Οι κύριες κατευθύνσεις του κλασικισμού στη ζωγραφική. Ο κλασικισμός στη ζωγραφική

Θα μάθετε τα πάντα για τους εκπροσώπους του κλασικισμού διαβάζοντας αυτό το άρθρο.

Εκπρόσωποι του κλασικισμού

Τι είναι ο κλασικισμός;

ΚλασσικότηςΕίναι ένα στυλ στην τέχνη που βασίζεται στη μίμηση των προτύπων της Αρχαιότητας. Η άνθηση αυτής της τάσης χρονολογείται από τον 17ο-19ο αιώνα. Αντανακλά την επιθυμία για ακεραιότητα, απλότητα και συνέπεια.

Εκπρόσωποι του ρωσικού κλασικισμού

Ο κλασικισμός στη Ρωσία εμφανίστηκε στις αρχές του 18ου αιώνα από τη στιγμή των μεταμορφώσεων του Πέτρου Α και τη δημοσίευση της θεωρίας των «Τριών Ηρεμιών» από τον Λομονόσοφ και τη μεταρρύθμιση του Τρεντιακόφσκι. Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποι αυτής της τάσης είναι:

• Αντιόχεια Ντμίτριεβιτς Καντεμίρ,
• Αλεξάντερ Πέτροβιτς Σουμαρόκοφ
• Ιβάν Ιβάνοβιτς Κέμνιτσερ.

Η ρωσική αρχιτεκτονική συνδύαζε το ρωσικό μπαρόκ και τον βυζαντινό πολιτισμό. Το κύριο εκπρόσωποι του κλασικισμού στην αρχιτεκτονική - Eropkin, Kazakov, Zemtsov, Rossi, Korobov, Montferrand και Stasov.

Στη ζωγραφική τονίζεται η ομαλότητα των μορφών και το chiaroscuro και η γραμμή είναι τα κύρια στοιχεία της φόρμας. Εκπρόσωποι του κλασικισμού στη ζωγραφική: I. Akimov, P. Sokolov, K. Lorrain και N. Poussin. Ο Λορέν δημιούργησε τοπία στα οποία απεικόνιζε τη σύνδεση φύσης και ανθρώπου, την αρμονία και την αλληλεπίδρασή τους. Και ο Πουσέν ζωγράφισε αριστουργήματα που απεικονίζουν ηρωικές πράξεις σε ιστορικό στυλ.

Εκπρόσωποι του κλασικισμού στη ρωσική λογοτεχνία

Οι λαμπρότεροι εκπρόσωποι του κλασικισμού στη λογοτεχνία: Σουμαρόκοφ, Τρεντιακόφσκι, Καντεμίρ, Λομονόσοφ.Λίγο περισσότερες λεπτομέρειες για καθένα από αυτά. Ο Τρεντιακόφσκι έμεινε στην ιστορία ως άνθρωπος που αποκάλυψε την ουσία του κλασικισμού. Αλλά ο Lomonosov έκανε εξαιρετική δουλειά στην καλλιτεχνική φόρμα. Ο Σουμαρόκοφ είναι ο ιδρυτής του δραματικού συστήματος του κλασικισμού. Το διάσημο έργο του «Ντιμίτρι ο προσποιητής» αποκάλυψε την αντίθεση στο τσαρικό καθεστώς.

Αξίζει να σημειωθεί ότι όλοι οι επόμενοι διάσημοι εκπρόσωποι του κλασικισμού σπούδασαν υπό τον Lomonosov. Του ανήκει ο σχεδιασμός των κανόνων στιχουργίας και επεξεργασίας της γραμματικής της ρωσικής γλώσσας. Αυτός ο συγγραφέας εισήγαγε τις αρχές του κλασικισμού στη ρωσική λογοτεχνία. Χώρισε όλες τις λέξεις σε τρεις κύριες ομάδες ("τρεις ηρεμίες"):

• Η πρώτη ομάδα διακρίνεται από επισημότητα και μεγαλοπρέπεια. Κυριαρχείται από το παλιό ρωσικό λεξιλόγιο. Του ταίριαζαν ωδές, τραγωδίες, ηρωικά έπη.
• Η δεύτερη ομάδα περιελάμβανε ελεγείες, δράματα, σάτιρα.
• Η τρίτη ομάδα περιελάμβανε κωμωδίες και μύθους.

Ζωντανοί εκπρόσωποι του κλασικισμού χώρισαν τους ήρωές τους σε θετικούς (που πάντα κερδίζουν) και αρνητικούς χαρακτήρες. Η πλοκή, κατά κανόνα, βασιζόταν σε ένα ερωτικό τρίγωνο, τον αγώνα των ανδρών για την κατοχή μιας γυναίκας. Η δράση των έργων είναι χρονικά περιορισμένη (όχι περισσότερο από 3 ημέρες) και λαμβάνει χώρα σε ένα μέρος.

Εκπρόσωποι του κλασικισμού στην παγκόσμια λογοτεχνία

Οι ασκούμενοι του κλασικισμού ήταν κυρίως Γάλλοι συγγραφείς: ο ποιητής Μαλέρμπε, οι θεατρικοί συγγραφείς Κορνέιγ, Ρασίν,

Ο ορισμός του κλασικισμού (από το λατ. Сlassicus - υποδειγματικός) είναι ένα καλλιτεχνικό ύφος και κατεύθυνση στην τέχνη της Ευρώπης του 17ου - 19ου αιώνα. Βασίζεται στις ιδέες του ορθολογισμού, ο κύριος στόχος του οποίου είναι η εκπαίδευση του κοινού στη βάση ενός συγκεκριμένου ιδεώδους, ενός μοντέλου που μοιάζει με τον μοντερνισμό. Ο πολιτισμός του αρχαίου κόσμου χρησίμευσε ως παράδειγμα. Οι κανόνες, οι κανόνες του κλασικισμού ήταν υψίστης σημασίας. έπρεπε να τηρούνται από όλους τους καλλιτέχνες που εργάζονται στο πλαίσιο αυτής της κατεύθυνσης και του στυλ.

Ορισμός των κλασικών

Ο κλασικισμός, ως στυλ, αντικατέστησε το πλούσιο και πομπώδες εξωτερικό. Μέχρι τα τέλη του 17ου αιώνα, η ευρωπαϊκή κοινωνία ήταν εμποτισμένη με τις ιδέες του διαφωτισμού, οι οποίες βρήκαν την αντανάκλασή τους στον πολιτισμό της τέχνης. Την προσοχή των αρχιτεκτόνων και των γλυπτών τράβηξε η σοβαρότητα, η απλότητα, η σαφήνεια και η συντομία του αρχαίου πολιτισμού, ιδιαίτερα του αρχαίου ελληνικού. , η αρχιτεκτονική έγινε αντικείμενο μίμησης και δανεισμού.

Ως τάση, ο κλασικισμός αγκάλιασε όλα τα είδη τέχνης: ζωγραφική, μουσική, λογοτεχνία, αρχιτεκτονική.

Η ιστορία του κλασικού στυλ: από την αρχαιότητα έως την Αναγέννηση

Ο κλασικισμός, του οποίου ο κύριος στόχος είναι να εκπαιδεύσει το κοινό με βάση ένα συγκεκριμένο ιδανικό και την τήρηση όλων των γενικά αποδεκτών κανόνων, είναι εντελώς αντίθετος, ο οποίος αρνήθηκε όλους τους κανόνες και ήταν μια εξέγερση ενάντια σε οποιαδήποτε καλλιτεχνική παράδοση προς οποιαδήποτε κατεύθυνση.

Επαρχιακός κλασικισμός στη Ρωσία

Αυτή η κατεύθυνση είναι χαρακτηριστική μόνο για τη ρωσική αρχιτεκτονική. Τα περισσότερα από τα ιστορικά κτίρια στην Αγία Πετρούπολη και τη Μόσχα, το Yaroslavl, το Pskov είναι φτιαγμένα στον επαρχιακό κλασικισμό. Οι απαρχές του χρονολογούνται από τη Χρυσή Εποχή. Κλασικοί εκπρόσωποι αρχιτεκτονικών δομών, φτιαγμένοι στο στυλ του κλασικισμού: Καθεδρικός Ναός Καζάν, Καθεδρικός Ναός Κοζάκων του Αγίου Νικολάου κ.λπ.

Περίοδοι: πρώιμα, μεσαία, όψιμα (υψηλά)

Στην ανάπτυξή του, ο κλασικισμός πέρασε από 3 περιόδους, οι οποίες μπορούν να απαριθμηθούν ως εξής:

1. Νωρίς(1760 - αρχές δεκαετίας 1780) - η άνθηση της σκηνοθεσίας, η υιοθέτηση της έννοιας ενός νέου στυλ, ο προσδιορισμός των λόγων και για ποια χαρακτηριστικά το στυλ θα ανήκει στον κλασικισμό.
2. Αυστηρό ή μεσαίο(1780 - 1790) - ριζοβολία του στυλ, περιγραφή σε πολλά λογοτεχνικά και εικαστικά έργα, κατασκευή κτιρίων.
3. Αργά ή ψηλά, που έλαβε το όνομα (τα πρώτα 30 χρόνια του XIX αιώνα).

Η φωτογραφία δείχνει την Αψίδα του Θριάμβου στο Παρίσι - ένα ζωντανό παράδειγμα κλασικισμού.

Χαρακτηριστικά και χαρακτηριστικά του παγκόσμιου στυλ

Χαρακτηριστικά των κλασικών σε όλους τους τομείς της δημιουργικότητας:

• καθαρά γεωμετρικά σχήματα,
• υλικά υψηλής ποιότητας,
• ευγενές φινίρισμα και συγκράτηση.

Μεγαλειότητα και αρμονία, χάρη και πολυτέλεια - αυτά είναι τα κύρια χαρακτηριστικά του κλασικισμού. Αυτά τα χαρακτηριστικά αντικατοπτρίστηκαν αργότερα στους εσωτερικούς χώρους με στυλ.

Χαρακτηριστικά γνωρίσματα του κλασικισμού σε ένα μοντέρνο εσωτερικό

Βασικά χαρακτηριστικά του στυλ:

• λείοι τοίχοι με απαλά φυτικά μοτίβα.
• στοιχεία της αρχαιότητας: παλάτια και στήλες.
• χύτευση στόκου?
• εξαίσιο παρκέ?
• υφασμάτινη ταπετσαρία στους τοίχους.
• κομψά, κομψά έπιπλα.

Ήρεμα ορθογώνια σχήματα, συγκρατημένος και ταυτόχρονα ποικίλος διακοσμητικός σχεδιασμός, επαληθευμένες αναλογίες, αξιοπρεπής εμφάνιση, αρμονία και γεύση έχουν γίνει χαρακτηριστικό του ρωσικού κλασικιστικού στυλ.

Εξωτερικό της σκηνοθεσίας των κλασικών: κτίρια

Τα εξωτερικά σημάδια του κλασικισμού στην αρχιτεκτονική είναι έντονα, μπορούν να εντοπιστούν με την πρώτη ματιά στο κτίριο.

1. Κατασκευές:σταθερό, ογκώδες, ορθογώνιο και τοξωτό. Οι συνθέσεις είναι σαφώς προγραμματισμένες, παρατηρείται αυστηρή συμμετρία.
2. Έντυπα:σαφής γεωμετρία, όγκος και μνημειακότητα. αγάλματα, κίονες, κόγχες, ροτόντα, ημισφαίρια, αετώματα, ζωφόροι.
3. Γραμμές:αυστηρός; σύστημα τακτικού προγραμματισμού· ανάγλυφα, μετάλλια, ομαλό σχέδιο.
4. Υλικά:πέτρα, τούβλο, ξύλο, στόκος.
5. Στέγη:περίπλοκο, περίπλοκο σχήμα.
6. Χρώματα που επικρατούν:κορεσμένο λευκό, πράσινο, ροζ, μωβ, μπλε του ουρανού, χρυσό.
7. Χαρακτηριστικά στοιχεία: διακριτική διακόσμηση, κολώνες, παραστάδες, αντίκες στολίδι, μαρμάρινη σκάλα, μπαλκόνια.
8. Παράθυρο:ημικυκλικό, ορθογώνιο, επίμηκες προς τα πάνω, σεμνά διακοσμημένο.
9. Πόρτες:ορθογώνιο, με επένδυση, συχνά διακοσμημένο με αγάλματα (λιοντάρι, σφίγγα).
10. Ντεκόρ:σκάλισμα, επιχρύσωση, μπρούτζος, φίλντισι, ένθετο.

Εσωτερικό: σημάδια κλασικισμού και αρχιτεκτονικά είδη

Στο εσωτερικό των χώρων της εποχής του κλασικισμού, υπάρχει αρχοντιά, αυτοσυγκράτηση και αρμονία. Ωστόσο, όλα τα εσωτερικά αντικείμενα δεν μοιάζουν με εκθέματα μουσείου, αλλά τονίζουν μόνο το λεπτό καλλιτεχνικό γούστο και την αξιοπρέπεια του ιδιοκτήτη.

Το δωμάτιο έχει το σωστό σχήμα, γεμάτο με μια ατμόσφαιρα αρχοντιάς, άνεσης, ζεστασιάς, εκλεπτυσμένης πολυτέλειας. δεν είναι υπερφορτωμένος με λεπτομέρειες.

Την κεντρική θέση στην εσωτερική διακόσμηση κατέχουν φυσικά υλικά, κυρίως πολύτιμα ξύλα, μάρμαρο, πέτρα, μετάξι.

• Ταβάνια:ελαφρύ ψηλό, συχνά πολυεπίπεδο, με στόκο, στολίδια.
• Τοίχοι:διακοσμημένα με υφάσματα, ελαφριά, αλλά όχι φωτεινά, παραστάδες και κολώνες, γυψομάρμαρο ή βαφή είναι δυνατά.
• Παρκέ:παρκέ από πολύτιμα είδη ξύλου (merbau, kamša, teak, jatoba) ή μάρμαρο.
• Φωτισμός:πολυέλαιοι από κρύσταλλο, πέτρα ή ακριβό γυαλί. επιχρυσωμένοι πολυέλαιοι με σκιές σε μορφή κεριών.
• Υποχρεωτικά εσωτερικά χαρακτηριστικά:καθρέφτες, τζάκια, άνετες χαμηλές πολυθρόνες, χαμηλά τραπεζάκια τσαγιού, ελαφριά χειροποίητα χαλιά, πίνακες ζωγραφικής με αντικέ θέματα, βιβλία, ογκώδη επιδαπέδια βάζα στυλιζαρισμένα ως αρχαιότητα, τρίποδα για λουλούδια.

Τα μοτίβα αντίκες χρησιμοποιούνται συχνά στη διακόσμηση του δωματίου: μαίανδροι, φεστιβάλ, γιρλάντες δάφνης, κλωστές από μαργαριτάρια. Για διακόσμηση χρησιμοποιούνται ακριβά υφάσματα, συμπεριλαμβανομένων ταπετσαριών, ταφτά και βελούδου.

Επιπλα

Τα έπιπλα της εποχής του κλασικισμού διακρίνονται για την καλή τους ποιότητα και αξιοπρέπεια, κατασκευασμένα από ακριβά υλικά, κυρίως από πολύτιμο ξύλο. Αξίζει να σημειωθεί ότι η υφή του ξύλου δεν λειτουργεί μόνο ως υλικό, αλλά και ως διακοσμητικό στοιχείο. Τα έπιπλα είναι χειροποίητα, διακοσμημένα με σκαλίσματα, επιχρύσωση, ένθετα, πολύτιμους λίθους και μέταλλα. Αλλά η μορφή είναι απλή: αυστηρές γραμμές, ακριβείς αναλογίες. Τα τραπέζια και οι καρέκλες της τραπεζαρίας είναι φτιαγμένα με χαριτωμένα σκαλιστά πόδια. Πιάτα - πορσελάνινα, λεπτά, σχεδόν διάφανα, με σχέδια, επιχρυσωμένα.Ένα από τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά των επίπλων θεωρήθηκε ένας γραμματέας με κυβικό σώμα στα ψηλά πόδια.

Αρχιτεκτονική: θέατρα, εκκλησίες και άλλα κτίρια

Ο κλασικισμός στράφηκε στα θεμέλια της αρχαίας αρχιτεκτονικής, χρησιμοποιώντας όχι μόνο στοιχεία και κίνητρα, αλλά και μοτίβα στην κατασκευή. Η βάση της αρχιτεκτονικής γλώσσας είναι η τάξη με την αυστηρή συμμετρία της, την αναλογικότητα της σύνθεσης που δημιουργείται, την κανονικότητα της διάταξης και τη σαφήνεια της ογκομετρικής μορφής.

Ο κλασικισμός είναι το εντελώς αντίθετο με την επιδεξιότητα και τις διακοσμητικές υπερβολές του.

Δημιουργήθηκαν ανοχύρωτα παλάτια, σύνολα κήπων και πάρκων, τα οποία αποτέλεσαν τη βάση του γαλλικού κήπου με τα ευθυγραμμισμένα σοκάκια του, τους στολισμένους χλοοτάπητες σε μορφή κώνων και μπάλες. Χαρακτηριστικές λεπτομέρειες του κλασικισμού είναι οι σκάλες με έμφαση, η κλασική αντίκα διακόσμηση, οι θόλοι σε δημόσια κτίρια.

Ο ύστερος κλασικισμός (στυλ αυτοκρατορίας) απέκτησε στρατιωτικά σύμβολα («Αψίδα του Θριάμβου» στη Γαλλία). Στη Ρωσία, η Αγία Πετρούπολη μπορεί να ονομαστεί ο κανόνας του αρχιτεκτονικού στυλ του κλασικισμού, στην Ευρώπη είναι το Ελσίνκι, η Βαρσοβία, το Δουβλίνο, το Εδιμβούργο.

Γλυπτική: ιδέες και ανάπτυξη

Στην εποχή του κλασικισμού, τα δημόσια μνημεία ήταν ευρέως διαδεδομένα, προσωποποιώντας τη στρατιωτική ανδρεία και τη σοφία των πολιτικών. Επιπλέον, η κύρια λύση για τους γλύπτες ήταν το μοντέλο της εικόνας διάσημων μορφών στην εικόνα των αρχαίων θεών (για παράδειγμα, Suvorov - με τη μορφή του Άρη). Έχει γίνει δημοφιλές μεταξύ ιδιωτών να παραγγέλνουν επιτύμβιες στήλες για γλύπτες για να διαιωνίσουν τα ονόματά τους. Γενικότερα, τα γλυπτά της εποχής χαρακτηρίζονται από ηρεμία, εγκράτεια χειρονομιών, απαθείς εκφράσεις, καθαρότητα γραμμών.

Μόδα: ρούχα Ευρώπης και Ρωσίας

Το ενδιαφέρον για την αρχαιότητα για τα ρούχα άρχισε να εκδηλώνεται τη δεκαετία του '80 του 18ου αιώνα. Αυτό φάνηκε ιδιαίτερα στη γυναικεία φορεσιά. Ένα νέο ιδανικό ομορφιάς έχει εμφανιστεί στην Ευρώπη, που γιορτάζει τις φυσικές φόρμες και τις όμορφες γυναικείες γραμμές... Τα πιο λεπτά λεία υφάσματα ανοιχτόχρωμων χρωμάτων, ειδικά το λευκό, έχουν μπει στη μόδα.

Τα γυναικεία φορέματα έχασαν τους σκελετούς, τις φόδρες και τα μεσοφόρια τους και πήραν τη μορφή μακριών, πτυχωτών χιτώνων, κομμένων στα πλάγια και κομμένα με ζώνη κάτω από το μπούστο. Φοριόντουσαν σε ένα σοκολατάκι στο χρώμα της σάρκας. Σανδάλια με κορδέλες χρησίμευαν ως παπούτσια. Τα χτενίσματα αντιγράφτηκαν από την αρχαιότητα. Παραμένει στη μόδα η πούδρα, που κάλυπτε πρόσωπο, χέρια, λαιμόκοψη.

Μεταξύ των αξεσουάρ που χρησιμοποιήθηκαν ήταν είτε μουσελίνα τουρμπάνι διακοσμημένα με φτερά, είτε τούρκικα κασκόλ ή σάλια από το Κασμίρ.

Από τις αρχές του 19ου αιώνα άρχισαν να ράβονται τελετουργικά φορέματα με τρένα και βαθιά λαιμόκοψη. Και σε casual φορέματα, η λαιμόκοψη ήταν καλυμμένη με ένα δαντελένιο φουλάρι. Το χτένισμα αλλάζει σταδιακά και η πούδρα βγαίνει εκτός χρήσης. Τα κοντά μαλλιά είναι στη μόδα, στριμμένα σε μπούκλες, δεμένα με χρυσή κορδέλα ή διακοσμημένα με ένα στέμμα από λουλούδια.

Η ανδρική μόδα επηρεάστηκε από τους Βρετανούς. Το αγγλικό μάλλινο φράκο, το dressing coat (εξωτερικά ρούχα που θυμίζουν φόρεμα), το frill και οι μανσέτες γίνονται δημοφιλή. Ήταν στην εποχή του κλασικισμού που ήρθαν στη μόδα οι ανδρικές γραβάτες.

Τέχνη

Ζωγραφική και καλές τέχνες

Στη ζωγραφική, ο κλασικισμός χαρακτηρίζεται επίσης από εγκράτεια και αυστηρότητα. Τα κύρια στοιχεία της φόρμας είναι η γραμμή και το chiaroscuro.Το τοπικό χρώμα τονίζει την πλαστικότητα των αντικειμένων και των μορφών, διαχωρίζει το χωρικό σχέδιο της εικόνας. Ο μεγαλύτερος δάσκαλος του 17ου αιώνα. - Lorrain Claude, γνωστός για τα «ιδανικά τοπία» του. Εμφύλιος πάθος και λυρισμός συνδυάζονται στα «διακοσμητικά τοπία» του Γάλλου ζωγράφου Ζακ Λουί Νταβίντ (18ος αιώνας). Από τους Ρώσους καλλιτέχνες διακρίνεται ο Karl Bryullov, ο οποίος συνδύασε τον κλασικισμό με τον (19ος αιώνας).

Ο κλασικισμός στη μουσική συνδέεται με σπουδαία ονόματα όπως ο Μότσαρτ, ο Μπετόβεν και ο Χάιντν, που καθόρισαν την περαιτέρω ανάπτυξη της μουσικής τέχνης.

Λογοτεχνία: ήρωες και προσωπικότητα στα έργα

Η λογοτεχνία της εποχής του κλασικισμού προώθησε το μυαλό, κατακτώντας τις αισθήσεις. Η σύγκρουση μεταξύ καθήκοντος και παθών είναι η βάση της πλοκής ενός λογοτεχνικού έργου, όπου η προσωπικότητα βρίσκεται διαρκώς σε ένταση και πρέπει να επιλέξει ποια απόφαση θα πάρει. Η μεταρρύθμιση της γλώσσας έγινε σε πολλές χώρες και τέθηκαν τα θεμέλια της ποιητικής τέχνης. Οι κορυφαίοι εκπρόσωποι της σκηνοθεσίας είναι οι François Malherbe, Cornel, Racine. Η κύρια συνθετική αρχή του έργου είναι η ενότητα χρόνου, τόπου και δράσης.

Στη Ρωσία, ο κλασικισμός αναπτύσσεται υπό την αιγίδα του Διαφωτισμού, οι κύριες ιδέες του οποίου ήταν η ισότητα και η δικαιοσύνη. Ο πιο εξέχων συγγραφέας της λογοτεχνίας της εποχής του ρωσικού κλασικισμού είναι ο Μ. Λομονόσοφ, ο οποίος έθεσε τα θεμέλια της στιχουργίας. Η κωμωδία και η σάτιρα έγιναν το κύριο είδος. Ο Fonvizin και ο Kantemir εργάστηκαν σε αυτό το πνεύμα.

Η «Χρυσή Εποχή» θεωρείται η εποχή του κλασικισμού για τη θεατρική τέχνη, η οποία αναπτύχθηκε πολύ δυναμικά και βελτιώθηκε. Το θέατρο ήταν αρκετά επαγγελματικό και ο ηθοποιός στη σκηνή δεν έπαιζε απλώς, αλλά ζούσε, ανησυχούσε, ενώ παρέμενε ο ίδιος. Το θεατρικό στυλ ανακηρύχθηκε η τέχνη της απαγγελίας.

Ένα παράδειγμα πίνακα ζωγραφικής σε κλασικό στυλ:

Οι κύριοι εκπρόσωποι των κλασικιστών: καλλιτέχνες, αρχιτέκτονες

Μεταξύ των πιο λαμπρών παγκόσμιων πολιτιστικών φιγούρων - κλασικών καλών τεχνών, αρχιτεκτονικής, μπορεί κανείς να διακρίνει ονόματα όπως:

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (αρχιτεκτονική);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (γλυπτική);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (ζωγραφική);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Chemnitser (λογοτεχνία).

Βίντεο: παραδόσεις και πολιτισμός, χαρακτηριστικά γνωρίσματα, μουσική

συμπέρασμα

Οι ιδέες της εποχής του κλασικισμού χρησιμοποιούνται με επιτυχία στο μοντέρνο σχεδιασμό. Διατηρεί την αρχοντιά και τη χάρη, την ομορφιά και το μεγαλείο. Τα κύρια χαρακτηριστικά είναι τοιχογραφίες, κουρτίνες, γυψομάρμαρο, έπιπλα από φυσικό ξύλο. Υπάρχουν λίγα στολίδια, αλλά είναι όλα πολυτελή: καθρέφτες, πίνακες ζωγραφικής, τεράστιοι πολυέλαιοι.

Κλασσικισμός (από το λατ. Classicus - υποδειγματικός), ύφος και κατεύθυνση στη λογοτεχνία και την τέχνη 17 - πρώιμο. 19ου αιώνα, που στράφηκε στην αρχαία κληρονομιά ως κανόνα και ιδανικό πρότυπο. Ο κλασικισμός διαμορφώθηκε τον 17ο αιώνα. στη Γαλλία. Οι αρχές της ορθολογιστικής φιλοσοφίας που διέπουν τον κλασικισμό έχουν εξαρτήσει την άποψη των θεωρητικών και των επαγγελματιών του κλασικισμού σε ένα έργο τέχνης ως καρπό της λογικής και της λογικής, που θριαμβεύει πάνω στο χάος και τη ρευστότητα της αισθησιακά αντιληπτής ζωής. Ο προσανατολισμός σε μια λογική αρχή, σε διαρκή πρότυπα καθόρισε τη σταθερή κανονιστικότητα των ηθικών απαιτήσεων. Η εδραίωση των θεωρητικών δογμάτων του κλασικισμού διευκολύνθηκε από τις δραστηριότητες των Βασιλικών Ακαδημιών που ιδρύθηκαν στο Παρίσι - ζωγραφική και γλυπτική και αρχιτεκτονική. Κλασσικισμός 18ος - αρχές 19ου αιώνα (στην ξένη ιστορία της τέχνης, συχνά αποκαλείται νεοκλασικισμός), που έχει γίνει κοινό ευρωπαϊκό στυλ, διαμορφώθηκε επίσης κυρίως στους κόλπους του γαλλικού πολιτισμού, κάτω από την ισχυρότερη επίδραση των ιδεών του Διαφωτισμού.

Στη ζωγραφική του κλασικισμού, η γραμμή και το κιαροσκούρο έγιναν τα κύρια στοιχεία της μοντελοποίησης φόρμας, το τοπικό χρώμα αποκαλύπτει ξεκάθαρα την πλαστικότητα των μορφών και των αντικειμένων, διαχωρίζει τα χωρικά σχέδια της εικόνας. χαρακτηρίζεται από την υπεροχή του φιλοσοφικού και ηθικού περιεχομένου. Αυστηρή ρύθμιση της συμπεριφοράς των ηρώων. Από αυτή την άποψη, ένας σαφής ορισμός του προτύπου της στάσης, της χειρονομίας, της κίνησης, της έκφρασης των ματιών, των εκφράσεων του προσώπου. Ο χαραγμένος συνθετικός ρυθμός πρέπει να εκλαμβάνεται ως αντανάκλαση της λογικής αρχής, μετριάζοντας τις βασικές παρορμήσεις και δίνοντας μεγαλείο στις πράξεις ενός ατόμου. Τρίτομη κατασκευή και υποχρεωτικά φτερά. Αυστηρές απαιτήσεις σχεδίασης: κεντρική προοπτική. οβάλ σχήματα? εξάλειψη παράλληλων ευθειών και ίσων γωνιών. Η προτεραιότητα της γραμμής έναντι της βαφής είναι ένα σαφές περίγραμμα. Η «γλυπτικότητα» των στοιχείων. Εξάλειψη έντονων χρωματικών αντιθέσεων και πλήρης υποταγή του χρώματος στη γραμμή και το σχήμα.

Οι μεγαλύτεροι εκπρόσωποι του κλασικισμού είναι οι N. Poussin, C. Lorrain, J. L. David, J. OD Ingres.

Ο ιδρυτής του κλασικισμού και ο μεγαλύτερος δάσκαλος του κλασικισμού του 17ου αιώνα - Πουσέν Νικόλαος.Από τη δεκαετία του 1620, ο ζωγράφος Nicolas Poussin δημιούργησε εικόνες υψηλού πολιτικού ήχου (The Death of Germanicus), ποιητικές συνθέσεις σε λογοτεχνικά και μυθολογικά θέματα, που χαρακτηρίζονται από ένα υπέροχο σύστημα εικόνων, συναισθηματικότητα ενός έντονου, απαλά εναρμονισμένου χρώματος. Ο σαφής συνθετικός ρυθμός που επικρατεί στα έργα του Nicolas Poussin της δεκαετίας του 1630 γίνεται αντιληπτός ως αντανάκλαση της λογικής αρχής, η οποία δίνει μεγαλείο στις ευγενείς πράξεις του ανθρώπου (" Αρκαδικοί βοσκοί ”;«Ψάχνοντας τον Μωυσή»). Από τη δεκαετία του 1650, το ηθικό και φιλοσοφικό πάθος αυξάνεται στο έργο του Poussin. Αναπτύσσοντας τις αρχές ενός ιδανικού τοπίου, ο Nicolas Poussin κάνει τη φύση ενσάρκωση της σκοπιμότητας και της τελειότητας («Τοπίο με τον Πολύφημο», μια σειρά από τοπία «Οι εποχές», «Απόλλωνας και Δάφνη»). Εισαγωγή μυθολογικών χαρακτήρων στο τοπίο, προσωποποίηση διαφόρων στοιχείων, χρησιμοποιώντας επεισόδια βιβλικών θρύλων. Σε ένα από τα καλύτερα έργα με θέμα αντίκες "Βασίλειο της χλωρίδας"(ο καλλιτέχνης συγκέντρωσε τους χαρακτήρες του έπους του Οβίδιου, που μετά θάνατον μετατράπηκαν σε λουλούδια (Νάρκισσος, Υάκινθος κ.λπ.). Η χορεύουσα Φλώρα βρίσκεται στο κέντρο και οι υπόλοιπες φιγούρες βρίσκονται σε κύκλο, οι πόζες και οι χειρονομίες τους είναι υποτάσσεται σε έναν ενιαίο ρυθμό - χάρη σε αυτό, ολόκληρη η σύνθεση διαποτίζεται με μια κυκλική κίνηση. Το τοπίο, απαλό στο χρώμα και απαλό στη διάθεση, είναι ζωγραφισμένο μάλλον υπό όρους και μοιάζει περισσότερο με θεατρικό σκηνικό.

Κλοντ Λορέν- ένας από τους μεγαλύτερους δεξιοτέχνες της κλασικής τοπίο... Οι χαρακτήρες στα έργα του καλλιτέχνη είναι κυρίως αρχαίοι ήρωες και χαρακτήρες από βιβλικούς θρύλους. Με μεγάλη δεξιοτεχνία, ο καλλιτέχνης απεικόνισε το παιχνίδι του ηλιακού φωτός σε διάφορες ώρες της ημέρας, τη φρεσκάδα του πρωινού, τη μεσημεριανή ζέστη, τη διαφάνεια του καθαρού αέρα και την απόσταση που κάλυπτε μια ελαφριά ομίχλη. Στην φωτογραφία «Απαγωγή της Ευρώπης»αντανακλούσε μια πλήρη και πλούσια εικόνα της φύσης. Η πλοκή, την οποία ο καλλιτέχνης αποκάλυψε με φόντο το τοπίο, χρησίμευσε μόνο ως βάση για τη συγγραφή του θαλάσσιου πανοράματος.

Ένας άλλος διάσημος πίνακας του Lorrain είναι «Acis και Galatea". Το έργο είναι γραμμένο σε κλασικό στυλ, που απαιτεί αυστηρή συμμόρφωση, χωρίζοντας το χώρο σε μια σειρά από σχέδια, οι αναλογίες βαθμονομούνται προσεκτικά στην εικόνα, οι συνθέσεις των δέντρων πλαισιώνουν την εικόνα και στις δύο πλευρές, όπως μια κουρτίνα ή ένα πλαίσιο.

Το τελευταίο έργο του Lorrain - " Τοπίο με την Oskaniya να πυροβολεί ένα ελάφι "(Μουσείο στην Οξφόρδη) ολοκληρώθηκε τη χρονιά του θανάτου του καλλιτέχνη και θεωρείται πραγματικό αριστούργημα.

Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του «νέου κλασικισμού» ήταν Jacques-Louis David ; Ζωγραφική "Ορκος των Χορατίων"ζητεί την εκπλήρωση του πολιτικού καθήκοντος. Αυστηρή ορθότητα του σχεδίου, σαφής και λακωνική χειρονομία, ηρωικό περιεχόμενο, αρχαιολογική πιστότητα κοστουμιών, ξεκάθαρη μοντελοποίηση. Το ταλέντο του Ντέιβιντ αποκαλύφθηκε πλήρως στα χρόνια της επανάστασης. Η εξαιρετικά λακωνική και δραματική καλλιτεχνική του γλώσσα χρησίμευσε με την ίδια επιτυχία στην προώθηση των ιδανικών Γαλλική επανάσταση (« Θάνατος του Μαράτ «1793) και Πρώτη Αυτοκρατορία (« Αφιέρωμα του Αυτοκράτορα Ναπολέοντα Α' » ). Στην εικόνα" Θάνατος του Μαράτ»Ο καλλιτέχνης κατάφερε, όσο ποτέ πιο οργανικά, να συνδυάσει τα χαρακτηριστικά ενός πορτρέτου και μιας εικόνας σε ένα ιστορικό θέμα σε αυτό το έργο. Το δεξί χέρι του Μαράτ κρατά ακόμα το στυλό, αν και η ζωή τον έχει ήδη εγκαταλείψει, στο αριστερό του είναι ένα γράμμα από τη Σαρλότ Κόρντεϊ. Στην κάτω άκρη του καμβά, ο καλλιτέχνης απεικόνισε το όπλο της δολοφονίας - ένα μαχαίρι βαμμένο με αίμα. Ο Ντέιβιντ έδωσε στις φόρμες μια πραγματικά γλυπτική μνημειακότητα. το 1804 ήταν ο Ντέιβιντ που έγινε «ο πρώτος καλλιτέχνης του Ναπολέοντα».

Ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους του κλασικισμού yavl. Jean Auguste Dominique Ingres. Ο συγγραφέας ιστορικών, λογοτεχνικών και μυθολογικών συνθέσεων ενήργησε ως πεπεισμένος θεματοφύλακας του απαραβίαστου του ακαδημαϊκού ιδεώδους. Το έργο "Οι πρεσβευτές του Αγαμέμνονα στον Αχιλλέα", για το οποίο ο Ingres έλαβε το "Grand Prix de Rota", λέει ότι κατέκτησε πλήρως το κλασικιστικό σύστημα: η σύνθεση είναι αυστηρά λογική, οι φιγούρες μοιάζουν με ανάγλυφο αντίκες, ο χρωματικός συνδυασμός είναι υποδεέστερος του σχεδίου. «Η Madonna before the Chalice with the Sacrament», ένα από τα πιο γνωστά έργα του καλλιτέχνη. Ο πίνακας ανατέθηκε από τον μελλοντικό Ρώσο αυτοκράτορα Αλέξανδρο Β' στον Ingres. Η άκαμπτη ιερατική στάση και τα σωστά ραφαηλιακά χαρακτηριστικά του προσώπου της Madonna αντηχούν με την καθολική εικονογραφία. Η εικονογραφική γλώσσα του Ingres στα μέσα του 19ου αιώνα. χτυπά με την τέλεια ακρίβεια και εποικοδομητικό χαρακτήρα της εικόνας. Ο ακαδημαϊσμός της γαλλικής τέχνης επηρεάστηκε πολύ από τις όψιμες κλασικιστικές παραδόσεις του ζωγράφου.Ο Ingres ήταν πάντα μακριά από την πολιτική και δεν συμμετείχε στα γεγονότα του 1830 στη Γαλλία. Αλλά αυτή τη στιγμή γράφει ένα υπέροχο πορτρέτο του επικεφαλής του πολιτικού Τύπου εκείνης της εποχής, του ιδιοκτήτη της δημοφιλούς εφημερίδας Λουί Φρανσουά Μπερτίν του Πρεσβύτερου, ενός πανίσχυρου γκριζομάλλη γέρου με ένα έξυπνο, ήρεμο βλέμμα «του κυρίου του ζωή και συνθήκες».

Ένα από τα πιο σημαντικά έργα που έγραψε ο Ingres στο τέλος της ζωής του - "Μια πηγή".Αυτή η εικόνα ενός νεαρού κοριτσιού που κρατά μια κανάτα από την οποία χύνεται νερό είναι ένα αλληγορικό σύμβολο της αιώνιας πηγής της ζωής.

Στη Ρωσία, ο κλασικισμόςσχηματίστηκε τον 18ο αιώνα και έπαιξε σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του εθνικού πολιτισμού. Στις εικαστικές τέχνες, η ανάπτυξη του κλασικισμού συνδέεται στενά με την Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης, που ιδρύθηκε το 1757. Διατηρώντας στον ένα ή τον άλλο βαθμό τα χαρακτηριστικά της εξιδανίκευσης, της αφαίρεσης και του αλληγορισμού, οι Ρώσοι δάσκαλοι της ιστορικής ζωγραφικής του κλασικισμού - Α. ... P. Losenko, G. I. Ugryumov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, στο πρώιμο έργο - K. P. Bryullov και A. A. Ιβάνοφ- προώθησε εκπαιδευτικές ιδέες ανθρωπισμού, πατριωτικής δημόσιας υπηρεσίας.

Ο ιδρυτής της ακαδημαϊκής σχολής ζωγραφικής του ρωσικού κλασικισμού θεωρείται Α. Λοσένκο... Μία από τις καλύτερες εικόνες του ζωγράφου είναι το «Αποχαιρετισμός του Έκτορα στην Ανδρομάχη». Εκμεταλλευόμενος ορισμένα κίνητρα του αρχαίου έπους, ο καλλιτέχνης έβαλε ένα διαφορετικό περιεχόμενο στο έργο, απόλυτα βασισμένο στις αρχές του κλασικισμού. Η ιδέα του Λοσένκο βασίζεται στην ιδέα του καθήκοντος προς την πατρίδα και της ηρωικής αυτοθυσίας στο όνομα της πατρίδας.

- το καλλιτεχνικό ύφος στην ευρωπαϊκή τέχνη του 17ου – αρχές του 19ου αιώνα, ένα από τα σημαντικότερα χαρακτηριστικά του οποίου ήταν η έλξη στις μορφές της αρχαίας τέχνης ως ιδανικό αισθητικό και ηθικό πρότυπο. Ο κλασικισμός, που αναπτύχθηκε σε οξεία πολεμική αλληλεπίδραση με το μπαρόκ, εξελίχθηκε σε ένα αναπόσπαστο σύστημα στυλ στη γαλλική καλλιτεχνική κουλτούρα του 17ου αιώνα. Οι αρχές της ορθολογιστικής φιλοσοφίας που διέπουν τον κλασικισμό έχουν εξαρτήσει την άποψη των θεωρητικών και των επαγγελματιών του κλασικού στυλ σε ένα έργο τέχνης ως προϊόν λογικής και λογικής, που θριαμβεύει πάνω στο χάος και τη ρευστότητα της αισθησιακά αντιληπτής ζωής.

Οι αρχές της ορθολογιστικής φιλοσοφίας που διέπουν τον κλασικισμό έχουν εξαρτήσει την άποψη των θεωρητικών και των επαγγελματιών του κλασικισμού σε ένα έργο τέχνης ως καρπό της λογικής και της λογικής, που θριαμβεύει πάνω στο χάος και τη ρευστότητα της αισθησιακά αντιληπτής ζωής. Ο προσανατολισμός σε μια λογική αρχή, σε διαρκή μοντέλα καθόρισε τη σταθερή κανονιστική φύση των ηθικών απαιτήσεων (υποταγή του προσωπικού στο γενικό, πάθη - στη λογική, το καθήκον, τους νόμους του σύμπαντος) και τις αισθητικές απαιτήσεις του κλασικισμού, τη ρύθμιση της καλλιτεχνικής κανόνες? η εδραίωση των θεωρητικών δογμάτων του κλασικισμού διευκολύνθηκε από τις δραστηριότητες των Βασιλικών Ακαδημιών που ιδρύθηκαν στο Παρίσι - ζωγραφική και γλυπτική (1648) και αρχιτεκτονική (1671). Στη ζωγραφική του κλασικισμού, η γραμμή και το chiaroscuro έγιναν τα κύρια στοιχεία της μοντελοποίησης της φόρμας, το τοπικό χρώμα αποκαλύπτει ξεκάθαρα την πλαστικότητα των μορφών και των αντικειμένων, διαχωρίζει τα χωρικά σχέδια της εικόνας (σημαδεύεται από την υπεροχή του φιλοσοφικού και ηθικού περιεχομένου, το γενικό αρμονία του έργου του N. Poussin, του ιδρυτή του κλασικισμού και του μεγαλύτερου δεξιοτέχνη του κλασικισμού του 17ου αιώνα, «Ιδανικά τοπία» του K. Lorrain). Κλασσικισμός 18ος - αρχές 19ου αιώνα (στην ξένη ιστορία της τέχνης, συχνά αποκαλείται νεοκλασικισμός), που έχει γίνει κοινό ευρωπαϊκό στυλ, διαμορφώθηκε επίσης κυρίως στους κόλπους του γαλλικού πολιτισμού, κάτω από την ισχυρότερη επίδραση των ιδεών του Διαφωτισμού. Στην αρχιτεκτονική, εντοπίστηκαν νέοι τύποι ενός εξαίσιου αρχοντικού, ενός τελετουργικού δημόσιου κτιρίου, μιας ανοιχτής πλατείας πόλης (J.A. Gabriel, J.J. Souflot), η αναζήτηση νέων, ακατάστατων μορφών αρχιτεκτονικής. αγωνιζόμενος για λιτή απλότητα στο έργο του Κ.Ν. Ο Ledoux προέβλεψε την αρχιτεκτονική του τελευταίου σταδίου του κλασικισμού - το στυλ της Αυτοκρατορίας. Το αστικό πάθος και ο λυρισμός συνδυάζονται στην πλαστικότητα του Zh.B. Pigal και J.A. Houdon, διακοσμητικά τοπία του J. Robert. Το θαρραλέο δράμα των ιστορικών και πορτραίτων εικόνων είναι εγγενές στα έργα του επικεφαλής του γαλλικού κλασικισμού, ζωγράφου J.L. Δαβίδ.

Η ζωγραφική από τον David έως τον Delacroix αντιπροσωπεύει την περίοδο της βασιλείας του κλασικισμού. Οι πρώτοι πίνακες του Ντέιβιντ δεν έφεραν τίποτα θεμελιωδώς επαναστατικό στη σύγχρονη τέχνη, αλλά ο «Όρκος των Χοράτι» του, που εμφανίστηκε το 1784, έκανε μια πρωτόγνωρη εντύπωση όχι μόνο στον καλλιτεχνικό κόσμο, αλλά και σε ολόκληρη την κοινωνία, της οποίας η διάθεση αυτό το έργο ανταποκρίνεται πλήρως. Η αυστηρή ορθότητα του σχεδίου, το ηρωικό περιεχόμενο, τόσο διαφορετικό από το καθημερινό μικροενδιαφέρον και, τέλος, η αρχαιολογική πιστότητα των στολών, της αρχιτεκτονικής και όλων των κυκλικών κόμβων μετέφεραν το κοινό στον αρχαίο κόσμο, που είχε ήδη γίνει ελκυστικός. τους νωρίτερα. Αυτή την εικόνα ακολούθησε «Ο Βρούτος και οι λίκτορες, που έφεραν τα πτώματα των γιων του, εκτελέστηκαν με δική του εντολή». μετά από αυτό ο Δαβίδ έγραψε (1787) «Θάνατος του Σωκράτη» (ο σκλάβος του δίνει ένα φλιτζάνι με δηλητήριο, γυρίζοντας και κλαίγοντας). Όλα αυτά ήταν τόσο νέα και αντίθετα με το στυλ του ροκοκό, φαινόταν τόσο μεγαλειώδες που χρησίμευσε ως λόγος για την κοινωνία να μιλήσει με ενθουσιασμό για τον David ως καλλιτέχνη και πολίτη. λόγω της αστικής αξίας, τα καλλιτεχνικά ελαττώματα των έργων του δεν έγιναν καν αντιληπτά. Μια τέτοια γοητεία με τους πίνακές του είναι κατανοητή για την εποχή μας, αν λάβουμε υπόψη αυτό που είχε στο μυαλό του ο καλλιτέχνης, ο οποίος αφομοίωσε τόσο αποφασιστικά, όπως νόμιζε, τις αρχαίες απόψεις για την τέχνη. Ο Ντέιβιντ έθεσε στον εαυτό του το καθήκον να απεικονίσει ένα άτομο που οδηγείται από τα πιο δυνατά κίνητρα, που αντιστοιχούν στις υψηλότερες στιγμές της ζωής, εξαιρετικά απομακρυσμένο σε χαρακτήρα από τις συνηθισμένες στιγμές της καθημερινής ζωής, που θεωρούνταν βασική. Ένα άτομο με τόσο ανυψωτικό πνεύμα θα μπορούσε να απεικονιστεί, σύμφωνα με τον Ντέιβιντ, μόνο με την αντίστοιχη πλαστική τελειότητα των μορφών, που απείχαν επίσης πολύ από τις μορφές που συναντάμε καθημερινά. Μόνο η αρχαία τέχνη μας άφησε παραδείγματα τέλειων μορφών, και ως εκ τούτου ο David θεώρησε απαραίτητο να δώσει στους ήρωές του την αντίκα μορφή, την οποία μελέτησε σε αγάλματα, αγγεία και ανάγλυφα. Αυτή ήταν η καλλιτεχνική κατανόηση του Ντέιβιντ, που εκφράστηκε από τον ίδιο στους ήδη κατονομαζόμενους πίνακες, καθώς και στο «The Sabine Women» (1799) και στα άλλα έργα του. Η κοινωνία βρήκε πολιτικές ιδέες στα έργα του Δαβίδ στον «Οράτιο» και τον «Βρούτο» του, ιδανικούς πολίτες που βάζουν τους οικογενειακούς και οικογενειακούς δεσμούς κάτω από την αίσθηση του καθήκοντος σε σχέση με την πατρίδα τους. Στον «Σωκράτη» είδαν έναν κήρυκα υψηλών αληθειών, να χάνεται από την αδικία των τυράννων. Ο ίδιος ο Ντέιβιντ ήταν εμποτισμένος με τέτοιες πεποιθήσεις και όταν, κατά τη διάρκεια του τρόμου, ένας από τους καλλιτέχνες, ένας άνθρωπος κοντά στον Δαβίδ, ζήτησε από τον Ροβεσπιέρο τη μεσολάβησή του για να σώσει την αδελφή του αναφέροντος από τη λαιμητόμο, ο Ντέιβιντ απάντησε ψυχρά: «Έγραψα στον Βρούτο. Θεωρώ ότι η κυβέρνηση είναι δίκαιη και δεν θα ρωτήσω τον Ροβεσπιέρο». Κατά συνέπεια, οι πίνακες του Ντέιβιντ, ως ένα βαθμό τετριμμένοι, θα μπορούσαν να έχουν επιτυχία μόνο την εποχή και την κοινωνία που εμφανίστηκαν. Εκείνη την εποχή, η νεότερη γενιά του ανταποκρίθηκε και η κοινωνική σημασία των έργων του ήταν τεράστια: οι εικόνες ανέπνεαν ένα ρεπουμπλικανικό πνεύμα. Η καλλιτεχνική τους σημασία για εκείνη την εποχή ήταν εξίσου μεγάλη: η θηλυκότητα, η παιχνιδιάρικη διάθεση και ο αισθησιασμός της μοντέρνας ζωγραφικής δεν μπόρεσαν να αντισταθούν στην απεικόνιση υψηλών και ευγενών συναισθημάτων, την αποκλειστικότητα των οποίων κανείς δεν μπορούσε τότε να καταδικάσει. Επιπλέον, ο Ντέιβιντ επέστρεψε την τέχνη στο σωστό σχέδιο, όχι μόνο σε συμφωνία με την αρχαία ομορφιά, αλλά και με τη φύση, αφού δίδασκε να είναι σύμφωνος με τη φύση. Η καλλιτεχνική διδασκαλία του Ντέιβιντ είναι στην πραγματικότητα συνέχεια της διδασκαλίας του Βιέν, αλλά ο Ντέιβιντ ενήργησε πιο αποφασιστικά, σπάζοντας κάθε σχέση με το ροκοκό στυλ. διαθέτοντας ισχυρή θέληση και εκμεταλλευόμενος το πνεύμα των καιρών, υποχρέωνε δεσποτικά τους άλλους να ακολουθήσουν τον δρόμο που του υπέδειξε. Ο Δαβίδ διακήρυξε ότι «μέχρι τώρα η τέχνη εξυπηρετούσε μόνο τη φιλοδοξία και την ιδιοτροπία των Συβαριτών, που κάθονταν μέχρι το λαιμό τους σε χρυσό». «Ο δεσποτισμός ορισμένων στρωμάτων της κοινωνίας», είπε, «κρατούσε μακριά από την εύνοια όποιον ήθελε να εκφράσει τις αγνές ιδέες της ηθικής και της φιλοσοφίας. Εν τω μεταξύ, είναι απαραίτητο η απεικόνιση παραδειγμάτων ηρωισμού και αστικών αρετών να ηλεκτρίσει τον λαό και να του διεγείρει την αγάπη να δοξάζουν και να αυξάνουν την ευημερία της πατρίδας τους». Έτσι περίπου ο πολίτης και καλλιτέχνης Ντέιβιντ, Ρεπουμπλικανός, μίλησε όχι μόνο με λόγια, αλλά, όπως γνωρίζετε, με πράξεις. Ο ζωγράφος Bouquier καταδίκασε ακόμη πιο σθεναρά την τέχνη του 18ου αιώνα, λέγοντας περίπου τα εξής: «είναι καιρός, αντί για αυτά τα επαίσχυντα έργα (προηγούμενων καλλιτεχνών), να τοποθετηθούν στις γκαλερί άλλα που θα μπορούσαν να τραβήξουν τα μάτια του δημοκρατικού λαού. που τιμούν τους καλούς τρόπους και την αρετή. Στις εθνικές γκαλερί, αντί για ερωτικούς πίνακες ζωγραφικής του Boucher και των οπαδών του ή πίνακες του Vanloo, με το γυναικείο πινέλο του, θα πρέπει να τοποθετηθούν έργα ανδρικού στυλ που θα χαρακτήριζαν τις ηρωικές πράξεις των γιων της ελευθερίας. Η έκφραση της ενέργειας ενός τέτοιου λαού απαιτεί ένα δυνατό στυλ, ένα τολμηρό πινέλο και μια φλογερή ιδιοφυΐα». Ο Ντέιβιντ έγινε ο επικεφαλής της νέας τάσης και το παλιό είχε ήδη καταδικαστεί από την επαναστατική τάση της κοινωνίας, που κατέστρεψε ό,τι υπήρχε μέχρι τότε, αντικαθιστώντας το με ένα νέο. Οι καλλιτέχνες της προηγούμενης τάσης προσπάθησαν να ενταχθούν σε μια νέα τάση και επειδή, λόγω του ταλέντου και των συνηθειών τους, δεν τα κατάφεραν, είτε σταμάτησαν εντελώς τις δραστηριότητές τους είτε άλλαξαν αγνώριστα. Τα όνειρα και ο Fragonard έχασαν ξαφνικά τη σημασία τους, έχασαν την ηθική και υλική υποστήριξη από την κοινωνία και πέθαναν ξεχασμένοι από όλους. Ο Fragonard αναγκάστηκε ακόμη και να συμμετάσχει στις προσπάθειες του Ντέιβιντ να ενισχύσει τη θέση της τέχνης στη νέα κοινωνική τάξη πραγμάτων, και απαιτήθηκε η τέχνη να εξευγενίζει τα ήθη της κοινωνίας και να τη διδάσκει. Γλύπτες, χαράκτες, ακόμη και τεχνίτες-καλλιτέχνες, χρυσοχόοι, γλυπτές - όλοι υπάκουσαν στον Δαβίδ. Είναι αξιοσημείωτο ότι τα δημοκρατικά θέματα των πινάκων του Δαβίδ ("Οράτιος", "Βρούτος") εγκρίθηκαν ή διορίστηκαν και οι πίνακες αγοράστηκαν από τον ίδιο τον Λουδοβίκο XVI, ο οποίος με μια τέτοια παραχώρηση στην κοινή γνώμη φαινόταν να συμμετέχει στο γενικό κίνημα του ιδέες, αφού η κοινωνική σημασία αυτών των έργων ήταν για όλους ξεκάθαρη. Μετά την κατάθεση του βασιλιά και μετά την καταδίκη του σε θάνατο, στην οποία συμμετείχε και ο Δαβίδ με την ψήφο του, και σε όλη την περίοδο του τρόμου μέχρι την πτώση και την εκτέλεση του Ροβεσπιέρου, η καλλιτεχνική δραστηριότητα του Δαβίδ εκφράστηκε σε δύο πίνακες - "The Assassination of Pelletier» και αργότερα - «The Assassination of Marat», που γράφτηκαν με πατριωτικό σκοπό. Ωστόσο, σε αυτά ο καλλιτέχνης χειρίστηκε το θέμα του χωρίς καμία σκέψη για τον Κ., και η δεύτερη εικόνα βγήκε τέτοια που τώρα δεν έχει χάσει την καλλιτεχνική της σημασία. Μετά την εκτέλεση του Ροβεσπιέρου, ο Ντέιβιντ, ως ένας από τους συνεργούς του, μετά βίας γλίτωσε τον θανάσιμο κίνδυνο, μετά τον οποίο έγραψε το «The Sabine Women». Την εποχή του Ναπολέοντα, ζωγράφισε αρκετούς επίσημους πίνακες για να τον δοξάσει, είχε τη λιγότερη επιτυχία σε αυτό το είδος και κατά τη διάρκεια της αποκατάστασης, εκδιώχθηκε από τη Γαλλία ως ρεκτόνος, στις Βρυξέλλες παραδόθηκε ξανά σε θέματα αντίκες και δεν άλλαξε κατεύθυνση μέχρι να θάνατος. Οι καλλιτεχνικές και εν μέρει πολιτικές φιλοδοξίες του Δαβίδ, αφού οι τελευταίες εκφράζονται στη ζωγραφική, παρουσιάστηκαν για πρώτη φορά στον «Βελισάριο» του (1781) - ένα θέμα που στη συνέχεια έγινε αγαπημένο, επειδή θύμιζε την αχαριστία των κυρίαρχων. Τώρα, όταν μπορούμε να κρίνουμε τους πίνακές του μόνο από την καλλιτεχνική πλευρά, παρουσιάζονται από τη σύνθεση ως θεατρικοί και αποκηρυγτικοί. Ακόμη και στον Οράτιο, η αρχική πρόθεση του καλλιτέχνη ήταν να παρουσιάσει το γεγονός όπως απεικονίστηκε στη σκηνή το 1782, στην τελευταία πράξη της τραγωδίας του Κορνέιγ. Μόνο με τη συμβουλή των φίλων του, ο Ντέιβιντ απεικόνισε μια στιγμή πιο κατάλληλη για ζωγραφική, σε πνεύμα που αντιστοιχεί άμεσα στο έργο του Κορνέιγ, αλλά όχι σε αυτό. Το σχέδιο του Ντέιβιντ ήταν αυστηρό, οι γραμμές ήταν σκόπιμες, ευγενείς. Στο σχολείο του μελετήθηκαν όχι μόνο αντίκες, αλλά και η φύση, την οποία όμως συμβούλευε να αλλάξει, όσο το δυνατόν περισσότερο, για να προσεγγίσει την αρχαία τέχνη της γλυπτικής. Γενικά, στις οδηγίες του, όπως και στους πίνακες, ανακάτευε τις εργασίες της γλυπτικής με τις εργασίες της ζωγραφικής. Σχετικά με το «Horatii» του, διατυπώθηκε μια σωστή κριτική ότι οι μορφές που ζωγραφίζονται στην εικόνα θα μπορούσαν να λειτουργήσουν ως ανάγλυφο χωρίς αλλαγές, και, ωστόσο, το θεατρικό πάθος των μορφών θα εξακολουθούσε να παραμένει μειονέκτημα. Από χρωματική άποψη, οι πίνακές του φαίνονται εντελώς μη ικανοποιητικές, αφού οι χαρακτήρες του δεν μοιάζουν με ζωντανούς ανθρώπους, αλλά με αγάλματα χλωμά ζωγραφισμένα. Η τεχνική της ζωγραφικής είναι πολύ ομαλή και συνεκτική και εξαιρετικά μακριά από το θάρρος και την αυτοπεποίθηση, ένα ορισμένο βαθμό των οποίων απαιτείται για τον οπτικό χαρακτηρισμό των αντικειμένων. Επιπλέον, έπιπλα, αρχιτεκτονικά και άλλα μικροαντικείμενα διαγράφονται με την ίδια επιμέλεια όπως τα σώματα των χαρακτήρων. Πρέπει να σημειωθεί ότι τα πορτρέτα του Δαβίδ ή οι φιγούρες πορτρέτου στους πίνακές του είναι πολύ πιο ζωτικής σημασίας από τους αρχαίους ήρωές του, αν και στα πορτρέτα του επιδίωκε μερικές φορές πόζες αντίκες, όπως, για παράδειγμα, στο πορτρέτο της Madame Recamier. Η αγάπη για την αρχαιότητα δεν έμαθε στον Ντέιβιντ να βλέπει σωστά τη φύση, όπως απαιτούσε ο Ντιντερό. Ο Ντέιβιντ, ένας ελεύθερος σκεπτόμενος Ρεπουμπλικανός, δεν επέτρεψε την ίδια ελευθερία ούτε στους πολιτικούς του αντιπάλους ούτε στους καλλιτέχνες του. κυνηγώντας τους ακαδημαϊκούς της παλιάς σχολής, έκανε πολλούς εχθρούς για τον εαυτό του. Εκείνη την εποχή, τα γεγονότα διαδέχονταν το ένα το άλλο τόσο γρήγορα που ο Ντέιβιντ δεν μπορούσε να συνεχίσει να τα εκφράζει με ένα πινέλο. Έτσι, η τεράστια εικόνα που ξεκίνησε, που απεικονίζει τους συνωμότες στο Zhedepom (γεγονός του 1789), έμεινε ημιτελής. Τον Ιούλιο του 1794, στο εθνικό συνέδριο, έγινε κατηγορητήριο εναντίον του ίδιου του Ντέιβιντ, στο οποίο, παρεμπιπτόντως, εκτέθηκε ως τύραννος της τέχνης. Πράγματι, κατέστειλε ένα ακαδημαϊκό σύστημα για να δημιουργήσει ένα άλλο, επίσης εξαιρετικό. Στην εποχή του, οι ελλείψεις του συστήματός του δεν ήταν εμφανείς και τα πλεονεκτήματά του προσέλκυσαν όχι μόνο Γάλλους, αλλά και ξένους καλλιτέχνες-ζωγράφους, χαράκτες, γλύπτες στη σχολή του Δαυίδ, οι οποίοι στη συνέχεια διέδωσαν τις διδασκαλίες του Δαβίδ σε όλη την Ευρώπη. Σε σχετικά σύντομο χρονικό διάστημα είχε περισσότερους από 400 μαθητές και η επιρροή του επέζησε για πολλές δεκαετίες, αλλά με συνεχή τροποποίηση. Αρχικά, ήταν ακαδημαϊκό με τη στενή έννοια της λέξης και ψευδοκλασικό, γιατί αντιπροσώπευε την αρχαία ζωή σαν ψυχρή και απαθή, και επίσης επειδή μετέφερε την αντίκα Κ. σε ένα ασυνήθιστο σύγχρονο έδαφος (στις εικόνες της σύγχρονης ζωής) , προσπαθώντας να αποπροσωποποιήσει τη χαρακτηριστική ατομικότητα των στάσεων, των κινήσεων, των μορφών και των εκφράσεων και να τους δώσει τύπους που ικανοποιούν τους κανονικούς κανόνες που θα μπορούσαν να μαθευτούν, όπως οι κανόνες της τέχνης της οικοδόμησης. Ο David δεν ήταν ιδιαίτερα ταλαντούχος. μάλλον δεν θα μπορούσε να δώσει στην έκφραση των παθών την πραγματική τους μορφή, έφερε πολύ περισσότερη σκέψη παρά φαντασία και συναισθήματα στους πίνακές του, αλλά η επιτυχία του προήλθε από τους λόγους που εξηγήθηκαν παραπάνω. Η κοινωνία παρασύρθηκε από μια τόσο πιστή αναπαράσταση της αντίκας. Τα μαλλιά σε σκόνη και τα φανταχτερά αξεσουάρ κοστουμιών ροκοκό εγκαταλείφθηκαν και οι γυναικείες στολές, παρόμοιες με τους ελληνικούς χιτώνες, έγιναν μόδα. Μερικοί από τους μαθητές του Δαβίδ (les Primitives) άρχισαν να ντύνονται όπως ο Πάρης και ο Αγαμέμνονας. Την εποχή του Καταλόγου, στους εκπροσώπους του λαού συνταγογραφήθηκε ακόμη και μια κοπή ρούχων που, αν ήταν δυνατόν, ταίριαζε με την αρχαία. Όταν ο David ζωγράφιζε τον πίνακα του «The Sabine Women», η γοητεία με την αντίκα ήταν τέτοια που τρεις κυρίες της καλύτερης κοινωνίας πόζαραν για τα μοντέλα μπροστά στον καλλιτέχνη. Στο τέλος του πίνακα, ο David τον εξέθεσε χωριστά, μια λεπτομερής περιγραφή εξήγησε στο κοινό τον λόγο για τον οποίο οι ήρωες του πίνακα απεικονίστηκαν γυμνοί. ο συγγραφέας ήταν πεπεισμένος ότι οι Έλληνες και οι Ρωμαίοι θα έβρισκαν τη ζωγραφική του σε αρμονία με τα ήθη τους. Η έκθεση παρακολούθησε για 5 χρόνια και απέδωσε πάνω από 65.000 φράγκα και γενικές διακρίσεις στον καλλιτέχνη. Ωστόσο, ο Ναπολέων, που δεν καταλάβαινε ζωγραφική, αλλά γνώριζε τον πόλεμο και τον στρατιώτη, παρατήρησε πολύ σωστά ότι οι Ρωμαίοι του Δαβίδ πολεμούσαν πολύ απαθώς. Στο τέλος της βασιλείας του Ναπολέοντα, ο Δαβίδ ολοκλήρωσε (1814) τον από καιρό συλληφθεί και άρχισε να ζωγραφίζει «Ο Λεωνίδας στις Θερμοπύλες» - ένα ακαδημαϊκό έργο, χωρίς ζωή και αλήθεια. αυτό που ήθελε ο Ντέιβιντ και αυτό που έπρεπε να εκφραστεί στη φιγούρα και το πρόσωπο του Λεωνίδα ξεπέρασε κατά πολύ τα μέσα του καλλιτέχνη, που είναι πάντα επιφανειακός ως προς την έκφραση συναισθημάτων. Ωστόσο, ο ίδιος ήταν ευχαριστημένος με την έκφραση του κεφαλιού του Λεωνίδα και ήταν σίγουρος ότι κανείς άλλος δεν μπορούσε να εκφράσει σε αυτό αυτό που εξέφραζε.

Ο Βιέν, του οποίου τα πλεονεκτήματα αναφέρθηκαν παραπάνω, δεν ήταν μόνος που κατάλαβε ότι η ίδια η τέχνη του 18ου αιώνα προσπαθούσε με τα άκρα της να πέσει. Σχεδόν ταυτόχρονα με τον Vien και τον Pierre Perron (1744-1815), προσπάθησε να επαναφέρει την τέχνη στη μελέτη των αρχαιοτήτων και της φύσης. Την ίδια χρονιά με τον Ντέιβιντ, εξέθεσε επίσης τον Θάνατο του Σωκράτη, αλλά παρέμεινε σε αυτό το έργο με πολλά από τα παλιά, τόσο ως προς τη σύνθεση όσο και στην ερμηνεία των μορφών και των υφασμάτων. Ο Jean Joseph Tallazon, μαθητής της Βιέν, κατανοούσε και απεικόνισε τον αρχαίο κόσμο, όπως έκαναν ο Ρασίν και ο Κορνέιγ στις τραγωδίες τους. Ο Guillaume Guillon Lethier (1760-1832), που ήταν διευθυντής της γαλλικής ακαδημίας στη Ρώμη για δέκα χρόνια, έγραψε το Brutus (1801) όπως ο David, αλλά σε διαφορετική στιγμή. γυμνά σώματα και κουρτίνες είναι φτιαγμένα από ρωμαϊκά γλυπτά στο πνεύμα της δαυιδικής μεταρρύθμισης. Ένας άλλος πίνακας - «Ο θάνατος της Βιρτζίνια», που σχεδιάστηκε το 1795, ολοκληρώθηκε μόλις το 1831, όταν οι τάσεις του Κ. ήταν ήδη ξεπερασμένες. Ο Guillaume Menaggio (1744-1816), επίσης για μεγάλο χρονικό διάστημα διευθυντής της ακαδημίας της Ρώμης, διστακτικά σταμάτησε ανάμεσα στο παλιό και το νέο. Οι μόνοι καλλιτέχνες που δεν εξαφανίστηκαν απαρατήρητοι υπό τον David ήταν ο Jean Baptiste Regnaud (1754-1829) και ο François-André Vincent (1746-1816). Ο πρώτος από αυτούς, αν και διατήρησε σε όλη του τη ζωή μια τάση για τη χάρη και τις νύμφες του 18ου αιώνα, αλλά από νωρίς, έχοντας πέσει στη Ρώμη, συμμετείχε στη γενική τάση προς την αρχαιότητα. Η Παιδεία του Αχιλλέα (1783) του έδωσε το όνομά του. Γενικά, υποσχέθηκε να ανταγωνιστεί τον Ντέιβιντ, τον οποίο στην αρχή ξεπέρασε ακόμη και σε πολύχρωμο σεβασμό. Ανάμεσα στους άλλους πίνακές του στον αρχαίο κόσμο θα ονομάσουμε «Ο θάνατος της Κλεοπάτρας», «Αλκιβιάδης και Σωκράτης», «Πυγμαλίων», «Η τουαλέτα της Αφροδίτης», «Ηρακλής και Άλκηστος». Ο Regno ζωγράφισε επίσης σύγχρονους ιστορικούς πίνακες, ακολουθώντας τις απόψεις του David. Ο Βίνσεντ, μαθητής της Βιέν, όπως και ο Ντέιβιντ, έκανε όνομα πριν ο Ντέιβιντ εμφανιστεί με τα σημαντικότερα έργα του. Ο Βίνσεντ, υπό την ηγεσία του Βιέν, συνέβαλε επίσης στη βελτίωση του σχεδίου και στη μελέτη των μορφών, αλλά μοιράστηκε τις ελλείψεις της νέας σκηνοθεσίας σε σχέση με τις θεατρικές πόζες και την άψυχη ζωή. Τα αγαπημένα του θέματα προέρχονται από τη ρωσική ιστορία, ήταν ο προκάτοχος και ο επικεφαλής των επόμενων καλλιτεχνών αυτού του είδους και, παρεμπιπτόντως, του Οράτιου Βερν. Από τους πίνακες του Βικέντιου θα ονομάσουμε: «Ο Βελισάριος εκλιπαρεί για ελεημοσύνη», «Ο Ζευσκής, επιλέγοντας μοντέλο ανάμεσα στα κορίτσια του Κρότωνα», «Ερρίκος Δ΄ και Σούλι», «Μάχη κάτω από τις πυραμίδες». Ένας ακόμη πιο αποφασιστικός πρωταθλητής της κλασικής σχολής ήταν ο Pierre Guerin (1774-1833), ο οποίος αποφοίτησε από τη σχολή Regno. Ο πίνακας του Mark Sextus Returning from Exile (1799) έκανε σχεδόν την ίδια έντονη εντύπωση στην κοινωνία όπως ο Οράτιος πριν από μερικά χρόνια, γιατί η εμφάνισή του συνέπεσε με την εποχή της επιστροφής των Γάλλων μεταναστών στην πατρίδα τους. Είναι αξιοσημείωτο ότι αυτή η εικόνα αρχικά απεικόνιζε τον τυφλό Βελισάριο, να επιστρέφει στην οικογένειά του, μετά άνοιξαν τα μάτια της κύριας φιγούρας και μετατράπηκε σε Σέξτο. Το 1802 εκτίθεται ο πίνακας «Ιππολύτης, Φαίδρα και Θησέας», μετά «Ανδρομάχη» (1808), «Αινείας και Διδώ» (1817). Ο κύριος χαρακτήρας των έργων του Guerin είναι ο συνδυασμός του θεατρικού ξυλοπόδαρου εκείνης της εποχής με τη γλυπτική, και με αυτόν τον τρόπο ο καλλιτέχνης ήταν πολύ εφευρετικός. η ζωγραφιά του ήταν κρύα. Από αυτές τις φωτογραφίες, στις οποίες για τους βασικούς χαρακτήρες έπαιρνε ως μοντέλα τις τότε διασημότητες του θεάτρου, την ηθοποιό Talma και την ηθοποιό Duchenois, η τελευταία είναι ακόμα καλύτερη από άλλες.

Ο Drouet (1763-1788) εγκατέλειψε το σχολείο του David, στον οποίο ο δάσκαλος είχε μεγάλες ελπίδες. Ο πίνακας του «Mari at Manturn» σημείωσε επιτυχία, αλλά τώρα εμφανίζεται άψυχος αλλά και με συμβατικές θεατρικές φιγούρες. Με εκτέλεση - ζωγραφική όπως αυτή του Δαβίδ. Ένας άλλος μαθητής του Δαβίδ, ο Girodet de Trioson (1767-1824), αγαπούσε περισσότερο την ελληνική μυθολογία στην αρχή παρά τη ρωμαϊκή ιστορία. Το Sleeping Endymion του, στο οποίο το φως του φεγγαριού έδωσε κάποιο χρώμα, έγινε δεκτό από το κοινό, αλλά η εικόνα δείχνει έλλειψη σχολείου. Στον Ιπποκράτη του είναι ορατή η θεατρικότητα των κινήσεων. Το 1806, εξέθεσε μια σκηνή πλημμύρας που απεικόνιζε τις καταστροφές μιας ομάδας ανθρώπων που αναζητούσαν σωτηρία. για αυτό το έργο, ο καλλιτέχνης έλαβε το 1810 το Βραβείο Ναπολέοντα, που απονεμήθηκε για το καλύτερο έργο της περασμένης δεκαετίας. Η σύγχρονη κριτική είδε στον καλλιτέχνη έναν συνδυασμό Μιχαήλ Άγγελου και Ραφαήλ, και τώρα η ζωγραφική του είναι μια ακαδημαϊκή και τεχνητή σύνθεση, αλλά με μια ορισμένη χροιά πάθους. τώρα μου αρέσει περισσότερο το «Atala and Shaktas» του. Ο Gerard (1770-1830), επίσης μαθητής του David, έγινε για πρώτη φορά διάσημος για τον πίνακα Belisarius (αγαπημένο θέμα εκείνης της εποχής), κουβαλώντας τον σύντροφό του (1791), ένα από τα καλύτερα έργα του κλασικού κινήματος. είχε μεγάλη επιτυχία, αλλά η Ψυχή του άρεσε λιγότερο. Ο Ζεράρ έγινε διάσημος ως ζωγράφος πορτρέτων και, πράγματι, η σύγκριση των πορτρέτων του έργου του με πορτρέτα του 18ου αιώνα, για παράδειγμα, ο Hyacinth Rigaud (1659-1743), δείχνει ένα τεράστιο βήμα προς την απλότητα και τη φυσικότητα, αφού ο Rigaud διαμορφώνει το δικό του πορτρέτα, μερικές φορές τεχνητά και χαριτωμένα, μετά σοβαρά, συχνά επισυνάπτονταν ακόμη και τα χαρακτηριστικά των μυθολογικών θεών. Ακόμη και τα πορτρέτα του Γκρουζ και της Λουίζ Βιγκέ-Λεμπρούν, λόγω της έλλειψης χαρακτηριστικής ατομικότητας στο εικονιζόμενο πρόσωπο και κάποιας γενίκευσης ετερογενών τύπων, προβάλλουν τα πορτρέτα του Ζεράρ. Ο Robert Lefebvre και ο Keynesom, σύγχρονοι του Gerard, μοντέρνοι πορτρέτοι που προσπάθησαν να δώσουν περισσότερη ευχαρίστηση στα μοντέλα τους από αυτούς που κυνηγούσαν την αλήθεια, τώρα έχουν ξεχαστεί, ο Gerard εξακολουθεί να έχει σημασία, αν και η ζωτικότητα των πορτρέτων του απέχει πολύ από το να είναι τόσο βαθιά όσο στα έργα μεγάλων δασκάλων... Η προσωπογράφος Isabe, της σχολής του Δαβίδ, της οφείλει ένα καλό σχέδιο, αλλά οι πίνακές του δεν έχουν μεγάλη αξία. Ο πιο σημαντικός καλλιτέχνης που βγήκε από το εργαστήριο του David είναι ο Gro (1771-1835), αλλά η φήμη του βασίζεται σε έργα στα οποία δεν ακολούθησε τη συμβουλή του δασκάλου του. Τα κλασικά του κίνητρα: «Η Σαπφώ ρίχνεται στη θάλασσα», «Αριάδνη και Βάκχος», «Ο Ηρακλής ρίχνει το άλογό του στον Διομήδη» (1835) δείχνουν την ανικανότητά του για αυτό το γένος, ενώ «Η μάχη του Αμπουκίρ», «Πανούκλα στη Γιάφα» κάποτε μια μεγάλη κίνηση προς την κατανόηση της πραγματικότητας, δείχνουν μεγάλο ταλέντο, παρατηρητικότητα και δύναμη αναπαράστασης που φαίνεται στη φύση. Είναι εκπληκτικό πώς ο Γκρο δεν καταλάβαινε το είδος του ταλέντου του και, υπακούοντας πλήρως στις απόψεις του δασκάλου του, θεώρησε, μαζί του, το περιεχόμενο των πινάκων της σύγχρονης ζωής ως κάτι τυχαίο και το ενδιαφέρον τους παροδικό για την τέχνη. «Διάβασε Πλούταρχο», είπε ο Δαβίδ και του έγραψε πολλές φορές, «εκεί θα βρεις δείγματα αντάξια του πινέλου σου». Ο Γκρο έχαιρε μεγάλης εκτίμησης από τους συμπατριώτες του, ορισμένοι κριτικοί είδαν υπερβολικά σε αυτόν έναν συνδυασμό Ρούμπενς και Βερονέζε, η σχολή του σχημάτισε έως και 400 καλλιτέχνες. Αλλά όταν ο Gro απαρνήθηκε τα καλύτερα έργα του και του έμαθε να ακολουθεί τον David σε όλα, και ο ίδιος επέστρεψε με την πρώτη ευκαιρία σε κλασικά θέματα, με τα οποία, ωστόσο, αντιμετώπισε τόσο άσχημα, έχασε κάθε νόημα για τους συγχρόνους του. Ένας άλλος από τους ταλαντούχους μαθητές του Δαβίδ - ο Φρανσουά-Ξαβιέ Φαμπρ (1766-1837), ο οποίος έγραψε στο κλασικό ύφος: «Ο Οιδίποδας στη στήλη», «Θάνατος του Νάρκισσου», «Νεοπτόλεμος και Οδυσσέας» κ.λπ., δεν άντεξε. τις ελπίδες των δασκάλων του. Σε ιστορικούς πίνακες, γραμμένους συνεχώς υπό την ανάμνηση των μαθημάτων του σχολείου, επίσης δεν ανέβηκε και τα τελευταία χρόνια της δραστηριότητάς του περιορίστηκε σε τοπία και πορτρέτα. Ο Jean-Baptiste Vicard (1762-1834), ο οποίος έγραψε, μεταξύ άλλων - «Ορέστης και Πυλάδης» και «Ηλέκτρα», «Ο Βιργίλιος διαβάζει την Αινειάδα στον Αύγουστο», πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του στην Ιταλία, δεν είχε άμεση επιρροή στα γαλλικά. τέχνη με τα έργα του, αλλά η δραστηριότητά του σημειώνεται και από άλλη άποψη (βλ. Vikar). Μεταξύ άλλων οπαδών του Κ. - ο Louis Ducy (1773-1847) έγραψε για κίνητρα από τη μυθολογία. Ο Philippe-August Gennequin (1763-1833), ο Claude Gautereau (1765-1825), ο Charles Thévenin (1760-1838), ο Jean-Baptiste Debre (1763-1845), ο Charles Meunier (1768-1832) και κάποιοι άλλοι έγραψαν μέρος του αντίκες και αλληγορικά, εν μέρει ιστορικά έργα ζωγραφικής, εν μέρει πορτρέτα. Σχεδόν όλοι αυτοί οι καλλιτέχνες, που προσκολλήθηκαν στον κόσμο των ιδανικών, από τη σκοπιά του ακαδημαϊκού Κ., μορφών, δεν είχαν αρκετό ταλέντο για να τους εμφυσήσουν πραγματική ζωή. Μερικοί από αυτούς ήταν οι επίσημοι ζωγράφοι εκκλησιών και μοναστηριών και πλατειών του Λούβρου. Κάποιοι από αυτούς και μια άλλη ομάδα απεικόνιζαν σε μνημειακές διαστάσεις μάχες, στρατιωτικές σκηνές και παρελάσεις, βασιλεύοντα πρόσωπα σε διαφορετικές περιόδους της ζωής και του έργου τους. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τους μαθητές του Regnault και του Vincent, αλλά όλοι τους είχαν ως επί το πλείστον παραδείγματα του David και του Gro, οι οποίοι, μετά την εκδίωξη του David από τη Γαλλία το 1815, έγιναν ο επίσημος εκπρόσωπος της γαλλικής ζωγραφικής. κανείς δεν ήταν ιδιαίτερα ταλαντούχος και κανείς δεν τολμούσε να πρωτοτυπήσει, με σπάνιες και αδύναμες εξαιρέσεις.

Όταν ο David βρισκόταν στο απόγειο της επιρροής του, τόσο καλλιτεχνικής όσο και κοινωνικής, λίγοι καλλιτέχνες διατήρησαν την απομόνωση τους. Ο Pierre-Paul Prudhon (1758-1823), αν και πήρε πλοκές από τη μυθολογία («Χάριτες», «Αφροδίτη», «Ψυχή», «Ζέφυροι», «Άδωνις»), αλλά ενέπνευσε αυτό το υλικό με το συναίσθημά του και κατείχε το χρώμα. της ζωής. Η στάση του στο σχολείο του Ντέιβιντ φαίνεται από τη γνώμη του για τον Ντρουέ, έναν από τους πιο ικανούς μαθητές του Ντέιβιντ. «Στους πίνακες και στο θέατρο μπορείς να δεις ανθρώπους να απεικονίζουν πάθη, τα οποία, ωστόσο, χωρίς να εκφράζουν τον χαρακτήρα που ενυπάρχει στο αναπαριστώμενο αντικείμενο, μοιάζουν σαν να παίζουν κωμωδία και απλώς διακωμωδούν αυτό που θα έπρεπε να είναι». Ο David, αναγνωρίζοντας το ταλέντο του Prudhon, τον αποκάλεσε άδικα σύγχρονο Boucher. Ο Προυντόν κατείχε κατανόηση των μορφών της φύσης και της κίνησης που ήταν άγνωστες στον Μπουσέρ, ο οποίος συχνά ζωγράφιζε περίπλοκους πίνακες χωρίς τη φύση, αλλά περηφανευόταν για το γεγονός ότι μπορούσε να λυγίσει με χάρη ένα χέρι ή ένα πόδι. Από τους πίνακες του Prudhon, ένας ("Crime Pursued by Justice and Vengeance") θεωρείται προάγγελος μιας νέας κατεύθυνσης από πάθος και δύναμη έκφρασης και από χρώμα, που όμως ανακαλύφθηκε μόλις δεκαπέντε χρόνια αργότερα. Είναι αξιοσημείωτο ότι την ίδια χρονιά (1808) το κοινό γνώρισε τον πίνακα του Girodet «Atala and Shaktas», η πλοκή του οποίου ήταν παρμένη από τον Chateaubriand και όχι από την ιστορία ή τον αρχαίο κόσμο, όπως έκαναν όλοι εκείνη την εποχή. , ένας πίνακας που διέφερε χρωματικά από τα συνηθισμένα έργα της σχολής του Δαβίδ. Όμως όλη η μακροχρόνια, εξαιρετικά πρωτότυπη για εκείνη την εποχή δραστηριότητα του Προυντόν δεν ταρακούνησε καθόλου τη σχολή του Δαβίδ.

1. Εισαγωγή.Ο κλασικισμός ως καλλιτεχνική μέθοδος...................................2

2. Αισθητική του κλασικισμού.

2.1. Βασικές αρχές του κλασικισμού .......................................................................... 5

2.2. Εικόνα του κόσμου, η έννοια της προσωπικότητας στην τέχνη του κλασικισμού ... ... ... 5

2.3. Η αισθητική φύση του κλασικισμού .............................................. .. ........εννιά

2.4. Ο κλασικισμός στη ζωγραφική ..................................................... ..........................15

2.5. Ο κλασικισμός στη γλυπτική ...................................................... ......................16

2.6. Ο κλασικισμός στην αρχιτεκτονική ..................................................... .....................δεκαοχτώ

2.7. Ο κλασικισμός στη λογοτεχνία ..................................................... .......................είκοσι

2.8. Ο κλασικισμός στη μουσική ..................................................... ................................ 22

2.9. Ο κλασικισμός στο θέατρο ..................................................... .............................. 22

2.10. Η πρωτοτυπία του ρωσικού κλασικισμού .............................................. .. .... 22

3. Συμπέρασμα……………………………………...…………………………...26

Βιβλιογραφία..............................…….………………………………….28

Εφαρμογές ........................................................................................................29

1. Ο κλασικισμός ως καλλιτεχνική μέθοδος

Ο κλασικισμός είναι μια από τις καλλιτεχνικές μεθόδους που πραγματικά υπήρχαν στην ιστορία της τέχνης. Μερικές φορές αναφέρεται με τους όρους «σκηνοθεσία» και «ύφος». Κλασσικισμός (φρ. κλασικισμός, από λατ. classicus- υποδειγματικό) - το καλλιτεχνικό ύφος και η αισθητική κατεύθυνση στην ευρωπαϊκή τέχνη του 17ου-19ου αιώνα.

Ο κλασικισμός βασίζεται στις ιδέες του ορθολογισμού, που διαμορφώθηκαν ταυτόχρονα με τις ίδιες ιδέες στη φιλοσοφία του Ντεκάρτ. Ένα έργο τέχνης, από την άποψη του κλασικισμού, θα πρέπει να χτιστεί με βάση αυστηρούς κανόνες, αποκαλύπτοντας έτσι την αρμονία και τη συνέπεια του ίδιου του σύμπαντος. Το ενδιαφέρον για τον κλασικισμό είναι μόνο αιώνιο, αμετάβλητο - σε κάθε φαινόμενο, επιδιώκει να αναγνωρίσει μόνο ουσιαστικά, τυπολογικά χαρακτηριστικά, απορρίπτοντας τυχαία μεμονωμένα χαρακτηριστικά. Η αισθητική του κλασικισμού αποδίδει μεγάλη σημασία στην κοινωνική και εκπαιδευτική λειτουργία της τέχνης. Ο κλασικισμός παίρνει πολλούς κανόνες και κανόνες από την αρχαία τέχνη (Αριστοτέλης, Οράτιος).

Ο κλασικισμός καθιερώνει μια αυστηρή ιεραρχία ειδών, τα οποία χωρίζονται σε υψηλά (ωδή, τραγωδία, έπος) και χαμηλά (κωμωδία, σάτιρα, μύθος). Κάθε είδος έχει αυστηρά καθορισμένα χαρακτηριστικά, η μίξη των οποίων δεν επιτρέπεται.

Η έννοια του κλασικισμού ως δημιουργικής μεθόδου προϋποθέτει από το περιεχόμενό της μια ιστορικά εξαρτημένη μέθοδο αισθητικής αντίληψης και μοντελοποίησης της πραγματικότητας σε καλλιτεχνικές εικόνες: την εικόνα του κόσμου και την έννοια της προσωπικότητας, που είναι πιο κοινές για τη μαζική αισθητική συνείδηση ​​ενός δεδομένου ιστορικής εποχής, ενσωματώνονται σε ιδέες για την ουσία της λεκτικής τέχνης, τη σχέση της με την πραγματικότητα, τους δικούς της εσωτερικούς νόμους.

Ο κλασικισμός προκύπτει και διαμορφώνεται σε ορισμένες ιστορικές και πολιτισμικές συνθήκες. Η πιο διαδεδομένη ερευνητική πεποίθηση συνδέει τον κλασικισμό με τις ιστορικές συνθήκες της μετάβασης από τον φεουδαρχικό κατακερματισμό σε ένα ενιαίο εθνικό-εδαφικό κράτος, στη διαμόρφωση του οποίου ο συγκεντρωτικός ρόλος ανήκει στην απόλυτη μοναρχία.

Ο κλασικισμός είναι ένα οργανικό στάδιο στην ανάπτυξη οποιουδήποτε εθνικού πολιτισμού, παρά το γεγονός ότι διαφορετικοί εθνικοί πολιτισμοί περνούν το κλασικό στάδιο σε διαφορετικούς χρόνους, λόγω της ατομικότητας της εθνικής εκδοχής του σχηματισμού ενός γενικού κοινωνικού μοντέλου ενός συγκεντρωτικού κράτους.

Το χρονολογικό πλαίσιο της ύπαρξης του κλασικισμού σε διαφορετικούς ευρωπαϊκούς πολιτισμούς ορίζεται ως το δεύτερο μισό του 17ου - τα πρώτα τριάντα χρόνια του 18ου αιώνα, παρά το γεγονός ότι οι πρώιμες κλασικιστικές τάσεις γίνονται αισθητές στο τέλος της Αναγέννησης, στο αλλαγή του 16ου-17ου αιώνα. Μέσα σε αυτά τα χρονολογικά όρια, ο γαλλικός κλασικισμός θεωρείται η τυπική ενσάρκωση της μεθόδου. Στενά συνδεδεμένο με την άνθηση του γαλλικού απολυταρχισμού στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα, έδωσε στον ευρωπαϊκό πολιτισμό όχι μόνο μεγάλους συγγραφείς - τον Κορνέιγ, τον Ρασίν, τον Μολιέρο, τον Λαφονταίν, τον Βολταίρο, αλλά και τον μεγάλο θεωρητικό της κλασικιστικής τέχνης - Νικολά Μπουαλώ-Ντεσπρέ. Όντας ο ίδιος ένας έμπειρος συγγραφέας που κέρδισε μια ολόκληρη φήμη για τους σάτυρους του, ο Boileau ήταν κυρίως διάσημος για τη δημιουργία του αισθητικού κώδικα του κλασικισμού - το διδακτικό ποίημα Poetic Art (1674), στο οποίο έδωσε μια συνεκτική θεωρητική έννοια της λογοτεχνικής δημιουργικότητας, που προέρχεται από από τη λογοτεχνική πρακτική των συγχρόνων του. Έτσι, ο κλασικισμός στη Γαλλία έγινε η πιο συνειδητή ενσάρκωση της μεθόδου. Εξ ου και η τιμή αναφοράς του.

Οι ιστορικές προϋποθέσεις για την εμφάνιση του κλασικισμού συνδέουν τα αισθητικά προβλήματα της μεθόδου με την εποχή της όξυνσης της σχέσης μεταξύ ατόμου και κοινωνίας στη διαδικασία διαμόρφωσης ενός αυταρχικού κράτους, το οποίο, αντικαθιστώντας την κοινωνική ανοχή της φεουδαρχίας, επιδιώκει να ρυθμίζουν νομοθετικά και διακρίνουν σαφώς τη σφαίρα της δημόσιας και ιδιωτικής ζωής και τη σχέση μεταξύ ατόμου και κράτους. Αυτό καθορίζει την πτυχή περιεχομένου της τέχνης. Οι κύριες αρχές του υποκινούνται από το σύστημα φιλοσοφικών απόψεων της εποχής. Διαμορφώνουν την εικόνα του κόσμου και την έννοια της προσωπικότητας, και ήδη αυτές οι κατηγορίες ενσωματώνονται στο σύνολο των καλλιτεχνικών τεχνικών της λογοτεχνικής δημιουργικότητας.

Οι πιο γενικές φιλοσοφικές έννοιες που υπάρχουν σε όλες τις φιλοσοφικές τάσεις του δεύτερου μισού του 17ου - τέλους του 18ου αιώνα. και άμεσα συνδεδεμένη με την αισθητική και την ποιητική του κλασικισμού - αυτές είναι οι έννοιες του «ορθολογισμού» και της «μεταφυσικής», σχετικές τόσο με τις ιδεαλιστικές όσο και με τις υλιστικές φιλοσοφικές διδασκαλίες αυτής της εποχής. Ο ιδρυτής του φιλοσοφικού δόγματος του ορθολογισμού είναι ο Γάλλος μαθηματικός και φιλόσοφος Ρενέ Ντεκάρτ (1596-1650). Η θεμελιώδης θέση του δόγματος του: «Σκέφτομαι, άρα υπάρχω» - υλοποιήθηκε σε πολλά φιλοσοφικά κινήματα εκείνης της εποχής, ενωμένη με την κοινή ονομασία «Καρτεσιανισμός» (από τη λατινική εκδοχή του ονόματος Descartes - Cartesius). Αυτή η διατριβή είναι ιδεαλιστική, αφού συνάγει την υλική ύπαρξη από μια ιδέα. Ωστόσο, ο ορθολογισμός, ως ερμηνεία της λογικής ως πρωταρχικής και υψηλότερης πνευματικής ικανότητας του ανθρώπου, είναι στον ίδιο βαθμό χαρακτηριστικός των υλιστικών φιλοσοφικών ρευμάτων της εποχής, όπως, για παράδειγμα, ο μεταφυσικός υλισμός της αγγλικής φιλοσοφικής σχολής του Bacon. -Ο Λοκ, ο οποίος αναγνώρισε την εμπειρία ως πηγή γνώσης, αλλά την έθεσε κάτω από τη γενικευτική και αναλυτική δραστηριότητα του νου, η οποία εξάγει την υψηλότερη ιδέα από το πλήθος των γεγονότων που αποκτήθηκαν από την εμπειρία, τα μέσα μοντελοποίησης του σύμπαντος - την υψηλότερη πραγματικότητα - από το χάος των επιμέρους υλικών αντικειμένων.

Η έννοια της «μεταφυσικής» είναι εξίσου εφαρμόσιμη και στις δύο ποικιλίες του ορθολογισμού - ιδεαλιστικό και υλιστικό. Γενετικά, ανάγεται στον Αριστοτέλη, και στο φιλοσοφικό του δόγμα υποδήλωνε έναν κλάδο γνώσης που διερευνά τις ανώτερες και αμετάβλητες αρχές όλων των πραγμάτων απρόσιτων στις αισθήσεις και μόνο ορθολογικά-θεωρητικά κατανοητά. Τόσο ο Ντεκάρτ όσο και ο Μπέικον χρησιμοποίησαν τον όρο με την αριστοτελική έννοια. Στη σύγχρονη εποχή, η έννοια της «μεταφυσικής» απέκτησε πρόσθετο νόημα και άρχισε να υποδηλώνει έναν αντιδιαλεκτικό τρόπο σκέψης, αντίληψης φαινομένων και αντικειμένων έξω από τη διασύνδεση και την ανάπτυξή τους. Ιστορικά, αυτό με μεγάλη ακρίβεια χαρακτηρίζει τις ιδιαιτερότητες της σκέψης στην αναλυτική εποχή του 17ου-18ου αιώνα, την περίοδο διαφοροποίησης της επιστημονικής γνώσης και τέχνης, όταν κάθε κλάδος της επιστήμης, ξεχωρίζοντας από το συγκρετικό σύμπλεγμα, απέκτησε το δικό του ξεχωριστό θέμα, αλλά ταυτόχρονα έχασε τη σύνδεσή του με άλλους κλάδους της γνώσης.

2. Αισθητική του κλασικισμού

2.1. Βασικές αρχές του κλασικισμού

1. Η λατρεία της λογικής 2. Η λατρεία του πολιτικού καθήκοντος 3. Έκκληση σε μεσαιωνικά θέματα 4. Αφαίρεση από την εικόνα της καθημερινότητας, από την ιστορική εθνική πρωτοτυπία 5. Μίμηση παλαιών προτύπων 6. Συνθετική αρμονία, συμμετρία, ενότητα ενός έργο τέχνης 7. Οι ήρωες είναι φορείς ενός κύριου χαρακτηριστικού, που δίνεται εκτός ανάπτυξης 8. Η αντίθεση ως η κύρια μέθοδος δημιουργίας ενός έργου τέχνης

2.2. Παγκόσμια εικόνα, έννοια προσωπικότητας

στην τέχνη του κλασικισμού

Η εικόνα του κόσμου που δημιουργείται από τον ορθολογιστικό τύπο συνείδησης χωρίζει ξεκάθαρα την πραγματικότητα σε δύο επίπεδα: εμπειρικό και ιδεολογικό. Ο εξωτερικός, ορατός και απτός υλικό-εμπειρικός κόσμος αποτελείται από ένα πλήθος ξεχωριστών υλικών αντικειμένων και φαινομένων, τα οποία σε καμία περίπτωση δεν συνδέονται μεταξύ τους - αυτό είναι ένα χάος ξεχωριστών ιδιωτικών οντοτήτων. Ωστόσο, πάνω από αυτό το άτακτο πλήθος μεμονωμένων αντικειμένων, υπάρχει η ιδανική τους υπόσταση - ένα αρμονικό και αρμονικό σύνολο, η καθολική ιδέα του σύμπαντος, που περιλαμβάνει την ιδανική εικόνα οποιουδήποτε υλικού αντικειμένου στο υψηλότερο σημείο του, εξαγνισμένο από ιδιαιτερότητες, αιώνια και αμετάβλητη μορφή: με τον τρόπο που θα έπρεπε να είναι σύμφωνα με την αρχική πρόθεση του Δημιουργού. Αυτή η γενική ιδέα μπορεί να γίνει κατανοητή μόνο με έναν ορθολογικό-αναλυτικό τρόπο σταδιακού καθαρισμού ενός αντικειμένου ή φαινομένου από τις συγκεκριμένες μορφές και εμφάνιση και διείσδυση στην ιδανική ουσία και σκοπό του.

Και εφόσον το σχέδιο προηγείται της δημιουργίας, και η σκέψη είναι απαραίτητη προϋπόθεση και πηγή ύπαρξης, αυτή η ιδανική πραγματικότητα έχει μια υπέρτατη πρωταρχική φύση. Είναι εύκολο να δει κανείς ότι οι βασικοί νόμοι μιας τέτοιας εικόνας δύο επιπέδων της πραγματικότητας προβάλλονται πολύ εύκολα στο κύριο κοινωνιολογικό πρόβλημα της περιόδου μετάβασης από τον φεουδαρχικό κατακερματισμό στον αυταρχικό κρατισμό - το πρόβλημα της σχέσης μεταξύ ατόμου και κράτους. . Ο κόσμος των ανθρώπων είναι ο κόσμος των ξεχωριστών ιδιωτικών ανθρώπινων όντων, χαοτικών και άτακτων, το κράτος είναι μια αρμονική ιδέα που αγκαλιάζει τα πάντα που δημιουργεί μια αρμονική και αρμονική ιδανική παγκόσμια τάξη από το χάος. Είναι αυτή η φιλοσοφική εικόνα του κόσμου του 17ου-18ου αιώνα. καθόρισε τέτοιες ουσιαστικές πτυχές της αισθητικής του κλασικισμού όπως η έννοια της προσωπικότητας και η τυπολογία της σύγκρουσης, καθολικά χαρακτηριστικές (με τις απαραίτητες ιστορικές και πολιτισμικές παραλλαγές) για τον κλασικισμό σε οποιαδήποτε ευρωπαϊκή λογοτεχνία.

Στο πεδίο των ανθρώπινων σχέσεων με τον έξω κόσμο, ο κλασικισμός βλέπει δύο τύπους συνδέσεων και θέσεων - τα ίδια δύο επίπεδα από τα οποία διαμορφώνεται η φιλοσοφική εικόνα του κόσμου. Το πρώτο επίπεδο είναι ο λεγόμενος «φυσικός άνθρωπος», ένα βιολογικό ον, που στέκεται μαζί με όλα τα αντικείμενα του υλικού κόσμου. Είναι μια ιδιωτική οντότητα, διακατεχόμενη από εγωιστικά πάθη, άτακτη και απεριόριστη στην επιθυμία της να εξασφαλίσει την προσωπική της ύπαρξη. Σε αυτό το επίπεδο των ανθρώπινων δεσμών με τον κόσμο, η κορυφαία κατηγορία που καθορίζει την πνευματική εμφάνιση ενός ατόμου είναι το πάθος - τυφλό και ασυγκράτητο στην προσπάθειά του για πραγματοποίηση στο όνομα της επίτευξης ατομικού καλού.

Το δεύτερο επίπεδο της έννοιας της προσωπικότητας είναι το λεγόμενο «κοινωνικό πρόσωπο», ενταγμένο αρμονικά στην κοινωνία στην υψηλότερη, ιδανική εικόνα του, συνειδητοποιώντας ότι το καλό του είναι αναπόσπαστο μέρος του κοινού καλού. Ο «δημόσιος άνθρωπος» καθοδηγείται στην κοσμοθεωρία και τις πράξεις του όχι από τα πάθη, αλλά από τη λογική, αφού ο λόγος είναι η υψηλότερη πνευματική ικανότητα ενός ανθρώπου, δίνοντάς του την ευκαιρία για θετικό αυτοπροσδιορισμό στις συνθήκες της ανθρώπινης κοινότητας. με βάση τους ηθικούς κανόνες μιας συνεπούς κοινότητας. Έτσι, η έννοια της ανθρώπινης προσωπικότητας στην ιδεολογία του κλασικισμού αποδεικνύεται περίπλοκη και αντιφατική: ένα φυσικό (παθιασμένο) και κοινωνικό (λογικό) άτομο είναι ένας και ο ίδιος χαρακτήρας, που διαλύεται από εσωτερικές αντιφάσεις και σε μια κατάσταση επιλογής. .

Ως εκ τούτου - η τυπολογική σύγκρουση της τέχνης του κλασικισμού, που προκύπτει άμεσα από μια τέτοια έννοια της προσωπικότητας. Είναι προφανές ότι η πηγή μιας κατάστασης σύγκρουσης είναι ακριβώς ο χαρακτήρας ενός ατόμου. Ο χαρακτήρας είναι μια από τις κεντρικές αισθητικές κατηγορίες του κλασικισμού και η ερμηνεία του διαφέρει σημαντικά από το νόημα που δίνει η σύγχρονη συνείδηση ​​και η λογοτεχνική κριτική στον όρο «χαρακτήρας». Στην κατανόηση της αισθητικής του κλασικισμού, ο χαρακτήρας είναι ακριβώς η ιδανική υπόσταση ενός ατόμου - δηλαδή όχι μια ατομική σύνθεση μιας συγκεκριμένης ανθρώπινης προσωπικότητας, αλλά μια ορισμένη παγκόσμια μορφή ανθρώπινης φύσης και ψυχολογίας, διαχρονική στην ουσία της. Μόνο σε αυτή τη μορφή μιας αιώνιας, αμετάβλητης, καθολικής ανθρώπινης ιδιότητας θα μπορούσε ο χαρακτήρας να είναι το αντικείμενο της κλασικιστικής τέχνης, η οποία αποδίδεται μοναδικά στο υψηλότερο, ιδανικό επίπεδο της πραγματικότητας.

Τα κύρια συστατικά του χαρακτήρα είναι τα πάθη: η αγάπη, η υποκρισία, το θάρρος, η τσιγκουνιά, η αίσθηση του καθήκοντος, ο φθόνος, ο πατριωτισμός κ.λπ. Από την κυριαρχία οποιουδήποτε πάθους καθορίζεται ο χαρακτήρας: «ερωτευμένος», «τσιγκούνης», «ζηλιάρης», «πατριώτης». Όλοι αυτοί οι ορισμοί είναι ακριβώς «χαρακτήρες» στην κατανόηση της κλασικιστικής αισθητικής συνείδησης.

Ωστόσο, αυτά τα πάθη είναι άνισα μεταξύ τους, αν και σύμφωνα με φιλοσοφικές έννοιες του 17ου-18ου αιώνα. όλα τα πάθη είναι ίσα, αφού όλα προέρχονται από την ανθρώπινη φύση, είναι όλα φυσικά, και είναι αδύνατο για ένα μόνο πάθος να αποφασίσει ποιο πάθος είναι σύμφωνο με την ηθική αξιοπρέπεια ενός ατόμου και ποιο όχι. Αυτές οι αποφάσεις λαμβάνονται μόνο με λογική. Ενώ όλα τα πάθη είναι εξίσου κατηγορίες συναισθηματικής πνευματικής ζωής, μερικά από αυτά (όπως η αγάπη, η τσιγκουνιά, ο φθόνος, η υποκρισία κ.λπ.) είναι όλο και πιο δύσκολο να συμφωνήσουν με τις επιταγές της λογικής και συνδέονται περισσότερο με την έννοια του εγωιστικού καλού. . Άλλοι (θάρρος, αίσθηση καθήκοντος, τιμή, πατριωτισμός) υπόκεινται περισσότερο σε ορθολογικό έλεγχο και δεν έρχονται σε αντίθεση με την ιδέα του κοινού καλού, την ηθική των κοινωνικών δεσμών.

Αποδεικνύεται λοιπόν ότι σε μια σύγκρουση, τα πάθη συγκρούονται λογικά και παράλογα, αλτρουιστικά και εγωιστικά, προσωπικά και κοινωνικά. Και ο λόγος είναι η υψηλότερη πνευματική ικανότητα ενός ανθρώπου, ένα λογικό και αναλυτικό εργαλείο που σας επιτρέπει να ελέγχετε τα πάθη και να διακρίνετε το καλό από το κακό, την αλήθεια από το ψέμα. Ο πιο συνηθισμένος τύπος κλασικιστικής σύγκρουσης είναι μια κατάσταση σύγκρουσης μεταξύ προσωπικής κλίσης (αγάπης) και αίσθησης καθήκοντος προς την κοινωνία και το κράτος, η οποία για κάποιο λόγο αποκλείει τη δυνατότητα πραγματοποίησης του ερωτικού πάθους. Είναι προφανές ότι από τη φύση της αυτή η σύγκρουση είναι ψυχολογική, αν και απαραίτητη προϋπόθεση για την εφαρμογή της είναι μια κατάσταση στην οποία συγκρούονται τα συμφέροντα ενός ατόμου και της κοινωνίας. Αυτές οι σημαντικότερες κοσμοθεωρητικές πτυχές της αισθητικής σκέψης της εποχής βρήκαν την έκφρασή τους στο σύστημα ιδεών για τους νόμους της καλλιτεχνικής δημιουργίας.

2.3. Η αισθητική φύση του κλασικισμού

Οι αισθητικές αρχές του κλασικισμού έχουν υποστεί σημαντικές αλλαγές κατά τη διάρκεια της ύπαρξής του. Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα αυτής της τάσης είναι ο θαυμασμός για την αρχαιότητα. Η τέχνη της Αρχαίας Ελλάδας και της Αρχαίας Ρώμης θεωρήθηκε από τους κλασικιστές ως ιδανικό πρότυπο καλλιτεχνικής δημιουργίας. Η «Ποιητική» του Αριστοτέλη και η «Τέχνη της ποίησης» του Οράτιου είχαν τρομερή επίδραση στη διαμόρφωση των αισθητικών αρχών του κλασικισμού. Υπάρχει μια τάση να δημιουργούνται υπέροχα ηρωικές, ιδανικές, ορθολογιστικά καθαρές και πλαστικά ολοκληρωμένες εικόνες. Κατά κανόνα, στην τέχνη του κλασικισμού, τα σύγχρονα πολιτικά, ηθικά και αισθητικά ιδανικά ενσωματώνονται σε χαρακτήρες, συγκρούσεις, καταστάσεις δανεισμένες από το οπλοστάσιο της αρχαίας ιστορίας, της μυθολογίας ή απευθείας από την αρχαία τέχνη.

Η αισθητική του κλασικισμού οδήγησε ποιητές, καλλιτέχνες, συνθέτες να δημιουργήσουν έργα τέχνης που διακρίνονται από σαφήνεια, συνέπεια, αυστηρή ισορροπία και αρμονία. Όλα αυτά, σύμφωνα με τους κλασικιστές, αντικατοπτρίστηκαν πλήρως στον αρχαίο πολιτισμό της τέχνης. Για αυτούς ο λόγος και η αρχαιότητα είναι συνώνυμα. Η ορθολογιστική φύση της αισθητικής του κλασικισμού εκδηλώθηκε στην αφηρημένη τυποποίηση των εικόνων, στην αυστηρή ρύθμιση των ειδών, των μορφών, στην ερμηνεία της αρχαίας καλλιτεχνικής κληρονομιάς, στην έλξη της τέχνης στη λογική και όχι στα συναισθήματα, σε μια προσπάθεια υποτάσσουν τη δημιουργική διαδικασία σε ακλόνητους κανόνες, κανόνες και κανόνες (ο κανόνας είναι από το λατ. norma - κατευθυντήρια αρχή, κανόνας, πρότυπο· γενικά αποδεκτός κανόνας, πρότυπο συμπεριφοράς ή δράσης).

Όπως στην Ιταλία οι αισθητικές αρχές της Αναγέννησης βρήκαν την πιο χαρακτηριστική έκφραση, έτσι και στη Γαλλία του 17ου αιώνα. - τις αισθητικές αρχές του κλασικισμού. Μέχρι τον 17ο αιώνα. η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιταλίας έχει χάσει σε μεγάλο βαθμό την προηγούμενη επιρροή της. Όμως το καινοτόμο πνεύμα της γαλλικής τέχνης ήταν ξεκάθαρο. Αυτή την εποχή, στη Γαλλία σχηματίστηκε ένα απολυταρχικό κράτος, το οποίο ένωσε την κοινωνία και τη συγκεντρωτική εξουσία.

Η εδραίωση της απολυταρχίας σήμαινε τη νίκη της αρχής της καθολικής ρύθμισης σε όλους τους τομείς της ζωής, από την οικονομία μέχρι την πνευματική ζωή. Το χρέος είναι ο κύριος ρυθμιστής της ανθρώπινης συμπεριφοράς. Το κράτος ενσαρκώνει αυτό το καθήκον και λειτουργεί ως ένα είδος οντότητας αποξενωμένο από το άτομο. Η υποταγή στο κράτος, η εκπλήρωση του δημόσιου καθήκοντος είναι η ύψιστη αρετή του ατόμου. Ένα άτομο δεν θεωρείται πλέον ελεύθερο, όπως ήταν τυπικό της κοσμοθεωρίας της Αναγέννησης, αλλά υποταγμένο σε κανόνες και κανόνες ξένους για αυτόν, που περιορίζονται από δυνάμεις πέρα ​​από τον έλεγχό του. Η ρυθμιστική και περιοριστική δύναμη εμφανίζεται με τη μορφή ενός απρόσωπου νου, στον οποίο το άτομο πρέπει να υπακούει και να ενεργεί σύμφωνα με τις εντολές και τις οδηγίες του.

Η υψηλή άνοδος της παραγωγής συνέβαλε στην ανάπτυξη των ακριβών επιστημών: μαθηματικά, αστρονομία, φυσική, και αυτό, με τη σειρά του, οδήγησε στη νίκη του ορθολογισμού (από τη λατινική αναλογία - λόγος) - μια φιλοσοφική τάση που αναγνωρίζει τη λογική ως βάση της γνώσης και της συμπεριφοράς των ανθρώπων.

Οι ιδέες για τους νόμους της δημιουργικότητας και τη δομή ενός έργου τέχνης οφείλονται τόσο στον εποχικό τύπο αντίληψης του κόσμου όσο και στην εικόνα του κόσμου και στην έννοια της προσωπικότητας. Ο λόγος, ως η ύψιστη πνευματική ικανότητα ενός ανθρώπου, συλλαμβάνεται όχι μόνο ως όργανο γνώσης, αλλά και ως όργανο δημιουργικότητας και πηγή αισθητικής απόλαυσης. Ένα από τα πιο εντυπωσιακά μοτίβα της ποιητικής τέχνης του Boileau είναι η ορθολογική φύση της αισθητικής δραστηριότητας:

Ο γαλλικός κλασικισμός υποστήριξε την προσωπικότητα ενός ατόμου ως την υψηλότερη αξία της ύπαρξης, απελευθερώνοντάς τον από τη θρησκευτική και εκκλησιαστική επιρροή.

Το ενδιαφέρον για την τέχνη της αρχαίας Ελλάδας και της Ρώμης εκδηλώθηκε στην Αναγέννηση, η οποία, μετά από αιώνες του Μεσαίωνα, στράφηκε στις μορφές, τα κίνητρα και τα θέματα της αρχαιότητας. Ο μεγαλύτερος θεωρητικός της Αναγέννησης, ο Leon Batista Alberti, τον 15ο αιώνα. εξέφρασε ιδέες που προοιωνίζονταν ορισμένες αρχές του κλασικισμού και εκδηλώθηκαν πλήρως στην τοιχογραφία του Ραφαήλ «Σχολή των Αθηνών» (1511).

Η συστηματοποίηση και η εδραίωση των επιτευγμάτων των μεγάλων καλλιτεχνών της Αναγέννησης, ιδιαίτερα των Φλωρεντινών, με επικεφαλής τον Ραφαήλ και τον μαθητή του Τζούλιο Ρομάνο, διαμόρφωσαν το πρόγραμμα της σχολής της Μπολόνια στα τέλη του 16ου αιώνα, οι πιο χαρακτηριστικοί εκπρόσωποι της οποίας ήταν οι αδελφοί Καράτσι. . Στην επιδραστική Ακαδημία Τεχνών τους, οι Μπολονέζοι κήρυτταν ότι ο δρόμος προς τα ύψη της τέχνης βρίσκεται μέσα από μια σχολαστική μελέτη της κληρονομιάς του Ραφαήλ και του Μιχαήλ Άγγελου, μίμηση της μαεστρίας τους στη γραμμή και τη σύνθεση.

Ακολουθώντας τον Αριστοτέλη, ο κλασικισμός θεώρησε την τέχνη ως μίμηση της φύσης:

Ωστόσο, η φύση δεν κατανοήθηκε καθόλου ως μια οπτική εικόνα του φυσικού και ηθικού κόσμου, που παρουσιάζεται στις αισθήσεις, αλλά ως η υψηλότερη κατανοητή ουσία του κόσμου και του ανθρώπου: όχι ένας συγκεκριμένος χαρακτήρας, αλλά η ιδέα του, όχι μια πραγματική-ιστορική ή σύγχρονη πλοκή, αλλά μια καθολική ανθρώπινη κατάσταση σύγκρουσης, όχι δεδομένο τοπίο, αλλά η ιδέα ενός αρμονικού συνδυασμού φυσικών πραγματικοτήτων σε μια ιδανική-τέλεια ενότητα. Ο κλασικισμός βρήκε μια τέτοια ιδανική και όμορφη ενότητα στην αρχαία λογοτεχνία - ήταν αυτό που έγινε αντιληπτό από τον κλασικισμό ως η ήδη επιτευχθείσα αιχμή της αισθητικής δραστηριότητας, ένα αιώνιο και αμετάβλητο πρότυπο τέχνης, που αναδημιουργούσε στα πρότυπα του είδους του αυτή την πολύ υψηλή ιδανική φύση, φυσική και ηθικό, το οποίο η τέχνη πρέπει να μιμείται. Έτυχε ότι η διατριβή για τη μίμηση της φύσης μετατράπηκε σε συνταγή για τη μίμηση της αρχαίας τέχνης, από όπου προήλθε ο όρος "κλασικισμός" (από το λατινικό classicus - υποδειγματικό, μελετημένο στην τάξη):

Έτσι, η φύση στην κλασική τέχνη δεν εμφανίζεται τόσο ως αναπαραγόμενη, αλλά διαμορφωμένη σύμφωνα με ένα υψηλό πρότυπο - «στολισμένη» με τη γενικευμένη αναλυτική δραστηριότητα του νου. Κατ' αναλογία, μπορεί κανείς να θυμηθεί το λεγόμενο «κανονικό» (δηλ. «σωστό») πάρκο, όπου τα δέντρα κόβονται με τη μορφή γεωμετρικών σχημάτων και φυτεύονται συμμετρικά, τα μονοπάτια με κανονικό σχήμα είναι διάσπαρτα με χρωματιστά βότσαλα και το νερό είναι κλεισμένο σε μαρμάρινες πισίνες και σιντριβάνια. Αυτό το στυλ τέχνης κηπουρικής έφτασε στο αποκορύφωμά του στην εποχή του κλασικισμού. Η επιθυμία να παρουσιάσουμε τη φύση «στολισμένη» συνεπάγεται επίσης την απόλυτη κυριαρχία της ποίησης έναντι της πεζογραφίας στη λογοτεχνία του κλασικισμού: αν η πεζογραφία είναι πανομοιότυπη με την απλή υλική φύση, τότε η ποίηση, ως λογοτεχνική μορφή, είναι αναμφίβολα μια ιδανική «στολισμένη» φύση.»

Σε όλες αυτές τις ιδέες για την τέχνη, δηλαδή, ως ορθολογική, διατεταγμένη, κανονικοποιημένη, πνευματική δραστηριότητα, υλοποιήθηκε η ιεραρχική αρχή της σκέψης του 17ου-18ου αιώνα. Μέσα της, η λογοτεχνία αποδείχτηκε επίσης χωρισμένη σε δύο ιεραρχικές σειρές, χαμηλή και υψηλή, καθεμία από τις οποίες θεματικά και υφολογικά συνδέθηκε με ένα - υλικό ή ιδανικό - επίπεδο πραγματικότητας. Τα χαμηλά είδη περιλάμβαναν σάτιρα, κωμωδία, μύθο. στα ψηλά - μια ωδή, τραγωδία, έπος. Στα χαμηλά είδη, απεικονίζεται η καθημερινή υλική πραγματικότητα και ένας ιδιώτης εμφανίζεται στις κοινωνικές σχέσεις (στην περίπτωση αυτή, φυσικά, τόσο ένα πρόσωπο όσο και η πραγματικότητα είναι όλες οι ίδιες ιδανικές εννοιολογικές κατηγορίες). Στα υψηλά είδη, ο άνθρωπος παρουσιάζεται ως πνευματικό και κοινωνικό ον, στην υπαρξιακή όψη της ύπαρξής του, μόνος και μαζί με τα αιώνια θεμέλια των θεμάτων της ύπαρξης. Ως εκ τούτου, για τα υψηλά και τα χαμηλά είδη, αποδείχθηκε ότι ήταν σχετική όχι μόνο θεματική, αλλά και ταξική διαφοροποίηση με βάση την αναγωγή του χαρακτήρα σε ένα συγκεκριμένο κοινωνικό στρώμα. Ο ήρωας των χαμηλών ειδών είναι ένα άτομο της μεσαίας τάξης. ο ήρωας των ψηλών - ένα ιστορικό πρόσωπο, ένας μυθολογικός ήρωας ή ένας φανταστικός υψηλόβαθμος χαρακτήρας - συνήθως ένας ηγεμόνας.

Στα χαμηλά είδη, οι ανθρώπινοι χαρακτήρες σχηματίζονται από χαμηλά καθημερινά πάθη (τσιγκουνιά, φανατισμός, υποκρισία, φθόνος κ.λπ.). στα υψηλά είδη, τα πάθη αποκτούν πνευματικό χαρακτήρα (αγάπη, φιλοδοξία, μνησικακία, αίσθηση καθήκοντος, πατριωτισμός κ.λπ.). Και αν τα καθημερινά πάθη είναι αναμφισβήτητα παράλογα και μοχθηρά, τότε τα καθημερινά πάθη υποδιαιρούνται σε λογικά - κοινωνικά και παράλογα - προσωπικά και η ηθική κατάσταση του ήρωα εξαρτάται από την επιλογή του. Είναι κατηγορηματικά θετικός αν προτιμά ένα λογικό πάθος και κατηγορηματικά αρνητικός αν επιλέξει ένα παράλογο. Ο κλασικισμός δεν επέτρεπε ημίτονο στην ηθική του αξιολόγηση - και αυτό αντανακλούσε επίσης την ορθολογιστική φύση της μεθόδου, η οποία απέκλειε κάθε μίξη υψηλού και χαμηλού, τραγικού και κωμικού.

Δεδομένου ότι στη θεωρία των ειδών του κλασικισμού εκείνα τα είδη που έφτασαν στην ακμή τους στην αρχαία λογοτεχνία νομιμοποιήθηκαν ως τα κύρια και η λογοτεχνική δημιουργικότητα θεωρήθηκε ως λογική μίμηση υψηλών προτύπων, ο αισθητικός κώδικας του κλασικισμού απέκτησε κανονιστικό χαρακτήρα. Αυτό σημαίνει ότι το μοντέλο κάθε είδους καθιερώθηκε μια για πάντα σε ένα σαφές σύνολο κανόνων, από τους οποίους ήταν απαράδεκτο να παρεκκλίνουμε, και κάθε συγκεκριμένο κείμενο αξιολογήθηκε αισθητικά ανάλογα με το βαθμό στον οποίο αντιστοιχούσε σε αυτό το ιδανικό μοντέλο είδους.

Αρχαία παραδείγματα έγιναν η πηγή των κανόνων: το έπος του Ομήρου και του Βιργίλιου, η τραγωδία του Αισχύλου, του Σοφοκλή, του Ευριπίδη και του Σενέκα, η κωμωδία του Αριστοφάνη, του Μενάνδρου, του Τερεντίου και του Πλαύτου, οι ωδές στον Πίνδαρο, ο μύθος του Αισώπου και του Φαίδρου, η σάτιρα του Οράτιου και του Ιουβενάλ. Η πιο χαρακτηριστική και ενδεικτική περίπτωση μιας τέτοιας ρύθμισης του είδους είναι φυσικά οι κανόνες για το κορυφαίο κλασικιστικό είδος, τις τραγωδίες, που αντλούνται τόσο από κείμενα αρχαίων τραγικών όσο και από την Ποιητική του Αριστοτέλη.

Για την τραγωδία, μια ποιητική μορφή ("Αλεξανδρινός στίχος" - ένας ιαμβικός έξι ποδιών με ζευγαρωτή ομοιοκαταληξία), μια υποχρεωτική πεντάπρακτη κατασκευή, τρεις ενότητες - χρόνος, τόπος και δράση, ένα υψηλό ύφος, μια ιστορική ή μυθολογική πλοκή και μια σύγκρουση, που προϋποθέτει μια υποχρεωτική κατάσταση επιλογής μεταξύ λογικού και παράλογου πάθους, και η ίδια η διαδικασία επιλογής επρόκειτο να αποτελέσει τη δράση της τραγωδίας. Ήταν στη δραματική ενότητα της αισθητικής του κλασικισμού που ο ορθολογισμός, η ιεραρχία και η κανονιστικότητα της μεθόδου εκφράστηκαν με τη μεγαλύτερη πληρότητα και προφανή:

Όλα όσα ειπώθηκαν παραπάνω για την αισθητική του κλασικισμού και την ποιητική της κλασικιστικής λογοτεχνίας στη Γαλλία ισχύουν εξίσου για σχεδόν κάθε ευρωπαϊκή ποικιλία της μεθόδου, αφού ο γαλλικός κλασικισμός ήταν ιστορικά η αρχαιότερη και αισθητικά πιο έγκυρη ενσάρκωση της μεθόδου. Αλλά για τον ρωσικό κλασικισμό, αυτές οι γενικές θεωρητικές θέσεις βρήκαν μια περίεργη διάθλαση στην καλλιτεχνική πράξη, καθώς εξαρτήθηκαν από τα ιστορικά και εθνικά χαρακτηριστικά της διαμόρφωσης του νέου ρωσικού πολιτισμού του 18ου αιώνα.

2.4. Ο κλασικισμός στη ζωγραφική

Στις αρχές του 17ου αιώνα, νέοι ξένοι συρρέουν στη Ρώμη για να γνωρίσουν την κληρονομιά της αρχαιότητας και της Αναγέννησης. Το πιο σημαντικό από αυτά ήταν ο Γάλλος Nicolas Poussin, στους πίνακές του, κυρίως με θέματα αρχαίας αρχαιότητας και μυθολογίας, ο οποίος έδωσε αξεπέραστα παραδείγματα γεωμετρικά ακριβούς σύνθεσης και στοχαστική συσχέτιση ομάδων χρωμάτων. Ένας άλλος Γάλλος, ο Claude Lorrain, στα απαρχαιωμένα τοπία του γύρω από την «αιώνια πόλη» παρήγγειλε εικόνες της φύσης εναρμονίζοντάς τες με το φως του ήλιου που δύει και εισάγοντας ιδιόμορφες αρχιτεκτονικές κουρτίνες.

Ο ψυχρός κανονιστικισμός του Poussin γνώρισε την έγκριση της αυλής των Βερσαλλιών και συνεχίστηκε από καλλιτέχνες της αυλής όπως ο Lebrun, που έβλεπαν στην κλασικιστική ζωγραφική την ιδανική καλλιτεχνική γλώσσα για να υμνούν την απολυταρχική πολιτεία του «βασιλιά ήλιου». Αν και οι ιδιώτες πελάτες προτιμούσαν διάφορες επιλογές για το μπαρόκ και το ροκοκό, η γαλλική μοναρχία κράτησε τον κλασικισμό στη ζωή χρηματοδοτώντας ακαδημαϊκά ιδρύματα όπως η Σχολή Καλών Τεχνών. Το Βραβείο Ρώμης παρείχε στους πιο ταλαντούχους μαθητές την ευκαιρία να επισκεφθούν τη Ρώμη για μια από πρώτο χέρι γνωριμία με τα σπουδαία έργα της αρχαιότητας.

Η ανακάλυψη της «γνήσιας» ζωγραφικής αντίκες κατά τις ανασκαφές της Πομπηίας, η θεοποίηση της αρχαιότητας από τον Γερμανό κριτικό τέχνης Winckelmann και η λατρεία του Ραφαήλ, που κήρυξε ένας καλλιτέχνης κοντά του στις απόψεις του, ο Mengs, έδωσε νέα πνοή στον κλασικισμό στην δεύτερο μισό του 18ου αιώνα (στη δυτική λογοτεχνία, αυτό το στάδιο ονομάζεται νεοκλασικισμός). Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του «νέου κλασικισμού» ήταν ο Jacques-Louis David. Η εξαιρετικά λακωνική και δραματική καλλιτεχνική του γλώσσα χρησίμευσε με την ίδια επιτυχία στην προώθηση των ιδανικών της Γαλλικής Επανάστασης ("Θάνατος του Μαράτ") και της Πρώτης Αυτοκρατορίας ("Αφιέρωμα του Αυτοκράτορα Ναπολέοντα Α").

Τον 19ο αιώνα, η ζωγραφική του κλασικισμού μπαίνει σε μια περίοδο κρίσης και γίνεται μια δύναμη που εμποδίζει την ανάπτυξη της τέχνης, και όχι μόνο στη Γαλλία, αλλά και σε άλλες χώρες. Η καλλιτεχνική γραμμή του David συνεχίστηκε με επιτυχία από τον Ingres, ο οποίος, ενώ διατήρησε τη γλώσσα του κλασικισμού, στα έργα του συχνά στρεφόταν σε ρομαντικά θέματα με ανατολίτικο άρωμα ("Τουρκικά λουτρά"). τα πορτρέτα του χαρακτηρίζονται από μια λεπτή εξιδανίκευση του μοντέλου. Καλλιτέχνες σε άλλες χώρες (όπως, για παράδειγμα, ο Karl Bryullov) γέμισαν επίσης τα έργα του κλασικισμού σε μορφή με το πνεύμα του ρομαντισμού. αυτός ο συνδυασμός ονομάζεται ακαδημαϊσμός. Πολυάριθμες ακαδημίες τέχνης χρησίμευσαν ως τόπος αναπαραγωγής του. Στα μέσα του 19ου αιώνα, η νεότερη γενιά που έλκεται προς τον ρεαλισμό, εκπροσωπούμενη στη Γαλλία από τον κύκλο Courbet και στη Ρωσία από τους πλανόδιους, επαναστάτησε ενάντια στον συντηρητισμό του ακαδημαϊκού κατεστημένου.

2.5. Ο κλασικισμός στη γλυπτική

Το έναυσμα για την ανάπτυξη της κλασικιστικής γλυπτικής στα μέσα του 18ου αιώνα ήταν τα έργα του Winckelmann και οι αρχαιολογικές ανασκαφές των αρχαίων πόλεων, οι οποίες διεύρυναν τη γνώση των συγχρόνων για την αρχαία γλυπτική. Στα όρια του μπαρόκ και του κλασικισμού, γλύπτες όπως ο Pigalle και ο Houdon αμφιταλαντεύτηκαν στη Γαλλία. Ο κλασικισμός έφτασε στην υψηλότερη ενσάρκωσή του στον τομέα του πλαστικού στα ηρωικά και ειδυλλιακά έργα του Antonio Canova, ο οποίος άντλησε έμπνευση κυρίως από τα αγάλματα της ελληνιστικής εποχής (Praxitel). Στη Ρωσία, ο Fedot Shubin, ο Mikhail Kozlovsky, ο Boris Orlovsky, ο Ivan Martos έλκονταν προς την αισθητική του κλασικισμού.

Τα δημόσια μνημεία, που έγιναν ευρέως διαδεδομένα στην εποχή του κλασικισμού, έδωσαν στους γλύπτες την ευκαιρία να εξιδανικεύσουν τη στρατιωτική ανδρεία και τη σοφία των πολιτικών. Η πιστότητα στο αρχαίο μοντέλο απαιτούσε από τους γλύπτες να απεικονίζουν τα μοντέλα γυμνά, κάτι που έρχεται σε αντίθεση με τους αποδεκτούς ηθικούς κανόνες. Για να λυθεί αυτή η αντίφαση, οι μορφές της εποχής μας απεικονίστηκαν αρχικά από τους γλύπτες του κλασικισμού με τη μορφή γυμνών αρχαίων θεών: Suvorov - με τη μορφή του Άρη, και Pauline Borghese - με τη μορφή της Αφροδίτης. Επί Ναπολέοντα, το ζήτημα επιλύθηκε με τη μετάβαση στην εικόνα των σύγχρονων μορφών σε αντίκες τόγκα (όπως είναι οι μορφές του Kutuzov και του Barclay de Tolly μπροστά από τον καθεδρικό ναό του Καζάν).

Οι ιδιώτες πελάτες της εποχής του κλασικισμού προτιμούσαν να απαθανατίσουν τα ονόματά τους σε επιτύμβιες στήλες. Η δημοτικότητα αυτής της γλυπτικής μορφής διευκολύνθηκε από τη διευθέτηση δημόσιων νεκροταφείων στις κύριες πόλεις της Ευρώπης. Σύμφωνα με το κλασικιστικό ιδεώδες, οι μορφές στις επιτύμβιες στήλες τείνουν να βρίσκονται σε κατάσταση βαθιάς ανάπαυσης. Οι αιχμηρές κινήσεις, οι εξωτερικές εκδηλώσεις τέτοιων συναισθημάτων όπως ο θυμός είναι γενικά ξένες προς τη γλυπτική του κλασικισμού.

Ο κλασικισμός της Ύστερης Αυτοκρατορίας, που αντιπροσωπεύεται κυρίως από τον παραγωγικό Δανό γλύπτη Thorvaldsen, είναι εμποτισμένος με ένα ξηρό πάθος. Η καθαρότητα των γραμμών, η αυτοσυγκράτηση των χειρονομιών, η απάθεια των εκφράσεων εκτιμώνται ιδιαίτερα. Στην επιλογή των προτύπων, η έμφαση μετατοπίζεται από τον ελληνισμό στην αρχαϊκή περίοδο. Έρχονται στη μόδα θρησκευτικές εικόνες, οι οποίες, όπως τις ερμηνεύει ο Thorvaldsen, κάνουν μια κάπως ανατριχιαστική εντύπωση στον θεατή. Το ταφικό γλυπτό του ύστερου κλασικισμού συχνά φέρει μια ελαφριά πινελιά συναισθηματισμού.

2.6. Ο κλασικισμός στην αρχιτεκτονική

Το κύριο χαρακτηριστικό της αρχιτεκτονικής του κλασικισμού ήταν η έκκληση στις μορφές της αρχαίας αρχιτεκτονικής ως πρότυπο αρμονίας, απλότητας, αυστηρότητας, λογικής σαφήνειας και μνημειακότητας. Η αρχιτεκτονική του κλασικισμού στο σύνολό της χαρακτηρίζεται από κανονικότητα σχεδιασμού και σαφήνεια ογκομετρικής μορφής. Η βάση της αρχιτεκτονικής γλώσσας του κλασικισμού ήταν η τάξη, σε αναλογίες και μορφές κοντά στην αρχαιότητα. Για τον κλασικισμό, χαρακτηριστικές είναι οι συμμετρικές-αξονικές συνθέσεις, η συγκράτηση της διακόσμησης και το κανονικό σύστημα πολεοδομικού σχεδιασμού.

Η αρχιτεκτονική γλώσσα του κλασικισμού διατυπώθηκε στο τέλος της Αναγέννησης από τον μεγάλο Βενετό δάσκαλο Palladio και τον οπαδό του Scamozzi. Οι Ενετοί έκαναν τις αρχές της αρχαίας αρχιτεκτονικής ναών τόσο απόλυτες που τις εφάρμοσαν ακόμη και στην κατασκευή τέτοιων ιδιωτικών αρχοντικών όπως η Villa Capra. Ο Ινίγκο Τζόουνς έφερε τον Παλλάδια βόρεια στην Αγγλία, όπου οι ντόπιοι αρχιτέκτονες της Παλλαδιάς ακολούθησαν τις παλλαδιανές αρχές με διάφορους βαθμούς πιστότητας μέχρι τα μέσα του 18ου αιώνα.

Εκείνη την εποχή, είχε αρχίσει να συσσωρεύεται ανάμεσα στους διανοούμενους της ηπειρωτικής Ευρώπης ένας κορεσμός ύστερου μπαρόκ και ροκοκό «σαντιγί». Γεννημένο από τους Ρωμαίους αρχιτέκτονες Bernini και Borromini, το μπαρόκ αραιώθηκε στο ροκοκό, κυρίως στυλ δωματίου με έμφαση στην εσωτερική διακόσμηση και τις τέχνες και τη χειροτεχνία. Για την επίλυση μεγάλων πολεοδομικών προβλημάτων αυτή η αισθητική ελάχιστα ωφελούσε. Ήδη επί Λουδοβίκου XV (1715-74), συγκροτήματα πολεοδομικού σχεδιασμού με την «αρχαία ρωμαϊκή» γεύση χτίστηκαν στο Παρίσι, όπως η Place de la Concorde (αρχιτέκτονας Jacques-Ange Gabriel) και η εκκλησία του Saint-Sulpice, και υπό τον Louis. XVI (1774-92) ένας παρόμοιος «ευγενής λακωνισμός» γίνεται ήδη η κύρια αρχιτεκτονική κατεύθυνση.

Οι πιο σημαντικοί εσωτερικοί χώροι στο κλασικιστικό στυλ σχεδιάστηκαν από τον Σκωτσέζο Robert Adam, ο οποίος επέστρεψε στην πατρίδα του από τη Ρώμη το 1758. Εντυπωσιάστηκε τόσο από την αρχαιολογική έρευνα Ιταλών επιστημόνων όσο και από τις αρχιτεκτονικές φαντασιώσεις του Piranesi. Κατά την ερμηνεία του Adam, ο κλασικισμός εμφανίστηκε ως ένα στυλ που δεν ήταν καθόλου κατώτερο από το ροκοκό όσον αφορά την πολυπλοκότητα των εσωτερικών χώρων, γεγονός που του χάρισε δημοτικότητα όχι μόνο μεταξύ των δημοκρατικών κύκλων της κοινωνίας, αλλά και μεταξύ της αριστοκρατίας. Όπως και οι Γάλλοι ομόλογοί του, ο Αδάμ κήρυττε μια πλήρη απόρριψη λεπτομερειών που δεν είχαν εποικοδομητική λειτουργία.

Ο Γάλλος Jacques-Germain Soufflot, κατά την ανέγερση της εκκλησίας Saint-Genevieve στο Παρίσι, έδειξε την ικανότητα του κλασικισμού να οργανώνει τεράστιους αστικούς χώρους. Το τεράστιο μεγαλείο των έργων του προμήνυε τη μεγαλομανία της Ναπολεόντειας Αυτοκρατορίας και τον ύστερο κλασικισμό. Στη Ρωσία, ο Bazhenov κινούνταν στην ίδια κατεύθυνση με τον Soufflot. Οι Γάλλοι Claude-Nicolas Ledoux και Etienne-Louis Bull προχώρησαν ακόμη περισσότερο προς την ανάπτυξη ενός ριζοσπαστικού οραματιστικού στυλ με έμφαση στην αφηρημένη γεωμετρία των μορφών. Στην επαναστατική Γαλλία, το ασκητικό αστικό πάθος των σχεδίων τους είχε ελάχιστη ζήτηση. μόνο οι μοντερνιστές του 20ου αιώνα εκτίμησαν πλήρως την καινοτομία του Ledoux.

Οι αρχιτέκτονες της Γαλλίας του Ναπολέοντα άντλησαν έμπνευση από τις μεγαλειώδεις εικόνες στρατιωτικής δόξας που άφησε πίσω της η αυτοκρατορική Ρώμη, όπως η αψίδα του θριάμβου του Σεπτίμιου Σεβήρου και η Στήλη του Τραϊανού. Με εντολή του Ναπολέοντα, αυτές οι εικόνες μεταφέρθηκαν στο Παρίσι με τη μορφή της θριαμβευτικής αψίδας του Carrousel και της στήλης Vendome. Αναφορικά με τα μνημεία του στρατιωτικού μεγαλείου της εποχής των Ναπολεόντειων πολέμων, χρησιμοποιείται ο όρος "αυτοκρατορικό στυλ" - αυτοκρατορικό στυλ. Στη Ρωσία, ο Karl Rossi, ο Andrei Voronikhin και ο Andreyan Zakharov έδειξαν ότι είναι εξαιρετικοί δάσκαλοι του στυλ της Αυτοκρατορίας. Στη Βρετανία, το στυλ Empire αντιστοιχεί στο λεγόμενο. "Regency style" (ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος είναι ο John Nash).

Η αισθητική του κλασικισμού ευνόησε μεγάλης κλίμακας πολεοδομικά έργα και οδήγησε στη διάταξη της αστικής ανάπτυξης στην κλίμακα ολόκληρων πόλεων. Στη Ρωσία, σχεδόν όλες οι επαρχιακές και πολλές πόλεις uyezd επανασχεδιάστηκαν σύμφωνα με τις αρχές του κλασικιστικού ορθολογισμού. Πόλεις όπως η Αγία Πετρούπολη, το Ελσίνκι, η Βαρσοβία, το Δουβλίνο, το Εδιμβούργο και πολλές άλλες έχουν μετατραπεί σε γνήσια υπαίθρια μουσεία κλασικισμού. Ολόκληρος ο χώρος από το Μινουσίνσκ έως τη Φιλαδέλφεια κυριαρχούνταν από μια ενιαία αρχιτεκτονική γλώσσα που χρονολογείται από το Palladio. Η κανονική ανάπτυξη πραγματοποιήθηκε σύμφωνα με τα τυπικά άλμπουμ έργων.

Στην περίοδο που ακολούθησε τους Ναπολεόντειους πολέμους, ο κλασικισμός έπρεπε να συνυπάρξει με τον ρομαντικά έγχρωμο εκλεκτικισμό, ιδιαίτερα με την επιστροφή του ενδιαφέροντος στον Μεσαίωνα και τη μόδα για το αρχιτεκτονικό νεογοτθικό. Σε σχέση με τις ανακαλύψεις του Champollion, τα αιγυπτιακά κίνητρα κερδίζουν δημοτικότητα. Το ενδιαφέρον για την αρχαία ρωμαϊκή αρχιτεκτονική δίνει τη θέση της στον σεβασμό για οτιδήποτε αρχαίο ελληνικό («νεοελληνικό»), που εκδηλώθηκε ιδιαίτερα ξεκάθαρα στη Γερμανία και τις Ηνωμένες Πολιτείες. Οι Γερμανοί αρχιτέκτονες Leo von Klenze και Karl Friedrich Schinkel χτίζουν το Μόναχο και το Βερολίνο, αντίστοιχα, με μεγαλειώδη μουσεία και άλλα δημόσια κτίρια στο πνεύμα του Παρθενώνα. Στη Γαλλία, η καθαρότητα του κλασικισμού αραιώνεται με δωρεάν δανεισμούς από το αρχιτεκτονικό ρεπερτόριο της Αναγέννησης και του Μπαρόκ (βλ. Beauz-ar).

2.7. Ο κλασικισμός στη λογοτεχνία

Θεμελιωτής της ποιητικής του κλασικισμού θεωρείται ο Γάλλος Francois Malherbe (1555-1628), ο οποίος πραγματοποίησε τη μεταρρύθμιση της γαλλικής γλώσσας και στίχου και ανέπτυξε ποιητικούς κανόνες. Οι κορυφαίοι εκπρόσωποι του κλασικισμού στο δράμα ήταν οι τραγικοί Corneille και Racine (1639-1699), των οποίων το κύριο αντικείμενο δημιουργικότητας ήταν η σύγκρουση μεταξύ του δημόσιου καθήκοντος και των προσωπικών παθών. Τα «χαμηλά» είδη έφτασαν επίσης σε υψηλή ανάπτυξη - μύθος (J. La Fontaine), σάτιρα (Boileau), κωμωδία (Μολιέρος 1622-1673).

Ο Boileau έγινε διάσημος σε όλη την Ευρώπη ως ο «νομοθέτης του Παρνασσού», ο μεγαλύτερος θεωρητικός του κλασικισμού, που εξέφρασε τις απόψεις του στην ποιητική πραγματεία «Ποιητική Τέχνη». Υπό την επιρροή του στη Μεγάλη Βρετανία ήταν οι ποιητές Τζον Ντράιντεν και Αλεξάντερ Πόουπ, που έκαναν την Αλεξάνδρινα την κύρια μορφή της αγγλικής ποίησης. Για την αγγλική πεζογραφία της εποχής του κλασικισμού (Addison, Swift), η λατινοποιημένη σύνταξη είναι επίσης χαρακτηριστική.

Ο κλασικισμός του 18ου αιώνα αναπτύχθηκε υπό την επίδραση των ιδεών του Διαφωτισμού. Το έργο του Βολταίρου (1694-1778) στρέφεται ενάντια στον θρησκευτικό φανατισμό, την απολυταρχική καταπίεση, γεμάτη με το πάθος της ελευθερίας. Ο στόχος της δημιουργικότητας είναι να αλλάξει τον κόσμο προς το καλύτερο, να οικοδομήσει την ίδια την κοινωνία σύμφωνα με τους νόμους του κλασικισμού. Από τη σκοπιά του κλασικισμού, ο Άγγλος Samuel Johnson ερεύνησε τη σύγχρονη λογοτεχνία, γύρω από την οποία σχηματίστηκε ένας λαμπρός κύκλος ομοϊδεατών, συμπεριλαμβανομένου του δοκιμιογράφου Boswell, του ιστορικού Gibbon και του ηθοποιού Garrick. Τρεις ενότητες είναι χαρακτηριστικές των δραματικών έργων: η ενότητα του χρόνου (η δράση λαμβάνει χώρα μια μέρα), η ενότητα του τόπου (σε ένα μέρος) και η ενότητα της δράσης (μία γραμμή πλοκής).

Στη Ρωσία, ο κλασικισμός ξεκίνησε τον 18ο αιώνα, μετά τις μεταμορφώσεις του Peter I. Lomonosov που πραγματοποίησε μια μεταρρύθμιση του ρωσικού στίχου, ανέπτυξε τη θεωρία των «τριών ηρεμίας», η οποία ήταν ουσιαστικά μια προσαρμογή των γαλλικών κλασικών κανόνων στη ρωσική γλώσσα. Οι εικόνες στον κλασικισμό στερούνται μεμονωμένων χαρακτηριστικών, αφού καλούνται, πρώτα απ 'όλα, να συλλάβουν σταθερά γενικά σημάδια που δεν περνούν στο χρόνο, ενεργώντας ως ενσάρκωση οποιωνδήποτε κοινωνικών ή πνευματικών δυνάμεων.

Ο κλασικισμός στη Ρωσία αναπτύχθηκε υπό τη μεγάλη επιρροή του Διαφωτισμού - οι ιδέες της ισότητας και της δικαιοσύνης ήταν πάντα στο επίκεντρο της προσοχής των Ρώσων κλασικιστών συγγραφέων. Επομένως, στον ρωσικό κλασικισμό, είδη που προϋποθέτουν μια υποχρεωτική αξιολόγηση της ιστορικής πραγματικότητας από τον συγγραφέα: κωμωδία (D.I.Fonvizin), σάτιρα (A.D. Kantemir), μύθος (A.P. Sumarokov, I.I. (Lomonosov, G.R.Derzhavin).

Σε σχέση με την έκκληση που διακηρύχθηκε από τον Rousseau για εγγύτητα στη φύση και τη φυσικότητα, τα φαινόμενα κρίσης αυξάνονται στον κλασικισμό του τέλους του 18ου αιώνα. η απολυτοποίηση της λογικής αντικαθίσταται από τη λατρεία των τρυφερών συναισθημάτων - τον συναισθηματισμό. Η μετάβαση από τον κλασικισμό στον προ-ρομαντισμό αντικατοπτρίστηκε πιο έντονα στη γερμανική λογοτεχνία της εποχής της «Θύελλας και Επίθεσης», που αντιπροσωπεύεται από τα ονόματα των IV Goethe (1749-1832) και F. Schiller (1759-1805), οι οποίοι, ακολουθώντας τον Rousseau, είδε στην τέχνη την κύρια δύναμη της εκπαίδευσης.

2.8. Ο κλασικισμός στη μουσική

Η έννοια του κλασικισμού στη μουσική συνδέεται σταθερά με τα έργα των Haydn, Mozart και Beethoven, που ονομάζονται Βιεννέζικα κλασικάκαι καθόρισε την κατεύθυνση της περαιτέρω ανάπτυξης της μουσικής σύνθεσης.

Η έννοια της «μουσικής του κλασικισμού» δεν πρέπει να συγχέεται με την έννοια της «κλασικής μουσικής», η οποία έχει γενικότερο νόημα όπως η μουσική του παρελθόντος που έχει αντέξει στη δοκιμασία του χρόνου.

Η μουσική της εποχής του κλασικισμού εξυμνεί τις πράξεις και τις πράξεις ενός ατόμου, τα συναισθήματα και τα συναισθήματα που βιώνει, ένα προσεκτικό και ολιστικό ανθρώπινο μυαλό.

2.10. Η πρωτοτυπία του ρωσικού κλασικισμού

Ο ρωσικός κλασικισμός προέκυψε σε παρόμοιες ιστορικές συνθήκες - προαπαιτούμενο ήταν η ενίσχυση του αυταρχικού κρατισμού και η εθνική αυτοδιάθεση της Ρωσίας από την εποχή του Πέτρου Ι. Ο ευρωπαϊσμός της ιδεολογίας των μεταρρυθμίσεων του Πέτρου στόχευε στον ρωσικό πολιτισμό να κυριαρχήσει στα επιτεύγματα των ευρωπαϊκών πολιτισμών. Αλλά ταυτόχρονα, ο ρωσικός κλασικισμός εμφανίστηκε σχεδόν έναν αιώνα αργότερα από τον γαλλικό: στα μέσα του 18ου αιώνα, όταν ο ρωσικός κλασικισμός μόλις άρχιζε να δυναμώνει, στη Γαλλία έφτασε στο δεύτερο στάδιο της ύπαρξής του. Ο λεγόμενος «κλασικισμός του Διαφωτισμού» - ένας συνδυασμός κλασικιστικών δημιουργικών αρχών με την προεπαναστατική ιδεολογία του Διαφωτισμού - άκμασε στα έργα του Βολταίρου στη γαλλική λογοτεχνία και απέκτησε ένα αντικληρικό, κοινωνικά κριτικό πάθος: αρκετές δεκαετίες πριν από τη Μεγάλη Γαλλική Επανάσταση , οι εποχές της συγγνώμης για τον απολυταρχισμό ήταν ήδη μια μακρινή ιστορία. Ο ρωσικός κλασικισμός, λόγω της ισχυρής σύνδεσής του με την κοσμική πολιτιστική μεταρρύθμιση, πρώτον, έθεσε αρχικά εκπαιδευτικά καθήκοντα, προσπαθώντας να εκπαιδεύσει τους αναγνώστες του και να καθοδηγήσει τους μονάρχες στο δρόμο του δημόσιου καλού, και δεύτερον, απέκτησε την ιδιότητα της κορυφαίας τάσης στη ρωσική λογοτεχνία προς την εποχή που ο Πέτρος Α δεν ζούσε πια, και η μοίρα των πολιτιστικών του μεταρρυθμίσεων δέχτηκε επίθεση στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1720 - 1730.

Ως εκ τούτου, ο ρωσικός κλασικισμός ξεκινά "όχι με τον καρπό της άνοιξης - μια ωδή, αλλά με τον καρπό του φθινοπώρου - τη σάτιρα", και η κοινωνικά-κριτική πάθος είναι χαρακτηριστικό του από την αρχή.

Ο ρωσικός κλασικισμός αντικατόπτριζε επίσης έναν εντελώς διαφορετικό τύπο σύγκρουσης από τον δυτικοευρωπαϊκό κλασικισμό. Εάν στον γαλλικό κλασικισμό η κοινωνικοπολιτική αρχή είναι μόνο το έδαφος στο οποίο αναπτύσσεται η ψυχολογική σύγκρουση του ορθολογικού και παράλογου πάθους και διεξάγεται η διαδικασία της ελεύθερης και συνειδητής επιλογής μεταξύ των διαταγμάτων τους, τότε στη Ρωσία, με την παραδοσιακά αντιδημοκρατική συνδιαλλαγή της και την απόλυτη εξουσία της κοινωνίας πάνω στο άτομο, το θέμα ήταν εντελώς διαφορετικό. Για τη ρωσική νοοτροπία, που μόλις είχε αρχίσει να κατανοεί την ιδεολογία του προσωπικισμού, η ανάγκη για ταπεινότητα του ατόμου απέναντι στην κοινωνία, του ατόμου ενώπιον των αρχών δεν ήταν καθόλου τόσο τραγωδία όσο για τη δυτική κοσμοθεωρία. Η επιλογή, η οποία είναι σχετική για την ευρωπαϊκή συνείδηση ​​ως ευκαιρία να προτιμήσει ένα πράγμα, στις ρωσικές συνθήκες αποδείχθηκε φανταστική, η έκβασή της ήταν προκαθορισμένη υπέρ της κοινωνίας. Ως εκ τούτου, η ίδια η κατάσταση επιλογής στον ρωσικό κλασικισμό έχει χάσει τη συγκρουσιακή της λειτουργία και μια άλλη ήρθε να την αντικαταστήσει.

Το κεντρικό πρόβλημα της ρωσικής ζωής τον 18ο αιώνα. υπήρχε πρόβλημα εξουσίας και της συνέχειάς της: ούτε ένας Ρώσος αυτοκράτορας μετά το θάνατο του Πέτρου Α και πριν από την άνοδο του Παύλου Α ́ το 1796 δεν ήρθε στην εξουσία με νόμιμο τρόπο. XVIII αιώνα - αυτή είναι μια εποχή δολοπλοκιών και ανακτορικών πραξικοπημάτων, που πολύ συχνά οδήγησαν στην απόλυτη και ανεξέλεγκτη εξουσία ανθρώπων που δεν αντιστοιχούσαν καθόλου όχι μόνο στο ιδανικό ενός φωτισμένου μονάρχη, αλλά και σε ιδέες για τον ρόλο του μονάρχη το κράτος. Ως εκ τούτου, η ρωσική κλασικιστική λογοτεχνία πήρε αμέσως μια πολιτική και διδακτική κατεύθυνση και αντικατόπτριζε αυτό ακριβώς το πρόβλημα ως το κύριο τραγικό δίλημμα της εποχής - την ασυνέπεια του ηγεμόνα με τα καθήκοντα του αυτοκράτορα, τη σύγκρουση της εμπειρίας της εξουσίας ως εγωιστικό προσωπικό πάθος με τον ιδέα της εξουσίας που ασκείται προς όφελος των υπηκόων του.

Έτσι, η ρωσική κλασικιστική σύγκρουση, ενώ διατηρούσε την κατάσταση της επιλογής μεταξύ λογικού και παράλογου πάθους ως εξωτερική σχεδίαση πλοκής, υλοποιήθηκε πλήρως ως κοινωνικοπολιτικής φύσης. Ο θετικός ήρωας του ρωσικού κλασικισμού δεν ταπεινώνει το ατομικό του πάθος στο όνομα του κοινού καλού, αλλά επιμένει στα φυσικά του δικαιώματα, υπερασπιζόμενος τον προσωπικισμό του από τις τυραννικές καταπατήσεις. Και το πιο σημαντικό είναι ότι αυτή η εθνική ιδιαιτερότητα της μεθόδου έγινε καλά κατανοητή από τους ίδιους τους συγγραφείς: αν οι πλοκές των γαλλικών κλασικιστικών τραγωδιών αντλήθηκαν κυρίως από την αρχαία μυθολογία και ιστορία, τότε ο Sumarokov έγραψε τις τραγωδίες του στις πλοκές των ρωσικών χρονικών και ακόμη στα οικόπεδα της όχι και τόσο μακρινής ρωσικής ιστορίας.

Τέλος, ένα άλλο ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του ρωσικού κλασικισμού ήταν ότι δεν βασιζόταν σε μια τόσο πλούσια και συνεχή παράδοση εθνικής λογοτεχνίας όπως οποιαδήποτε άλλη εθνική ευρωπαϊκή ποικιλία της μεθόδου. Αυτό που είχε οποιαδήποτε ευρωπαϊκή λογοτεχνία την εποχή της εμφάνισης της θεωρίας του κλασικισμού - δηλαδή μια λογοτεχνική γλώσσα με ένα διατεταγμένο στυλιστικό σύστημα, τις αρχές της στιχουργίας, ένα καθορισμένο σύστημα λογοτεχνικών ειδών - όλα αυτά έπρεπε να δημιουργηθούν στα ρωσικά. Επομένως, στον ρωσικό κλασικισμό, η λογοτεχνική θεωρία έχει ξεπεράσει τη λογοτεχνική πράξη. Οι κανονιστικές πράξεις του ρωσικού κλασικισμού - η μεταρρύθμιση της στιχουργικής, η μεταρρύθμιση του στυλ και η ρύθμιση του συστήματος των ειδών - εφαρμόστηκαν μεταξύ των μέσων της δεκαετίας του 1730 και του τέλους της δεκαετίας του 1740. - δηλαδή, βασικά πριν εκτυλιχθεί στη Ρωσία μια ολοκληρωμένη λογοτεχνική διαδικασία στο κυρίαρχο ρεύμα της κλασικιστικής αισθητικής.

3. Συμπέρασμα

Για τις ιδεολογικές προϋποθέσεις του κλασικισμού, είναι σημαντικό η προσπάθεια του ατόμου για ελευθερία να θεωρείται εδώ εξίσου θεμιτή με την ανάγκη της κοινωνίας να δεσμεύσει αυτή την ελευθερία με νόμους.

Η προσωπική αρχή συνεχίζει να διατηρεί αυτή την άμεση κοινωνική σημασία, αυτή την ανεξάρτητη αξία, με την οποία προικίστηκε για πρώτη φορά από την Αναγέννηση. Ωστόσο, σε αντίθεση με αυτόν, πλέον αυτή η αρχή ανήκει στο άτομο, μαζί με τον ρόλο που παίρνει πλέον η κοινωνία ως κοινωνικός οργανισμός. Και αυτό συνεπάγεται ότι κάθε προσπάθεια ενός ατόμου να υπερασπιστεί την ελευθερία του παρά την κοινωνία τον απειλεί με απώλεια της πληρότητας των δεσμών ζωής και τη μετατροπή της ελευθερίας σε μια κατεστραμμένη υποκειμενικότητα χωρίς υποστήριξη.

Η κατηγορία του μέτρου είναι μια θεμελιώδης κατηγορία στην ποιητική του κλασικισμού. Είναι ασυνήθιστα πολύπλευρο σε περιεχόμενο, έχει και πνευματική και πλαστική φύση, αγγίζει αλλά δεν συμπίπτει με μια άλλη τυπική έννοια του κλασικισμού -την έννοια του κανόνα- και συνδέεται στενά με όλες τις πτυχές του ιδανικού που επιβεβαιώνεται εδώ.

Το κλασικιστικό μυαλό ως πηγή και εγγυητής της ισορροπίας στη φύση και την ανθρώπινη ζωή φέρει τη σφραγίδα της ποιητικής πίστης στην αρχική αρμονία των πάντων, της εμπιστοσύνης στη φυσική πορεία των πραγμάτων, της εμπιστοσύνης στην παρουσία μιας συνολικής αντιστοιχίας μεταξύ της κίνησης του τον κόσμο και τη διαμόρφωση της κοινωνίας, στην ανθρωπιστική, ανθρωποκεντρική φύση αυτής της επικοινωνίας.

Είμαι κοντά στην περίοδο του κλασικισμού, τις αρχές του, την ποίηση, την τέχνη, τη δημιουργικότητα γενικότερα. Τα συμπεράσματα που βγάζει ο κλασικισμός για τους ανθρώπους, την κοινωνία και τον κόσμο μου φαίνονται τα μόνα αληθινά και λογικά. Μετρήστε, ως τη μέση γραμμή μεταξύ των αντιθέτων, την τάξη των πραγμάτων, των συστημάτων και όχι το χάος. ισχυρή σχέση ενός ατόμου με την κοινωνία ενάντια στη ρήξη και την εχθρότητά τους, την υπερβολική ιδιοφυΐα και τον εγωισμό. αρμονία ενάντια στα άκρα - σε αυτό βλέπω τις ιδανικές αρχές της ύπαρξης, τα θεμέλια των οποίων αντικατοπτρίζονται στους κανόνες του κλασικισμού.

Κατάλογος πηγών