρικό άρθρο του Louis Leroy σε αυτόν τον καμβά, που έδωσε το όνομα στην πιο συγκλονιστική και διάσημη τάση στην τέχνη του 19ου αιώνα:

«...- Τι σχεδιάζεται εδώ; Ρίξτε μια ματιά στον κατάλογο. - «Εντύπωση. Ανατολή ηλίου". - Εντύπωση - όπως περίμενα. Μόλις σκέφτηκα τον εαυτό μου ότι αφού μου κάνει εντύπωση, τότε πρέπει να μεταδοθεί κάποια εντύπωση σε αυτό ... και τι χαλαρότητα, τι ομαλή απόδοση! Η ταπετσαρία στον αρχικό βαθμό επεξεργασίας είναι πιο τέλεια από αυτή τη θαλασσογραφία...».

Προσωπικά, ο Μονέ δεν ήταν σε καμία περίπτωση αντίθετος σε ένα τέτοιο όνομα για μια καλλιτεχνική τεχνική, την οποία εφάρμοσε στην πράξη. Η κύρια ουσία της δουλειάς του είναι να αποτυπώνει και να αποτυπώνει με ακρίβεια τις άπιαστες στιγμές της ζωής, πάνω στις οποίες εργάστηκε, δίνοντας αφορμή για τις αμέτρητες σειρές έργων του: «Haystacks», «Popolars», «Rouen Cathedral», «Gare Saint-Lazare» , «Pond at Giverny» , «London. κτίριο της Βουλής» και άλλα. Άλλη περίπτωση, ο Έντγκαρ Ντεγκά, που του άρεσε να αυτοαποκαλείται «ανεξάρτητος», επειδή δεν συμμετείχε στο Σαλόνι. Το σκληρό, γκροτέσκο στυλ γραφής του, που λειτούργησε ως παράδειγμα για πολλούς υποστηρικτές (μεταξύ των οποίων ο Τουλούζ-Λωτρέκ ήταν ιδιαίτερα εξαιρετικός), ήταν ανεπίτρεπτο για την ακαδημαϊκή κριτική επιτροπή. Και οι δύο αυτοί ζωγράφοι έγιναν οι πιο ενεργοί διοργανωτές των επόμενων εκθέσεων των ιμπρεσιονιστών, τόσο στη Γαλλία όσο και στο εξωτερικό - στην Αγγλία, τη Γερμανία και τις ΗΠΑ.

Ο Ογκίστ Ρενουάρ, αντίθετα, εμφανιζόμενος στις πρώτες εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών, δεν έχασε την ελπίδα να κερδίσει το Σαλόνι, στέλνοντας κάθε χρόνο δύο πίνακές του στις εκθέσεις του. Εξηγεί τη χαρακτηριστική ασάφεια των πράξεών του στην αλληλογραφία του με τον σύντροφο και προστάτη του Durand-Ruel: «... Δεν υποστηρίζω επώδυνες απόψεις ότι ένα έργο είναι άξιο ή ανάξιο, ανάλογα με τον τόπο που προβάλλεται. Με λίγα λόγια, δεν θέλω να χάνω χρόνο και να θυμώνω στο Salon. Δεν θέλω καν να προσποιούμαι ότι είμαι θυμωμένος. Απλώς πιστεύω ότι πρέπει να σχεδιάσετε το συντομότερο δυνατό, αυτό είναι όλο. Αν θα είχα κατηγορηθεί επειδή ήμουν αδίστακτος στην τέχνη μου ή επειδή απέρριψα τις απόψεις μου από παράλογη φιλοδοξία, θα δεχόμουν τέτοιες κατηγορίες. Αλλά επειδή δεν υπάρχει τίποτα τέτοιο και δεν είναι κοντά, τότε δεν υπάρχει λόγος να με κατηγορήσετε».

Μη θεωρώντας τον εαυτό του επίσημα εμπλεκόμενο στην κατεύθυνση των ιμπρεσιονιστών, ο Εντουάρ Μανέ θεωρούσε τον εαυτό του ρεαλιστή ζωγράφο. Ωστόσο, η αδιάκοπη στενή σύνδεση με τους ιμπρεσιονιστές, επισκεπτόμενοι τις εκθέσεις τους, μεταμόρφωσε ανεπαίσθητα το ύφος του ζωγράφου, φέρνοντάς το πιο κοντά στο ιμπρεσιονιστικό. Στα χρόνια της ζωής του που πεθαίνουν, τα χρώματα στους πίνακές του λαμπρύνουν, η πινελιά σαρωτική, η σύνθεση αποσπασματική. Όπως ο Ρενουάρ, έτσι και ο Μανέ περίμενε την εύνοια των επίσημων ειδικών στον τομέα της τέχνης και ανυπομονούσε να λάβει μέρος στις εκθέσεις του Σαλόν. Όμως, παρά τη θέλησή του, έγινε το είδωλο της παριζιάνικης πρωτοπορίας, του αστεφάνου βασιλιά τους. Παρ' όλα αυτά, εισέβαλε με πείσμα στο Σαλόνι με τους καμβάδες του. Λίγο πριν από το θάνατό του, είχε την τύχη να αποκτήσει την επίσημη τοποθεσία του Salon. Το βρήκε και ο Ογκίστ Ρενουάρ.

Περιγράφοντας τα βασικά πρόσωπα του ιμπρεσιονισμού, θα ήταν άσχημο να μην θυμηθούμε τουλάχιστον αποσπασματικά το άτομο με τη βοήθεια του οποίου η επανειλημμένα ατιμασμένη καλλιτεχνική διεύθυνση έγινε ουσιαστικό καλλιτεχνικό απόκτημα του 19ου αιώνα, που κατέκτησε ολόκληρο τον κόσμο. Το όνομα αυτού του ανθρώπου είναι Paul Durand-Ruel, ένας συλλέκτης και έμπορος έργων τέχνης που έχει βρεθεί επανειλημμένα στα πρόθυρα της χρεοκοπίας, αλλά δεν έχει εγκαταλείψει τις προσπάθειές του να καθιερώσει τον ιμπρεσιονισμό ως μια νέα τέχνη που θα φτάσει ακόμα στο αποκορύφωμά του. Διοργάνωσε εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών στο Παρίσι και το Λονδίνο, διοργάνωσε ατομικές εκθέσεις ζωγράφων στην γκαλερί του, διοργάνωσε δημοπρασίες, απλώς βοηθούσε οικονομικά τους καλλιτέχνες: υπήρχαν φορές που πολλοί από αυτούς δεν είχαν τα μέσα να αγοράσουν χρώματα και καμβά. Απόδειξη της φλογερής ευγνωμοσύνης και του σεβασμού των καλλιτεχνών - οι επιστολές τους προς τον Durand-Ruel, από τις οποίες υπάρχουν άφθονες. Η προσωπικότητα του Durand-Ruel είναι ένα παράδειγμα ευφυούς συλλέκτη και ευεργέτη.

Ο «ιμπρεσιονισμός» είναι μια σχετική έννοια. Όλοι οι ζωγράφοι τους οποίους κατατάσσουμε ως αυτή την τάση έχουν περάσει από ακαδημαϊκή εκπαίδευση, η οποία περιελάμβανε μια σχολαστική μελέτη των λεπτομερειών και μια λεία, γυαλιστερή επιφάνεια ζωγραφικής. Ωστόσο, σύντομα προτίμησαν τις εικόνες σε μια ρεαλιστική κατεύθυνση από τα συνηθισμένα θέματα και τις πλοκές που ορίζει το Σαλόνι, αντανακλώντας την πραγματική πραγματικότητα, την καθημερινή ζωή. Στη συνέχεια, ο καθένας τους ζωγράφισε για ένα ορισμένο χρονικό διάστημα με το στυλ του ιμπρεσιονισμού, προσπαθώντας να μεταφέρει αντικειμενικά αντικείμενα στους πίνακές του υπό διαφορετικές συνθήκες φωτισμού. Μετά από ένα τέτοιο ιμπρεσιονιστικό στάδιο, οι περισσότεροι από αυτούς τους καλλιτέχνες της avant-garde προχώρησαν σε ανεξάρτητη έρευνα, η οποία απέκτησε το συλλογικό όνομα «μετα-ιμπρεσιονισμός». Αργότερα το έργο τους συνέβαλε στη διαμόρφωση του αφαιρετικότητας του ΧΧ αιώνα.

Στη δεκαετία του '70 του XIX αιώνα, η Ευρώπη εθίστηκε στην ιαπωνική τέχνη. Ο Edmond de Goncourt στις σημειώσεις του λέει: «... Το πάθος για την ιαπωνική τέχνη ... περιλάμβανε τα πάντα - από τη ζωγραφική μέχρι τη μόδα. Στην αρχή, ήταν μανία για τέτοιους εκκεντρικούς όπως εγώ και ο αδερφός μου, .. αργότερα ήρθαν μαζί μας οι ιμπρεσιονιστές ζωγράφοι». Πράγματι, στους πίνακες των ιμπρεσιονιστών εκείνης της εποχής, τα χαρακτηριστικά της ιαπωνικής κουλτούρας αποτυπώνονταν συχνά: θαυμαστές, κιμονό, οθόνες. Σχεδίασαν επίσης στυλιστικές μεθόδους και πλαστικές λύσεις από την ιαπωνική γκραβούρα. Πολλοί ιμπρεσιονιστές ήταν ένθερμοι συλλέκτες ιαπωνικών εκτυπώσεων. Για παράδειγμα, Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas.

Γενικά, οι λεγόμενοι ιμπρεσιονιστές από το 1874 έως το 1886 οργάνωσαν 8 εκθέσεις σε άνισα χρονικά διαστήματα. Οι μισοί από τους 55 ζωγράφους που ανήκουν στην Ανώνυμη Εταιρεία, λόγω διαφόρων συνθηκών, φιγουράρουν μόνο στην 1η. Αποκλειστικός συμμετέχων και στις 8 εκθέσεις ήταν ο Camille Pissarro, ο οποίος είχε μια ήρεμη, ειρηνική διάθεση.

Το 1886 πραγματοποιήθηκε η τελική έκθεση των Ιμπρεσιονιστών, αλλά ως καλλιτεχνική μέθοδος συνέχισε να υπάρχει. Οι ζωγράφοι δεν άφησαν τον κόπο τους. Αν και η πρώην συντροφικότητα, η ενότητα, δεν υπήρχε πια. Ο καθένας πάτησε τον δικό του δρόμο. Οι ιστορικές αντιπαραθέσεις τελείωσαν, τελείωσαν με θρίαμβο νέων απόψεων και δεν χρειάστηκε να ενωθούν δυνάμεις. Η ένδοξη ενότητα των ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών διασπάστηκε, και δεν μπορούσε παρά να διασπαστεί: ήταν όλοι οδυνηρά διαφορετικοί, όχι μόνο στην ιδιοσυγκρασία, αλλά και στις απόψεις και τις καλλιτεχνικές τους πεποιθήσεις.

Ο ιμπρεσιονισμός, ως τάση σύμφωνη με την εποχή του, δεν παρέλειψε να φύγει από τα σύνορα της Γαλλίας. Ζωγράφοι σε άλλες χώρες έκαναν παρόμοιες ερωτήσεις (Ο Τζέιμς Γουίστλερ στην Αγγλία και τις ΗΠΑ, ο Μαξ Λίμπερμαν και ο Λόβις Κόρινθος στη Γερμανία, ο Κονσταντίν Κόροβιν και ο Ιγκόρ Γκράμπαρ στη Ρωσία). Οι γλύπτες (Auguste Rodin στη Γαλλία, Paolo Trubetskoy και Anna Golubkina στη Ρωσία) υιοθέτησαν τον ενθουσιασμό του ιμπρεσιονισμού για στιγμιαία κίνηση και ρευστή μορφή.

Έχοντας πραγματοποιήσει μια επανάσταση στις απόψεις των συγχρόνων, επεκτείνοντας την κοσμοθεωρία του, οι ιμπρεσιονιστές άνοιξαν έτσι το δρόμο για τη μετέπειτα διαμόρφωση της τέχνης και την εμφάνιση νέων αισθητικών φιλοδοξιών και ιδεών, νέων μορφών που δεν άργησαν να εμφανιστούν. Προερχόμενοι από τον ιμπρεσιονισμό, τον νεοϊμπρεσιονισμό, τον μετα-ιμπρεσιονισμό, τον φωβισμό, στη συνέχεια υποκίνησαν επίσης τη διαμόρφωση και την καθιέρωση νέων αισθητικών τάσεων και τάσεων.

Ιμπρεσιονισμός- η κατεύθυνση στην τέχνη του τελευταίου τρίτου του XIX - αρχές του ΧΧ αιώνα, που ξεκίνησε στη Γαλλία και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε όλο τον κόσμο, οι εκπρόσωποι της οποίας προσπάθησαν να συλλάβουν πιο φυσικά και αμερόληπτα τον πραγματικό κόσμο στην κινητικότητα και την μεταβλητότητά του, για να μεταφέρουν το φευγαλέο τους εντυπώσεις. Συνήθως, ο όρος «ιμπρεσιονισμός» σημαίνει μια κατεύθυνση στη ζωγραφική, αν και οι ιδέες του βρήκαν την ενσάρκωσή τους στη λογοτεχνία και τη μουσική.

Ζωγραφική.

Ο ιμπρεσιονισμός ξεκίνησε στη Γαλλία το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Οι νέοι καλλιτέχνες ήθελαν να προχωρήσουν πέρα ​​από την κλασική ζωγραφική. Κάτι που δεν ήταν τόσο εύκολο: ούτε οι κριτικοί ούτε το κοινό ήθελαν να δεχτούν πίνακες που ήταν τόσο διαφορετικοί από τη συνηθισμένη ακαδημαϊκή ζωγραφική σε στυλ «αντίκας».

Οι πίνακες των καλλιτεχνών της νέας κατεύθυνσης δεν θεωρούνταν ζωγραφιές, έμοιαζαν τόσο με γρήγορα σκίτσα.

Αλλά αυτή ήταν η ουσία της νέας κατεύθυνσης - να αιχμαλωτίσει τη στιγμή, να δείξει τη ζωή όπως είναι. Οι ιμπρεσιονιστές δεν επινοούν πλοκές, τις παίρνουν από την καθημερινή ζωή: αυτό είναι το μόνο που μπορεί να δει ο καθένας, απλά βγαίνοντας στο δρόμο.

Οι καλλιτέχνες άρχισαν να χρησιμοποιούν εντελώς νέες τεχνικές ζωγραφικής. Τα χρώματα στο καβαλέτο δεν αναμειγνύονταν, αλλά εφαρμόστηκαν στον καμβά με ξεχωριστές πινελιές. Επομένως, για να σχηματιστεί μια πλήρης εικόνα της εικόνας, θα πρέπει να προβάλλονται από μικρή απόσταση και όχι από κοντά. Με αυτήν την αντίληψη, σαφείς ξεχωριστές πινελιές συγχωνεύονται ομαλά μεταξύ τους και σχηματίζεται μια ιδέα της εικόνας.

Σε αντίθεση με τους δασκάλους των περασμένων ετών, οι ιμπρεσιονιστές δεν δούλευαν στα εργαστήρια, τελειώνοντας και οριστικοποιώντας τα σκίτσα τους εκεί. Είναι μεταξύ αυτών που η τεχνική του plein air γίνεται δημοφιλής - δηλαδή η εργασία στο ύπαιθρο. Οι καλλιτέχνες ταξίδεψαν στα προάστια (το δάσος του Fontainebleau ήταν ιδιαίτερα δημοφιλές), όπου σκιαγράφησαν πικνίκ ή απεικόνιζαν σκηνές της ζωής του Παρισιού: ο Μονέ και ο Ρενουάρ συχνά απεικόνιζαν σκηνές στα αναχώματα του Σηκουάνα· μια σειρά από πίνακες του Ρενουάρ από το Μουλέν ντε λα Ο Gallet είναι επίσης γνωστός.

Αλλά οι ιμπρεσιονιστές δεν ενδιαφέρονταν πάντα για τους ανθρώπους ή τη φύση. Ήταν πολύ πιο ενδιαφέρον να μεταφέρουμε, για παράδειγμα, την κίνηση του αέρα ή την πτώση του ηλιακού φωτός. Για παράδειγμα, στον πίνακα του Μονέ «Gare de Saint-Lazare» το κύριο θέμα της εικόνας δεν είναι καν ο ίδιος ο σταθμός ή το τρένο, αλλά ο καπνός που αναδύεται στα κλομπ από την καμινάδα που καπνίζει.

Το νέο κίνημα διέφερε από την ακαδημαϊκή ζωγραφική, τόσο τεχνικά όσο και ιδεολογικά. Πρώτα απ 'όλα, οι ιμπρεσιονιστές εγκατέλειψαν το περίγραμμα, αντικαθιστώντας το με μικρές, ξεχωριστές και αντίθετες πινελιές. Η ηλιαχτίδα χωρίζεται στα συστατικά της: βιολετί, μπλε, μπλε, πράσινο, κίτρινο, πορτοκαλί, κόκκινο, αλλά επειδή το μπλε είναι ένα είδος μπλε, ο αριθμός τους μειώνεται σε έξι. Δύο χρώματα τοποθετημένα δίπλα-δίπλα ενισχύουν το ένα το άλλο και, αντίθετα, όταν αναμειγνύονται, χάνουν την έντασή τους. Επιπλέον, όλα τα χρώματα χωρίζονται σε πρωτεύοντα, ή κύρια και διπλά, ή παράγωγα, με κάθε διπλασιασμένο χρώμα να είναι συμπληρωματικό του πρώτου:

Μπλε - Πορτοκαλί

κόκκινο πράσινο

Κίτρινο - Μωβ

Γενικά, πολλοί καλλιτέχνες εργάστηκαν με το στυλ του ιμπρεσιονισμού, αλλά η βάση του κινήματος ήταν ο Edouard Manet, ο Claude Monet, ο Auguste Renoir, ο Degas. Ωστόσο, ο Μανέ αποκαλούσε πάντα τον εαυτό του «ανεξάρτητο καλλιτέχνη» και δεν συμμετείχε ποτέ σε εκθέσεις και παρόλο που ο Ντεγκά συμμετείχε, ποτέ δεν ζωγράφιζε τα έργα του στο ύπαιθρο.

Καλλιτέχνες. (Πολλά, αλλά αρκετά σύντομα για να μάθετε για τη δουλειά τους)

Το έργο του εξαίρετου ζωγράφου του 19ου αιώνα μαρτυρεί πόσο οργανικά συγχωνεύτηκαν η παράδοση και η καινοτομία στην τέχνη των ιμπρεσιονιστών. Εντουάρ Μανέ... Εν τω μεταξύ, σε αυτά τα έργα, όπως και στη συνέχεια, ο καλλιτέχνης βασίζεται στην εμπειρία της κλασικής τέχνης. Σε μια προσπάθεια να κατανοήσει αισθητικά τη σύγχρονη ζωή, ο Manet χρησιμοποιεί τα μεγαλειώδη συνθετικά σχέδια των ζωγράφων της Αναγέννησης, από τον Giorgione και τον Titian μέχρι τον Velazquez και τον Goya. Οι πίνακές του, μια σειρά από πορτρέτα και άλλα έργα της δεκαετίας του 1860 ζωγραφίστηκαν με τον παραδοσιακό τρόπο ζωγραφικής που δεν έχει ακόμη ξεπεραστεί πλήρως, αν και κι εδώ μπορεί να νιώσει κανείς ήδη την επιθυμία για ανοιχτό χρώμα και φυσικό φως. Αργότερα, η παλέτα του Manet γίνεται αισθητά πιο ελαφριά. Ήταν από τους πρώτους που ζωγράφισε σε ένα καθαρό λευκό έδαφος, στη συνέχεια το «φόρτωσε» με πλούσιες πινελιές φωτεινών ηλιόλουστων χρωμάτων και μετά το σκέπασε με τα καλύτερα ημιτόνια ευγενών ροζ και γκρι-γκρι αποχρώσεων. Διέθετε το χάρισμα να μεταδίδει τον ατελείωτο πλούτο των χρωμάτων και τη ζωηρή τρόμο του αντικειμενικού κόσμου, που φαινόταν ιδιαίτερα ξεκάθαρα στη νεκρή φύση - «κανείς από τους σύγχρονους του Μανέ δεν μπορούσε να ζωγραφίσει μια νεκρή φύση καλύτερα από αυτόν.» Η καινοτομία του Μανέ ήταν ότι μπόρεσε να δει τη γύρω πραγματικότητα και να διευρύνει το εύρος των φαινομένων στα οποία απευθύνονταν οι καλές τέχνες. Δεν φοβόταν να φτιάξει ένα αντικείμενο πραγματικά υψηλής τέχνης και να ενσαρκώσει σε τέλειες εικαστικές μορφές τέτοιες πτυχές της ζωής και των ανθρώπινων σχέσεων, από τις οποίες πριν από αυτόν οι καλλιτέχνες απομακρύνονταν ή δεν τις πρόσεχαν.

Στο επίκεντρο της τέχνης Έντγκαρ Ντεγκάυπήρχε πάντα ένας άνθρωπος, ενώ το τοπίο, σχεδόν το κορυφαίο είδος των ιμπρεσιονιστών, δεν έπαιζε σημαντικό ρόλο στη δουλειά του. Μεγάλος θαυμαστής του Ingres, έδινε εξαιρετική σημασία στο σχέδιο. Στην Ιταλία, θαύμαζε τον Mantegna, μεταξύ Γάλλων καλλιτεχνών ενδιαφέρθηκε για τον Poussin και αντέγραφε τους πίνακές του. Ο Ντεγκά κινήθηκε υπό την επιρροή του Μανέ για να απεικονίσει σκηνές της σύγχρονης ζωής. Τα κύρια θέματα του είναι ο κόσμος του μπαλέτου και των ιπποδρομιών, μόνο σε σπάνιες περιπτώσεις τα ξεπερνά, αναφερόμενος στη ζωή της παριζιάνικης μποέμιας, απεικονίζοντας μιλινέ, σιδερώστρες και πλυντήρια. Η καινοτομία του Degas στη μετάδοση κίνησης είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με τη συνθετική του ικανότητα. Μαζί του, ακόμα πιο δυνατός από τον Μανέ, υπάρχει η αίσθηση της ακούσιας, της τυχαιότητας, της απόσπασης ενός ξεχωριστού επεισοδίου από το ρεύμα της ζωής. Αυτό το πετυχαίνει με μια απρόσμενη ασυμμετρία και ασυνήθιστες οπτικές γωνίες (συχνά από πάνω ή από το πλάι, υπό γωνία), τον «ανυψωτικό» χώρο, σαν να κρυφοκοιτάζει σε καθρέφτη, εκφραστικό καδράρισμα και τολμηρά κοψίματα καρέ. Αυτή η αίσθηση φυσικότητας και απόλυτης ελευθερίας κερδήθηκε με σκληρή δουλειά, ακριβή υπολογισμό και ακριβή σύνθεση σύνθεσης.

Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς μια μεγαλύτερη αντίθεση στην τέχνη του Ντεγκά από τη ζωγραφική Ογκίστ Ρενουάρένας από τους πιο ηλιόλουστους και πιο επιβεβαιωμένους καλλιτέχνες στη Γαλλία, τον οποίο ο A. Lunacharsky αποκάλεσε «ο ζωγράφο της ευτυχίας». Τα υψηλότερα επιτεύγματα του Renoir συνδέονται με την εικόνα των γυναικών και των παιδιών. Ο αγαπημένος του τύπος είναι οι γυναίκες με καμπύλες φόρμες, πρησμένα χείλη, μουντές μύτες και γοητευτικά αλόγιστα μάτια. Τα ζωγραφίζει γυμνά και ντυμένα, έξω στη βροχή, σε μια κούνια στον κήπο, ενώ κολυμπάει ή στο πρωινό με μαυρισμένους βαρκάρηδες. Τα μοντέλα του είναι κορίτσια του λαού και φτωχές αστές, υγιείς και φρέσκες, που δεν ξέρουν τον κορσέ και δεν ντρέπονται για τη γύμνια τους.