Декоративно-прикладное искусство в XVIII веке. Декоративно-прикладное искусство XVIII века Декоративно прикладное 17 18 век

Во второй половине XVIII века русское прикладное искусство достигло значительного подъема. Этому способствовало развитие экономики, торговли, науки и техники и в немалой степени тесные связи с архитектурой и изобразительным искусством. Росло количество крупных и мелких фабрик, заводов, мастерских, выпускающих ткани, стекло, фарфор, мебель. Помещики в своих усадьбах устраивали различные мастерские, основанные на крепостном труде.

Гуманистические идеи просветительства своеобразно отражались в прикладном искусстве конца XVIII века. Мастеров этого времени отличали внимание к личным вкусам и потребностям человека, поиски удобства в окружающей среде.

Новый стиль - русский классицизм - на рубеже 1770-1780-х годов утверждался во всех видах прикладного искусства. Зодчие М. Ф. Казаков, И. Е. Старов, Д. Кваренги, Ч. Камерон, А. Н. Воронихин создавали интерьеры в духе благородной простоты и сдержанности с четким членением частей, с конструктивно оправданным расположением как пластического, так и живописного архитектурного декора.

В этих же принципах проектировались для дворцовых помещений мебель, канделябры, люстры. В орнаментике мебели, посуды, тканей, построенной в четком ритме, появились античные мотивы - акант, меандр, ионики, живо трактованные цветы, гирлянды, изображения амуров, сфинксов. Позолота, цветовая гамма становились мягче и сдержаннее, чем в середине XVIII века.

В конце XVIII века увлечение античностью заставило отказаться даже от сложного и пышного костюма. Вошли в моду легкие свободные платья со струящимися складками, с высоким поясом на античный манер (В. Л. Боровиковский. "Портрет М. И. Лопухиной". 1797).

Синтез искусств в русском классицизме строится по принципу гармоничного сочетания всех видов искусств.

Мебель. В период классицизма ее формы просты, уравновешены, четко построены, ритмы спокойны. Очертания еще сохраняли некоторую мягкость, округлость, но уже выделялись вертикальные и горизонтальные линии. Украшения (невысокая резьба, росписи, бронзовые и латунные накладки) подчеркивали выразительность конструкций. Больше проявлялось заботы об удобстве. Для парадных комнат разного назначения проектировались комплекты-гарнитуры: гостиной, кабинета, парадной спальни, зала. Возникли новые мебельные формы: столы для карточной игры, рукоделия, легкие переносные столики-бобики (с крышкой в виде боба), различного вида комоды. Большое распространение получили диваны, а в кабинетной мебели бюро-секретеры, бюро с цилиндрической закатывающейся крышкой.

Как и в предыдущие периоды, русская мебель по сравнению с западной массивнее, обобщеннее, проще в деталях. Материалом для нее служили местные породы дерева - липа, береза (с позолотой и окрашиванием в светлые тона), орех, дуб, тополь, ясень, груша, мореный дуб. В конце XVIII века стали использовать карельскую березу и привозную цветную древесину красного дерева, амаранта, палисандра и других пород. Мастера умели показать их красоту, строение, цвет, блеск, искусно подчеркнутые полировкой.

Больших достижений русские мастера добились в технике набора (маркетри). Суть ее - в составлении из кусочков цветной древесины орнаментов и целых Картин (обычно по гравюрам) на поверхности деревянных предметов. Подобного рода работы известны не только у столичных придворных мебельщиков, но и у бывших крепостных, работавших в Москве и Подмосковье: Никифора Васильева (ил. 78), Матвея Веретенникова и безымянных мастеров Твери, Архангельска, вводивших в набор моржовую кость. Образцы высокого искусства резьбы мебели Останкинского дворца принадлежат крепостным Ивану Мочалину, Гавриле Немкову и другим. В Петербурге славились мебельные и резные работы мастеров из Охты, переведенных в столицу из разных мест еще при Петре I. Художественный облик мебели завершала обивка узорными шелками, бархатом, набивными ситцами, льняными тканями, гармонировавшая с убранством стен.

Ткани. Из всех отраслей промышленности во второй половине XVIII века наиболее успешно развивалась текстильная (Москва, Иваново, Ярославль, Владимирская губерния). Ее подъем определяли не только крупные мануфактуры, но и небольшие крестьянские предприятия. Особого совершенства достигли мастера в новых узорных льняных тканях со сложными переплетениями, с игрой естественных серебристо-белых оттенков льна. Здесь сказались традиции крестьянского ткачества, глубокое понимание материала. Вырабатывались и массовая дешевая пестрядь и крашенина. Значительно улучшились декоративные качества цветного сукна и шерстяных тканей.

Бурно развивалось производство шелковых тканей для платьев и декоративных тканей, платков, лент (ил. 80). К концу XVIII века они не уступали по качеству французским - лучшим в Европе. Русские ткачи научились применять разнообразные нити, сложнейшие ткацкие переплетения, напоминающие вышивку. Композиционными приемами, богатством палитры в декоративных тканях достигались передача пространства, тонкость переходов тонов, точность рисунка цветов, птиц, пейзажей. Такие ткани использовали в отделке дворцов, посылали в качестве подарков за границу.

В тканях для платьев, особенно в сарафанных тканях, вплоть до 1780-х - 1790-х годов применялись узоры из сложных, волнообразных цветочных гирлянд, лент, бус. Но постепенно гирлянды заменялись полосами, узоры становились проще, их ритмы более плавными, цветовая гамма светлее, мягче.

В 1750-1760-х годах в Петербурге и позже в Москве, в с. Иваново (ныне г. Иваново) развивалось производство ситцев (хлопчатобумажная ткань с набивным узором заварными, нелиняющими красками и последующим лощением). В узорах ситцев мастера, особенно ивановские, своеобразно перерабатывали мотивы шелковых тканей. На основе народной набойки они сочетали сочное живописное пятно и графическую разделку (контуры рисунка, решетки, точки фона). Сначала ситцы были очень дороги. К концу XVIII века стали вырабатывать их дешевые сорта.

Фарфор. К концу XVIII века русский фарфор становится одним из лучших в Европе. Успешно работал Казенный фарфоровый завод в Петербурге. Его изделия отличались белизной чуть теплой тональности, блестящей глазурью, высоким техническим качеством. Формы посуды, ваз, их роспись не уступали западным.

Создается наиболее значительный из сервизов - Арабесковый для придворных приемов (1784, ил. 77). Настольное украшение этого сервиза из девяти аллегорических скульптур прославляет присоединение Грузии и Крыма, "добродетели" Екатерины II (скульптор Ж. Д. Рашет). В нем господствуют характерные для классицизма конца XVIII века спокойные позы, легкая позолота, строгие по пропорциям формы сервизной посуды с росписью в виде арабесок, по мотивам античных орнаментов.

В 1780-х годах создается серия скульптур "Народы России" (творческая переработка гравюр) - ярко декоративная, с характерными образами - представителями отдельных народностей (якут, самоед, татарин). Выпускались скульптурные фигурки уличных продавцов, ремесленников, изображенных в движении, в работе. Фарфоровая скульптура на многие десятилетия становится любимым украшением дворянских интерьеров.

Из частных фарфоровых заводов завод Франца Гарднера (1765) (с. Вербилки под Москвой) оказывается наиболее жизнеспособным. Уже в конце XVIII века он выполняет сервизы для царского дома с оригинальным использованием в росписях мотивов русских орденов. Довольно дешевая гарднеровская фарфоровая посуда, отличающаяся простотой форм, сочной цветочной росписью, близкой к народным традициям, имела успех и в столице и в провинции (ил. 79).

Стекло. Подлинную славу русскому стеклу последней трети XVIII века приносит цветное стекло. М. В. Ломоносов работами по теории цвета и технологии цветных стекол открыл новые пути русскому стеклоделию, обогатил палитру стекла, возродил русскую мозаику. Он организовал в деревне Усть-Рудица Петербургской губернии фабрику для производства смальт, бисера и стекла. Мастера Казенного завода в Петербурге Дружинин и Кириллов прошли обучение варки цветного стекла у Ломоносова. Завод осваивает выработку стекла глубоких и чистых тонов - синего, фиолетового, розово-красного, изумрудно-зеленого. Теперь в его производстве господствует уже не гравированный хрусталь, а тонкое цветное и бесцветное стекло. Рюмки, бокалы, графины получают гладкие формы, в которых тулово плавно переходит в ножку, создавая мягкие, изящные контуры. Росписи золотом и серебром гирлянд, бантов, звезд, вензелей спокойны по ритму, подчеркивают пластические объемы сосудов.

Вырабатывается и так называемое молочно-белое стекло (кружки, графины, церковные предметы), напоминающие внешним видом и характером росписей более дорогой фарфор.

К концу XVIII века развиваются и достигают больших успехов частные стекольные заводы Бахметьева в Пензенской губернии, Мальцевых во Владимирской и Орловской губерниях и многие другие. Их бесцветное и цветное стекло, хрусталь широко распространяются по всей России.

Художественная обработка металла. Расцвет ювелирного искусства в России наступает к середине XVIII века и продолжается на протяжении всего столетия. Оно располагает художественными материалами необыкновенной красоты: это бриллианты, изумруды, сапфиры и другие драгоценные и полудрагоценные камни, живописные эмали, цветные металлы (золото, серебро, платина, сплавы). Искусство огранки камней достигает высокой степени совершенства. Чтобы усилить игру камня, ювелиры находят разнообразные художественно-технические приемы монтировки, подвижного закрепления деталей. Художники-ювелиры создают прихотливые по формам, многокрасочные украшения: серьги, кольца, табакерки, пряжки для башмаков, пуговицы для роскошных костюмов как мужских, так и женских.

В последней трети XVIII века формы ювелирных украшений приобретают уравновешенность, цветовая гамма драгоценных камней становится строже.

В этот период больших успехов достигают мастера серебряного дела. В соответствии с новыми вкусами формы серебряных сервизов просты и четки. Их украшают каннелюры, античные орнаменты. На серебряных стаканах, табакерках мастера Великого Устюга воспроизводят с гравюр изображения античных сцен, побед русских войск.

Выдающееся явление в прикладном искусстве XVIII века - стальные художественные изделия тульских мастеров: мебель, шкатулки, подсвечники, пуговицы, пряжки, табакерки. Декоративный эффект своих произведений они строят на противопоставлении гладкой светлой стали и украшений в виде граненых кусочков, сверкающих как алмазы. Мастера применяют воронение (термическая обработка в горне при разных температурах) металла, дающее различные оттенки - зеленые, синие, лиловые, от густых до высветленных. Традиции народного искусства сказываются в любви к яркому цвету, в глубоком понимании материала.

Цветной камень. Во второй половине XVIII века открываются месторождения мраморов, вишнево-розового орлеца на Урале, многоцветных яшм, пестрых брекчий, порфиров Алтая, синих байкальских лазуритов. Кроме Петергофской (1722-1723) и Екатеринбургской (начало 1730-х гг.), в самом сердце Алтая начинает работать в 1787 году Локтевская фабрика (с 1802 г. ее заменяет Колыванская). Появляются широкие возможности применения цветного камня в отделке и украшении монументально-декоративных произведений дворцовых интерьеров.

Умение выявить эстетические качества материала всегда отличало русских мастеров, но особенно ярко оно выразилось в камнерезном искусстве. Работая по проектам архитекторов, камнерезы артистично раскрывают сказочную красоту камня, его природный рисунок, необыкновенные оттенки цвета, блеск, усиливая их прекрасной полировкой. Золоченая бронза в виде ручек, наверший лишь дополняет, подчеркивает форму. Проекты для камнерезных изделий, обелисков, ваз, в основе которых лежали античные формы, создавали Кваренги, Воронихин.

Расцвет русского прикладного искусства XVIII века был связан с творчеством архитекторов Казакова, Старова, Кваренги, Камерона, Воронихина и целого ряда обученных народных художников. Но его подлинную славу создали в большинстве своем оставшиеся безвестными крепостные мастера - мебельщики, резчики, ткачи, камнерезы, ювелиры, стеклоделы, керамисты.

История России конца XVII - первой четверти XVIII века неотделима от имени одного из крупнейших политических деятелей России - Петра I. Значи­тельные новшества вторгаются в это время не только в область культуры и ис­кусства, но и в промышленность - металлургию, кораблестроение и т. д. В начале XVIII века появляются первые механизмы и станки для обработки металла. Многое в этой области сделано русскими механиками Нартовым, Сурниным, Собакиным и др.

Одновременно закладываются основы государственной системы общего и спе­циального образования. В1725 году учреждается Академия наук, при которой открывается отделение художественных ремесел.

А. Нартов. Токарный станок. Петровская эпоха. XVIII в.

В XVIII веке формируются но­вые принципы архитектуры и градо­строительства Этот период отме­чен усилением в формообразовании изделий характерных черт западно­европейского барокко (Голландия, Англия).

В результате начинаний Пет­ра I из дворцового цар­ского и аристократического быта быстро исчезают изделия традицион­но русских форм, еще сохраняясь в жилищах массы сельского и городского населения, а также в церковном обиходе. Именно в первой четверти XVIII ве­ка намечается то существенное раз­личие в стилевом развитии, которое осталось надолго характерным для профессионального творчества и народных художественных промыслов. В по­следних непосредственно и органично разрабатываются вековые традиции рус­ского, украинского, эстонского и т. д. прикладного искусства.

Нормы дворянского быта требуют демонстрации богатства, утонченности и блеска в жизни владетельной особы. Формы старого быта, в том числе петровского (еще деловитого, строгого), к се­редине XVIII века окончательно вытесняются. Господствующие позиции в рус­ском искусстве занимает так называемый стиль рококо, логически завершавший тенденции позднего барокко. Парадные интерьеры этого времени, например не­которые помещения Петергофского и Царскосельского дворцов, почти сплошь декорируются вычурной резьбой.

Общие особенности рокайльной орнаментации (изогнутость линий, обильная и асимметричная компоновка стилизованных или близких к натуре цветов, листьев, раковин, глазков и т. п.) полностью воспроизводятся в русской архи­тектуре и мебели того времени, керамике, одежде, каретах, парадном оружии и т. д. Но развитие русского при­кладного искусства все же пошло по вполне самостоятельному пути. Несмотря на без­условное сходство форм собственных изделий с западноевропейскими нетрудно заметить различия между ними. Так, но сравнению с французскими, изделия русской мебели обладают гораздо более свободными формами и мягче по очертаниям, прорисовке. Мастера еще удерживали навыки народной резьбы, более крупной и обобщенной, чем на Западе. Не менее характерна полихромность русских изделий и сочетание позо­лоты с покраской, редко встречающееся во Франции, а в России принятое по­всеместно.

С 60-х годов XVIII века в русской архитектуре начинается переход к класси­цизму с его лаконичными и строгими формами, обращенными к античности и от­меченными большой сдержанностью и изяществом. Этот же процесс происходит и в прикладном искусстве.

В планировке, оборудовании и деко­ре городских особняков и дворцов (архи­текторы Кокоринов, Баженов, Кваренги, Старов и др.) появляется четкая симмет­ричность, пропорциональная ясность. Стены помещений (между окон или на­против их) скрываются зеркалами и пане­лями из шелкового штофа, декоративных хлопчатобумажных тканей, сукна.

.

Диван - стиль рококо. Россия (фрагмент). Середина XVIII в.

Кресло стиля классицизм. Рос­сия. Вторая половина XVIII в.

Полы набираются из дерева различных пород, а иногда обтягиваются холстом или сукном; потолки рас­писываются (например, техника гризайль, ими­тирующая рельефную лепку). Вместо наборного паркета применяются ело­вые дощатые «под воском» полы. Стены и потолки часто обиваются тканью или выклеиваются обоя­ми. Если в парадных помещениях устраиваются внушительных размеров мраморные камины, то в интимных покоях возводятся более традицион­ные печи на тумбах или ножках, облицованные изразцами. Столь же заметно различие светиль­ников: в залах - это ювелирно выполненные и доро­гостоящие люстры, канделябры, бра, в покоях - значительно более скромные подсвечники и лам­пы. Еще больше контраста в формах парадной и бытовой мебели. Все это говорит не столько о стремлении владельцев дворцов и особняков к экономии, сколько об учете ими предметной среды как важного фактора психологически уместной атмосферы.

Большинство мебельных и ряд других изделий в конце XVIII-первой по­ловине XIX века не были постоянно нужными; при отсутствии необходимости они либо убирались, либо переносились в неактивно используемые части поме­щений. Мебель для сидения обязательно зачехлялась. В этой же связи большое развитие получила трансформируемая мебель с рабочей плоскостью - чайные и карточные столики, складной обеденный стол, стол для рукоделия, система разновысоких, помещающихся друг под другом столов и др. Все это значи­тельно повышало комфортабельность быта, тонкую дифференциацию его функционального обеспечения и разнообразие облика помещений в различных житейских ситуациях. Одновременно особо выделялся ряд бытовых процессов, проходивших в теплое время года вне здания - на террасе и в парке. В ре­зультате получают распространение новые виды изделий - садово-парковая мебель, зонтичные тенты, парковые светильники и др. В XVIII веке при отдельных усадьбах организуются крепостные мастерские, выпускающие довольно крупные партии мебели, фарфора, паласов и других изделий.

В конце XVIII века в оборудовании крупных дворцов уже ощутимо сказы­вается отделение собственно проектирования изделий (мебели, светильников, часов, шпалер и др. утвари и предметов убранства) как особой области твор­ческой деятельности от их ремесленного изготовления. В роли проектировщиков выступают в основном архитекторы и профессиональные художники. В производстве изделий на массовый рынок используются машины и механические способы обработки материалов, превра­щая инженера в ведущую фигуру производства. Это ведет к искажению и потере исконно присущих изделиям народного потребления высоких эстети­ческих качеств, к отрыву промышленности от искусства. Эта тенденция явилась закономерной в условиях капиталистического разви­тия общества и одной из главных для всего XIX века.

В ходе интенсивного развития капиталистических отношений в России XIX века увеличиваются мощности промышленного производства. К середине XIX века уже остро ощущается необходимость в художественно профессиональных кад­рах разработчиков изделий и мастеров. Для их подготовки открываются спе­циализированные учебные заведения в Москве (графа Строганова) и Петер­бурге (барона Штиглица). Само их наименование - «училища технического рисования» - говорит о появлении художника нового типа. С 1860 года полу­чает развитие специальное ремесленное образование мастеров-исполнителей. Выпускается много книг по вопросам технологии обработки различных материалов: древесины, бронзы, железа, золота и др. Выходят торговые каталоги, заменившие ранее издававшийся журнал «Эконо­мический магазин». С середины XIX века формируются науки, связанные с во­просами гигиены труда и пользования предметами быта. Однако на протяжении всего XIX столетия вся массовая фабричная про­дукция в художественном отношении остается полностью подчиненной безраз­дельно господствующему представлению о красоте как декоративно-орнамен­тальной оформленности изделий. Следствием этого было привнесение в форму большей части изделий стилевых элементов классицизма: сложных профильных завершений, каннелированных колонок, розеток, гирлянд, орнаментики по ан­тичным мотивам и др. В ряде случаев эти элементы вводились в формы даже промышленного оборудования - станков.

В стилевом развитии прикладного искусства и бытовых изделий в XIX веке хронологически условно выделяются три основных периода: продолжения тен­денций классицизма в русле так называемого ампира (первая четверть века); поздний классицизм (примерно 1830-1860 годы) и эклектизм (после 1860-х годов).

Первая четверть XIX века ознаменовалась общим подъемом идейности и строительного размаха в русской архитектуре, что вызвало значительное оживление и в прикладном искусстве.

Кресло стиля ампир. Первая четверть Х1Х века.

Победа в войне 1812 года в определенной мере ускоряет и завершает процесс формирования русской на­циональной культуры, приобретающей обще­европейское значение. Деятельность наиболее известных зодчих - Воронихина, Кваренги, Казакова, тесно связанная с классицизмом предшествующей поры, приходится только на первое десятилетие века. На смену им выдви­гается плеяда таких замечательных мастеров, как Росси, Стасов, Григорьев, Бове, принес­ших в русское искусство новые идеи, иной стилевой дух.

Строгость и монументальность являются характерными особенностями архитектуры и форм различных предметов быта стиля ам­пир. В последних заметно изменяются декора­тивные мотивы, точнее, расширяется их типо­логия за счет использования декоративной сим­волики Древнего Египта и Рима - грифонов, сфинксов, фасций, военных атрибутов («тро­феев»), перевитых гирляндой венков, и др. По сравнению с образчиками раннего класси­цизма вообще возрастает количество декора, его «зрительный вес» в композиционном реше­нии изделий. Монументализация, порой, как бы огрубление форм, происходит из-за большей обобщенности и геометризованности классических орнаментальных мотивов - оканта, венков, лиры, доспехов и др., которые все более удаляются от своих реальных прообразов. Почти полностью исчезает живописная (сценки, пейза­жи, букеты) роспись предметов. Орнамент стремится к пятну, контурности, аппликативности. Изделия в своем большинстве, особенно мебель, становятся крупными, массивными, но разнообразными по общей конфигурации, силуэту. Тяжеловесность ампира в предметах мебели почти пропадает уже в 1830-х годах.

С середины XIX начинаются новые искания в области архитектуры, прикладного и промышленного творчества.

Зарождается общеевропейское художественное направление, получившее название «бидермейер», по имени буржуа одного из персонажей немецкого писателя Л. Эйхродта (произведение вышло в 1870-х годах) с его идеалом уюта, интима.

Утюг фабричного производства. Россия. Вторая половина X1X в.

Во второй половине XIX века происходит дальнейшее вытеснение ручного труда из производства ути­литарно-бытовых изделий. Веками складывавшиеся способы и приемы их художественного решения, прин­ципы формообразования вступают в противоречие с новыми экономи­ческими тенденциями массовости и рентабельности производства ве­щей на рынок. Реакция на изменяю­щуюся ситуацию двойственна. Одни мастера - их большинство, идут на компромиссы. Считая неруши­мым традиционный взгляд на все бытовые вещи как предмет декора­тивно-прикладного искусства, они начинают приноравливать орнамен­тальные мотивы классицизма к воз­можностям машины и серийных тех­нологий. Появляются «эффектив­ные» виды декора и отделки изделий. Еще в 1830-х годах в Англии Генри Куль выдвигает внешне реформаторский лозунг украшать фабричные изделия элементами «из мира форм изящных искусств». Многие промышленники охотно подхватывают лозунг, стремясь максимально использовать в своих интересах привязанность потребительской массы к внешне украшенным, орнаментально обогащенным формам предметов домашней обстановки.

Другие теоретики и практики прикладного искусства (Д. Рескин, У. Мор­рис), напротив, предлагают организовать бойкот промышленности. Их кредо - чистота традиций средневекового ремесла.

В странах Западной Европы и в России впервые привлекают к себе вни­мание теоретиков и профессиональных художников кустарные артели и мастера, в творчестве которых еще сохранялись глубокие народные традиции. В России нижегородские ярмарки 1870-1890-х годов демонстрируют жизнеспособность этих традиций в новых условиях. Многие профессиональные художники - В. Васнецов, М. Врубель, Е. Поленова, К. Коровин, Н. Рерих и др. - с энту­зиазмом обращаются к народным истокам декоративного искусства. В различ­ных областях и губерниях России, в таких городах, как Псков, Воронеж, Тамбов, Москва, Каменец-Подольск и др., возникают ремесленные предприятия, в основу деятельности которых положен ручной труд. Особенно большое зна­чение для возрождения творческих угасавших промыслов имела работа ма­стерских в Абрамцове под Москвой, в Талашкине под Смоленском, предприятие П. Ваулина под Петербургом, керамическая артель «Мурава» в Москве.

Самовар. XIX в.

Россия. Вторая половина

Промышленный насос. XIX в.

Однако изделия всех этих мастерских составляли столь незначительную часть в общем по­треблении, что не могли сколь-либо за­метно влиять на массовую продукцию, хотя и доказали правомерность сущест­вования наряду с массовым машинным производством вещей декоративного твор­чества, хранящего народные традиции. В дальнейшем это подтвердилось при вторжении машинной техники в такие области декоративно-прикладного ис­кусства, как ювелирное дело (бижуте­рия), ковроткачество, пошив одежды, что и привело к резкому падению их художе­ственного качества.

В формах основной массы выпускае­мых изделий второй половины XIX века ничто новое практически еще не получает развития. Однако новизна самой общей ситуации уже в это время способствует сложению внутренних предпосылок для новаторских исканий-осознанию сти­левых поисков как важной творческой потребности, как проявления художест­венной индивидуальности мастера. Если до сих пор стилевые направления (готи­ки, эпохи Ренессанса, барокко, класси­цизма и др.) рождались и получали рас­пространение, как правило, в результате общих, почти «глобальных», стихийно кристаллизовавшихся тенденций эстети­ческого освоения мира, то с середины XIX века стилевая оригинальность рас­ценивается как прямое творческое достижение отдельного художника, архитекто­ра. В связи с этим резко активизируется интерес к наследию искусства всех вре­мен и народов. Это богатейшее наследие становится источником подражаний, пря­мых заимствований или подвергается причудливой творческой переработке.

Стол с креслом стиля модерн. Конец XIX в.

В результате основная масса изделий являет собой необычайно пеструю карти­ну, в которой мелькают то явственные, то едва уловимые реминисценции антич­ности, романской эпохи, готики, итальян­ского или французского Возрождения, искусства Византии и Древней Руси, ба­рокко и т. д., зачастую эклектически смешиваясь в оформлении одного изделия, интерьера, здания. Поэтому данный пе­риод в истории архитектуры и прикладного искусства получил наименование эк­лектического. В народный быт все же начинают вне­дряться изделия (лампы, металлические ведра, коры­та, посуда, табуреты и др.) сравнительно дешевые, но выполненные без какой-либо художественной цели, часто в уродливых формах и пло­хого качества.

Поиски нового стиля ве­дутся с учетом реальной не­обходимости в условиях машинного производства, принципиально нового под­хода к формообразованию изделий, с одной стороны, и сохранения декоративистских традиций прошлого - с другой. Буржуазия, занявшая к концу XIX века прочные позиции в экономике России, стремилась к собственной ху­дожественной идеологии в архитектуре и дизайне - культу рационального, от­носительной свободе от архаизмов дворянской культуры, поощряя в искусстве все то, что могло поспорить со стилями прошлого. Таким в конце XIX века явился стиль модерн - «новое искусство» в Бельгии, Великобритании и США, «югендстиль» в Германии, «стиль Сецессионс» в Австрии, «свободный стиль» в Италии. Название его - «модерн» (от фр. moderne) означало «новый, совре­менный»- от лат. modo - «только что, недавно». В своем чистом виде, угасая и смешиваясь с другими стилевыми течениями, он продержался сравнительно недолго, примерно до 1920 года, т. е. около 20-25 лет, как почти все стилевые направления XVII-XX веков.

Модерн разнообразен в разных странах и в творчестве отдельных мастеров, что осложняет понимание решавшихся им задач. Однако характерным стало практически полное искоренение всех ранее при­менявшихся декоративно-орнаментальных мотивов и приемов, коренное их обновление. Традиционные карнизы, розетки, капители, каннелюры, пояски «набегающей волны» и т. д. заменяются стилизованными растениями местного произрастания (лилии, ирис, гвоздика и т. п.), женскими головками с длин­ными вьющимися волосами и др. Часто декорировка вообще отсутствует, а ху­дожественный эффект достигается за счет выразительности силуэта, членений формы, линий, как правило тонко прорисованных, как бы свободно текущих, пульсирующих. В формах изделий модерна почти всегда ощутима некоторая причудливая воля художника, напряжение туго натянутой струны, утрированность пропорций. В крайних проявлениях все это резко обострено, возведено в принцип. Порой проступает пренебрежение конструктивной логикой формы, почти бутафорское увлечение зрелищной стороной задачи, особенно в решении интерьеров, зачастую эффектно театрализуемых.

При всех слабых сторонах - вычурности, порой крикливости форм, возник новый подход к ре­шению здания, интерьера, обстановки с логичностью функцио­нального, конструктивного и технологического решения.

Подсвечник стиля модерн. Начало ХХ в.

Набор посуды. Конец Х1Х в.

Туалетный стол периода модерна. Начало XX в.

Модерн в подавляющей части своих образчиков не отказался от декорирования изделий, а только заменил старые декоративные моти­вы и приемы новыми. Уже в нача­ле XX века, в пору триумфов нового стиля, снова, сначала робко, затем широко возвращается мода на ста­рые стили, что имело известную связь с начавшейся подготовкой к празднованию столетнего юбилея Отечественной войны 1812 года. Вы­ставка «Современное искусство», устроенная в Петербурге в 1903 го­ду, ясно показала рождение «классицизирующего модерна».

Итоги модерна сложны. Это очищение прикладного искусства и от эклектики, и от «антимашинизма» поборников ручных ремесел, и от неудавшихся попыток реставра­ции стилей прошлого. Это и первые симптомы выхода архитектуры и прикладного искусства на путь функционализма и конструктивизма, на путь современного дизайна. Вместе с тем, скоро обнаружив тенденцию национали­зации стиля, модерн вызвал новую волну чисто декоративистских исканий. К прикладному искусству и оформлению интерьеров обращаются многие жи­вописцы (С. Малютин, В. Васнецов, А. Бенуа, С. Головин и др.), тяготея к красочности русской сказки, к «пряничности» и т. п. В перспективе после­дующего исторического процесса, решения актуальных проблем массового ин­дустриального производства подобные опыты не могли иметь серьезного идей­но-художественного значения, хотя и давали толчок развитию другой ветви прикладного искусства - художественным промыслам и в особенности театраль­но-декорационному искусству.

Модерн как бы расчистил и подготовил путь для утверждения в искусстве создания бытовых вещей новых эстетических и творческих принципов, ускорил появление новой художнической профессии - художественного проектирования (дизайна).

Оформление функционализма и конструктивизма в особые направления в ар­хитектуре и художественном проектировании западных стран произошло в конце 1910-х годов в связи со стабилизацией жизни и успехами экономики после пер­вой мировой войны. Но принципиальные основы новой современной архитектуры определялись в предвоенный период в творчестве таких архитекторов, как Т. Гарнье и О. Перре (Франция), X. Берлага (Голландия), А. Лоос (Австрия), П. Беренс (Германия), Ф. Райт (США), И. Шехтель, И. Рерберг (Россия) и др. Каждый из них по-своему преодолевал воздействие модерна и боролся.

В 1918 г. при отделе ИЗО Наркомпроса образуются спецотделы по вопросам архитектуры и художественной промышленности. Серьезное внимание уделяется вопросам подготовки специалистов. В 1920 г. В.И.Ленин подписал декрет о создании Высших государственных художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС). Выпускниками создавались новые образцы тканей, мебели, посуды и др.

Обучение в мастерских (в 1927 году преобразованы во ВХУТЕИН Все­союзный художественно-технический институт), велось по факультетам: архитектурному, керамическому, текстильному и др. На фа­культете обработки дерева и металла под руководством А. Родченко, Д. Лисицкого, В. Татлина и других мастеров шли поиски новых форм и конструк­ций разнообразных предметов. Вся деятельность ВХУТЕМАСа была нацелена на формирование у учащихся навыков комплексного подхода к проектированию предметной среды быта и производства.

В 1920-е годы сложилось течение «производственного искусства», разви­вавшее принципы функционализма и конструктивизма, стремившееся утвердить в сознании художников эстетический идеал рационально организованного материального производства. Любые прежние формы искусства объявлялись «производственниками» буржуазными, неприемлемыми для пролетариата. Отсюда отрицание ими не только «практически бесполезного» изобразительного ис­кусства, но и всего чисто декоративного творчества, например ювелирного.В 20-е годы в нашей стране еще не созрели и технико-экономические условия для реализации их идей.

ВХУТЕМАС и «производственники» 1920-х годов идейно-эстетически были тесно связаны с «Баухаузом» и в ряде важных моментов представляли с ним, по существу, единое течение в художественном проектировании того времени. В рамках этого нового движения формировалась эстетика современного дизай­на, преодолевавшая противоречия в прикладном искусстве предшествующего периода. Практическая художественная деятельность основоположников дизай­на была развитием также арсенала художественно-выразительных средств ис­кусства создания вещей. В их произведениях (мебели, светильниках, посуде, тканях и т. д.) самое пристальное внимание обращалось на такие свойства материалов и формы, как фактура, цвет, пластическая выразительность, ритми­ческий строй, силуэт и др., которые приобрели решающее значение в компо­зиции изделий, не входя в противоречие с требованиями конструктивной логики и технологичности формы. Другое направление, успешно развивавшееся в нашей стране в 20-е годы, инженерное проектирование. В 1925 году в Москве по проекту выдающегося инженера В. Шухова воз­водится знаменитая радиобашня, ажурный силуэт которой надолго стал симво­лом советского радио. Годом раньше Я. Гаккель создает на основе последних достижений техники первый советский тепловоз, форма которого даже сегодня выглядит достаточно современ­ной. В 20-е годы осознается потребность в научных иссле­дованиях закономерностей дея­тельности человека в искусст­венно создаваемом им самим предметном окружении. Орга­низуется Центральный инсти­тут труда, в его стенах ведутся исследования по вопросам на­учной организации труда, куль­туры производства. Внимание ученых и конструкторов при­влекают вопросы биомеханики, органолептики и др. Среди при­мечательных работ тех лет - проект рабочего места води­теля трамвая (Н.Бернштейн).

Я. Гаккель. Тепловоз. Начало 1930-х гг

Отражение переломного характера петровской эпохи в декоративно-прикладном искусстве. Западноевропейские художественные влияния (Голландия, Англия, Франция, Италия). Процессы сложения сословного строя и упрочения светской культуры и их влияние на развитие декоративно-прикладного искусства. Многослойность декоративно-прикладного искусства, неравномерность развития его отдельных сфер. Сохранение и развитие традиционных направлений (провинциальная и народная культура, церковное искусство).

Совершенствование техники ремесленного и мануфактурного производства. Зарождение художественной промышленности (изготовление шпалер, художественного стекла, фаянса, гранение камня, производство шелка и сукна). Мануфактурное производство модных вещей, предметов роскоши. Открытие и разработка месторождений меди, олова, серебра, цветного камня, высококачественных глин.

Роль Академии наук в "процветании вольных художеств и мануфактур", отражение новых естественнонаучных и технических интересов в декоративно-прикладном искусстве. Новые формы обучения и подготовки мастеров на художественных мануфактурах. Закрытие мастерских Оружейной палаты. Пенсионерство и его роль в развитии отдельных видов декоративно-прикладного искусства. Возникновение цеховых организаций ремесленников в России. Работа иностранных мастеров в разных областях декоративно-прикладного искусства.

Художественный стиль в декоративно-прикладном искусстве. Мода, ее воздействие на смену вкусов, изменение предметной среды. Появление новых типов предметов, обновление эстетических представлений в декоративно-прикладном искусстве. Тенденции синтеза искусств. Роль архитектуры, монументального искусства, графики и иллюстрированных изданий в развитии декоративно-прикладного искусства. Декоративные тенденции барочной культуры в оформлении празднеств, комплексах триумфальных ворот, садово-парковом искусстве.

Искусство оформления интерьера как особый вид художественной деятельности в творчестве архитекторов первой четверти XVIII века. Первые интерьерные работы и основные стилевые тенденции (барокко, рококо, классицизм). Новые типы помещений (кабинеты, парадные спальни, гостиные, «токарни», «картинные залы») и их предметное наполнение (Летний дворец, дворец А.Д.Меншикова, Большой Петергофский дворец, Монплезир). Работы французских мастеров. «Шинуазери» в интерьерах петровской эпохи.

Ансамблевое решение предметной среды. Возникновение проектной деятельности в области материальной культуры и декоративно-прикладного искусства.

Развитие мебельного дела. Новые типы и формы мебели, материалы и способы украшения. Влияние английской и голландской мебели. Барокко и рококо в мебели.

Резьба по дереву, ее роль в интерьере. Резные рельефы. Иконостас Петропавловского собора. Корабельная резьба и каретное дело.

Серебряное дело. Сохранение традиций XVII в. Создание цехов золотых и серебряных дел мастеров. Ювелирное искусство. Портретная миниатюра на эмали. Орденские знаки и «жалованные» персоны. Первые мастера живописной миниатюры – Григорий Мусикийский и Андрей Овсов.

Керамика и фаянс петровской эпохи. Голландские изразцы в интерьере. Расширение импорта фаянсовых изделий из Англии и Голландии. Первая частная мануфактура А. Гребенщикова в Москве, появление отечественного тонкого фаянса.

Увеличение потребления стекла, основание стекольных заводов в Ямбурге и Жабино под Петербургом. Зеркала и осветительные приборы. Формирование стиля парадной дворцовой посуды с матовой гравировкой. Первая частная стекольная и хрустальная фабрика Мальцова в Можайском уезде.

Резьба по камню и гранение драгоценного камня. Основание первых гранильных фабрики в Петергофе и в Екатеринбурге. Резьба по кости. Основные техники резьбы, стилистические приемы. Традиции Холмогор. Появление токарных станков, изменение форм изделий. Петровская токарня и А. Нартов. Влияние гравюры и иллюстрированной книги на резьбу по кости. Основание Тульского оружейного завода, развитие искусства художественной обработки стали в декоративных изделиях.

Типология костюма. Смена средневекового платья на костюм европейского образца. Установление Петром правил ношения и типов дворянского платья. Введение уставной одежды и униформы для армии и флота, для чиновников. Появление новых мануфактур в связи с изменениями в костюме. Замена восточных тканей на западноевропейские. Образцы мужского костюма из гардероба Петра I.

Основание Петербургской шпалерной мануфактуры. Обучение русских мастеров.

Декоративно-прикладное искусство эпохи Анны Иоанновны. Художественное серебро. Основание казенного стекольного завода на Фонтанке в Петербурге. Деятельность шпалерной мануфактуры. Стиль шпалер и применение в интерьере. Л.Каравак и его проекты в области декоративного искусства.

Оживление в художественной культуре в царствование Елизаветы Петровны. Преобладание французских влияний. Барокко и рококо в русском искусстве. Рококо в интерьере, костюме, ювелирном искусстве, садово-парковом искусстве. Синтез архитектуры и декоративно-прикладного искусства в интерьерах барокко и рококо. Работы В.В.Растрелли и А.Ринальди в области интерьера. Декоративные материалы и приемы отделки интерьеров. Типы мебели барокко и рококо. Ткани в интерьере. Осветительные приборы. Ансамбль в различных видах декоративно-прикладного искусства середины и второй половины века.

Серебряное дело. Утверждение стилистики барокко. Монументально-декоративные произведения. Большие парадные сервизы. Изменение форм предметов, новые типы посуды для новых продуктов. Ювелирное искусство. Деятельность придворных мастеров. Стиль рококо в ювелирном искусстве. Типы женских украшений. Цветной камень в ювелирном искусстве.

Костюм, его образ, тип кроя, материалы, аксессуары, характер отделки. Влияние французской моды. Барокко и рококо в женском и мужском костюме.

Изобретение отечественного фарфора. Основание фарфоровой мануфактуры в Петербурге. Деятельность Д.И.Виноградова и «виноградовский» период развития русского фарфора. Первые дворцовые сервизы, вазы, мелкая пластика. Создание казенного фаянсового завода в Петербурге.

Гравированное стекло елизаветинской эпохи. Деятельность Петербургского казенного стекольного завода и завода на р. Назье. Барокко и рококо в художественном стекле. Стекло в убранстве дворцовых интерьеров В.В.Растрелли. Частные заводы Немчиновых и Мальцовых. Опыты М.В.Ломоносова в области цветного стекла, начало его производства на Усть-Рудицкой фабрике.

Резьба по кости. Стилистика рококо, творчество резчика Осипа Дудина.

Декоративно-прикладное искусство второй половины XVIII в.

Классицизм в декоративно-прикладном искусстве 1760–1790 гг. Соединение стилистики рококо с античными мотивами. Роль архитекторов в декоративно-прикладном искусстве эпохи классицизма. Обучение мастеров декоративно-прикладного искусства в Академии художеств.

Интерьер раннего классицизма. Материалы и формы, колорит, скульптурное убранство, удешевление декоративной отделки. Интерьерные работы Ч. Камерона. Круг декоративных приемов, новые материалы, образ помещений и ансамбль. Интерьеры В. Бренны.

Мебель классицизма, характер, формы, влияния. Античные прототипы. Новые виды мебели. Участие архитекторов в развитии мебельного искусства в России (Бренна, Львов, Камерон, Воронихин). Мебель Д. Рентгена в России. Мастерская Г. Гамбса и И.Отта. Стиль «жакоб» в русской мебели. Смена материалов в мебельном искусстве (красное дерево, золоченое дерево, тополь, карельская береза). Ткань и вышивка в мебели.

Мастерская Споля в Москве. Резной декор в интерьерах М. Казакова. Резная мебель Останкинского дворца. Расцвет техники набора в русской мебели второй половины века, способы исполнения и материалы. Мебельное производство на Охте в Петербурге. Папье-маше как материал мебели и декоративного искусства.

Русская и французская художественная бронза. Основные виды изделий и декоративные техники. Бронза и стекло в осветительных приборах. Бронза в отделке каменных и фарфоровых ваз и мебели. Деятельность Литейного дома. Иностранные мастера-бронзовщики в Петербурге (П.Ажи, И.Цех и др.).

Костюм. Изменение типов и силуэта одежды в 1770-1780-е годы. Введение форменного дворянского платья. Парадное придворное платье, использование стилизованных национальных форм. «Греческий стиль» 1790-х годов в костюме и прическах. Коренное изменение конструкции костюма. Мода на платки, шарфы, накидки, мантильи, шали.

Ювелирное искусство. Деятельность И.Позье, Дюбюлона, Ж.Адора, И.Г. Шарфа, И.В.Буха, братьев Дюваль. Большая императорская корона. Придворная алмазная мастерская. Художественное серебро. Влияние французского серебра стиля Людовика XVI. Искусство черни по серебру. Возрастание роли северных ювелирных центров – Вологды, Великого Устюга. Фабрика черневых и финифтяных изделий братьев Поповых в Великом Устюге. Эмаль с серебряными накладками.

Фарфор, техники изготовления и декорирования. Императорский фарфоровый завод. Ранний классицизм в формах и декоре изделий. Влияние европейского фарфора и фаянса. Деятельность Ж.-Д. Рашетта. Контакты ИФЗ с Академией художеств. Декоративные вазы и дворцовые сервизы в интерьере эпохи классицизма. Большие парадные сервизы, их состав, характер оформления. Поиски целесообразных форм предметов и приемов декорирования изделий. Фарфоровая пластика (серии фигур "Народы России", "Торговцы и разносчики"). Жанровый рисунок и гравюра в фарфоровой скульптуре и росписи по фарфору. Изделия из бисквита. «Павловский» фарфор конца 1790-х годов.

Фабрика Ф.Гарднера в Вербилках. Орденские сервизы.

Художественное стекло. Завод Г.Потемкина в Озерках. Цветное стекло и хрусталь. Стекло в интерьерах Ч. Камерона. Императорский стеклянный завод в 1790-е годы. Связь изделий императорских фарфорового и стеклянного заводов. Завод Бахметева в Пензенской губернии. Расцвет живописи по стеклу в 1780-90-х годах. Готические мотивы в художественном стекле.

Деятельность шпалерной мануфактуры. Связь шпалер с общим направлением в русской живописи (историческая тема, аллегория, портрет в шпалере). Переход от рококо к классицизму. Шпалеры в оформлении интерьера.

Резьба по камню. Роль Ч.Камерона в развитии культуры цветного камня и его применения в интерьере. Новые приемы использования камня, «русская мозаика». Деятельность Петергофской гранильной фабрики. Открытие новых месторождений цветного камня на Урале и на Алтае. Екатеринбургская фабрика и Колыванский завод. Изобретение машин для обработки камня. Вазы по рисункам А. Воронихина и Д. Кваренги.

Расцвет тульской стали (мебель и декоративные изделия). Дворянские и купеческие фабрики. Фабрика лаковой миниатюры П.И. Коробова. Возникновение промыслов при художественных мануфактурах. Развитие художественных промыслов во второй половине XVIII века: хохломская роспись, кружевоплетение, узорное ткачество, ковроткачество, художественный металл и др.

Обновленная экспозиция

«Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века»

В рамках празднования 35-летия во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства открылась обновленная постоянная экспозиция «Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века».

«Петр Великий бросил вызов России, а она ответила ему Пушкиным», - крылатая фраза А.Н. Герцена точнее всего определяет смысл и границы эпохи, которой посвящена экспозиция этих залов. Представленные здесь предметы - живые вехи, обозначившие становление и расцвет отечественной культуры в лоне европейской культурной традиции Нового времени. В них запечатлены перемены жизненного уклада и художественных ориентиров, трансформация старых и появление новых предметных форм, техник и даже видов декоративно-прикладного искусства.

В основу дизайна новой экспозиции заложен принцип демонстрации экспонатов как уникальных художественных объектов, которые объединены в тематические, стилистические и типологические блоки. Такое решение позволяет оценить значение каждого предмета с точки зрения времени, стиля, развития отдельного вида декоративно-прикладного искусства, и акцентирует внимание на его художественной самоценности.

Сценарий осмотра строится исходя из пространственного решения экспозиции, не только содержательно (по типологии, тематике, стилистике и хронологии), но и визуально - от Петровского времени до бидермайера.

Центральные темы новой экспозиции: «Эпоха перемен: рубеж XVII -XVIII веков», к которой примыкают так называемые «примитивы XVIII века», перелагавшие реалии нового времени в формах традиционного искусства; «Классика русского XVIII века», представляющая эпоху от Петра до Павла в высоких образцах придворного искусства, а также «Русский ампир» и «В комнатах», демонстрирующие две грани русской культуры первой трети XIX века - блестящий имперский стиль и становление культуры частной жизни, соотносимой с феноменом немецкого бидермайера. В тоже время экспозиция позволяет рассмотреть произведения и в привычном ряду - по видам искусства, выделяя мебель, художественный металл, стекло, фарфор, керамику, камнерезное искусство, кость и бисер.

Особого внимания заслуживают такие уникальные церковные предметы, как Крест-мощевик и Панагия, которые датируются XVII веком. Они выполнены в дорогостоящей на тот момент технике - эмаль по скани. В числе наиболее ранних экспонатов - сундуки с металлической оковкой и декоративной отделкой, чернильницы, уральская латунная посуда XVII - начала XVIII века. Ярким образцом парадной представительской металлической посуды для сервировки стола являются латунные кружки завода Демидовых на Урале.

Предметы сервировки стола и подносные вещи выполнялись тогда в разных техниках. Например, два стеклянных, темно-синих кубка с вензелями «EML» и «WGS», производства Императорского стеклянного завода, являются редким примером расписных изделий конца XVIII - начала XIX века. Латинские вензели на кубках принадлежат шведскому посланнику в России в 1793 году Вернеру Готтлобу фон Швениру - «WGS» - и его матери Эббе Марии Лагербринг - «EML». Кубки хранились два с лишним столетия в замке Скархульт, Сконе (Швеция), являясь фамильным достоянием.

В экспозиции можно ознакомиться с уникальными образцами русской дворцовой мебели XVIII-XIX веков, среди которых особый интерес представляют шахматный и ломберный столики в технике маркетри. Среди экспонатов мебели, характерной для первой половины XIX века, обращают внимание две редких по качеству горки в стиле «жакоб». Тому же времени принадлежат и два кресла, выполненные по проекту Осипа Ивановича Бове. Интерес представляют и каминные часы «Минин и Пожарский» изготовленные парижским бронзовщиком Пьером-Филиппом Томиром и, воспроизводящие в интерьерном формате, знаменитый памятник Ивана Мартоса, стоящий на Красной площади.

Особое место в экспозиции занимает шпалера «Спасение рыбаков», которая выполнена во Фландрии в неизвестной мастерской во второй половине XVII - начала XVIII веков. Она поступила в ВМДПНИ в 1999 году с коллекцией Музея народного искусства им. С.Т. Морозова. Сюжет шпалеры заимствован из библии: в центре композиции изображается одно из чудес - «Хождение по водам». Шпалера отреставрирована в несколько этапов - она была частично восстановлена специалистами Музея народного искусства им. С.Т. Морозова, и, уже в 2014 полную реставрацию завершили специалисты-реставраторы Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства. Таким образом, шпалера обрела новую жизнь и впервые будет представлена на экспозиции.

В соответствующих тематических разделах представлены осветительные приборы из стекла и хрусталя, интерьерные изделия из фарфора и бронзы конца XVIII-XIX веков. Каждый экспонат является эталонным образцом того или иного стиля, запечатлевает дух своего времени и представляет возможности художественного и технического мастерства.

Подобное пространственное решение экспозиции позволяет музею наиболее эффективно и интересно организовать экскурсии и специальные программы. К наиболее интересным и значимым экспонатам будут представлены расширенные аннотации, а также сопровождение QR-кодами, благодаря которым, посетители смогут получить более подробную информацию. Экспозиция оснащается современной системой светового оборудования. Благодаря высокой интерактивности, новая экспозиция обещает быть более живой и интересной, а так же способствовать творческому диалогу с посетителями, особенно с детской и юношеской аудиторией.

Экспозиция расположена на втором этаже Южного корпуса историко-архитектурного комплекса XVIII-XIX вв. «Конный двор». Она знакомит посетителей музея с широким кругом экспонатов, представляющих традиционные художественные промыслы и производства России. Это произведения всемирно известных центров обработки дерева и кости, лаковой живописи на папье-маше и металле, ведущих промыслов глиняной игрушки, а также выполненные русскими мастерами набивные и золотошвейные платки, изделия из стекла, фарфора, фаянса.

Эти центры сосредоточены в Московской, Владимирской, Вологодской, Ивановской, Нижегородской и др. областях. Начало собрания было положено в 1920–е годы, когда немногочисленные произведения народных мастеров, находившиеся среди национализированных сокровищ Троице-Сергиевской Лавры, были дополнены экспонатами Музея местного края и музея «Оптина пустынь». В 1941 г. в Сергиево-Посадский (в то время Загорский) музей была передана обширная коллекция Музея народных художественных ремесел (МНХР). Она насчитывала около сорока тысяч экспонатов, включала целый ряд уникальных произведений народных промыслов и работы экспериментального характера, выполненные мастерами разных художественных центров в мастерских, созданных при МНХР. Начиная с 1950-х годов, в музее приступили к целенаправленному, систематическому комплектованию собрания русского традиционного декоративно-прикладного искусства, и эта работа стала одним из приоритетных направлений его деятельности.

Значительное место в экспозиционных залах отведено произведениям народных мастеров и художников сергиево-посадского края. Особую известность городу принесли игрушки. Их делали из дерева – резные, токарные, столярные; из папье-маше и мастики – с движением и звуком. В музее экспонируются вырезанные из трехгранной чурки и раскрашенные куклы – барыни, гусары, кормилицы, знаменитые матрешки, популярные во второй половине XIX – начале ХХ в. наборные архитектурные игрушки, в их числе «Троице-Сергиева лавра».

С сергиевопосадским игрушечным промыслом неразрывно связано производство игрушек в с. Богородское. Музейная коллекция богородской резной пластики включает игрушки, скульптуры, скульптурные композиции и насчитывает около четырех тысяч экспонатов. Большой интерес представляют произведения XIX в.: «Генерал Скобелев на коне» - П.Ф. Барденкова, «Поводырь с медведем» - Д.И. Пучкова; занимательные многофигурные композиции на темы русских народных сказок и новой советской действительности, выполненные в 30-е годы ХХ в. (работы А.Ф. Балаева, Н.Е. Ерошкина, В.Т. Полинова, А.Г. Шишкина).

В музее широко представлена коллекция работ конца XIX – начала. ХХ в. учебной игрушечной и художественно-столярных мастерских Сергиева Посада и Абрамцева. Это шкатулки, ларцы, предметы мебели, изготовленные по образцам, разработанным известными художниками С.В. Малютиным, Е.Д. Поленовой, Ап. М. Васнецовым, Н.Д. Бартрамом, Вл.И. Соколовым и другими. Работа абрамцевской мастерской, которой руководила Е.Д. Поленова, оказала непосредственное влияние на становление и развитие промысла абрамцевско-кудринской резьбы по дереву с характерным для нее плоскорельефным растительным узором. Одним из основоположников промысла был В.П. Ворносков. В музее хранится несколько произведений мастера, в их числе декоративные блюда начала ХХ в., портал «Погранохрана» 1937 г.

Наряду с деревообрабатывающими промыслами, повсеместное распространение в России имели гончарные, обычно рядом с посудой лепили игрушки. Это искусство своими корнями уходит в язычество, когда небольшие фигурки из глины, участвуя в магических обрядах, исполняли роль своеобразных культовых предметов. В музее представлены коллекции каргопольской (Архангельская область), филимоновской (Тульская обл.), абашевской (Пензенская обл.), скопинской (Рязанская обл.) игрушек. Большой интерес представляет дымковская игрушка (Кировская обл.) конца XIX – начала ХХ вв. Это работы неизвестных авторов и А.А. Мезриной: кормилицы, кавалеры, танцующие пары и т.д. Ценную часть дымковской коллекции составляют работы 1930-х гг. Среди произведений второй половины ХХ в. своей занимательностью выделяется многофигурная композиция «Свадьба», выполненная группой дымковских мастериц во главе с Е.И. Косс-Деньшиной.

Дерево было одним из самых популярных материалов в России, и промыслы по его художественной обработке существовали в разных регионах. Наряду с сергиевопосадскими, в музее наиболее полно представлены промыслы Нижегородской области – Хохлома и Городец. Легкие деревянные хохломские чаши, братины, солоницы, расписанные ярким растительным узором и напоминающие драгоценные золотые сосуды были широко известны уже в ХIХ в. Их производством традиционно занимались крестьяне ряда сел и деревень, расположенных на территории современного Ковернинского района Нижегородской области. Среди экспонатов музейной коллекции – образцы крестьянской посуды XIX в. и мебель 1930 –х годов с непривычной для «хохломы» росписью по белым и серебристым фонам.

Городецкий промысел начал формироваться в конце XVIII в., когда крестьяне ряда небольших деревень, расположенных неподалеку от крупного торгового села Городца, начали делать на продажу донца для прялок. На них женщины сидели во время работы, укрепив в специальном отверстии высокий гребень с льняной или шерстяной куделью. Тем не менее, донце старались сделать красивым: оно было предметом гордости хозяйки, его ценили и берегли, а после работы размещали на стене как украшение дома. В декорации донец использовали очень редкий в русском народном искусстве прием инкрустации кусочками темного мореного дуба. К 1870–м годам от резьбы с инкрустацией перешли к росписи, быстрыми живописными мазками изображали пышные «розаны», всадников, сцены чаепитий и гуляний. К 1920-м годам необходимость в донцах отпала, и свои живописные навыки городецкие мастера стали широко использовать в украшении других предметов: коробочек, ларцов, декоративных панно, игрушек.

Городецкая коллекция музея не только позволяет проследить основные этапы развития этого центра с конца XVIII до конца XX вв., но и дает представление о творчество практически всех мастеров, оставивших заметный след в его истории. Коллекция включает произведения, признанные «классическими» образцами городецкого искусства: донца А.В. и Л.В. Мельниковых, Г.Л. Полякова, В.К.Смирнова, панно И.К. Мазина, ширма И.К.Лебедева и Д.И. Крюкова и др.
Мировой известностью пользуются русские художественные лаки. Музейное собрание позволяет отразить их историю и знакомит со всеми крупными центрами лаковой живописи. В музее экспонируются расписные металлические подносы Нижнего Тагила и Жостова (Московская обл.), «лаковые» изделия из папье–маше XIX - ХХ вв. подмосковного с. Федоскино, а также центров Ивановской и Владимирской областей: Палеха, Холуя и Мстеры, где искусство лаковой миниатюры получило развитие лишь в советское время и основывалось на сложившихся традициях иконописи. С 1830-х годов в мастерской О.Ф. Вишнякова, расположенной в д. Жостово, наряду с изделиями из папье-маше, приступили к изготовлению подносов из металла. Постепенно промысел приобрел самостоятельное значение. В украшении подносов предпочтение стали отдавать цветочным композициям, написанным сочными живописными мазками.

Особой ценностью обладает коллекция палехской лаковой миниатюры 1920-1930 гг., включающая произведения очень высокого художественного уровня. Среди них работы художников, входивших в образованную в 1924 г. «Палехскую артель древней живописи»: А.В. Котухина, И.В. Маркичева, И.М. Баканова, И.П. Вакурова, И.И. Зубкова и др., в том числе и виртуозные по исполнению работы родоначальника лаковой живописи в Палехе И.И. Голикова.

История подмосковных центров (с. Федоскино и п. Жостово) уходит корнями в конец XVIII в., когда купцом П.И. Коробовым было организовано предприятие по изготовлению лаковых изделий из папье-маше в с. Данилкове, расположенном недалеко от с. Федоскино. Вскоре промысел распространился по всей округе. В музейном собрании представлены работы фабрики Лукутиных (преемников П.И. Коробова) и небольших крестьянских предприятий селений Осташково, Жостово, Сорокино и других, расположенных в Троицкой волости Московского уезда. Самые ранние произведения коллекции относятся к середине XIX века. Продукция этих мастерских стилистически однородна: коробочки, ларцы, портсигары, кошельки, табакерки из папье-маше украшены живописными, реалистически трактованными миниатюрами с ярко выраженной национальной тематикой. Традиционные изображения «троек», «чаепитий», сцен из крестьянской жизни, как правило, являются свободными копиями станковых живописных и графических работ русских художников.
Заметное место в экспозиции отводится коллекции русских платков и шалей. Это расшитые «золотными» нитями платки и другие изделия тверских и нижегородских мастериц и нарядные набивные шали ведущих московских и подмосковных предприятий XIX – начала ХХ в. Крупнейшим, а в настоящее время и единственным в России, производителем шерстяных набивных платков и шалей является подмосковный Павловский Посад, где их выпуск был освоен в начале 1860-х годов на фабрике, принадлежавшей купцам Я.И. Лабзину и В.И. Грязнову. Производство шалей было почти полностью ручным. Узоры на ткань наносили при помощи резных деревянных досок, «цветок» и «манер». Любимым мотивом рисунков павловских шалей также, как и жостовских подносов, стали изображения цветов. Среди экспонатов музея павловопосадские шали разного времени. Это платки легендарного рисовальщика XIX в. С.В. Постигова «Подкова» и «Разводная» и произведения наших современниц Е.П. Регуновой, К.С. Зиновьевой, И.П. Дадоновой и др.

Художественные промыслы - значимая часть национальной культуры России. Представленные в музее произведения свидетельствуют о большой одаренности русских мастеров, тонком художественном вкусе и самобытности их таланта.

Очень привлекательным и разнообразным по своим декоративным качествам и техническим возможностям материалом для русских мастеров является кость. Уже в XVII в. традиции косторезного искусства начали развиваться в районе посада Холмогоры Архангельской губернии. Холмогорские мастера наряду с цевкой (обычной животной костью) использовали кость моржа, реже мамонта, изделия из которых особенно ценились. Самым ходовым товаром были гребни, коробочки, ларцы и шкатулки, украшенные тончайшими растительными узорами, изображениями животных и птиц, выполненными ажурной резьбой и гравировкой. Во второй половине XIX – начале ХХ в. резьбой по кости занимались в Троице-Сергиевом монастыре и Сергиевом Посаде, о чем свидетельствуют представленная в экспозиции подписная икона «Троица» 1869 г., выполненная Иваном Ильиным (монах Иона), и небольшая икона из слоновой кости с изображением Сергия Радонежского работы местного мастера И.С. Хрустачева.

Сложившиеся здесь традиции миниатюрной резьбы по кости и дереву оказали влияние на становление во второй половине 40-х годов прошлого века косторезного промысла в расположенном недалеко от Сергиева Посада городе Хотьково. Своеобразие этого центра проявилось в применении различных техник обработки кости, сочетании кости с деревом, широком использовании цевки. Эти черты нашли особенно яркое воплощение в работах 1950-х годов, в частности, в шкатулке В.Е. Логинова «Мичурин», костяные вставки которой виртуозно выполнены в оригинальной технике многопланового рельефа. Музейная экспозиция также дает возможность познакомиться с произведениями традиционных промыслов художественной обработки кости, которые сложились на востоке России: Тюмени (г. Тобольск), Якутии, Чукотке. Самобытность каждого из них основывается на этнических и художественных традициях местного населения.

За годы существования музея собрана богатейшая коллекция русского стекла и фарфора. Эти виды прикладного искусства получили бурное развитие в России в XVIII-XIX веках. В залах музея можно увидеть разнообразные по назначению, форме, технике исполнения и стилевой принадлежности изделия заводов того времени: императорских фарфорового и стеклодельного в Петербурге, частных фарфоровых заводов Гарднера, Попова, Кузнецовых, Корнилова, стеклодельных – Мальцовых, Бахметьевых и др. Среди экспонатов редчайшие образцы русского стекла и керамики, какими, например, являются стеклянные гравированные кубки XVIII в. или майоликовые изделия, выполненные на одном из первых керамических заводов России, открытом в 1724 г. в Москве купцом А.К. Гребенщиковым. В музее хранится замечательная коллекция фарфоровой пластики, включающая разнообразные жанровые скульптуры и целую серию – «Народы России», которая в XIX в. неоднократно возобновлялась на подмосковных заводах Гарднера и Кузнецова.
Коллекция стекла и фарфора советского и постсоветского периода представлена, главным образом, произведениями 1960-1980 годов, выполненными ведущими мастерами и художниками крупнейших заводов России. В истории отечественного фарфора лидирующее положение всегда занимали Ленинградский фарфоровый завод имени М.В. Ломоносова (бывший Императорский) и два подмосковных завода: Дмитровский фарфоровый завод (бывший Гарднера) и Дулевский фарфоровый завод имени газеты «Правда» (бывший Кузнецовский). Эти предприятия являют собой две самобытные и яркие школы, обладающие своим стилем, высокой культурой работы с материалом и богатейшими традициями. Различие двух школ фарфора в том, что они наследовали разные исторические пласты русской культуры: московская ориентировалась на народную традицию, ленинградская – на идущее в русле общеевропейского развития высокопрофессиональное искусство XVIII – XIX веков.

В музейном собрании есть отличающиеся тонким художественным вкусом и классическим чувством меры, изысканные и торжественные произведения художников Петербурга (Ленинграда): А.В. Воробьевского, А.А. Яцкевич, В.М. Городецкого, Н.П. Славиной, И.С. Олевской; созвучные по форме и росписи народному пониманию прекрасного, яркие, жизнеутверждающие произведения художников Подмосковья: П.В. Леонова. В.К. Яснецова, Н.Н. Роповой и др. В экспозиции можно также познакомиться с коллекцией стекла и хрусталя второй половины ХХ в. Посудные формы, декоративные вазы и комплекты, объемно-пространственные композиции, стеклянная пластика выполнены с использованием самых разных техник и технологий ведущими художниками старейших стеклодельных заводов России. Это завод в городе Гусь-Хрустальный Владимирской области (Е.И. Рогов, С.П. Верин, В.В. Корнеев, В.А. Филатов, В.С. Муратов); стекольный завод «Красный Май» в Вышневолоцком районе Тверской области (А.М. Силко, С.М. Бескинская); Дятьковский хрустальный завод (М.В. Грабарь, В.В. Сойвер, В.Я. Шевченко) .

Гордостью музейного собрания является довольно значительная коллекция Ленинградского завода художественного стекла, с деятельностью которого связано творчество таких мастеров прикладного искусства как Л.О. Юрген, А.А. Аствацатурян, А.М. Остроумов, Е.В. Яновская, Х.М. Пыльд, Б.А. Еремин, Ю.М. Бяков. Большая часть произведений из стекла и фарфора – уникальные образцы, созданные для крупнейших международных или всероссийских выставок. Таким образом, по своему многообразию, полноте представления отдельных центров, высокому художественному уровню входящих в него работ музейное собрание русского традиционного декоративно-прикладного искусства может быть отнесено к одному из лучших в стране. Составляющие его произведения свидетельствуют о большой одаренности русских мастеров, тонком художественном вкусе и самобытности их таланта.