العصور الوسطى هي أطول حقبة ثقافية في تاريخ أوروبا الغربية. ويغطي تسعة قرون - مع السادس إلى القرن الرابع عشر. لقد حان وقت هيمنة الكنيسة الكاثوليكية، والتي كانت من الخطوات الأولى كانت راعية الفنون. كانت كلمة الكنيسة (الصلاة) في بلدان مختلفة من أوروبا وفي مختلف الطبقات الاجتماعية مرتبطا بشكل لا ينفصم بالموسيقى: Psalms، التراتيل، تم بداها Chorales - مركزة، ألحان منفصلة، \u200b\u200bبعيدة من الصخب اليومي.

أيضا، حسب ترتيب الكنيسة، تم إنشاء معابد مهيبة، وزانتها بالمنحوتات والنوافذ الزجاجية الملونة الملونة؛ بفضل رعاية الكنيسة والمهندسين المعماريين والفنانين والنحاتين والمطربين كرسوا أنفسهم بالفن المحبوب بلا خوف، أيدواهم الكنيسة الكاثوليكية من الجانب المادي. وبالتالي، فإن الجزء الأكثر أهمية من الفن بشكل عام وموسيقى، على وجه الخصوص، كان تحت صيانة الدين الكاثوليكي.

بدا الكنيسة الغناء في جميع بلدان أوروبا الغربية لاتينية صارمة ومواصلة تعزيز الوحدة، ومجتمع العالم الكاثوليكي، والبوب \u200b\u200bغريغوري الأول، الذي انضم إلى العرش في بداية القرن الرابع، جمعت جميع الهتافات الكنيسة و تم وصفه لأداء كل منهم يوم معين من تقويم الكنيسة. كان اللحن الذي جمعته أبي يطلق عليه Grigorian Chalalov، وتقليد الغناء بناء على الغناء الغيغوري.

في المعنى الليلي، يركز Grigorian Choral Coral على Octoys - نظام ثماني أجنحة. كان الفتى الذي ظل غالبا ما يشير فقط إلى كيفية أداء كورالي. كانت جميع الحجريات اوكتاف وكانت تعديلات لنظام Trichord العتيق. لم يكن لدى STETSMEN فقط الترقيم، مفاهيم "Dorian"، "Lidy" وهلم جرا. مستبعد. تمثل كل طريقة اتصال Tetrachords.

تتوافق Choralas Grigorian بشكل مثالي مع موعد صلييتها: تم تصنيع الألحان على مهل من الزخارف دون عقاسة في بعضها البعض، وكان الخط اللحمي يقتصر على Temps، وكانت الفواصل بين الأصوات صغيرة، وكان النمط الإيقاعي أيضا على نحو سلس، و Choralas بناء على تم بناء ناحية الصوت القميص. كانت Choralas Grigorian وحدها مع جوقة من الذكور وتدريب هذه الغناء بشكل رئيسي في التقاليد الفموية. ومع ذلك، فإن مصادر مكتوبة من Grigoryanicians هي نموذجا للرمهة غير المفارقة (أيقونات خاصة حول النص اللاتيني)، ومع ذلك، فقد أشار هذا النوع من سجل الموسيقى إلى الارتفاع التقريبي فقط للصوت، الاتجاه المعمم للخط الليلي ولم يلمس الجانب الإيقاعي على الإطلاق، كان يعتبر صعوبة في القراءة. لم يتم دائما تشكيل المطربين الذين قاموا بأعضاء الكنيسة دائما وتدريب حرفةهم عن طريق الفم.

أصبح غريغوريان كورالي رمزا لعصر ضخم، مما عكس فهمه للحياة والسلام فيه. يعكس معنى ومحتوى Choralov تمثيل شخص من العصور الوسطى حول جوهر الوجود. وبهذا المعنى، غالبا ما يشار إلى العصور الوسطى باسم "الثقافة الأوروبية الشابة"، عندما قامت سقوط روما القديمة في عام 476، بغزت قبائل البربرانات والألمان والألمان أوروبا وبدأوا في بناء حياتهم مرة أخرى. تميز إيمانهم في القديسين المسيحيين بالخمول والبساطة والألحان للأجواء Grigorian على أساس نفس مبدأ الطبيعة. تعكس بعض رتابة Choralov تمثيل شخص في العصور الوسطى حول الفضاء، يقتصر على مجال رؤيته. أيضا، ارتبطت فكرة الوقت بفكرة التكرار والمضايقة.

الغناء Grigorian، كأناقة الموسيقية المهيمنة، في قرن التاسع الذي تمت الموافقة عليه أخيرا في جميع أنحاء أوروبا. في الوقت نفسه، في فن الموسيقى، حدث أكبر اكتشاف، الذي كان له تأثير على تاريخه الكامل: أعلنت عالم الراهب، والموسيقي الإيطالي Guido من Arezzo (Aretinsky) سجل السجل، الذي ما زلنا نستخدمه حتى يومنا هذا وبعد من الآن فصاعدا، يمكن الشعور بالجراد الغريغوري على الملاحظات، وانضم إلى المرحلة الجديدة من تطوره.

من VII إلى القرن التاسع، كان مفهوم "الموسيقى" و "Grigorian Choral" داخليا. دراسة لحن كورالوف، وأراد الموسيقيون والمغنيين في العصور الوسطى تزيينهم، لكن الغناء الكنيسة غير مسموح بها. تم العثور على الناتج: عبر اللحن الكورالي على مسافة متساوية من كل أصواتها، تم تحديد صوت ثان، وهو ما كرر بالضبط النمط اللحمي للمخالف. بدا ميلودي سميكة توأم. تلقت أول مقالات صوتية أولية أسماء العضوية، حيث أن الصوت السفلي الذي بدا فيه الكورال، كان يسمى Principalis Vox (الصوت الأساسي)، والأعلى، Capleen - Vox Organalis (صوت إضافي). تسبب صوت العضوية في جمعيات مع الصوتيات للمعبد: لقد كان موحل عميقا. علاوة على ذلك، خلال قرون XI-XIII، ارتفعت طريقتان إلى ثلاثة (Triptum) وأربعة مزيجات.

أشكال إيقاعية من Organum - مثال على إيقاع Modus (مشروط). ستة: جامب (L)، تروهاي (كوريا) (¡l)، Dactyl ( . l)، أنابيس (l ¡ . )، spondes ( . ¡ . ), تجهيز (l l l).

بالإضافة إلى فن الكنيسة، مع تطور المدن والاقتصاد الأوروبية، حدث ولادة الفن الجديد في العصور الوسطى. غالبا ما يرى الناس البساطة (البلدة، الفلاحون) في مستوطناتهم الممثلين والموسيقيين الذين رقصوا، لعبوا الأفكار المسرحية لمواضيع مختلفة: حول الملائكة والأكثر عذراء المقدسة أو عن العذاب الجحيم والجهنم. كان لهذا الفن العلماني الجديد أن يتذوق وزراء الزهد في الكنيسة، والذي تم العثور عليه في أغاني تافهة وأفكار صخري الشيطان.

أدى ازدهار المدن في العصور الوسطى والقلاع الإقطاعية، الاهتمام بالفن العلماني، الذي غطى جميع العقارات، إلى ظهور المدرسة المهنية الأولى للشعر العلماني والموسيقى - مدرسة تراكافادوروف، التي نشأت في جنوب فرنسا في الثاني عشر مئة عام. شعرت الشعراء والموسيقيين الألماني المماثلون في Minnesersers (Maistezingers)، Severofranzes-Trusters. كمؤلفين من القصائد، أداء الشعراء - التربادورا في وقت واحد كملحنين، وكما يقومون بأداء الأدوات.

نمت أغاني أغاني Troubadur من الشعر وتقليد بساطتها، والجلد، الإهمال. ناقش محتوى هذه الأغاني كل المواضيع الحيوية: الحب والفصل، والهجوم من الربيع وفرحه، والحياة المضحكة لعلماء الطلاب الذين يتجولون للطلاب، ومزاحيات الحظية ومزاجها المتقلبة، إلخ. الإيقاعية، عضوية واضحة على العبارات الموسيقية، التركيز، وتيرة - كل هذه كانت أغاني غريبة Troubadurov.

الغناء Grigorian وكلمات Troubadurov هو اتجاهين مستقلين في موسيقى العصور الوسطى، ومع ذلك، مع كل التباين، من الممكن ملاحظة الميزات العامة: العلاقة الداخلية بكلمة، ميل إلى تصويت ناعم ومزخرف.

أصبح الجزء العلوي من البوليفونيات المبكرة (polyphony) المدرسة نوتر السيدات. عمل الموسيقيون الذين ينتمون إليها في باريس في كاتدرائية سيدة باريسية لدينا في قرون XII-XIII. تمكنوا من إنشاء هياكل متعددة أعيرات، بفضل الفن الموسيقي أصبح أكثر استقلالية، أقل اعتمادا على نطق النص اللاتيني. توقفت الموسيقى أن ينظر إليها على أنها دعمه والديكور، كانت ستؤدي الآن على وجه التحديد إلى الجلسة، على الرغم من أن أجهزة أسياد هذه المدرسة لا تزال أجريت في الكنيسة. وقف الملحنون المحترفون رئيس مدرسة نوتروديز \u200b\u200bالمدرسة: في النصف الثاني من القرن الثاني عشر - ليونين، في مطلع قرون XII-XIII - تلميذه بالكرتي.

كان مفهوم "الملحن" في عصر العصور الوسطى موجودة في الخطة الثانية للثقافات الموسيقية والكلمة التي نشأت من "تأليف" - I.E. تتحد، قم بإنشاء شيء جديد من العناصر المعروفة. ظهرت مهنة الملحن فقط في القرن الثالث عشر (في أعمال مهارة مهارة ومادة أسياد المدرسة الشاملة). على سبيل المثال، فإن قواعد التركيب التي عثر عليها Leonin فريدة من نوعها لأنها، بدءا من دراسة عميقة للمواد الموسيقية التي تم إنشاؤها أمامه، تم دمج الملحن لاحقا للدمج بين تقاليد غناء Grigorian الصارم مع المعايير الحرة لفن الفن مهارة.

بالفعل في Organum Peroth، تم اختراع طريقة لتوسيع النموذج الموسيقي. لذلك، تم تقطيع الأنسجة الموسيقية لتحمل دوافع قصيرة، بنيت وفقا لمبدأ التشابه (كلهم يمثلون متغيرات قريبة جدا من بعضهم البعض). بيروت ينقل هذه الزخارف من صوت واحد إلى آخر، مما يخلق شيئا مثل سلسلة الدافع. باستخدام هذه المجموعات والصرافيات، سمحت Preoths Organum بالنمو على نطاق واسع. تقع أصوات Grigorian Choral، التي وضعت في صوت Cantus Firmus، على مسافة عالية من بعضها البعض - كما أنها تساهم أيضا في توسيع الشكل الموسيقي. لذلك كان هناك نوع جديد - موت؛ كقاعدة عامة، هذا مقال ثلاثة صوتي تم توزيعه في القرن الثالث عشر. تم الانتهاء من جمال النوع الجديد في مجموعة متزامنة من خطوط مختلفة مختلفة، على الرغم من أنها كانت في الأساس خيار، ازدواجية، انعكاس للحفرة الرئيسية - Cantus Firmus. وقد دعت هذه الدوافع "أمر".

ومع ذلك، فإن الجمهور الأكثر شعبية في الجمهور، والذي، على النقيض من Cantus Firmus، بالغت في مبادئ الفرق: بعضها يتكون حتى على نصوص متعددة اللغات.

قد تكون موتور العصور الوسطى المحتوى الروحي والعلماني: الحب، الساخر، إلخ.

موجود البوليفونيات المبكرة ليس فقط كفن صوتي، ولكن أيضا فعال. بالنسبة إلى Carnavals والأعياد، تم تأجيل موسيقى الرقص، وكانت أغاني Troubaduri مصحوبة أيضا بلعب الأدوات. تخيلات مفيدة ممنحة مماثلة للحركة كانت شعبية.

يطلق على القرن الرابع عشر في الفن الأوروبي الغربي "الخريف" من العصور الوسطى. تلقت إيطاليا بالفعل عصر جديد - ولادة جديدة؛ تم إنشاء DANTE، بترارك، جوتو - الماجستير العظمى من النهضة المبكرة. فشلت بقية أوروبا في نتائج العصور الوسطى وشعرت بولادة موضوع جديد في الفن - مواضيع الفردية.

تميز مقدمة موسيقى العصور الوسطى في عصر جديد بمظهر أطروحة من فيليب دي فترات "آرتس نوفا" - "الفن الجديد". في ذلك، حاول العالم والموسيقي تحديد صورة جديدة من الجميلة الموسيقية. أعطى اسم هذه الأقطار الاسم والثقافة الموسيقية بأكملها في القرن الرابع عشر. من الآن فصاعدا، يجب أن تكون الموسيقى قد تخلت عن الأصوات البسيطة والخشنة وتسرعت إلى ليونة، وسحر الصوت: بدلا من إفراغ، تم تحديد Ars غير المتواصل البارد أنتيكا لاستخدام التوافر الكامل والمغني.

كان ينصح بالمغادرة في الإيقاع الماضي والرتابة (مشروط) واستخدام تدوين Menzural (القياس) المفتوح حديثا، عندما تنتمي أصوات قصيرة وطويلة إلى بعضها البعض ك 1: 3 أو 1: 2. العديد من الفوائد - مكسيم، طويل، بريفيز، Semibrevis؛ كل واحد منهم لديه الرسم الخاص به: أصوات أطول ليست مظللة، يتم تصوير أكثر وجيزة باللون الأسود.

أصبح الإيقاع أكثر مرونة، متنوعة، يمكنك استخدام Syncopes. كان أقل صرامة هو التقييد على استخدام الآخر، باستثناء الحنق الكنيسة المسرحية: يمكنك استخدام التعديلات، المتزايدة، خفض النغمات الموسيقية.

موسيقى العصور الوسطى - فترة تطوير الثقافة الموسيقية، تغطي فترة زمنية من حوالي الخامس إلى القرن الرابع عشر الميلادي.

العصور الوسطى هي حقبة كبيرة من تاريخ الإنسان، وقت الهيمنة على النظام الإقطاعي.

الثقافة العلوية:

في وقت مبكر من القرون الوسطى - V - X قرون.

العصور الوسطى الناضجة - XI - القرون الرابع عشر.

في 395، اقتحمت الإمبراطورية الرومانية جزأين: غرب وشرق. في الجزء الغربي على أنقاض روما في قرون V-IX، كانت هناك دول ببربرية: شحذ أو أوضاع، فرنك، إلخ. في القرن التاسع، تم تشكيل ثلاث دول في تحلل الإمبراطورية كارل رائعة هنا: فرنسا، ألمانيا، إيطاليا. أصبح القسطنطينية العاصمة التي أسسها الإمبراطور كونستانتين على موقع مستعمرة اليونانية البيزنطة - من هنا واسم الدولة.

في عصر العصور الوسطى في أوروبا، توجد ثقافة موسيقية جديدة - إقطاعي، جمع بين الفن المهني، الموسيقى الهواة والموسيقى الفولكلور. نظرا لأن الكنيسة تسود في جميع مجالات الحياة الروحية، فإن أساس الفن الموسيقي المهني هو أنشطة الموسيقيين في المعابد والأديرة. تم تقديم الفن العلماني المهني في البداية فقط للمطربين الذين ينشئون وتنفيذ أساطير ملحمية عند الفناء، في منازل المعرفة، بين المحاربين، إلخ (أرقام، أحجام، إلخ). بمرور الوقت، يتم تطوير أشكال الهواة وشبه المهنية لحسنة الفروسية: في فرنسا - فن تروبادوروف وتحديد التحويم (آدم دي لا، القرن الثالث عشر)، في ألمانيا - ميننسينجر (تنجستن فون إيشنباخ، والتر فون دير فولويد، XII- القرن الثالث عشر)، وكذلك الحرفيين الحضريين. في أقفال إقطاعية وفي المدن تزرع جميع أنواع الولادة والأنواع وأشكال الأغاني (ملحمة، فجر "، روندو، لو، ولاية فاليل، القصص، المدانين، الأراضي، إلخ).

يتم تضمين الآلات الموسيقية الجديدة في الحياة، بما في ذلك أولئك الذين جاءوا من الشرق (فيولا، العود، إلخ)، تنشأ فرق (التراكيب غير المستقرة). أزهار الفولكلور في وسط الفلاحين. "المهنيون الشعبي" يعملون: مراعاة الفنانين الاصطناعي التجديف (الطائرات، المواعيد، المعادن، السمعفين، فتات). تتكرر الموسيقى الوظائف المطبقة والروحية والعملية. الإبداع يؤدي في وحدة مع التنفيذ (كقاعدة عامة لشخص واحد).

تدريجيا، على الرغم من أن محتوى الموسيقى، فإن أنواع الموسيقى، أشكالها، وسيلة التعبير. في أوروبا الغربية من قرون VI-VII. هناك نظام تنظيم صارم لموسيقى الكنيسة الصوتية (Monodic) واحدة على أساس الأراضي المميتة (الغناء Grigorian)، والتي تجمع بين التلاوة (مزمور) والغناء (تراتيل). عند مطلع الألفية الأولى والثانية، يولد الحزم المتعددة. تشكلت الأنواع الجديدة (Choral) والفائدة الصوتية (الجوقة والجنس): الأعضاء، موت، السلوك، ثم ميسيا. في فرنسا في القرن الثاني عشر، تشكلت أول مدرسة الملحن (الإبداعية) مع كاتدرائية أم باريس والدة الله (ليونين، بريطان). عند مطلع النهضة (ARS Nova Style في فرنسا وإيطاليا، القرن الرابع عشر) في الموسيقى المهنية من الرحلات ذات الرحلات ذات الشعر المريح، تبدأ الموسيقى في إطلاق سراحها من وظائف عملية بحتة (خدمة كنيسة الخدمة)، فهي تزيد من الأهمية من الأنواع العلمانية، بما في ذلك الأغاني (جيل دي ماشا).

كان الأساس المادي للأعمار الوسطى علاقة إقطاعية. تشكلت ثقافة القرون الوسطى في ظروف ريفية. في المستقبل، يصبح الأساس الاجتماعي للثقافة البيئة الحضرية - بورغيمي. مع تشكيل الدول، يتم تشكيل التهم الرئيسي: رجال الدين والنبلاء والأشخاص.

ارتبط فن الأعمار الوسطى عن كثب مع الكنيسة. كريدي كريستيان هو أساس الفلسفة والأخلاقيات والجماليات والحياة الروحية بأكملها من هذا الوقت. مليئة بالرموز الدينية، يتم توجيه الفن من الأرضية العابرة إلى الروحية والأبدية.

جنبا إلى جنب مع ثقافة الكنيسة الرسمية (مرتفعة)، كانت هناك ثقافة علمانية (أقل) - شعبية (طبقات عامة أقل) وفارس (كورتي).

البؤر الرئيسية للموسيقى المهنية من العصور الوسطى المبكرة - الكاتدرائيات، المدارس الغناء فيها، الأديرة هي المراكز الوحيدة لتشكيل ذلك الوقت. درسوا اليونانية واللاتينية والحسابية والموسيقى.

كان المركز الرئيسي لموسيقى الكنيسة في أوروبا الغربية في عصر العصور الوسطى روما. في نهاية السادس - في وقت مبكر من القرن السابع. تشكلت مجموعة متنوعة من الموسيقى الكنيسة الأوروبية الغربية - Gregorian Choral، اسمه لدرجة اسمه بوب غريغوري الأول، الذي قام بإصلاح الكنيسة الغناء، وجمع معا وتبسيط هتافات الكنيسة المختلفة. Grigorian Choral هو شانت كاثوليكي ذو شعر واحد، والذي اندمجت تقاليد الغناء القديمة في قرون من مختلف الشعوب الشرق الأوسط والأوروبية (السوريين واليهود واليونانيين والرومان وما إلى ذلك). كان هذا هو النشر السلس ذو الشعر الناعم لحن لحن واحد يهدف إلى تخصيص الإرادة المتحدة، محور الاهتمام بالأصعماء وفقا لعقود الكاثوليكية. شخصية الموسيقى صارمة، مائلة. تم القيام به من قبل جوقة كورال (وبالتالي الاسم)، بعض الأقسام - منفرد. يسود البالغون على أساس الحنق الدياتوني. سمحت الغناء الغريغوري بالكثير من التدرجات، تتراوح من جوقية جوقة شديدة الخطيرة وإنهاء الذكرى السنوية (مقطع لفظي لفظي الذوبان) تتطلب مهارات Virtuoso الصوتية لأدائها.

الغناء Grigorian يعطي مستمعا من الواقع، يسبب التواضع، يؤدي إلى التأمل، امتداد باطني. هذا التأثير يساهم في النص في اللاتينية، الجزء الأكبر غير المفهوم من الرعية. تم تحديد إيقاع الغناء من خلال النص. إنه غامض، غير محدد، نظرا لشخصية لهجات تسجيل النص.

تم تلخيص الأنواع المتنوعة من الغناء الغريغوري في العبادة الرئيسية للكنيسة الكاثوليكية - ميسي، والتي تأسست فيها خمسة أجزاء مستقرة:

كيري إليسون (يا رب، بوميليا)

غلوريا (المجد)

عقيدة (صدق)

Sanctus (المقدسة)

آغنوس دي (لحم الله).

بمرور الوقت، تبدأ عناصر الموسيقى الشعبية من خلال الأناشيد والتسلسلات والمسارات في التسرب إلى Chalgorian Choral. إذا تم تنفيذ مزمولوديا من قبل جوقة المحترنين من المطربين ورجال الدين، فإن التراتيل في البداية هي أبرشية. كانوا إدراجهم في العبادة الرسمية (كانوا متأصلين في ميزات الموسيقى الشعبية). ولكن سرعان ما بدأ غرام الكتلة في دفع المزمور، مما أدى إلى ظهور كتلة مجسمه.

كانت تسلسلات أول عبارة عن مزامنة تحت لحن الذكرى السنوية حتى يكون صوت اللحن واحد لديه مقطع لفظي منفصل. يصبح التسلسل نوعا شائعا (الأكثر شعبية "Veni، أسرع Spiritus"، "يموت IRAE"، "Stabat Mater"). "Dies Irae" تستخدم Berlioz، Leaf، Tchaikovsky، Rachmaninov (في كثير من الأحيان كرمز للوفاة).

حدثت العينات الأولى من البوليفونيا من الأديرة - الأعضاء (حركة الربعات أو الكوارتات الموازية)، gimel، fogramsdon (الموازي sextaccord)، السلوك. الملحنون: ليونين والكرتي (12-13 قرون - كاتدرائية والدة الباريسية من الله).

كانت شركات نقل الموسيقى الشعبية العلمانية في العصور الوسطى ميمات، أعجاش، تعدين في فرنسا، أبراج - في بلدان الثقافة الألمانية، وجروح - في إسبانيا، سكوميرسولوس - في روسيا. وكان هؤلاء الفنانين الذين يتجولون مجتمعون عالميين: مجتمعون من الغناء والرقص واللعبة على أدوات مختلفة مع التركيز وسيرك الفن ومسرح الدمى.

كان الجانب الآخر من الثقافة العلمانية ثقافة فارسية (ثقافة الإقطاع العلماني). كانت الفرسان جميع الناس النبيلة تقريبا - من المحاربين الفقراء إلى الملوك. يتم تشكيل كود فارس خاص، وفقا لما كان من المفترض أن يمتلك الفارس، إلى جانب الشجاعة والشجاعة، أخلاق رائعة، ليكون متعلما، سخية، سخية، لتكون بمثابة سيدة ممتازة. جميع جوانب الحياة الفارسية تنعكس في الفن الموسيقي والشعرية من التربادوروف (بروفانس - جنوب فرنسا)، السائقين (شمال فرنسا)، Minnesersers (ألمانيا). يرتبط فن التربادوروف بشكل رئيسي بأكل كلمات الحب. كانت أغاني جينوم الحب الأكثر شيوعا تشافد (في ميننسجر - "أغاني الصباح" - ألبا).

الابواق، واستخدام تجربة Troubadur على نطاق واسع، خلق الأنواع الأصلية: "أغاني النسيج"، "قد" أغاني ". وكانت المنطقة المهمة من الأنواع الموسيقية لمكتبادوروف، والجريديون وميننسينجر هي أنواع الأغنية والرقص: Rondo، Ballad، Viselle (أشكال أمراء)، وكذلك EPOS البطولية (EPOS EPOS "أغنية حول رولاند" والألمانية - "أغنية من nibelunga "). كان لدى المنينغز أغاني الصليبيين.

ميزات مميزة لفن ترتيب Troubadurov وجرف و Minnezinger:

في اتجاه واحد - هو نتيجة للاتصال الذي لا ينفصلان للدخول مع النص الشعري، الذي يتبع من جوهر الفن الشعري الموسيقي. تتوافق الفرقة الفردية على التثبيت على تعبير فردي عن تجاربهم الخاصة، إلى التقييم الشخصي لمحتوى العبارة (غالبا ما يكون تعبير الخبرات الشخصية مؤطرة من خلال تحديد لوحات طبيعية).

معظمها التنفيذ الصوتية. لم يكن دور الأدوات مهما: تم تخفيضه إلى الوفاء بالدخول والوسيطات والمشاركة بعد القصور الصوتي.

حول فن الفارس لا يمكن إنفاقه على كل من المهنية، ولكن لأول مرة في سياق العجز العلماني، تم إنشاء اتجاه موسيقي قوي وشعري مع مجمع متطور من الوسائل التعبيرية والكتابة الموسيقية التي أجريت نسبيا.

واحدة من إنجازات الأعمار الوسطى الناضجة الناضجة، بدءا من قرون X-XI، تطوير المدن (ثقافة بورغر) هي تطوير المدن. كانت السمات الرئيسية للثقافة الحضرية من المضادة للكرتشال، التوجيه، اتصال مع الفولكلور، ضحك وشخصية الكرنفال. الطراز القوطي المعماري يتطور. نموذج أنواع البوليفونيات الجديدة: من 13-14 إلى 16 قرون. - MICTET (من فرانز. - كلمة "كلمة". بالنسبة إلى Mott. الحضانة الحلمية الحادة عادة من الأصوات التي تتراجعت النصوص المختلفة - في كثير من الأحيان بلغات مختلفة)، Madrigal (من Ital. - "أغنية باللغة الأصلية"، أي إيطالي. نصوص Lyubovoy-Lyrical، الرعوية)، Kachche (من Ital. - "الصيد" هو مسرحية صوتية على النص، والرسم الصيد).

يتحرك الموسيقيون الشعبيون من نمط حياة بدوي إلى كتل المدينة التي تم تسويتها وملكها وإضافة ما يصل إلى "محلات موسيقى" غريبة ". بدءا من القرن الثاني عشر، انضمت السهوبين و Goliada إلى الموسيقيين الشعبيين - المهاجرين المعلنين من فصول مختلفة (طلاب Scholas-Study، هاربين، رجال الدين التجديف). على عكس عجلة أمية - ممثلو الفن النموذجي للتقاليد الشفوية - مهبل و Goliada كانت مختصة: لقد امتلئوا اللغة اللاتينية وقواعد القصائد الكلاسيكية، والموسيقى المكونة، والأغاني (دائرة الصور المرتبطة بالعلوم المدرسية وحياة الطالب) وحتى التراكيب المعقدة من نوع السلوك والحركات.

أصبحت الجامعات محور اهتمام كبير للثقافة الموسيقية. الموسيقى، أكثر دقة - الصوتيات الموسيقية - إلى جانب علم الفلك، الرياضيات، دخل الفيزيائي في الرمويوم، أي. دورة أربعة تخصصات مدروسة في الجامعات.

وهكذا، في المدينة في العصور الوسطى كانت هناك العديد من البؤرات المختلفة للثقافة الموسيقية في الطبيعة والتوجه الاجتماعي: جمعية الموسيقيين الشعبيين وموسيقى المحاكم وموسيقى الأديرة والكاتدرائيات والممارسة الموسيقية الجامعية.

نظرية الموسيقى في العصور الوسطى مرتبطة ارتباطا وثيقا باللاهوت. في عدد قليل من الأوساط الموسيقية والنظري، اعتبرت الموسيقى "خادم الكنيسة". من بين الأطرز البارزة في العصور الوسطى المبكرة، 6 كتب "على الموسيقى" أوغسطين، 5 كتب "في تسوية الموسيقى" ويتم منح الآخرين مكانا كبيرا في هذه العلاجات.

تم تطوير نظام القدم في العصور الوسطى من قبل ممثلي فن الكنيسة المهنية الموسيقية - لذلك، كان اسم "الفتيان الكنيسة" راسخة للحرك في العصور الوسطى. يتم إنشاء الأيونية والإلكترونية واليوريوس كحفر رئيسي.

نظرت نظرية الموسيقى في العصور الوسطى عقيدة سداساهوردا. في كل لادا، تم استخدام 6 خطوات في الممارسة العملية (على سبيل المثال: إلى، RE، MI، FA، SALT، LA). الحادي عشر ثم تجنبها، ل الغذاء جنبا إلى جنب مع الانتقال في الربع الربعي المتزايد، الذي كان يعتبر سليما للغاية ومتحلي يسمى "الشيطان في الموسيقى".

تم استخدام التسجيل الثابت على نطاق واسع. قام Guido Artinsky بتحسين نظام تسجيل الدبابات. كان جوهر إصلاحه على النحو التالي: وجود أربعة أسطر، العلاقة الأرضية بين الخطوط الفردية، علامة المفتاح (الأبجدية في البداية) أو تلوين الخطوط. كما قدم تدوين الحمأة للمستويات الستة الأولى من لادا: UT، RE، MI، FA، SALT، LA.

يتم تقديم تدوين menzular، حيث تم إصلاح تدبير إيقاعي معين لكل مشاة (LAT. Mensura - القياس، القياس). اسم المطور: مكسيم، طويل، بريفيز، إلخ.

القرن الرابع عشر هو الفترة الانتقالية بين العصور الوسطى وعصر الإحياء. تلقى فن فرنسا وإيطاليا من القرن الرابع عشر اسم "ARS NOVA" (من LAT. - فن جديد)، وفي إيطاليا، لديها جميع خصائص الإحياء المبكر. الميزات الأساسية: رفض استخدام الأنواع الحصرية لموسيقى الكنيسة والاستئناف إلى أنواع الغرف الصاخبة العلمانية (Ballad، Kachhe، Madrigal)، التقارب مع باطن الأسرة، واستخدام مختلف الآلات الموسيقية. آرتس نوفا عكس ما يسمى. Ars Antikva (Lat. Ars Antiqua هو الفن القديم)، مما يعني الفنية الموسيقية قبل بداية القرن الرابع عشر. وكان أكبر ممثلين عن آرتس نوفا غيوم دي ماشو (القرن الرابع عشر، فرنسا) وفرانشيسكو لاندينو (القرن الرابع عشر، إيطاليا).

وبالتالي، فإن ثقافة الموسيقى في العصور الوسطى، على الرغم من الحد الأقصى النسبي للأموال، هو مستوى أعلى مقارنة بموسيقى العالم القديم ويحتوي على المتطلبات الأساسية للزهرة الرائعة للفن الموسيقي في عصر النهضة.

متحف الموسيقى Grigorian Troubadur

الموسيقيين في العصور الوسطى. مخطوطة متحف موسيقى القرن الثالث عشر من القرن الوسطى من العصور الوسطى فترة تطوير الثقافة الموسيقية، تغطي فترة زمنية من حوالي الخامس إلى القرن الرابع عشر م ... ويكيبيديا

يتضمن مجموعة متنوعة من الأنواع العيش والتاريخية من الموسيقى الشعبية والشعبية والبوب \u200b\u200bوالكلاسيكية. تعود الموسيقى الكلاسيكية الهندية، التي قدمتها تقاليد كارناتاكا وهندوستاني، إلى "Veda نفسها" ويوصف بأنه معقد ومتنوع ... ويكيبيديا

مجموعة من الموسيقيين في Montmartre French Music هي واحدة من أكثر الثقافات الموسيقية الأوروبية الأكثر إثارة للاهتمام والأكثر نفوذا، والتي تعتمد أصول ... ويكيبيديا

المحتويات 1 الموسيقى الشعبية 2 الموسيقى الكلاسيكية والأوبرا والباليه 3 موسيقى شعبية ... ويكيبيديا

هذه مقالة حول النمط الموسيقي. لمجموعة من الآراء الفلسفية، انظر مقالة العمر الجديد.

أنا الموسيقى (من اليونانية. Musik، الموسيقى الفنية حرفيا) نوع الفن، والذي يعكس الواقع ويؤثر على شخص عن طريق تسلسلات الصوت ذات مغزى ومنظم خصيصا تتكون أساسا من النغمات ... ... موسوعة السوفياتية الكبرى

- (اليونانية. Moysikn، من موسى موسى) ظهور المطالبة، إلى الجاودار يعكس الواقع ويؤثر على شخص عن طريق ذات مغزى ومنظم خصيصا في الطول وفي وقت تسلسلات الصوت التي تتكون أساسا من النغمات ... ... ... موسوعة الموسيقى

مسدس المقالات ... ويكيبيديا

تعتمد الموسيقى البلجيكية أصولها من التقاليد الموسيقية من الفلسميس، التي يسكنها شمال البلاد، وتقاليد وولونوف التي عاشت في الجنوب ووجهت تأثير التقاليد الفرنسية. تشكيل الموسيقى البلجيكية شرع في التاريخ التاريخي المعقد ... ... ويكيبيديا

كتب

• تاريخ الفن المصور. العمارة، النحت، الرسم، الموسيقى، الإعجاب بها .. رفع الطبعة. سانت بطرسبرغ، 1884. طبعة A. Suvorin. طبعة مع 134 رسومات. ملزمة ملزمة مع الجذر والزوايا الجلدية. الفراء bintovaya. الحفاظ على الخير ...
• تاريخ الفن المصور. العمارة، النحت، الرسم، الموسيقى (للمدارس، الدراسة الذاتية والمراجع)، Lyubka. رفع الطبعة. سانت بطرسبرغ، 1884. طبعة A. Suvorin. احجز مع 134 رسومات. غطاء مطبعي. السلامة جيدة. ثقوب صغيرة على الغلاف. مزخرف ...

موسيقى الفن العصور الوسطى. تعبئة Figy-Salantic. شخصية.

العصور الوسطى - طويل، تغطي أكثر من ألف عام من تطوير البشرية.

إذا انتقلنا إلى البيئة المجازية والعاطفية لفترة "القرون الوسطى القاتمة"، لأنها غالبا ما يتم استدعاؤها، سنرى أنه تمتلئ بالحياة الروحية الشديدة والنشوة الإبداعية والبحث عن الحقيقة. كان لدى الكنيسة المسيحية تأثير قوي على العقول والقلوب. تفهم خيوط وقصص وصور الكتاب المقدس كيف القصة التي تتكشف من إنشاء العالم عبر مجيء المسيح وحتى يوم المحكمة الرهيبة. تم اعتبار الحياة الدنيوية كناضال مستمر للقوى المظلمة والخفيفة، وكان روح الرجل هو تعليق هذا النضال. تسلل استعادة نهاية العالم من خلال عالم الأشخاص في العصور الوسطى، يرسم فن هذه الفترة إلى نغمات درامية. في ظل هذه الظروف، وضعت الثقافة الموسيقية شكليين قويين. من ناحية، موسيقى الكنيسة المهنية، التي مرت في جميع أنحاء فترة العصور الوسطى، طريقة ضخمة للتنمية؛ من ناحية أخرى، فإن الإبداع الموسيقي الشعبي، الذي اضطهد بممثلي الكنيسة "الرسمية"، والموسيقى العلمانية، الموجودة كهواة، طوال فترة العصور الوسطى بأكملها تقريبا. على الرغم من خصومة هذين الاتجاهين، فقد خضعوا للتأثير المتبادل، ونهاية هذه الفترة، أصبحت نتائج التركيب في الموسيقى العلمانية والموسيقى الكنسية ملموسة بشكل خاص. من جانب المحتوى العاطفي الدلالي، فإن أكثر المميزات للموسيقى في العصور الوسطى هي غلبة المبدأ المثالي والروحي والبيازي - سواء في الأنواع العلمانية والكنيسة.

تم توجيه المحتوى العاطفي والدلي لموسيقى الكنيسة المسيحية إلى مدح الألوهية، إنكار البضائع الأرضية من أجل المكافأة بعد الموت، والوعظ بالزعزم. ركزت الموسيقى في حد ذاتها ما يرتبط بالتعبير عن "نقي"، خالية من أي "جسدي"، الشكل المادي للرغبة المثالية. تكثف تأثير الموسيقى من قبل الصوتيات للكنائس مع خزائنها المرتفعة التي تعكس الصوت وخلق تأثير الوجود الإلهي. لا سيما دمج الموسيقى الزاهية مع الهندسة المعمارية تجلى مع ظهور الأسلوب القوطي. أنشأت الموسيقى متعددة الصوتيات التي تم إنشاؤها من خلال هذه المرة الانتفاخ المتشدد، والمسح المجاني للأصوات، وكرر الخطوط المعمارية للمعبد القوطي، مما يخلق شعورا بمساحة الفضاء. العينات الأكثر حيوية من الملحنات القوطية الموسيقية التي تم إنشاؤها من كاتدرائية نوتردام - ماجستر ليونين وبريزر ماجستر، تسمى كبيرة.

موسيقى الفن العصور الوسطى. الأنواع. ميزات لغة الموسيقى.

تم إعداد تشكيل الأنواع العلمانية خلال هذه الفترة من قبل عمل الموسيقيين الطائر - juggler، minstrelles والجواسيسالتي كانت المغنيين والممثلين والسيرك والأشياء في شخص واحد. إلى Juggles و SPIERS و MINTLES انضمت أيضا vagant و goliada. - الطلاب المؤسفون ونفوا الرهبان الذين يحق لهم معرفة القراءة والكتابة المتوسطة "الفنية" ومساعدة معينة. بدات أغاني الناس ليس فقط اللغات الوطنية الناشئة (الفرنسية والألمانية والإنجليزية وغيرها)، ولكن أيضا باللغة اللاتينية. غالبا ما يكون للطلاب والشولاس المتجولين (المشربات) مهارة كبيرة في الاستياء اللاتيني، مما ربط حدة خاصة لأغانيهم الاتهائية الموجهة ضد الإخلاء العلمانيين والكنيسة الكاثوليكية. تدريجيا، بدأ الفنانين الضالة في تشكيل الأهداف، وتستقر في المدن.

في نفس الفترة، يتم ترشيح المتبادل "الذكي" الغريب - الفروسية، في بيئته (فترات هدنة) أيضا يركض الاهتمام بالفن. تؤتي القلاع إلى مراكز ثقافة الفارس. القوس لقواعد السلوك الفارسي المطلوب "Courti" (سلوك رائع، مهذب). في القرن الثاني عشر في بروفانس مع محاكم المراسلين الإقطاعي، يولد الفن troubadurov.، تمثيل التعبير المميز للثقافة Sivo New Knightly التي تعلن عبادة الحب الأرضي، والاستمتاع بالطبيعة، والبهجة الدنيوية. في دائرة الصور، عرف الفن الموسيقي والشعرية من Trubadurov تماما بعض الأنواع المرتبطة بشكل أساسي مع كلمات الحب أو العسكرية، والأغاني الرسمية، مما يعكس موقف الفاسال إلى Suzerane. في كثير من الأحيان، تم اختيار كلمات الحب من Trubadurov في شكل وزارة إقطاعية: أدرك المغني نفسه مع فاسال للسيدات، والتي كانت عادة زوجة سنه. لقد طاردت كرامتها وجمالها ونبلها، وحدد هيمنتها و "ضعفت" في هدف غير موات. بالطبع، كان هذا الكثير من الشرطية التي تمليها المحكمة مخرطة الوقت. ومع ذلك، في كثير من الأحيان وراء الأشكال الشرطية لوزارة الفارس، تم وضع شعور حقيقي ومشرق ومثير للإعجاب في الصور الشعرية والموسيقية. تم تقدير فن تروبادوروف إلى حد كبير في وقتهم. الانتباه إلى التجارب الشخصية للفنان، والتركيز على العالم الداخلي من شخصية المحبة والمعاناة تشير إلى أن المأنبيين عارضوا علنا \u200b\u200bأنفسهم اتجاهات أصول الأيديولوجية في العصور الوسطى. Troubadour يمجد الحب الأرضي الحقيقي. ترى "المصدر وأصل جميع الفوائد".

تحت تأثير الشعر في مهارة الراض عن الإبداع trovers.كان ذلك أكثر ديمقراطية (معظم السائقين من المواطنين) هنا تم تطوير نفس الموضوعات هنا، وتم تطوير النمط الفني للأغاني. في ألمانيا، بعد قرن في وقت لاحق (القرن الثالث عشر) minnezinger.وتم تطوير أغاني المحتوى الأخلاقي والحدائي في كثير من الأحيان أكثر من أنابيب الأنابيب والأنابيب، وغالبا ما تم الحصول على دوافع الحب من قبل اللوحة الدينية، ارتبطت بعبادة مريم العذراء. تم تمييز أغاني النظام العاطفي من خلال جدولة أكبر وأخاديد. في ميننسينجر بالنسبة للجزء الاكثر بمقدار الفناء، حيث كانوا راضين عن مسابقاتهم. أسماء معروفة من التنغستن Von Eshenbach، Walter Background Der Foelweid، Tangayizer - بطل الأسطورة الشهيرة. في أوبرا فاغنر استنادا إلى هذه الأسطورة، فإن الصورة المركزية هي مشهد المنافسة للمطربين، حيث يمجد البطل إلى السخط الشامل المشاعر الدنيوية والملذات. Libretto "Tangayizer" Wagner كتبه Wagner - عينة من الاختراق الرائع في Worldview من عصر الحقبة، وهتف المثل العليا الأخلاقية، والحب الشبحي وفي صراع دائم دائم مع مشاعر خاطئة.

جين الكنيسة

grigorian choral. كان هناك العديد من الخيارات لألوان الكنيسة والنصوص اللاتينية في الكنيسة المسيحية المبكرة. كانت هناك حاجة لخلق طقوس عبادة واحدة والموسيقى الليتورجية المقابلة. تم الانتهاء من هذه العملية بحلول 6 و 7VV. البابا غريغوري I. Tunes Church، المختارة، التي تم توزيعها، موزعة داخل عام الكنيسة، بلغت القوس الرسمي - Antifoneary. أصبح الألحان الكورالية المدرجة في ذلك أساس الغناء الليتورجي للكنيسة الكاثوليكية وحصلت على اسم Chregorian Choral. تم تنفيذه من قبل جوقة ذات شعر واحد أو فرقة من الأصوات الذكور. إن تطوير الفكاهة مهل ويستند إلى تغيير المتكلم الأولي. الإيقاع الحر من اللحن تابع لإيقاع الكلمات. نصوص - Prosaic باللغة اللاتينية، التي أنشأت صوتها نفسها تمديدا من جميعها دنترية. حركة لحنونة ناعمة إذا ظهرت القفزات الصغيرة، فإنها تعوض على الفور للحركة في الاتجاه المعاكس. يتم تفكك ألحان الهتافات الغريغورية في ثلاث مجموعات: تلاوة، حيث يتوافق كل سليف من النص مع صوت واحد من الحفرة، المزمور، حيث يسمح ببعض المقاطع والذكرى السنوية، عندما يتم إلقاء المقاطع في أنماط لحن معقدة، في معظم الأحيان "أليلويا" ("الحمد لله"). ذات أهمية كبيرة، كما هو الحال في أنواع الفنون الأخرى، لديها رمزية مكانية (في هذه الحالة، "أعلى" و "الأسفل"). يشبه النمط بأكمله من الغناء ذو \u200b\u200bالشعر المريح، وغياب "الخطة الثانية"، "منظور الصوت" مبدأ صورة الطائرة في اللوحة في العصور الوسطى.
نشيد وطني وبعد جيم مزدهر هو 6 خامسا. حمل التراتيل، التي تتميز بمزيد من الفورية العاطفية، روح الفن الدنيوي. كانوا يستندون إلى ألحان مستودع أغنية بالقرب من القوم. في نهاية القرن الخامس، تم طرده من الكنيسة، ولكن منذ قرون موجودة كموسيقى خارج العمل. عودةهم إلى مصدر الكنيسة (9 ب) كان نوعا من تنازلات المشاعر الدنيوية المؤمنين. على عكس Choralov، اعتمدت التراتيل على النصوص الشعرية، وتتكوين خصيصا (وغير مستعار من الكتب المقدسة). هذا حدد الهيكل الأكثر وضوحا للألوان، بالإضافة إلى حرية لحن أكبر، وليس التابعين لكل كلمة من النص.
ميسا.. تم طي كتلة الطقوس لعدة قرون. تم تحديد تسلسل أجزائه في الميزات الرئيسية بنسبة 9 فولت.، المظهر النهائي للميسا المكتسبة فقط من قبل القرن الحادي عشر. كانت دائم عملية تشكيل موسيقاها. النوع القديم من الغناء الليتورجي - مزمور؛ يرتبط مباشرة بالعمل الليتورجي نفسه، بدا الأمر في جميع أنحاء الخدمة وأدى من قبل الكهنة ومطربات الكنيسة. إدخال تراتيل مخصب مجموعة أسلوب الموسيقى. بدا حيز الصانع المميز في لحظات معينة من الطقوس، معربا عن المشاعر الجماعية للمؤمنين. في البداية، غنتوا أبناء الرعية أنفسهم، في وقت لاحق - جوقة الكنيسة المهنية. كان التأثير العاطفي للتراتيل قويا لدرجة أنهم بدأوا تدريجيا في إطالة مزمورون، وأخذ المكان في موسيقى المكرمة. كان ذلك في شكل تراتيل، خمسة أجزاء رئيسية من الكتلة (ما يسمى Ordinarium)
أولا "كيري إليسون"("الرب، بوميمي") - Milver من أجل المغفرة والعفو؛
II. "غلوريا"("المجد") - النشيد الامتني للمخالق؛
III. "عقيدة"("أعتقد") - الجزء المركزي من القداس، الذي يحدد العقيدة الرئيسية من العقيدة المسيحية؛
IV. "Sanctus" ("مقدس") - تعجب متكرر لمدة ثلاث سنوات - تعجب متكرر، الذي يحل محله تعجب الترحيب "أوسانا"، الذي يطرح الحلقة المركزية "Benedictus" ("المباركة الذي يأتي")؛
خامسا "Agnus dei" ("حمل الله") - الكثير من العفو، المؤمنين للتضحية بالمسيح؛ تم الانتهاء من الجزء الأخير بالكلمات: "DONA NOBIS PACEM" ("تعطينا العالم").
الأنواع الصامتة

الموسيقى الصوتية
كان الفن الموسيقي والشعر الشعري في العصور الوسطى هواة في الغالب. يفترض أن عالميا كافية: كان الرجل نفسه من الملحن، وشاعر، ومغنا، وأشخاص مفيد، لأن الأغنية كانت غالبا ما تكون مصحوبة برضيا أو فيولا. النصوص الشعري للأغاني، وخاصة عينات فن الفارس، هي ذات أهمية كبيرة. أما بالنسبة للموسيقى، فقد شهدت تأثير الهتافات Grigorian، وموسيقى الموسيقيين الضائشة، وكذلك موسيقى الشعوب الشرقية. في كثير من الأحيان من قبل فناني الأداء، وأحيانا يكون مؤلفي موسيقى أغاني مهني لمكتفائر الذين كانوا يراقبون مع الفرسان، يرافقون غناءهم وأداء مهام الخدم والمساعدين. بفضل هذا التعاون، كانت الحدود محو بين الناس والإبداع الموسيقي الفاركي.
موسيقى الرقص كانت المنطقة التي تتجلى فيها أهمية الموسيقى الفعالة بشكل قوي بشكل خاص الرقص الموسيقي. منذ نهاية القرن الحادي عشر، تنشأ عدد من أنواع الأنواع الموسيقية والرقص، مصممة حصريا للتنفيذ على الأدوات. لا عطلة الحصاد، لا توجد حفل زفاف أو غيرها من تكلفة احتفال الأسرة دون رقصات. تم إجراء الرقصات في كثير من الأحيان تحت الغناء أنفسهم الرقص أو تحت القرن، في بعض البلدان - تحت الأوركسترا تتكون من أنبوب، طبل، مكالمة، لوحات.
براين الرقص الشعبي الفرنسي. في العصور الوسطى كانت الأكثر شعبية في المدن والقرى. بعد فترة وجيزة من مظهره، انتباه الأرستقراطية وأصبح رقصة قاعة القاعة. بفضل الحركات البسيطة، يمكن برانلي الرقص كل شيء. يتمسك المشاركون بأيديهم، وهي تشكل دائرة مغلقة يمكن تقسيمها على الخط، وتحول إلى تحركات متعرج. كانت هناك أنواع كثيرة من Brandle: بسيطة، مزدوجة، مضحكة، حصان، Branle Prachk، Brandle مع المشاعل، وما إلى ذلك.
ستيلا قام الرقص بقيام الحجاج الذين جاءوا إلى الدير لعبادة تمثال مريم العذراء. وقفت على قمة الجبل المضيئة بالشمس، ويبدو أن تدفق الضوء غير الكشف عنها. ومن هنا اسم الرقص (ستيلا - من lat. Star). رقص الناس في دفعة واحدة، صدمت من روعة وأناهة والدة الله.
كارول كان شعبية في 12 فولت. كارول - دائرة مفتوحة. خلال إعدام كارول ترقص غنى، احتجز أيديه. قبل مشى الرقص. أداء جوقة جميع المشاركين. كان إيقاع الرقص سلسا وبطليا، ثم يتضاءل ويتحول إلى التشغيل.
الموت الموت في فترة الأعمار المتوسطة المتأخرة في الثقافة الأوروبية، أصبح موضوع الموت شائعا للغاية. أثر وباء الطاعون، الذي يحمل عددا كبيرا من الأرواح على الموقف تجاه الموت. إذا تم تسليمه سابقا من المعاناة الأرضية، ثم في القرن الثالث عشر. تم اعتبارها بالرعب. تم تصوير الموت في الرسومات والنقوش في شكل صور مخيفة، وناقشت في كلمات الأغاني. يتم تنفيذ الرقص في دائرة. يبدأ الرقص في التحرك، كما لو أن قوة غير معروفة تستتبعها. تدريجيا، يتقنون الموسيقى التي يلعب بها موت الموت، يبدأون في الرقص ويسقط في النهاية.
باسان مدين مسيرات الرقص المتنزه. ارتدوا شخصية رسمية وكانت غير معقدة تقنيا. بعد أن تم جمعها على المغني في أفضل الملابس التي مرت قبل المالك، كما لو أنفسها وإظهار أنفسهم وأمرهم - كان هذا هو معنى الرقص. يتم إدخال مبيعات الرقص بحزم في حياة المحكمة، بدونها لم يكن هناك مهرجان.
estampi. (ethampidi) رقصات مقترنة، مصحوبة بموسيقى مفيدة. في بعض الأحيان أكمل "إيثامبي" من قبل ثلاثة: قام رجل واحد بقيادة امرأتين. الموسيقى لعبت دورا كبيرا. تتألف من عدة أجزاء وتسببت في طبيعة الحركات وعدد ساعات في كل جزء.

Trubadras:

Giraut Ricier 1254-1292.

Guiraut Riquier - Provencal Boet، والتي غالبا ما تسمى "الأنبوب الأخير". الماجستير المخلوع والمهارة (48 من ألحانه المحفوظة)، ولكن ليس أجنبيا للموضوع الروحي ومعقدة خطابها الصوتي بشكل كبير، مما يؤدي إلى إزالة الأغنية. منذ سنوات عديدة كان في المحكمة في برشلونة. شارك في حملة الصليب. من الاهتمام هو أيضا موقفها فيما يتعلق بالفن. مراسلاته مع الراعي الشهير للفنون ألفونس الحكيمة والملك القشتيل وليون. في ذلك، اشتكى من أن الناس غير شريفة، وغالبا ما يختلط "اللقب المهيمن لشدوى"، مع مهار مهاراس على دراية. إنه "مخجل وضطر" لممثلي "الفن العالي للشعر والموسيقى التي يمكن أن تؤكل قصائد وخلق أعمال مفيدة وبرنامج Incredit". بموجب ستار الجواب، اقترح الملك ريشير تنظيمه: 1) "أطباء الفن الشعري" - أفضل ما في التربادوروف، "تغطي الطريق إلى المجتمع"، مؤلفي "الآيات المثالية والكانسون، رواية رشيقة ويعمل التعليمات "في اللغة المنطوقة؛ 2) Trubadras الذي يؤلف الأغاني والموسيقى إليهم يخلقون ألحان الرقص والأصوات والألبا والسيرفات؛ 3) يطالب الراكض في تذوق نبيلة: إنهم يلعبون أدوات مختلفة، وهم يرويون القصة والحكايات الجنية، لديهم قصائد الآخرين والكنعان. 4) بوفل (جيشت) "أدنى سعر له في الشوارع والساحات يظهر ويتصرف لا يستحق". إنهم يزيلون القرود المدربين والكلاب والماعز، ويظهرون الدمى، وتقليد قريب الطيور. تلعب بوفون من أجل مزيلات صغيرة على الأدوات أو الاثنين قبل الحظ ... السفر من الفناء إلى المحكمة، دون العار، ينقل بصبر جميع أنواع الإذلال ويحتقلي فصول ممتعة ونبيلة.

ريكيرا، حيث أن العديد من Troubadurov، أزعج مسألة الفضائل الفارسية. اعتبر أعلى ميزة. "بأي حال من الأحوال لا أقول، أنا سيء حول الجالور والعقل، لكن الكرم يتجاوز كل شيء".

تعزز مشاعر المرارة والانزعاج بحدة بنهاية القرن الثالث عشر، عندما تحول انهيار الحروب الصليبية إلى حقيقة واستعادة، من المستحيل أن يكون من المستحيل النظر فيها والتي من المستحيل عدم التفكير فيها. "لقد حان الوقت لي أن ينتهي!" - في هذه الآيات (لديهم بالفعل 1292) أعرب عن خيبة أملها من خيبة أمل الشركات الصليبية Giraut Ricier:
"لقد جاء إلينا ساعة - أن تدمر الخراب - لمغادرة الأرض المقدسة!" القصيدة "لقد حان الوقت بالنسبة لي مع أغاني النوع" (1292) تعتبر آخر أغنية لمكتفتان.

الملحنين والموسيقيين

غيوم دي ماشو طيب. 1300 - 1377.

ماشوت هو الشاعر الفرنسي والموسيقي والملحن. خدم في محكمة الملك التشيكي، حيث كان 1337 كان كونونون من الكاتدرائية الرائدة. أحد أبرز الموسيقيين في العصور الوسطى المتأخرة، أكبر شخصية في آرتس نوفا الفرنسية. المعروف باسم الملحن متعدد برأسه: لقد وصلت إلى دوافعها، والقصص، والفيروسات، و Rondo، والأشرطة وغيرها من أشكال الأغاني (رقص الأغاني). تتميز موسيقاه التعبيرية المتطورة بالتعبيرية المتطورة. بالإضافة إلى ذلك، خلقت ماشا أول في تاريخ كتلة المؤلف (لتتويج الملك تشارلز الخامس في عام 1364G .. هي الأولى في تاريخ الموسيقى من قبل ميسكا للمؤلف - قطعة واحدة وإكمال عمل الملحن الشهير. في فنه، كما كان، تم تمرير خطوط مهمة، مع جانب واحد، من الثقافة الموسيقية والشاعرية من أنابيب الأنابيب والأنابيب في وضعها الطويل، على أساس الآخر، من المدارس الفرنسية البوليفونيا من 12-13 قرون.

ليونين (منتصف القرن الثاني عشر)

Leonin هو ملحن رائع، إلى جانب بيروت ينتمي إلى مدرسة نوتروم سيدة. أبقتنا القصة اسم هذا الخالق الشهير ل "الكتاب الكبير للأعضاء"، المصممة لدائرة الكنيسة السنوية. استبدال ليونين أورجانوم بغناء كورالي للنيميم مع اثنين من المنفرد من المنفردين من صوتين. تم تمييز أعضائها الصوتيين من خلال مثل هذا التطور الشامل، وهو "تماسك" متناغم للصوت، الذي كان مستحيلا دون تفكير مسبق وتسجيل: في فن ليونين، لم يكن المغنيين مرملا، ولكن الملحن. كان الابتكار الرئيسي ليونين سجل إيقاعي يسمح بإنشاء إيقاع واضح بشكل رئيسي من خلال الصوت المتحرك الأعلى. تميزت طبيعة أعلى الأصوات ذاتها بالكرم اللحمي.

بيروتن.

Perotin، Perotinus - الملحن الفرنسي في نهاية 12 - ثلث 13 قرون. في الأوساب الحديثة، "ماجستير بريك عظيم" (الذي كان يعني، غير معروف بالتأكيد، لأنه كان هناك العديد من الموسيقيين الذين يمكن أن يعزى هذا الاسم). طورت Preoths جنس غناء متعدد الأصوات، الذي أنشئ في عمل سلفه ليونين، ينتمي أيضا إلى المدرسة المسماة الباريسية أو نوتهامية. بريحات خلقت عينات عالية من عضوي ملممي. كتب ليس فقط صوتين (ك Leonin)، ولكن أيضا 3 مقالات ثلاثية العينين، وعلى ما يبدو معقدة ومثيرة مخصرة إيقاعية وإيقاع. لم يطيع أعضاءها الأربعة 4 بعد قوانين البوليفونيات الحالية (تقليد، كانون، إلخ). في عمل Perothsum كان هناك تقليد من الهتافات متعددة الأصوات للكنيسة الكاثوليكية.

Zokene دي موافق. 1440-1524.

فرانكو فلمنكي الملحن. من الكنيسة الصغيرة الكنيسة الغناء. خدم في مدن مختلفة من إيطاليا (في 1486-99 مصلي بابوي المغني في روما) وفرنسا (كامبوني، باريس). كان محكمة موسيقية لويس الثاني عشر؛ تلقى اعتراف بأنه سيد ليس فقط موسيقى عبادة، ولكن أيضا الأغاني العلمانية، توقع الفرنسية تشانسون. السنوات الأخيرة من الحياة هي abbot من الكاتدرائية في Konde-sur-Esco. Zoskien Dew - واحدة من أعظم الملحنين في النهضة، التي كانت لها تأثير متعدد الاستخدامات على التطور اللاحق للفن الأوروبي الغربي. يلخص إبداع إنجاز مدرسة هولندا، خلق مقالات مبتكرة من الأنواع الروحية والعلمانية (الكتلة والحرميات والمزامرة، فوروتول)، تابعة تقنية مجسمية عالية مع فني جديد، مهام. إن لحن أعمالها المرتبطة بمصادر النوع الأكثر ثراء ومتعددة الأوجه من السادة الهولندية السابقة. كان "تطهير" نمط مجسمه Zoshen DeW، خالية من المضاعفات المضادة، نقطة تحول في تاريخ الكتابة الكلاغية.

الأنواع الصوتية

للعصر بأكمله، بشكل عام، الغلبة الواضحة للأنواع الصوتية، والفخارية الخاصة polyphonies.وبعد كانت المهارة المعقدة بشكل غير عادي من البوليفونيا الصارمة، ومنحة دراسية حقيقية، كانت تقنية Virtuoso مجاورة للفنية المشرقة والطازجة للتوزيع المحلي. الموسيقى الآلية تستحوذ على بعض الاستقلال، لكن اعتمادها الفوري على الأشكال الصوتية ومن المصادر المحلية (الرقص والأغنية) ستتغلب فقط لاحقا قليلا. تبقى الأنواع الموسيقية الكبيرة مرتبطة بالنص اللفظي. انعكس جوهر نهضة إنسانية إنسانية في تكوين أغاني جوقة بأسلوب فوتول وفيلال.
ensres الرقص

في عصر إحياء الرقص الأستاذ يكتسب أهمية كبيرة. في إيطاليا، فرنسا، إنجلترا، إسبانيا هناك العديد من أشكال الرقص الجديدة. العديد من طبقة المجتمع لديها رقصاتها، وتنتج إعدامها وقواعد السلوك أثناء الكرات والأمسيات والاحتفالات. الرقص من النهضة هو أكثر تعقيدا من البرانلز غير المستنفد من العصور الوسطى المتأخرة. رقصات الرقص (Duet)، والتي تم بناؤها على الحركات والأرقام المعقدة تأتي ليحل محل الرقص مع التركيب الرقص والمقرن.
فولتا - زوج الرقص من أصل إيطالي. اسمها يأتي من الكلمة الإيطالية Voltare، مما يعني "تدوير". الحجم هو ثلاثة منغم، وتيرة بسرعة معتدلة. الرسم الرئيسي للرقص هو أن الفرسان على الفور وبشكل حاد يحول السيدة في الهواء. هذا الارتفاع عادة ما يتم ذلك مرتفع للغاية. يتطلب قوة كبيرة وبراعة من الفرسان، منذ ذلك الحين، على الرغم من الحدة وبعض الشوائب من الحركات، يجب إجراء الارتفاع بوضوح وجميلة.
جالاردا - الرقص القديم من أصل إيطالي، مشترك في إيطاليا، إنجلترا، فرنسا، إسبانيا، ألمانيا. وتيرة جالفرار المبكرة بسرعة معتدلة، وحجم ثلاث تونول. غالبا ما يتم تنفيذ جلفارد بعد الزميل، الذي كان يرتبط به في بعض الأحيان موضوعيا. غالارد 16 خامسا إنه مستدام في نسيج متنارقة لحن مع لحن في الصوت العلوي. كانت الألحان غالارد شائعة في طبقات واسعة من المجتمع الفرنسي. أثناء الإعدام، يلعب الطلاب سيريناد أورليانز ألحان شاشات في اللواد والقياسير. مثل الدقات، ارتدى جالشاردا شخصية نوع من حوار الرقص. انتقل كافر حول القاعة مع سيدته. عندما أجرى رجل منفردا، ظلت السيدة في مكانها. يتكون من سولو من الذكور من مجموعة متنوعة من الحركات المعقدة. بعد ذلك، اقترب مرة أخرى من السيدة واستمرت الرقص.
بافانا - أرفق رقصة 16-17 قرون. وتيرة بطيئة بشكل معتدل، الحجم 4/4 أو 2/4. في مصادر مختلفة، لا يوجد توافق في الآراء بشأن أصلها (إيطاليا وإسبانيا وفرنسا). النسخة الأكثر شعبية هي رقصة إسبانية تنبعث منها تحركات علامات الطاووس مع ذيل جميل مسحوق. كان قريب من بابدانزا. تم إجراء العديد من المسيرات الاحتفالية إلى موسيقى بافانا: مداخل السلطات في المدينة، والعرائس المرئي في الكنيسة. في فرنسا وإيطاليا، تمت الموافقة بافان كرقص محكمة. سمحت الطابع الرسمي لبافانا لجمعية المحكمة للتألق بالنعمة ونعمة طريقه والحركات. الناس والبرجوازية هذا الرقص لم يؤد. كانت بافانا، مثل Quicket، بدقة في صفوف. بدأ رقصة الملك والملكة، ثم تم إدخال Dofin في سيدة ملحوظة، ثم الأمراء، إلخ. أجرى دراهيات مع شعر مستعار في السيف وفي عمليات التفسير. كانت السيدات في الفساتين الأمامية مع TPS الطويل الثقيلة، والتي تحتاج إلى أن تكون بمهارة خاصة أثناء الحركات، دون رفعها عن الأرض. جعلت حركة الخندق تحركات جميلة، مما يعطي Pawan pomp and solemnity. بالنسبة لملكة السيدات التقريبية حملت الحلقة. قبل بداية الرقص، كان من المفترض أن يتجاوز القاعة. في نهاية الرقص، ذهب الزوج مع الانحناء والعكس مرة أخرى حول القاعة. ولكن قبل وضع قبعة، كان من المفترض أن يضع الكافيلير اليد اليمنى على كتف السيدة، اليسار (القبعة القابضة) - على خصرها وقبلها على الخد. خلال الرقص، تم تخفيض السيدة. فقط من وقت لآخر نظرت إلى فارسها. تم الحفاظ على بافان الأكثر فقيرا في إنجلترا، حيث كانت تحظى بشعبية كبيرة.
أليمندا - رقصة بطيئة من أصل ألماني في حجم 4 دولارات. إنه ينتمي إلى الرقص "منخفض" هائل. أصبح الأداء أزواجا مع بعضهم البعض. عدد البخار غير محدود. أبقى كافر سيدة من ذراعيه. كان العمود يتحرك في جميع أنحاء القاعة، وعندما وصل إلى النهاية، قام المشاركون بدورهم في المكان (لا يفصل الأيدي) واستمر الرقص في الاتجاه المعاكس.
كورانتا - محكمة الرقص من أصل إيطالي. كان الحاسعة بسيطة ومعقدة. الأول يتألف من خطوات جدرية بسيطة تؤديها أساسا إلى الأمام. كانت الدقات المجمع شخصية بانيومية: تم دعوة ثلاثة كافاليين إلى ثلاثة سيدات للمشاركة في الرقص. تم تخصيص السيدات للركن المقابل للقاعة وطلب من الرقص. رفضت السيدات. ذهب دراهاة، بعد أن تلقى رفضا، ولكن بعد ذلك عاد مرة أخرى وأصبح قبل السيدات على ركبتيها. فقط بعد مشهد بانوميمين بدأ الرقص. تختلف أدقة الأنواع الإيطالية والفرنسية. الحجر الإيطالي - رقصة أحياء 3/4 أو 3/8 مع إيقاع بسيط في نسيج متنارقة لحن. الفرنسية - الرقص الرسمي ("الرقص من الأخلاق")، موكب ناعم سيدومينال. حجم 3/2، وتيرة معتدلة، والملمس المجسمات المجسمة إلى حد ما.
ساراباندا - الرقص الشعبي 16 - 17 قرون. حدث من الرقص الإناث الإسبانية مع kastagnets. يرافقه الأصل في الغناء. يعطي BaletetMaster الشهير والمعلم كارلو Blazis في أحد أعمالهم وصفا موجزا لساراباندا: "في هذه الرقص، يختار الجميع سيدة أنه غير مبال. الموسيقى تعطي إشارة، واثنين من عشاق أداء الرقص، نبيلة، قياس ومع ذلك، فإن أهمية هذه الرقص لا تتداخل مع المتعة والتواضع يمنحه أكثر عملية رشاقة؛ وجهات نظر الجميع سعداء باتباع الرقص الذين يؤدون أرقام مختلفة، عبروا جميع مراحل الحب مع حركتهم. " في البداية، كانت وتيرة ساراباندا سريعة بشكل معتدل، في وقت لاحق (من القرن السابع عشر) كان هناك ساراباند الفرنسية بطيئة مع نمط إيقاعي مميز: ...... في وطنه ساراباندا دخلت في فئة الرقصات الفاحشة وفي عام 1630. تم حظره من قبل المجلس القشتالي.
ZhiGa. - رقص من أصل إنجليزي، أسرع وثلاثة هاتف، تحول إلى تعجل. في البداية، كان الألبوم رقصة زوج، من بين البحارة ينتشرون كرقص سريع للغاية لطبيعة هزلية. في وقت لاحق أنه في موسيقى مفيدة مثل الجزء الأخير من جناح الرقص القديم.

الأنواع الصوتية

تجلى ميزات الباروك الأكثر وضوحا في تلك الأنواع حيث تتفق الموسيقى مع فنون أخرى. كانت هذه، أولا وقبل كل شيء، الأوبرا، Oratoria، مثل هذه الأنواع من الموسيقى الروحية، مثل Passonese و Cantata. الموسيقى جنبا إلى جنب مع الكلمة، وفي الأوبرا - مع الأزياء والديكورات، أي مع عناصر اللوحة والفن التطبيقي والهندسة المعمارية، تم استدعاءها للتعبير عن العالم الروحي المعقد من الرجل، الذي تعاني من الأحداث المعقدة والمتنوعة وبعد حي الأبطال، الآلهة، العمل الحقيقي والعدمية، كل أنواع السحر كانت طبيعية لطعم الباروك، كانت أعلى تعبير عن التباين، الديناميكية، التحول، المعجزات لم تكن عناصر زخرفية خارجية، ولكن كانت جزءا لا غنى عنه من الفني النظام.

الأوبرا.

تلقى نوع الأوبرا أكبر شعبية في إيطاليا. تم فتح عدد كبير من مسارح الأوبراء، والتي كانت ظاهرة رائعة وفريدة من نوعها. لا تعد ولا تحصى، رايات من قبل النزل المخملية الثقيلة، مسيجة بترول حاجز (حيث وقفت في ذلك الوقت، وليس SAT) التي تم جمعها خلال مواسم الأوبرا الثلاثة تقريبا جميع سكان المدينة تقريبا. تم شراء النزل للموسم بأكمله بأسماء باتريشيان الأخيرة، وكان شخص بسيط مزدحم في برنامج الحاجز، وأحيانا يشوه مجانا - لكن الجميع شعروا بالراحة، في جو مهرجان مستمر. كانت هناك بوفيهات، أرائك، طاولات وحيدة للعب "فرعون"؛ كل واحد منهم متصل بمباني خاصة، حيث كان الطعام يستعد. ذهب الجمهور إلى النزل المجاور كزيارة؛ المواعدة، بدأت مؤامرات الحب هنا، تم تبادل الأخبار الأخيرة، تم تبادل لعبة بطاقة لأموال كبيرة، وما إلى ذلك، وعلى المسرح، تم نشر مشهد مضطرب فاخر، مصمم للتأثير على العقل ومشاعر الجمهور، لفتاة البصر والسمع. ظهرت الشجاعة وفونور أبطال العصور القديمة، والمغامرات الرائعة لشخصيات الأسطورية قبل الإعجاب بالمستمعين في جميع الروعة في التصميم الموسيقي والديكور، وحصلت على وجود ما يقرب من الوجود المضغوط لمسرح الأوبرا.

ووصل إلى نتائج القرن السادس عشر في فلورنسا، في الدائرة ("كاميراتطة") للأحسان البشريين والشعراء والملحنين، سرعان ما يصبح الأوبرا النوع الموسيقي الرائد لإيطاليا. دور مهم للغاية في تطوير الأوبرا التي لعبها K. Monteverdi، الذي عمل في Mantu و Venice. يتميز اثنين من أشهر مراحله الشهيرة، "أورفيوس" و "التتويج من بوبباي" بمثابة الكمال المذهل لل Dramaturgy الموسيقية. في حياة مونتيردي في البندقية كانت هناك مدرسة أوبرا جديدة بقيادة F. Kawalli و M. Honor. مع الافتتاح في عام 1637 في البندقية من أول مسرح عام في سان كاسيانو، كانت هناك فرصة للوصول إلى أوبرا أي شخص اشترى تذكرة. تدريجيا، فإن معنى لحظات مذهلة، من الخارج مذهلة تزيد على حساب المثل العليا العتيقة بالبساطة والطبيعية، مستوحاة من المثبطات المفتوحة من نوع الأوبرا. تنمية ضخمة تتلقى تقنية منتجة، والتي تتيح لأحدث مغامرات الأبطال على خشبة المسرح على خشبة المسرح، رحلات طيران من الهواء، إلخ، مشهد رائع، ملون، خلق وهم المنظورات (المشهد في المسارح الإيطالية كان نموذجا بيضاوي)، نقل المشاهد إلى قصور رائعة وعلى المساحات البحرية، في الأبراج المحصنة الغامضة والحدائق السحرية.

في الوقت نفسه، في أوبرا الموسيقى، تم التركيز المتزايد في بداية الصوت المنفرد، المقدمة لنفسه العناصر المتبقية من التعبير؛ أدى هذا في المستقبل حتما إلى حماسة الفضول الصوتي الكافي والانخفاض في الآثار المثيرة، والتي غالبا ما أصبحت مجرد سبب لإظهار بيانات الصوت الهائل للمطربين. وفقا للمخصصات، أجريت Contrates للمطربين كمطالين أجروا وأحزاب الرجال والنساء. جنبا إلى جدد إعدامهم السلطة وبريق أصوات الرجال بسهولة وتنقل النساء. كان استخدام الأصوات المرتفعة في أطراف المستودع البطولية الشجاعة تقليدية ولا ينظر إليها على أنها غير طبيعية؛ إنه واسع النطاق ليس فقط في روما البابوية، حيث ممنوعات النساء رسميا أداء في الأوبرا، ولكن أيضا في مدن أخرى في إيطاليا.

من النصف الثاني من القرن السابع عشر الدور الرائد في تاريخ المسرح الموسيقي الإيطالي عائدات الأوبرا النابوليتان. المبادئ التي طورها الملحنون النابوليتان هي مبادئ تجفيف الأوبرا تصبح عالمية، ويتم تحديد أوبرا نابوليتان مع النوع الوطني للأوبرا الإيطالية Seria. لعبت الهزيلة دورا كبيرا في تطوير مدرسة أوبرا نابوليتان، نمت من ملاجئ للأيتام للمؤسسات التعليمية الموسيقية الخاصة. لقد دفعوا اهتماما خاصا للفصول مع المطربين، والتي تضمن تدريبات في الهواء، على الماء، في أماكن مزدحمة صاخبة، حيث كان الصدى، كما كان، يسيطر على المغني. الشريط الطويل من محنويات Virtuoso الرائعة - حيوانات أليفة المحافظين - نشر شهرة الموسيقى الإيطالية و "الغناء الممتاز" إلى العالم بأسره (بيل كانتتو). بالنسبة لأوبرا النابوليتان، كانت المعهد الموسيقي يشكل محمية مستمرة من الموظفين المحترفين، وكان مفتاح التحديث الإبداعي الخاص به. من بين العديد من مؤلفات الأوبرا الإيطالية لعصر الباروك، كانت هذه الظاهرة البارزة كلوديو مونتيردي. في أعماله اللاحقة، المبادئ الأساسية لأعماد الأوبرا وأشكال مختلفة من الغناء منفردا للأوبرا، والتي يجب أن تتبع معظم الملحنين الإيطاليين في القرن السابع عشر.

كان Genry Pörswell حقيقي والمبدع الوحيد للأوبرا البريطانية الوطنية. قاد عدد كبير من الأعمال المسرحية، بما في ذلك الأوبرا الوحيدة - ديدونا وإنه. "Didona and Eney" - الأوبرا الإنجليزية الوحيدة تقريبا دون إدراجات وحوارات متحكمين، والتي يتم فيها وضع عمل دراماتيكي من البداية إلى النهاية على الموسيقى. تحتوي جميع الإنتاج الموسيقي والمسؤولين الآخرين في Peresella على حوارات محادثة (في عصرنا مثل هذه الأعمال تسمى "الموسيقية").

"Opera - موقعها الممبول لها بلد التحولات؛ في غمضة عين، يصبح الناس آلهة، والآلهة تصبح الناس. لا توجد وسيلة للسفر حول البلدان، بالنسبة للبلاد تسافر أمامه . أنت تشعر بالملل في صحراء رهيبة؟ صوت صافرة على الفور يتسامح معك في الحدائق idylli؛ الآخر منك من الجحيم في مسكن الآلهة يؤدي: آخر آخر - وأنت في قرية فاي، جنيات الأوبرا فتنت كما وجوه حكايات جنية، ولكن فنهم أكثر طبيعية ... "(Dufrena).

"الأوبرا - الأداء غريبة، كم من الرشاة، حيث تكون العينين والأذنين أكثر ارتياحا من العقل؛ حيث بقاء الموسيقى عبث مضحك، حيث، عندما يتم تدمير المدينة، يغني Arias، وحول الرقص القبري ؛ عندما يمكن رؤية بلوتون والقصور الشمسية، وكذلك الآلهة والشياطين والمعالجات والولايات والسحر والقصور مدمجة وتدميرها وتدميرها في غمضة عين. هذه الشذوذ تعاني وحتى معجب لأوبرا في البلاد " (فولتير، 1712).

oratorio

ظل OCAKER، بما في ذلك الروحية والمعاصرين غالبا ما ينظر إليها كأوبرا دون أزياء ومشهد. ومع ذلك، فإن المظلات العادية والصدفة بدا في المعابد، حيث يتم تقديم المعبد نفسه، وإصدارات الكهنة والمناظر والاستنزه.

Oratoria وكان في المقام الأول النوع الروحي. كلمة oratoria نفسها (ذلك. يأتي Oratorio) من Tallatinsky Oreatorium - "Wallery"، و Latin-Wow - "أقول، نصلي". ولد Oratorion في نفس الوقت كأوبرا وكانتا، ولكن في المعبد. وكان سلفها الدراما الليتورجية. ذهب تطوير هذا الإجراء الكنيسة في اتجاهين. من ناحية، اكتساب بشكل متزايد هو شائع، تحول تدريجيا إلى تمثيل هزلي. من ناحية أخرى، فإن الرغبة في الحفاظ على خطورة اتصال الصلاة مع الله طوال الوقت دفعت إلى اعتبار الأداء، حتى مع المؤامرة الأكثر تطورا ومثيرة. هذا أدى، في نهاية المطاف، إلى ظهور oratorio كمعبد مستقل، أول معبد بحت، ثم نوع حفلة موسيقية.

موسيقى حفل العصور الوسطى - فترة التنميةالثقافة الموسيقيةهناك فاصل زمني الاستيلاءالخامس إلى القرن الرابع عشر الميلادي. وبعد
في عصر العصور الوسطى في أوروبا هناك ثقافة موسيقية من نوع جديد -إقطاعي توحيد الفن المهني، علم الهواة والتراث الشعبي. منذ الكنيسة يهيمن في جميع مجالات الحياة الروحية، أساس الفن الموسيقي المهني هو أنشطة الموسيقيين فيالمعابد والأديرة وبعد تم تقديم الفن المهني العلماني في البداية فقط للمطربين الذين يخلقون وتنفيذ أساطير ملحمية عند الفناء، في منازل لمعرفة، من بين المحاربين، إلخ (لوحات، سكالدي وإلخ.). مع مرور الوقت، تتطور قوالب الهاوية وشبه المهنية للطقس.الفرسان: في فرنسا - فن التربادوروف وتحمدا (آدم دي لا، القرن الثالث عشر)، في ألمانيا - ميننسينجر ( التنجستن فون Eschenbach., Walter خلفية دير Fogelweed، XII - القرن الثالث عشر )، وكذلك الحضرالحرفيين. في القلاع الإيالة وفي المدن تزرع جميع أنواع الولادة،الأنواع وأشكال الأغاني (ملحمة، "الفجر"، Rondo، Le، Velel، القصص، التخيث، والأراضي، إلخ).
المدرجة في الحياة الجديدةالات موسيقية، بما في ذلك أولئك الذين يأتونالشرق (فيولا، lute وما إلى ذلك)، تنشأ الفرص (التراكيب غير المستقرة). أزهار الفولكلور في وسط الفلاحين. "محترفي الناس" يعملون أيضا:سبورترز. ، ارتداء الفنانين الاصطناعية (عجلة، ميم، المعادن، السبليون، مخطاج ). تتكرر الموسيقى الوظائف المطبقة والروحية والعملية. الإبداع يؤدي في وحدةأداء (عادة في شخص واحد).
وفي محتوى الموسيقى، في شكلها يهيمنالانعكاسية ؛ يخضع بداية فردية للجنرال، دون الوقوف من ذلك (ماجستير الموسيقي هو أفضل ممثلمجتمعات ). في جميع حدة صارمةالتقليدية والكونونية وبعد التوحيد والحفظ والتوزيعالتقاليد والمعايير.
تدريجيا، على الرغم من ببطء، فإن محتوى الموسيقى مخصب، لهاالأنواع، أشكال وسائل التعبيرية. فيأوروبا الغربية مع 6 قرون السادسة وبعد هناك نظام منظم بدقة.شعر واحد (مونوديك ) الموسيقى الكنيسة بناء علىديتونيك لاند ( الغناء grigorian)، توحيد تلاوة (مزمور) والغناء (تراتيل ). في مطلع الألفية الأولى والثانية، ولدتتعدد الأصوات وبعد شكلت جديدةصوتي (choral. ) والفائدة الصوتية (جوقة والجهاز) الأنواع: الأعضاء، موت، كان كوندوك، ثم ميسيا. في فرنسا في القرن الثاني عشر تم تشكيل الأولمدرسة الملحن (الإبداعي) مع كاتدرائية والدة الباريسية الله. (ليونين، بزر). في مطلع النهضة (ARS Nova Style في فرنسا وإيطاليا، القرن الرابع عشر) في الموسيقى المهنية يتم حل محلهتعدد الأصوات تبدأ الموسيقى في تحريرها من وظائف عملية بحتة (صيانة الكنيسةالطقوس )، فإنه يزيد من القيمةعلماني الأنواع، بما في ذلك الأغاني (جيل دي ماشو).

إحياء.

الموسيقى في الفترة من قرون XV-XVII.
في العصور الوسطى، كانت الموسيقى من صلاحيات الكنيسة، لذلك كانت معظم الأعمال الموسيقية مقدسة، فقد كانت تستند إلى هتافات الكنيسة (غريغوريان كورالي)، والتي كانت جزءا من الدين من بداية المسيحية. في بداية القرن السادس عشر، كانت مقالات العبادة، مع المشاركة المباشرة للبوب غريغوري الأول، تم إصدارها أخيرا. تم إجراء غريغوريان خالال من قبل المطربين المحترفين. بعد تطوير موسيقى الكنيسة، ظل Grigorian Chorals الأساس المواضيعي للأعمال الدينية المجسمة (الفوضى، موتويتوف، إلخ).

تابعت العصور الوسطى النهضة، التي كانت للموسيقيين في اكتشافات الحقبة والابتكارات والبحوث، عصر إحياء جميع طبقات من المظاهر الثقافية والعلمية للحياة من الموسيقى والرسم إلى علم الفلك والرياضيات.
على الرغم من أن معظمها في الغالب ظلت الموسيقى دينية، إلا أن إضعاف سيطرة الكنيسة على المجتمع فتحت الملحنين والمواد الفنانين بحرية كبيرة في مظهر مواهبهم.
مع اختراع آلة الطباعة، كان من الممكن طباعة وتوزيع الملاحظات، من الآن فصاعدا وتبدأ ما نسميه الموسيقى الكلاسيكية.
خلال هذه الفترة، ظهرت أدوات موسيقية جديدة. الأدوات الأكثر شيوعا التي كانت عشاق اللعبة من الموسيقى سهلة وببساطة، دون الحاجة إلى مهارات خاصة.
كان في هذا الوقت أن فيولا ظهر - سلف الكمان. بفضل الفتيان (خطوط خشبية عبر GRIFF)، كان من السهل اللعب، وكان صوتها هادئا ولطيفا وبدا جيدا في القاعات الصغيرة.
وكانت أدوات النحاس أيضا شعبية - كتلة الناي، الناي والقرن. تمت كتابة الموسيقى الأكثر تعقيدا من أجل الكتلة التي تم إنشاؤها حديثا، الأشجار (English Harpsichin، تتميز بحجم صغير) والجهاز. في الوقت نفسه، لم ينس الموسيقيون اخماد الموسيقى أسهل، والتي لم تتطلب مهارات عالية الأداء. في الوقت نفسه، كانت هناك تغييرات في خطاب الموسيقى الإيطالي Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile موبايل جاء ليحل محل الكتل المطبوعة الخشبية الثقيلة. تعمل المصنف الموسيقي المنشور بسرعة، بدأ المزيد والمزيد من الأشخاص في الانضمام إلى الموسيقى.
تم وضع علامة نهاية عصر الإحياء من خلال الحدث الأكثر أهمية في التاريخ الموسيقي - ولادة الأوبرا. في فلورنسا، تم جمع مجموعة من الإنسانين، الموسيقيين، الشعراء تحت رعاية زعيمهم الرسم البياني جوفاني دي باردي (1534 - 1612). تم استدعاء المجموعة "الكاميرا"، أعضائها الرئيسيون كانوا جوليو كاشتشيني، بيترو ستروزي، فينسونزو الجليل (الأب الفلكي غاليليو جاليليو)، جيلورامو مي، إيميليو دي كافاليزي و أوتافيو رينوسشيني في السنوات النية.
تم إنشاء أول تجميع موثقة للمجموعة في عام 1573، وأكثر سنوات عمل نشطة "camerata florentine. "كان 1577-1582. كانوا يعتقدون أن الموسيقى" مدلل "وسعت للعودة إلى شكل وأسلوب اليونان القديمة، معتقدين أن الفن الموسيقي يمكن تحسينه، وبناء على ذلك، ستحسن المجتمع أيضا. انتقدت الكاميرا الموسيقى الحالية بالنسبة للاستخدام المفرط من البوليفونيا على حساب الأمعاء. اقترح النص وفقدان العنصر الشعري للعمل أيضا إنشاء نمط موسيقي جديد كان النص في النمط الأونسي مصحوبا بموسيقى مفيدة. تجاربهم أدى إلى إنشاء شكل جديد موسيقي جديد - Cleadtee المستخدمة من قبل Emilio de Cavalieri، وترتبط بعد ذلك بشكل مباشر بتطوير الأوبرا.
الاعتراف رسميا رسمياالأوبرا من المقابلة مع المعايير الحديثة، تم تقديم أوبرا "دافني" (دافني) لأول مرة في عام 1598 من قبل المؤلفين "دافني" كانت جاكوبو بيير وجاكوبو كورسي، Libretto Ottavio Rhinucchini. لا يتم الحفاظ على هذه الأوبرا. أول الأوبرا الباقية هي "Eurydick" (1600) من نفس المؤلفين - جاكوبو لكل. و ottavio rhinucchini. أنشأ هذا الاتحاد الإبداعي أيضا الكثير من الأعمال، فقد فقد معظمهم.

موسيقى الباروك المبكر (1600-1654)

يمكن اعتبار النقطة الشرطية للانتقال بين عصر الباروك وعصر النهضة إبداء الملحن الإيطالي كلوديو مونتيردي (1567-1643) من أسلوبه الاستدعائي والتطور الثابت للأوبرا الإيطالية. بداية عروض الأوبرا في روما وخاصة في البندقية تعني الاعتراف وتوزيع نوع جديد في البلاد. كل هذا كان جزءا فقط من عملية أكثر شمولا تم التقاط جميع الفنون، ولا سيما تجلى بشكل مشرق في لوحات الهندسة المعمارية والكتابة.
تولي مؤلفات النهضة الانتباه إلى وضع كل جزء من العمل الموسيقي، دون الاهتمام تقريبا بالمقارنة بين هذه الأجزاء. بشكل منفصل، يمكن أن يبدو كل جزء ممتازا، ولكن النتيجة المتناغمة للإضافة كانت، بدلا من ذلك، حالة القضية من الأنماط. أشار ظهور باس أحرار إلى تغيير كبير في التفكير الموسيقي - أي حقيقة أن الانسجام، وهو "إضافة أجزاء كاملة"، بنفس أهمية الأجزاء اللحمية (البوليفونيا) بنفسها. بدا المزيد والمزيد من البوليفونيا والوئام كطفائين من فكرة واحدة عن تكوين الموسيقى المتناغمة: عند الكتابة، أعطيت تسلسل متناغمة نفس الاهتمام باعتباره Tritones عند خلق التنافر. يوجد التفكير التوافقي أيضا في بعض الملحنين في العصر السابق، على سبيل المثال، كارلو جسوالدو، ولكن في عصر الباروك، أصبح مقبولا عموما.
هذه الأجزاء من الأعمال التي من المستحيل فصلها بوضوح عن الطريقة من النغم، كما أنه يمثل كبرى مختلط، أو قاصر مختلط (لاحقا لهذه المفاهيم قدم مصطلح "الراديم الرئيسية" و "القاصر الوحشي"، على التوالي) وبعد من الجدول، يمكن أن ينظر إليه كيف ينزيع الوئام النداني بالفعل في فترة الباروك المبكرة تقريبا تنسيق الحقبة السابقة.
تصبح إيطاليا مركز أسلوب جديد. إن البابوية، على الرغم من أن القبض عليه النضال مع الإصلاح، ولكن مع ذلك حيازة موارد نقدية ضخمة، فإن الحملات العسكرية في هابسبورغ، كانت تبحث عن إمكانية انتشار الإيمان الكاثوليكي من خلال توسيع النفوذ الثقافي. الرائعة، العظمة وتعقيد العمارة والفنون البصرية والموسيقى والكاثوليكية، كما كانت، مع البروتستانتية الزهدية. أجرت الجمهوريات والمدارس الإيطالية الغنية، منافسة نشطة في مجال الفنون الجميلة. أحد المراكز المهمة للفن الموسيقي كان البندقية، سابقا في وقت العلمانية وتحت رعاية الكنيسة.
وكان شخصية مهمة من فترة الباروك المبكرة، التي كان موقفها على جانب الكاثوليكية، معارضة التأثير الأيديولوجي والثقافي والجمهور المتنامي للبروتستانتية، جيوفاني غابرييلي. ينتمي عمله إلى أسلوب "مربق مرتفع" (ذروة النهضة). ومع ذلك، تشير بعض ابتكاراتها في مجال الأدوات (تعيين أداة معينة لمهامها الخاصة) بوضوح إلى أنه كان أحد الملحنين الذين أثروا على مظهر أسلوب جديد.
واحدة من المتطلبات التي فرضتها الكنيسة إلى عمل الموسيقى الروحية هي أن النصوص الموجودة في الأعمال التي لديها غناء كانت مبعثرة. طالب البضائع من البوليفونيا إلى التقنيات الموسيقية، حيث ذهبت الكلمات إلى الصدارة. أصبحت غناء أكثر تعقيدا، فالفيتيفات مقارنة بالمرافقة. لذلك حصلت على تطوير فاخر.
monteverd كلوديو (1567-1643)، الملحن الإيطالي. لم يستجب له أي شيء كتعرض للسلام الداخلي والعقلي للرجل في نزاعاته الدرامية والصراعات مع العالم الخارجي. Monteverdi هو Premunity حقيقي لدراما النزاع في خطة المأساة. إنه مغني إعصار للاستحمام البشري. سعى باستمرار إلى التعبير الطبيعي للموسيقى. "الخطاب إنساني - سيدة الانسجام وليس عبده".
"أورفيوس" (1607) -تركزت موسيقى الأوبرا على الكشف عن العالم الداخلي للبطل المأساوي. طرفه متعدد الأوجه بشكل غير عادي، فإنه يدمج العديد من التيارات العاطفية والتعبيرية وخطوط النوع. يظهر بحماس غاباته الأصلية وسواحله أو الحزن على فقدان يوريديك في أغاني المستودع الشعبية غير القابلة للتنفيذ.

الموسيقى الموسيقى الباروك (1654-1707)

غالبا ما تسمى فترة مركزية السلطة العليا في أوروبا في الغالب. وصلت مطلقا إلى أنقاطها مع الملك الفرنسي لويس الرابع عشر. لكامل أوروبا، كان لويس لويس نموذجا لذلك. بما في ذلك الموسيقى المنجزة في المحكمة. أعطى زيادة توافر الآلات الموسيقية (كانت ذات صلة خاصة بالوحة المفاتيح) زخما لتطوير موسيقى الغرفة.
يختلف الباروك الناضجة عن انتشار واسع النطاق في وقت مبكر من نمط جديد وفصل تعزيز الأشكال الموسيقية، خاصة في الأوبرا. كما هو الحال في الأدب، أدت القدرة على دفق طباعة الأعمال الموسيقية إلى امتداد الجمهور؛ انخفض التبادل بين مراكز الثقافة الموسيقية.
كان ممثل متميز من مؤلفات المحكمة في ساحة لويس الرابع عشر جيوفاني باتيستا لوللي (1632-1687).بالفعل في 21، حصل على لقب "الملحن المجذوف للموسيقى الأساسية". كان العمل الإبداعي لولي من البداية مرتبطا بإحكام مع المسرح. بعد تنظيم موسيقى غرفة المحكمة والكتابة "Airs de Cour"، بدأ كتابة موسيقى الباليه. رقص لويس الرابع عشر نفسه في البالييدات، والتي كانت بعد ذلك الترفيه المفضل للنبلاء المفضل. كان لولي راقصة ممتازة. كان قادرا على المشاركة في الإنتاج والرقص جنبا إلى جنب مع الملك. وهو معروف بتعاونه مع MOLIERE، على مسرحيات كتب الموسيقى. لكن الشيء الرئيسي في أعمال Lully كان لا يزال يكتب الأوبرا. من المستغرب، أنشأ لولي نوعا كاملا من الأوبرا الفرنسية؛ ما يسمى المأساة الغنائية في فرنسا (الاب. المأساة ليرهي)، ووصل إلى النضج الإبداعي الذي لا شك فيه في السنوات الأولى من عمله في دار الأوبرا. غالبا ما تستخدم المساكن بين الصوت المهيب للقسم الأوركسترا، والمستفيدين البسيطين والأريات. اللغة الموسيقية في الهاوية ليست معقدة للغاية، ولكن بالطبع، بطبيعة الحال، وضوح الانسجام، والطاقة الإيقاعية، ووضوح عضوية النموذج، فإن نقاء الملمس يتحدث عن انتصار مبادئ التفكير المثليين. في حد كبير، تم تسهيل نجاحه أيضا من خلال قدرته على اختيار الموسيقيين إلى الأوركسترا، وعمله معهم (هو نفسه أجرى بروفات). كان عنصر لا يتجزأ من عمله الانتباه إلى الوئام وأداة حل.
في إنجلترا، تميز الباروك الناضج عبقرية مشرق من هنري بيريسيلا (1659-1695). توفي الشباب، في سن 36، كتابة عدد كبير من الأعمال وتصبح معروفا على نطاق واسع خلال حياته. كان Purcell على دراية بعمل كوريلي وغيره من الملحن الباروكي الإيطالي. ومع ذلك، كان رعاةه وعملائه أشخاصا من مجموعة متنوعة أخرى من العلمانية والكنيسة الإيطالية والفرنسية لمعرفة، وبالتالي فإن كتابات Pörslla مختلفة تماما عن المدرسة الإيطالية. عملت بورسيل في مجموعة واسعة من الأنواع؛ من التراتيل الدينية البسيطة إلى مسيرة الموسيقى، من المقالات الصوتية بتنسيق كبير لنظام الموسيقى. يحتوي كتالوجه على أكثر من 800 وظيفة. أصبح Purcell أحد أول مؤلفات موسيقى لوحة المفاتيح، مما ينطبق تأثيره على الحداثة.
على عكس الملحنين أعلاه Dietrich BuxThehud (1637-1707) لم يكن الملحن المحكمة. عمل Buxtehude من قبل عضو في هيلسينجبورغ (1657-1658)، ثم في Elsinor (1660-1668)، ثم ابتداء من 1668، في كنيسة القديسة ماري في لوبيك. لم يكسب نشر أعماله، ولكن إعدامها، ويفضل رعاية النبلاء مقالا للموسيقى في نصوص الكنيسة وإعدام عمله الأعضاء الخاصة. لسوء الحظ، لم يتم الحفاظ على جميع الأعمال من هذا الملحن. إن موسيقى محطة الفرشاة مبنية إلى حد كبير على حجم الأفكار والثروة وحرية الخيال، الميل إلى مثير للشفقة، والتبريسية، والعديد من التجويدات الابتدائية. كان لإبداعه تأثيرا قويا على مثل هذه الملحنين باسم I. Bach و Temen.

الموسيقى في وقت متأخر الباروك (1707-1760)

الخط الدقيق بين الباروك الناضج والمتأخر هو موضوع المناقشة؛ إنه يكمن في مكان ما بين عامي 1680 و 1720. في درجة كبيرة من تعقيد تصميمه، تم استبدال حقيقة أنه في بلدان مختلفة من الأساليب بعدم عدم المشروع؛ الابتكارات التي اعتمدت بالفعل من قبل القاعدة في مكان واحد في الآخر كانت تجد طازجة
وصلت النماذج المفتوحة بحلول الفترة السابقة إلى النضج والتقلبات الكبيرة؛ حفل موسيقي، جناح، سوناتا، كونتراتو جروسو، Oratoria، Opera و Ballet لم تعد لم تعد ميزات وطنية واضحة. إنشأ عالميا أنشأت مخططات مقبولة عموما من الأعمال: مخططين متكررين (AABB)، وهو ثلاثة أجزاء بسيطة (ABC) وروندو.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - الملحن الإيطالي، ولد في البندقية. في عام 1703، قبل كاهن سان الكاثوليكي. في هذه، مع ذلك، لا تزال تنمية أنواع مفيدة (Baroque Sonata وحفل موسيقي باروك)، Vivaldi وجعلت مساهماتها الأكثر أهمية. تتألف Vivaldi أكثر من 500 حفلات موسيقية. كما قدم أسماء البرامج إلى بعض عملها، مثل "المواسم" الشهيرة ".
دومينيكو سكارلاتي (1685-1757) كان أحد الملحنين في لوحة المفاتيح الرائدة وأداء أداء وقتها. ولكن ربما أصبح ملحن المحكمة الأكثر شهرة جورج فريدريش هاندل (1685-1759).ولدت في ألمانيا، درست في إيطاليا لمدة ثلاث سنوات، لكن في عام 1711 غادر لندن، حيث بدأ حياته المهنية الرائعة وغير الناجحة تجاريا لأوبرا مستقلة للأوبرا، وأوامر أداء للنبلاء. إن وجود طاقة دؤوبة، تدويرها بمواد الملحنين الآخرين، واستمرار إعادة صياغة مقالاته الخاصة. على سبيل المثال، من المعروف عن إعادة صياغة المتحدثين المشهورين "المسيح" عدة مرات الآن لا يوجد أي إصدار يمكن أن يسمى "أصيلة".
بعد الموت، اعترف بأنه الملحن الأوروبي الرائد، ودرس من قبل الموسيقيين عصر الكلاسيكية. هاندل مختلطة في موسيقاه التقاليد الغنية من الارتجال والبقاء المقابل. وصل فن المجوهرات الموسيقية إلى مستوى مرتفع للغاية في أعماله. سافر في جميع أنحاء أوروبا لدراسة موسيقى الملحنين الآخرين، وبالتالي كان لديهم مجموعة واسعة جدا من المواعدة بين الملحنين من الأساليب الأخرى.
يوهان سيباستيان باخ ولد في 21 مارس 1685 في مدينة أيثينة، ألمانيا. من أجل حياته، قام بتأليف أكثر من 1000 يعمل في مختلف الأنواع، باستثناء الأوبرا. لكن خلال حياته، لم يحقق أي نجاح ذي معنى. تتحرك عدة مرات، استبدال باخ واحد غير مرتفعة للغاية من أجل الآخر: في فايمار، كان موسيقي محكمة في فايمار ديوك يوهانا إرنست، ثم أصبحت قائماطا في كنيسة القديسة Bonifacea في Arnstadt، بعد بضع سنوات أخذت موقف عضوي في كنيسة القديسة موسيا في مولهاوزن، حيث عمل فقط حوالي عام، وبعد ذلك عاد إلى فايمار، حيث أخذ مكان عضوي المحكمة ومنظم الحفلات الموسيقية. في هذا المنصب تأخر لمدة تسع سنوات. في عام 1717، ليوبولد، ديوك أنهالت كوتنسكي، استأجرت بها إلى موقف Kapelmeister، وبدأ باخ في العيش والعمل في كوتن. في عام 1723، انتقل باخ إلى لايبزيغ، حيث ظل حتى وفاته في عام 1750. في السنوات الأخيرة من الحياة، بعد وفاة باخ، بدأت شهرةه كملحن في الانخفاض: كان أسلوبه يعتبر من الطراز القديم مقارنة بالكلفة الثلاثية المزدهرة. كان يعرفه أكثر وتذكره كفنانة، المعلم وأب باخوف جونيور، بادئ ذي بدء، تشارلز فيليب إيمانويل، الذي كانت موسيقاها مشهورة.
فقط تنفيذ "مشاعر ماثيو" من خلال مندلسون، بعد 79 عاما من وفاة I. S. Baha، إحياء الفائدة في عمله. الآن I. S. BAC هي واحدة من الملحنين الأكثر شعبية.
الكلاسيكية
الكلاسيكية - النمط والاتجاه في فن القرن الثامن عشر - قرون أول شيكس.
كلمة حدث ذلك من الكلام اللاتيني - مثالي. استندت الكلاسيكية إلى الإدانة في مخابرات كونها، في حقيقة أن الطبيعة البشرية متناغم. شوهد مثاليا للكلاسيكيات في الفن العتيق، الذي كان يعتبر أعلى شكل من أشكال الكمال.
في القرن الثامن عشر، تبدأ مرحلة جديدة من تنمية الوعي الاجتماعي - عصر التنوير. يتم تدمير النظام العام القديم؛ أفكار احترام كرامة الإنسان والحرية والسعادة لها أهمية قصوى؛ تكسب الشخصية الاستقلال والنضج، ويستخدم عقلها والتفكير النقدي. يأتي نمط حياة جديد، استنادا إلى الطبيعة والبساطة، إلى استبدال المثل العليا للعصر الباروكي والأمطال. وقت وجهات النظر المثالية لجان جاك روسو، ودعا إلى الطبيعة، إلى الفضيلة الطبيعية والحرية. إلى جانب الطبيعة، فإن العصور القديمة مثالية، لأنه كان يعتقد أنه كان خلال وقت العصور القديمة التي تمكنت من تجسيد جميع الطموحات البشرية. Artique Art يحصل على اسم الكلاسيكي، من المعترف به من قبل المثالية، الأكثر صحة، مثالية، متناغم، وعلى عكس فن حقبة الباروك، تعتبر بسيطة ومفهومة. مركز الاهتمام، جنبا إلى جنب مع الجوانب الهامة الأخرى، هناك تعليم، موقف شعب بسيط في هيكل اجتماعي، عبقرية كمتانة بشرية.

العقل يسود في الفن. الرغبة في التأكيد على التعيين العالي للفن، ودوره الجمهور والمتدون، وكتب التنوير الفلسفي الفرنسي دينيس ديدرو: "كل عمل من المنحوتات أو اللوحة يجب أن تعبر عن أي حكم حياة عظيم، يجب أن يعلم".

كان المسرح في نفس الوقت كتاب مدرسي للحياة، وحياته نفسها. بالإضافة إلى ذلك، في المسرح، يتم طلب العمل بشكل كبير، قياس؛ ينقسم إلى أعمال ومشاهد، والذين بدوره، وتشريح على نسخة متماثيل منفصلة من الشخصيات، مما يخلق مثل هذا المثل الأعلى للفن هو القرن 18 مكلف للغاية، حيث يكون كل شيء في مكانه ويخضع للقوانين المنطقية.
موسيقى الكلاسيكية مسرحية للغاية، ويبدو أن نسخها من قبل فن المسرح، على سبيل المثال له.
فصل Sonata الكلاسيكي وسمفونية على أقسام كبيرة - أجزاء، في كل منها هناك الكثير من الأحداث "الأحداث"، مثل تقسيم الأداء على الإجراءات والمشاهد.
في موسيقى القرن الكلاسيكي، غالبا ما تعني المؤامرة، نوعا من الإجراءات المنتشرة أمام المستمعين وكذلك عمل الممثل المنتشر أمام الجمهور.
يبقى المستمع فقط لتضمين الخيال ومعرفة في "الملابس الموسيقية" لشخصيات الكوميديا \u200b\u200bالكلاسيكية أو المأساة.
يساعد فن المسرح على شرح التغيير الكبير في أداء الموسيقى، والتي تم إنجازها في القرن الثامن عشر. في السابق، كان المكان الرئيسي الذي كانت فيه الموسيقى هي المعبد: كان هناك رجل فيه أدناه، في مسافة ضخمة، حيث ساعدت الموسيقى كما لو أن الموسيقى في النظر إلى أسفل وتكريس أفكاره لله. الآن، في القرن الثامن عشر، أصوات الموسيقى في الصالون الأرستقراطي، في قاعة بلنت العقارية أو في ميدان المدينة. يبدو أن مستمع تعليم التنوير بدوره مع الموسيقى "عليك" ولا تواجه المزيد من الاستسلام والغلب الذي ألهمته عندما بدت في المعبد.
لا يوجد صوت قوي ومجلم للجهاز، وقد تم تخفيض دور الجوقة بالفعل. موسيقى الأصوات النمط الكلاسيكية بسهولة، هناك أصوات أقل بكثير في ذلك، كما لو كانت "أقل تزن" من البضائع والموسيقى متعددة الطبقات في الماضي. سلل العضو والكتار غير صوت أوركسترا السمفونية؛ ارتفع Arias المرتفعة في الطريق إلى الموسيقى مع الضوء والإيقاعي والرقص.
بفضل الإيمان الذي لا حدود له في إمكانية العقل البشري وقوة معرفة القرن الثامن عشر بدأ في استدعاء منتصف العقل أو سن التنوير.
تحدث الكلاسيكية التي تحدث في 80s من القرن الثامن عشر. في عام 1781، يخلق Y. Gaidn العديد من الأعمال المبتكرة، من بينها سلسلة الرباعية السلسلة. 33؛ بروليدا من الأوبرا v.a. موزارت "اختطاف Seryla"؛ دراما F. Schiller "لصوص" و "Cleaning Cleaver" I. يتم نشر Kant.

ألمع ممثلين الفترة الكلاسيكية هم من الملحنين في مدرسة فيينا الكلاسيكية جوزيف جيدن، فولفغانغ أماديوس موزارت ولودفيج فان بيتهوفنوبعد يعجب فنهم الكمال من معدات الملحن والإنسانية الإنسانية والرغبة، خاصة ملموسة في موسيقى V. A. Mozart، لتعكس أدوات التجميل المثالية.

ظهر مفهوم مدرسة فيينا الكلاسيكية فيينا بعد فترة وجيزة من وفاة L. Beethoven. تتميز الفن الكلاسيكي بالتوازن الدقيق بين المشاعر والسبب والشكل والمحتوى. عكست الموسيقى إحياء روح وتنفس حقبةهم؛ في عصر الباروك، موضوع حالة الشاشة للشخص في الموسيقى؛ موسيقى عصر الكلاسيكية تهتم بإجراءات وأعمال الشخص الذي واجه المشاعر والمشاعر العقل البشري والكلي.

لودفيج فان بيتهوفن (1770-1827)
الملحن الألماني، الذي يعتبر غالبا أكبر خالق في كل العصور.
يشار إلى إبداعه كلاسكيا و رومانسية.
على عكس سلفها موتسارت، بيتهوفن يتألف بصعوبة. كتب كتيب بيتهوفن تظهر كيف تدريجيا، تنشأ تكوين عظمي خطوة من خلال رسم تدريجي، ملحوظ مع منطق مقنعة للبناء والجمال النادر. إنه منطق أن المصدر الرئيسي لحجم Bethovensky، وقدرته لا تضاهى لتنظيم عناصر التباين في عدد صحيح متجانس. بيتهوفن يمحو cesuras التقليدية بين أقسام الشكل، وتجنب التماثل، ودمج أجزاء من الدورة، وتتطور البناء الموسع من الزخارف المواضيعية والإيقاعية، واللقاء الأول لا تحتوي على أي شيء مثير للاهتمام. وبعبارة أخرى، يخلق بيتهوفن مساحة موسيقية لقوة العقل، إرادته الخاصة. كان يتوقع وقم بإنشاء هذه الاتجاهات الفنية التي كانت حاسمة للفنون الموسيقية 19 خامسا.

الرومانسية.
يغطي مشروط 1800-1910 سنوات
حاول الملحنون الرومانسية بمساعدة الوسائل الموسيقية للتعبير عن عمق وثروة العالم الداخلي للإنسان. الموسيقى تصبح أكثر تنجدي، الفرد. يتم الحصول على تطوير أنواع الأغاني، بما في ذلك القصص،.
الممثلين الرئيسيين للرومانسية في الموسيقى هم: فيالنمسا - فرانز شوبرت. ؛ في ألمانيا - إرنست ثيودور هوفمان, كارل ماريا ويبرريتشارد فاغنر فيليكس منديلسون، روبرت شومان، Ludwig Spur؛ في
إلخ.................