الأنماط الفردية لمؤلفي عصر النهضة. عصر النهضة

18.06.2019

المهرجان العالمي للشباب والطلاب مهرجان الشباب الطلابي

مدرسة فيينا الكلاسيكية: أماديوس موتسارت رسالة قصيرة عن فولفغانغ أماديوس موتسارت

التركيب: يولكوف في قطعة "سوار الرمان" (أ

عصر النهضة، أو عصر النهضة(الاب. النهضة) - نقطة تحول في تاريخ ثقافة الشعوب الأوروبية. في إيطاليا ، ظهرت اتجاهات جديدة في مطلع القرنين الثالث عشر والرابع عشر ، في بلدان أوروبية أخرى - في القرنين الخامس عشر والسادس عشر. اعترفت شخصيات عصر النهضة بالإنسان - خيره وحقه في التطور الحر لشخصيته - باعتباره أعلى قيمة. هذه النظرة إلى العالم تسمى "الإنسانية" (من اللاتينية humanus - "الإنسان" ، "الإنسانية"). سعى الإنسانيون إلى تحقيق المثل الأعلى للشخص المتناغم في العصور القديمة ، وخدمهم الفن اليوناني والروماني القديم كنموذج للإبداع الفني. أعطت الرغبة في "إحياء" الثقافة القديمة الاسم لعصر كامل - عصر النهضة ، الفترة بين العصور الوسطى والعصر الجديد (من منتصف القرن السابع عشر حتى يومنا هذا).

يعكس الفن ، بما في ذلك الموسيقى ، بشكل كامل النظرة العالمية لعصر النهضة. خلال هذه الفترة ، وكذلك في العصور الوسطى ، كانت موسيقى الكنيسة الصوتية هي المكانة الرائدة. أدى تطور تعدد الأصوات إلى ظهور تعدد الأصوات (من الكلمة اليونانية "polis" - "عديدة" و "الخلفية" - "الصوت" ، "الصوت"). مع هذا النوع من الأصوات المتعددة ، تكون جميع الأصوات في العمل متساوية. لم يعقد تعدد الأصوات العمل فحسب ، بل سمح للمؤلف بالتعبير عن فهمه الشخصي للنص ، مما أعطى الموسيقى عاطفة كبيرة. تم إنشاء التركيب متعدد الألحان وفقًا لقواعد صارمة ومعقدة ، تتطلب معرفة عميقة ومهارات بارعة من الملحن. تم تطوير الأنواع الكنسية والعلمانية في إطار تعدد الأصوات.

المدرسة الهولندية متعددة الأصوات. هولندا هي منطقة تاريخية في شمال غرب أوروبا ، والتي تضم أراضي بلجيكا الحديثة وهولندا ولوكسمبورغ وشمال شرق فرنسا. بحلول القرن الخامس عشر. وصلت هولندا إلى مستوى اقتصادي وثقافي عالٍ وأصبحت دولة أوروبية مزدهرة.

هنا تشكلت المدرسة الهولندية متعددة الألحان - إحدى أكبر ظواهر موسيقى عصر النهضة. من أجل تطوير الفن في القرن الخامس عشر ، كان للتواصل بين الموسيقيين من مختلف البلدان والتأثير المتبادل للمدارس الإبداعية أهمية كبيرة. استوعبت المدرسة الهولندية تقاليد إيطاليا وفرنسا وإنجلترا وهولندا نفسها.

ممثلوها البارزون: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (حوالي 1400-11/27/1474 ، Cambrai) ، ملحن فرانكو فلمنكي ، أحد مؤسسي المدرسة الهولندية. وضع غيوم دوفاي (حوالي 1400-1474) أسس التقليد متعدد الألحان في الموسيقى الهولندية. ولد في كامبراي في فلاندرز (مقاطعة في جنوب هولندا) ومنذ سن مبكرة غنى في جوقة الكنيسة. في موازاة ذلك ، أخذ الموسيقي المستقبلي دروسًا خاصة في التأليف. في شبابه ، ذهب دوفاي إلى إيطاليا ، حيث كتب مؤلفاته الأولى - القصص والحركات. في الأعوام 1428-1437. شغل منصب مغني في الكنيسة البابوية في روما ؛ في نفس السنوات سافر إلى إيطاليا وفرنسا. في عام 1437 رُسم الملحن. في بلاط دوق سافوي (1437-1439) ، قام بتأليف الموسيقى للاحتفالات والأعياد. كان Dufay يحظى باحترام كبير من قبل الأشخاص النبلاء - من بين المعجبين به ، على سبيل المثال ، الزوجان Medici (حكام مدينة فلورنسا الإيطالية). [عمل في إيطاليا وفرنسا. في 1428-1437 كان مغنيًا للكنائس البابوية في روما ومدن إيطالية أخرى ، وفي 1437-1444 خدم مع دوق سافوي. منذ عام 1445 ، شانون ومدير الأنشطة الموسيقية في الكاتدرائية في كامبراي. ماجستير في الأنواع الروحية (3 ، 4 أصوات الجماهير ، الحركات) ، وكذلك العلمانية (3 ، 4 أصوات تشانسون الفرنسية ، والأغاني الإيطالية ، والقصص ، والروندو) المرتبطة بتعدد الأصوات الشعبية والثقافة الإنسانية لعصر النهضة. كان لفن دانتي ، الذي استوعب إنجازات الفن الموسيقي الأوروبي ، تأثير كبير على التطوير الإضافي للموسيقى الأوروبية متعددة الألحان. كان أيضًا مصلحًا للتدوين الموسيقي (يُنسب إلى د. تقديم الملاحظات ذات الرؤوس البيضاء). الأعمال الكاملة المجمعة لـ D. المنشورة في روما (6 مجلدات ، 1951-1966).] كان دوفاي أول الملحنين الذين بدأوا في تأليف القداس كتكوين موسيقي متكامل. يتطلب إنشاء موسيقى كنسية موهبة غير عادية: القدرة على التعبير عن مفاهيم مجردة وغير مادية بوسائل مادية ملموسة. تكمن الصعوبة في حقيقة أن مثل هذا التكوين ، من ناحية ، لا يترك المستمع غير مبالٍ ، ومن ناحية أخرى ، لا يصرف الانتباه عن الخدمة الإلهية ، ويساعد على التركيز بشكل أعمق على الصلاة. كثير من جماهير دوفاي ملهمة ، مليئة بالحياة الداخلية ؛ يبدو أنهم يساعدون في فتح حجاب الوحي الإلهي للحظة.

في كثير من الأحيان ، عند إنشاء القداس ، أخذ دوفاي لحنًا مشهورًا أضاف إليه لحنه الخاص. هذه الاقتراضات هي سمة من سمات عصر النهضة. كان من المهم جدًا أن تكون الكتلة مبنية على لحن مألوف ، يمكن للمصلين التعرف عليه بسهولة حتى في مقطوعة متعددة الألحان. غالبًا ما تم استخدام جزء من الترنيمة الغريغورية ؛ كما لم يتم استبعاد الأعمال العلمانية.

بالإضافة إلى موسيقى الكنيسة ، قام دوفاي بتأليف حركات للنصوص العلمانية. في نفوسهم ، استخدم أيضًا تقنية معقدة متعددة الأصوات.

جوسكين ديبرس (1440-1521). ممثل المدرسة متعددة الأصوات الهولندية في النصف الثاني من القرن الخامس عشر. كان Josquin Despres (حوالي 1440-1521 أو 1524) ، الذي كان له تأثير كبير على أعمال الجيل القادم من الملحنين. خدم في شبابه كجوقة كنيسة في كامبراي. أخذ دروس الموسيقى من Okegem. في سن العشرين ، جاء الموسيقي الشاب إلى إيطاليا ، وغنى في ميلانو مع دوقات سفورزا (فيما بعد خدم هنا الفنان الإيطالي العظيم ليوناردو دافنشي) وفي الكنيسة البابوية في روما. في إيطاليا ، ربما بدأ ديسبريس في تأليف الموسيقى. في بداية القرن السادس عشر. انتقل إلى باريس. بحلول ذلك الوقت ، كان ديسبريس معروفًا بالفعل ، ودعاه الملك الفرنسي لويس الثاني عشر إلى منصب موسيقي البلاط. منذ عام 1503 ، استقر ديبريس مرة أخرى في إيطاليا ، في مدينة فيرارا ، في بلاط الدوق ديست. قام ديسبري بتأليف الكثير ، وسرعان ما اكتسبت موسيقاه شهرة في الأوساط الأوسع: أحبها النبلاء وعامة الناس. لم يبتكر الملحن أعمالًا كنسية فحسب ، بل علمانيًا أيضًا. وتحول على وجه الخصوص إلى نوع الأغنية الشعبية الإيطالية - frottola (frottola الإيطالية ، من frotta - "الحشد") ، والتي تتميز بإيقاع رقص وإيقاع سريع.، كسر التجويد الحي الانفصال الصارم وتسبب في الشعور بالبهجة والامتلاء بالوجود ...

يوهانس أوكيجيم (1430-1495) ، جاكوب أوبريخت (1450-1505). كان معاصرو غيوم دوفاي الأصغر سناً يوهانس (جان) أوكيغيم (حوالي 1425-1497) وجاكوب أوبرخت. مثل Dufay ، كان Okegem في الأصل من فلاندرز. طوال حياته عمل بجد ؛ بالإضافة إلى تأليف الموسيقى ، عمل رئيسًا للكنيسة. ابتكر الملحن خمسة عشر كتلة ، وثلاثة عشر نقشًا ، وأكثر من عشرين تشانسون. تتميز أعمال Okegem بالحدة والتركيز والتطور المطول للخطوط اللحنية المتدفقة. لقد أولى اهتمامًا كبيرًا للتقنية متعددة الأصوات ، وسعى جاهدًا من أجل اعتبار جميع أجزاء الكتلة كوحدة واحدة. يتم تخمين خط اليد الإبداعي أيضًا في أغانيه - فهي تكاد تخلو من الخفة العلمانية ، فهي في طبيعتها أكثر تذكيرًا بالرسوم المتحركة ، وأحيانًا أجزاء من الجماهير. كان يوهانس أوكيجم يحظى بالاحترام في الداخل والخارج (تم تعيينه مستشارًا لملك فرنسا). كان يعقوب أوبريخت أحد المشهورين في الكاتدرائيات في مختلف مدن هولندا ، وكان يقود الكنائس ؛ خدم لعدة سنوات في بلاط Duke d'Este في فيرارا (إيطاليا). وهو مؤلف لخمسة وعشرين كتلة وعشرين موتسًا وثلاثين تشانسون. وباستخدام إنجازات أسلافه ، أدخل أوبريشت الكثير من الأشياء الجديدة في التقليد متعدد الألحان: موسيقاه مليئة بالتناقضات ، جريئة حتى عندما يخاطب الملحن أنواع الكنيسة التقليدية.

براعة وعمق إبداع أورلاندو لاسو. استكمال تاريخ موسيقى عصر النهضة الهولندية هو عمل أورلاندو لاسو (الاسم الحقيقي واللقب رولاند دي لاسو ، حوالي 1532-1594) ، والذي أطلق عليه معاصروه "أورفيوس البلجيكي" و "أمير الموسيقى". ولد لاسو في مونس (فلاندرز). منذ الطفولة غنى في جوقة الكنيسة وضرب أبناء الرعية بصوت رائع. غونزاغا ، دوق مدينة مانتوفا الإيطالية ، سمع بطريق الخطأ المغني الشاب ، ودعاه إلى مصلى خاص به. بعد مانتوفا ، عمل لاسو لفترة قصيرة في نابولي ، ثم انتقل إلى روما - هناك حصل على منصب رئيس كنيسة إحدى الكاتدرائيات. في سن الخامسة والعشرين ، كان لاسو معروفًا بالفعل بكونه ملحنًا ، وكانت أعماله مطلوبة بين ناشري الموسيقى. في عام 1555 ، تم نشر المجموعة الأولى من الأعمال التي تحتوي على موتيت ، مادريجال وتشانسون. درس لاسو أفضل ما ابتكره أسلافه (الملحنون الهولنديون والفرنسيون والألمان والإيطاليون) ، واستخدم خبرتهم في عمله. لكونه شخصًا غير عادي ، سعى لاسو للتغلب على الطابع المجرد لموسيقى الكنيسة ، لإضفاء الطابع الفردي عليها. لهذا الغرض ، استخدم الملحن أحيانًا دوافع النوع (موضوعات الأغاني الشعبية والرقصات) ، مما يجعل التقاليد الكنسية والعلمانية أقرب معًا. جمعت Lasso بين تعقيد التقنية المتعددة الأصوات وعاطفية كبيرة. كان ناجحًا بشكل خاص في مادريجال ، حيث تم الكشف عن الحالة الذهنية للشخصيات ، على سبيل المثال ، دموع القديس بطرس "(1593) على أبيات الشاعر الإيطالي لويجي ترانزيلو. عدد كبير من الأصوات (خمسة إلى سبعة) ، لذلك يصعب أداء أعماله ...

من عام 1556 عاش أورلاندو لاسو في ميونيخ (ألمانيا) ، حيث ترأس الكنيسة. في نهاية حياته ، كانت سلطته في الأوساط الموسيقية والفنية عالية جدًا ، وانتشرت شهرته في جميع أنحاء أوروبا. كان للمدرسة الهولندية متعددة الأصوات تأثير كبير على تطور الثقافة الموسيقية في أوروبا. أصبحت مبادئ تعدد الأصوات التي طورها الملحنون الهولنديون عالمية ، وقد تم استخدام العديد من التقنيات الفنية في أعمالهم من قبل الملحنين بالفعل في القرن العشرين.

فرنسا. بالنسبة لفرنسا ، أصبح القرنان الخامس عشر والسادس عشر حقبة من التغييرات المهمة: انتهت حرب المائة عام (1337-1453) مع إنجلترا بنهاية القرن الخامس عشر. تم توحيد الدولة. في القرن السادس عشر ، شهدت البلاد حروبًا دينية بين الكاثوليك والبروتستانت. في الدولة القوية ذات الملكية المطلقة ، ازداد دور احتفالات البلاط والمهرجانات الشعبية. وساهم ذلك في تطور الفن ، ولا سيما الموسيقى التي صاحبت مثل هذه الأحداث. زاد عدد الفرق الصوتية والآلات (المصليات والمرافقات) ، والتي تتكون من عدد كبير من المؤدين. خلال الحملات العسكرية في إيطاليا ، تعرف الفرنسيون على إنجازات الثقافة الإيطالية. لقد شعروا بعمق وتقبلوا أفكار عصر النهضة الإيطالية - الإنسانية ، والرغبة في الانسجام مع العالم من حولهم ، من أجل الاستمتاع بالحياة.

إذا كان عصر النهضة الموسيقي في إيطاليا مرتبطًا في المقام الأول بالقداس ، فقد أولى الملحنون الفرنسيون ، جنبًا إلى جنب مع موسيقى الكنيسة ، اهتمامًا خاصًا للأغنية متعددة الألحان العلمانية - تشانسون. نشأ الاهتمام بها في فرنسا في النصف الأول من القرن السادس عشر ، عندما نُشرت مجموعة من المقطوعات الموسيقية لكليمنت جانيكين (حوالي 1485-1558). يعتبر هذا الملحن أحد المبدعين من هذا النوع.

الأعمال البرمجية الكورالية الرئيسية لكليمان جانيكين (1475-1560). عندما كان طفلاً ، غنى جانيكين في جوقة الكنيسة في مسقط رأسه شاتيليراولت (وسط فرنسا). لاحقًا ، وفقًا لمؤرخي الموسيقى ، درس مع الأستاذ الهولندي يوسكين ديسبريز أو مع ملحن من حاشيته. بعد أن تلقى رسامة كاهن ، عمل جانيكن كمدير جوقة وعازف أرغن ؛ ثم تمت دعوته للخدمة من قبل دوق Guise. في عام 1555 ، أصبح الموسيقي مغنيًا في Royal Chapel ، وفي 1556-1557. - مؤلف الديوان الملكي. أنشأ كليمان جانيكين مائتين وثمانين تشانسون (نُشر بين 1530 و 1572) ؛ كتب موسيقى الكنيسة - قداس ، قداس ، مزامير. كانت أغانيه غالبًا مصورة. صور المعركة ("معركة مارينيانو" ، "معركة رنتا" ، "معركة ميتز") ، مشاهد الصيد ("الصيد") ، صور الطبيعة ("غناء الطيور" ، "العندليب" ، "قبرة") ، مشاهد من الحياة اليومية ("ثرثرة النساء"). بوضوح مذهل ، تمكن الملحن من نقل أجواء الحياة اليومية في باريس في أغنية "صرخات باريس": لقد أدخل تعجب البائعين في النص ("حليب!" - "فطائر!" - "خرشوف!" - "السمك!" - "المباريات!" - "الحمام!" - "الأحذية القديمة!" - "النبيذ!"). لم يستخدم Janequin تقريبًا موضوعات طويلة ومتدفقة للأصوات الفردية وتقنيات متعددة الألحان المعقدة ، مع إعطاء الأفضلية لمكالمات الأسماء والتكرار والمحاكاة الصوتية.

يرتبط اتجاه آخر للموسيقى الفرنسية بحركة الإصلاح الأوروبية.

في الخدمات الكنسية ، تخلى البروتستانت الفرنسيون (الهوغونوت) عن اللاتينية وتعدد الأصوات. اكتسبت الموسيقى المقدسة طابعًا أكثر انفتاحًا وديمقراطية. كان كلود جوديميل (بين 1514 و 1520-1572) من ألمع ممثلي هذا التقليد الموسيقي - مؤلف المزامير على النصوص التوراتية والترانيم البروتستانتية.

تشانسون. أحد الأنواع الموسيقية الرئيسية في عصر النهضة الفرنسية هو تشانسون (الأغاني الفرنسية - "أغنية"). تعود أصولها إلى الفن الشعبي (نُقلت أبيات مقفى من الأساطير الملحمية إلى الموسيقى) ، في فن التروبادور والعازفين في العصور الوسطى. من حيث المحتوى والمزاج ، يمكن أن تكون أغاني التشانسون شديدة التنوع - كانت هناك أغاني حب ، كل يوم ، روح الدعابة ، ساخرة ، إلخ. أخذ الملحنون القصائد الشعبية والشعر الحديث كنصوص.

إيطاليا. مع بداية عصر النهضة ، انتشرت صناعة الموسيقى اليومية على مختلف الآلات في إيطاليا ؛ نشأت دوائر من عشاق الموسيقى. في المجال المهني ، ظهرت اثنتان من أقوى المدارس: الرومانية والبندقية.

هائج. خلال عصر النهضة ، ازداد دور الأنواع العلمانية. في القرن الرابع عشر. ظهر مادريجال في الموسيقى الإيطالية (من pozlnelat. matricale - "أغنية في اللغة الأم"). تم تشكيلها على أساس الأغاني الشعبية (الراعي). كانت Madrigals عبارة عن أغانٍ لشخصين أو ثلاثة أصوات ، غالبًا بدون مرافقة الآلات. كانت مكتوبة على أبيات الشعراء الإيطاليين المعاصرين التي تحدثت عن الحب. كانت هناك أغاني عن مواضيع يومية وأسطورية.

خلال القرن الخامس عشر ، نادراً ما تحول الملحنون إلى هذا النوع ؛ تم إحياء الاهتمام به فقط في القرن السادس عشر. من السمات المميزة لمادريغال القرن السادس عشر الارتباط الوثيق بين الموسيقى والشعر. اتبعت الموسيقى النص بمرونة ، عاكسة الأحداث الموصوفة في المصدر الشعري. بمرور الوقت ، تطورت رموز لحنية غريبة ، تدل على التنهدات الرقيقة ، والدموع ، وما إلى ذلك. في أعمال بعض الملحنين ، كانت الرمزية فلسفية ، على سبيل المثال ، في مادريجال جيسوالدو دي فينوسا "أموت ، غير سعيد" (1611).

تقع ذروة هذا النوع في مطلع القرنين السادس عشر والسابع عشر. في بعض الأحيان ، بالتزامن مع أداء الأغنية ، تم تنفيذ مؤامرة. أصبح مادريجال أساس كوميديا مادريجال (تكوين كورالي يعتمد على نص مسرحية كوميدية) ، والتي أعدت ظهور الأوبرا.

المدرسة الرومانية متعددة الأصوات. جيوفاني دي باليسترينا (1525-1594). كان رئيس المدرسة الرومانية جيوفاني بييرلويجي دا باليسترينا ، أحد أعظم الملحنين في عصر النهضة. ولد في مدينة باليسترينا الإيطالية ، واسمها لقبه. منذ الطفولة ، غنى باليسترينا في جوقة الكنيسة ، وعند بلوغه سن الرشد ، تمت دعوته إلى منصب قائد (قائد جوقة) في كاتدرائية القديس بطرس في روما ؛ خدم لاحقًا في كنيسة سيستين (كنيسة بلاط البابا).

جذبت روما ، مركز الكاثوليكية ، العديد من الموسيقيين البارزين. في أوقات مختلفة ، عمل هنا أساتذة هولنديون ، متعدد الأصوات غيوم دوفاي وجوسكين ديسبريس. في بعض الأحيان ، تداخل أسلوبهم في التأليف مع تصور نص الخدمة: فقد ضاع وراء التشابك الرائع للأصوات والكلمات ، في الواقع ، لا يمكن سماعها. لذلك ، كانت سلطات الكنيسة حذرة من مثل هذه الأعمال ودعت إلى عودة الأحادية بناءً على الهتافات الغريغورية. نوقشت مسألة السماح بتعدد الأصوات في موسيقى الكنيسة حتى في مجلس ترينت للكنيسة الكاثوليكية (1545-1563). بالقرب من البابا ، أقنع باليسترينا قادة الكنيسة بإمكانية إنشاء أعمال لا تتداخل فيها تقنية التأليف مع فهم النص. كدليل على ذلك ، قام بتأليف قداس البابا مارسيلو (1555) ، والذي يجمع بين تعدد الأصوات المعقدة مع الصوت الواضح والمعبّر لكل كلمة. وهكذا ، "أنقذ" الموسيقي الموسيقى متعددة الألحان المحترفة من اضطهاد السلطات الكنسية. في عام 1577 ، تمت دعوة الملحن لمناقشة الإصلاح التدريجي - مجموعة من الأناشيد المقدسة للكنيسة الكاثوليكية. في الثمانينيات. رُسمت بالسترينا ، وفي عام 1584 أصبحت عضوًا في جمعية أساتذة الموسيقى - وهي جمعية للموسيقيين الخاضعين مباشرة للبابا.

إبداع باليسترينا مشبع بموقف مشرق. أذهلت الأعمال التي ابتكرها معاصريه بأعلى مهارة وكمية (أكثر من مائة كتلة ، ثلاثمائة موتس ، مائة مادريجال). لم يكن تعقيد الموسيقى أبدًا عقبة في إدراكها. عرف الملحن كيفية إيجاد حل وسط بين تعقيد التراكيب وإمكانية وصول المستمع إليها. رأى باليسترينا المهمة الإبداعية الرئيسية في تطوير عمل كبير متكامل. يتطور كل صوت في ترانيمه بشكل مستقل ، ولكن في نفس الوقت يشكل كلًا واحدًا مع البقية ، وغالبًا ما تضيف الأصوات ما يصل إلى مجموعات من الأوتار الجميلة بشكل مذهل. غالبًا ما يحوم لحن الصوت العلوي فوق الأصوات الأخرى ، ويحدد "قبة" تعدد الأصوات ؛ كل الأصوات مرنة ومتطورة.

اعتبر موسيقيو الجيل القادم أن فن جيوفاني دا باليسترينا كلاسيكي وكلاسيكي. درس العديد من الملحنين البارزين في القرنين السابع عشر والثامن عشر في أعماله.

يرتبط اتجاه آخر لموسيقى عصر النهضة بعمل مؤلفي مدرسة البندقية ، التي كان مؤسسها أدريان فيلارت (حوالي 1485-1562). كان طلابه هم عازف الأرغن والملحن أندريا غابرييلي (بين 1500 و 1520 - بعد 1586) ، والملحن سيبريان دي بوب (1515 أو 1516-1565) وموسيقيين آخرين. بينما تتميز أعمال باليسترينا بالوضوح وضبط النفس الصارم ، طور ويلارت وأتباعه أسلوب كورالي رائع. لتحقيق صوت محيط ، ولعب الجرس ، استخدموا عدة جوقات في مؤلفاتهم ، وتقع في أماكن مختلفة من المعبد. جعل استخدام نداءات الأسماء بين الجوقات من الممكن ملء مساحة الكنيسة بتأثيرات غير مسبوقة. يعكس هذا النهج أيضًا المُثل الإنسانية للعصر ككل - بالبهجة والحرية والتقاليد الفنية الفينيسية نفسها - مع سعيه لتحقيق كل شيء مشرق وغير عادي. في عمل أساتذة البندقية ، أصبحت اللغة الموسيقية أيضًا أكثر تعقيدًا: فقد كانت مليئة بمجموعات جريئة من الحبال والتناغمات غير المتوقعة.

كان كارلو جيسوالدو دي فينوسا (حوالي 1560-1613) أحد رموز عصر النهضة اللافت للنظر ، وهو أمير مدينة فينوسا ، أحد أعظم سادة مادريجال العلمانية. اكتسب شهرة باعتباره فاعل خير وعازف عود وملحن. كان الأمير جيسوالدو صديقًا للشاعر الإيطالي توركواتو تاسو. لا تزال هناك رسائل مثيرة للاهتمام يناقش فيها الفنانان قضايا الأدب والموسيقى والفنون الجميلة. قام تاسو جيسوالدو دي فينوسا بتحويل العديد من القصائد إلى موسيقى - هكذا ظهر عدد من المدارس الفنية العالية. كممثل لعصر النهضة المتأخر ، طور الملحن نوعًا جديدًا من مادريجال ، حيث كانت المشاعر في المقام الأول - عنيفة وغير متوقعة. لذلك ، تتميز أعماله بالتغيرات في الحجم ، والتجويد ، على غرار التنهدات وحتى التنهدات ، وأوتار السبر الحادة ، وتغيرات الإيقاع المتناقضة. أعطت هذه التقنيات لموسيقى جيسوالدو طابعًا معبرًا وغريبًا إلى حد ما ، فقد أدهشت وفي نفس الوقت جذبت المعاصرين. يتكون إرث جيسوالدو دي فينوسا من سبع مجموعات من مادريجال متعددة الأصوات ؛ بين الأعمال الروحية - "الأناشيد المقدسة". موسيقاه اليوم لا تترك المستمع غير مبال.

تطوير أنواع وأشكال موسيقى الآلات. تميزت الموسيقى الآلية أيضًا بظهور أنواع جديدة ، وأبرزها الحفل الموسيقي. تحول الكمان ، القيثاري ، العضو تدريجيًا إلى آلات منفردة. جعلت الموسيقى المكتوبة من أجلهم من الممكن إظهار المواهب ليس فقط للملحن ، ولكن أيضًا للفنان. كانت البراعة موضع تقدير في المقام الأول (القدرة على التعامل مع الصعوبات التقنية) ، والتي أصبحت تدريجياً غاية في حد ذاتها للعديد من الموسيقيين وقيمة فنية. لم يؤلف الملحنون في القرنين السابع عشر والثامن عشر الموسيقى فحسب ، بل عزفوا الآلات أيضًا ببراعة وكانوا يشاركون في النشاط التربوي. تعتمد رفاهية الفنان إلى حد كبير على العميل المحدد. كقاعدة عامة ، سعى كل موسيقي جاد إلى الحصول على مكان إما في بلاط الملك أو الأرستقراطي الثري (العديد من أعضاء النبلاء لديهم أوركسترا أو دور أوبرا خاصة بهم) ، أو في معبد. علاوة على ذلك ، فإن معظم الملحنين يجمعون بسهولة بين صناعة الموسيقى الكنسية والخدمة مع الراعي العلماني.

إنكلترا. ارتبطت الحياة الثقافية في إنجلترا خلال عصر النهضة ارتباطًا وثيقًا بالإصلاح. في القرن السادس عشر ، انتشرت البروتستانتية في جميع أنحاء البلاد. فقدت الكنيسة الكاثوليكية مكانتها المهيمنة ، وأصبحت الكنيسة الأنجليكانية هي الدولة الأولى ، التي رفضت الاعتراف ببعض العقائد (الأحكام الأساسية) للكاثوليكية ؛ لم تعد معظم الأديرة موجودة. أثرت هذه الأحداث على الثقافة الإنجليزية ، بما في ذلك الموسيقى. تم افتتاح أقسام الموسيقى في جامعتي أكسفورد وكامبريدج. في صالونات النبلاء ، كانت تُعزف أدوات لوحة المفاتيح: العذراء (نوع من القيثاري) ، وأرغن (صغير) محمول ، إلخ. كانت المؤلفات الصغيرة المخصصة لعزف الموسيقى المنزلية شائعة. كان أبرز ممثل للثقافة الموسيقية في ذلك الوقت هو ويليام بيرد (1543 أو 1544-1623) - ناشر موسيقى وعازف أرغن وملحن. أصبح بيرد هو سلف مادريجال الإنجليزي. تتميز أعماله ببساطتها (تجنب التقنيات متعددة الأصوات المعقدة) ، وأصالة الشكل الذي يتبع النص ، والحرية التوافقية. تهدف جميع الوسائل الموسيقية إلى تأكيد جمال الحياة وفرحها ، بدلاً من شدة وضبط النفس في العصور الوسطى. كان للملحن العديد من المتابعين في نوع مادريجال.

ابتكر الطيور أيضًا أعمالًا روحية (جماهير ، مزامير) وموسيقى مفيدة. في مؤلفاته للعذراء ، استخدم زخارف من الأغاني والرقصات الشعبية.

أراد الملحن حقًا أن تحمل الموسيقى التي كتبها "بسعادة على الأقل القليل من الحنان والاسترخاء والترفيه" - هذا ما كتبه ويليام بيرد في مقدمة إحدى مجموعاته الموسيقية.

ألمانيا. ارتباط الثقافة الموسيقية الألمانية بحركة الإصلاح. في القرن السادس عشر ، بدأ الإصلاح في ألمانيا ، مما أدى إلى تغيير كبير في الحياة الدينية والثقافية للبلاد. كان قادة الإصلاح مقتنعين بالحاجة إلى تغييرات في المحتوى الموسيقي للعبادة. كان هذا لسببين. بحلول منتصف القرن الخامس عشر. وصلت المهارة متعددة الألحان للملحنين العاملين في أنواع موسيقى الكنيسة إلى تعقيد وتطور غير عادي. في بعض الأحيان ، تم إنشاء أعمال لا يمكن تصورها واختبارها روحياً من قبل غالبية أبناء الرعية ، بسبب الثراء اللحني للأصوات والترانيم الطويلة. بالإضافة إلى ذلك ، تم إجراء الخدمة باللغة اللاتينية ، وهي مفهومة للإيطاليين ، ولكنها غريبة على الألمان.

يعتقد مؤسس حركة الإصلاح مارتن لوثر (1483-1546) أن هناك حاجة لإصلاح موسيقى الكنيسة. يجب أن تعزز الموسيقى ، أولاً ، مشاركة أكثر نشاطاً لأبناء الرعية في العبادة (كان ذلك مستحيلاً عند أداء مؤلفات متعددة الألحان) ، وثانياً ، يجب أن تولد التعاطف مع الأحداث الكتابية (التي أعاقتها سير الخدمة باللاتينية). وهكذا ، فُرضت المتطلبات التالية على غناء الكنيسة: بساطة اللحن ووضوحه ، وحتى الإيقاع ، وشكل الترانيم الواضح. على هذا الأساس ، نشأت الترانيم البروتستانتية - النوع الرئيسي لموسيقى الكنيسة في عصر النهضة الألمانية. في عام 1522 ، قام لوثر بترجمة العهد الجديد إلى الألمانية - ومن الآن فصاعدًا أصبح من الممكن إجراء الخدمات الإلهية بلغتهم الأم.

قام لوثر نفسه ، وكذلك صديقه ، المنظر الموسيقي الألماني يوهان والتر (1490-1570) ، بدور نشط في اختيار الألحان للجوقات. كانت المصادر الرئيسية لهذه الألحان هي الأغاني الشعبية الروحية والعلمانية - المعروفة على نطاق واسع وسهلة الفهم. قام لوثر بتأليف الألحان لبعض الكورال نفسه. أصبح أحدهم ، "الرب نصيرنا" ، رمزًا للإصلاح خلال فترة الحروب الدينية في القرن السادس عشر.

Meistersingers وفنونهم. ترتبط صفحة أخرى مشرقة من موسيقى عصر النهضة الألمانية بعمل Meistersinger (الألمانية Meistersinger - "المغني الرئيسي") - شاعر المطربين من بين الحرفيين. لم يكونوا موسيقيين محترفين ، ولكن قبل كل شيء حرفيون - صانعو أسلحة ، خياطون ، زجاج ، صانعو أحذية ، خبازون ، إلخ. شمل اتحاد الموسيقيين في المدينة ممثلين عن مختلف الحرف. في القرن السادس عشر ، كانت جمعيات Meistersinger موجودة في العديد من المدن في ألمانيا.

قام Meistersingers بتأليف أغانيهم وفقًا لقواعد صارمة ، وقد أصيبت المبادرة الإبداعية بالحرج من العديد من القيود. كان على المبتدئ أن يتقن هذه القواعد أولاً ، ثم يتعلم كيفية أداء الأغاني ، ثم يؤلف كلمات ألحان الآخرين ، وعندها فقط يمكنه إنشاء أغنيته الخاصة. ألحان المغنيون والمغنون المشهورون كانت تعتبر الألحان.

البارز Meistersinger من القرن السادس عشر جاء هانز ساكس (1494-1576) من عائلة خياط ، ولكن في شبابه ترك منزل والديه وذهب للسفر في ألمانيا. أثناء تجواله ، تعلم الشاب حرفة صانع الأحذية ، ولكن الأهم من ذلك أنه تعرف على الفن الشعبي. كان ساكس مثقفًا جيدًا ، وكان يعرف الأدب القديم والعصور الوسطى تمامًا ، ويقرأ الكتاب المقدس بالترجمة الألمانية. كان مشبعًا بأفكار الإصلاح ، لذلك لم يكتب الأغاني العلمانية فحسب ، بل كتب أيضًا الأغاني الروحية (حوالي ستة آلاف أغنية في المجموع). اشتهر هانز ساكس أيضًا بكونه كاتبًا مسرحيًا (انظر مقال "فن عصر النهضة المسرحي").

الآلات الموسيقية في عصر النهضة. خلال عصر النهضة ، توسع تكوين الآلات الموسيقية بشكل كبير ، وأضيفت أنواع جديدة إلى الأوتار والرياح الموجودة بالفعل. من بينها ، مكان خاص تحتله الكمان - عائلة من الأوتار المنحنية ، تضرب بجمالها ونبل الصوت. وهي تشبه في الشكل آلات عائلة الكمان الحديثة (الكمان والفيولا والتشيلو) وحتى تعتبر أسلافها المباشرين (تعايشوا في الممارسة الموسيقية حتى منتصف القرن الثامن عشر). ومع ذلك ، فإن الاختلاف ، والكبير ، لا يزال قائما. الكمانات لديها نظام من الأوتار الرنانة. كقاعدة عامة ، هناك العديد منها مثل العدد الرئيسي (ستة إلى سبعة). تجعل اهتزازات الأوتار الرنانة صوت الفيولا ناعمًا ومخملًا ، ولكن يصعب استخدام الآلة في الأوركسترا ، حيث تصبح بسرعة غير متناغمة بسبب العدد الكبير من الأوتار.

لفترة طويلة ، كان صوت الفيولا يعتبر مثالًا على التطور في الموسيقى. هناك ثلاثة أنواع رئيسية في عائلة الفيولا. فيولا دا جامبا هي آلة كبيرة يضعها المؤدي عموديًا ويثبت من الجانبين بقدميه (الكلمة الإيطالية غامبا تعني "الركبة"). صنفان آخران - فيولا دا براتشيو (من braccio الإيطالي - "الساعد") وفيول د "كيوبيد (الأب فيول د" آمور - "فيولا الحب") تم توجيههما أفقيًا ، وعند العزف ، تم الضغط على الكتف. فيولا دا جامبا قريبة من التشيلو من حيث مدى الصوت ، وفيولا دا براشيو قريبة من الكمان ، والفيول د "كيوبيد قريبة من الفيولا.

من بين الآلات المقطوعة في عصر النهضة ، يحتل العود المكان الرئيسي (اللوتني البولندي ، من الكلمة العربية "العود" - "الشجرة"). جاءت إلى أوروبا من الشرق الأوسط في نهاية القرن الرابع عشر ، وبحلول بداية القرن السادس عشر ، كان هناك مخزون ضخم لهذه الآلة ؛ بادئ ذي بدء ، تم أداء الأغاني بمرافقة العود. للعود جسم قصير. الجزء العلوي مسطح ، والجزء السفلي يشبه نصف الكرة الأرضية. يتم تثبيت لوحة الفريتس في العنق العريض ، ويتم ثني رأس الآلة للخلف بزاوية قائمة تقريبًا. إذا كنت ترغب في ذلك ، يمكنك رؤية التشابه مع وعاء على شكل عود. يتم تجميع اثني عشر أوتارًا في أزواج ، ويتم إنتاج الصوت بالأصابع ولوحة خاصة - اختيار.

في القرنين الخامس عشر والسادس عشر ، ظهرت أنواع مختلفة من لوحات المفاتيح. الأنواع الرئيسية من هذه الآلات - harpsichord ، clavichord ، harpsichord ، harpsichord ، virginel - كانت تستخدم بنشاط في موسيقى عصر النهضة ، لكن ذروة هذه الآلات جاءت لاحقًا.

في الثقافة الموسيقية لعصر النهضة ، يمكن تمييز العديد من السمات المبتكرة المحددة.

أولاً ، التطور السريع للفن العلماني ، المعبر عنه في انتشار العديد من أنواع الأغاني والرقص العلمانية. هؤلاء هم إيطاليونفروتولس ("الأغاني الشعبية ، من كلمات frottola - يحشد)، فيلانيليس ("أغاني القرية")،كاتشي , كانزون (حرفيا - الأغاني) و madrigals الإسبانيةفيلانسيكو (من فيلا - قرية) اغاني تشانسون الفرنسية الالمانيةكذب ، إنجليزي القصص آخر. كل هذه الأنواع ، التي تمجد متعة الوجود ، والاهتمام بالعالم الداخلي للشخص ، والسعي من أجل حقيقة الحياة ، تعكس بشكل مباشر موقف عصر النهضة البحت. من أجل وسائلها التعبيرية ، يعد الاستخدام الواسع للترغمات وإيقاعات الموسيقى الشعبية أمرًا معتادًا.

تتويج الخط العلماني في فن النهضة-هائج ... اسم النوع يعني "أغنية في لغة الأم (أي الإيطالية)." إنه يؤكد على الفرق بين الموسيقى مادريجال والموسيقى المقدسة التي يتم إجراؤها باللغة اللاتينية. انتقل تطور هذا النوع من أغنية الراعي ذات الصوت الواحد المتواضع إلى قطعة موسيقية مؤلفة من 5 إلى 6 أصوات مع نص غنائي مصقول ومكرر. من بين الشعراء الذين تحولوا إلى نوع مادريجال بتراركا ، بوكاتشيو ، تاسو. كان الملحنون A. Villart و J. Arcadelt و باليسترينا و O. Lasso و L. Marenzio و C. Gesualdo و K. Monteverdi أساتذة بارزين في مادريجال. نشأت مادريجال في إيطاليا ، وسرعان ما انتشرت إلى دول أوروبا الغربية الأخرى.

النسخة الفرنسية من الأغنية متعددة الأصوات تسمىتشانسون ... إنه يختلف عن مادريجال من خلال القرب الأكبر من الحياة اليومية الواقعية ، أي النوع. من بين مبدعي تشانسون -كليمان جانيكين ، أحد أشهر الملحنين الفرنسيين في عصر النهضة.

ثانيًا ، أعلى ازدهار لتعدد الأصوات الكورالي ، والذي أصبح النمط الموسيقي الرائد في ذلك العصر. كرامة وميمونة ، تتوافق تمامًا مع احتفال الخدمة الكنسية. في الوقت نفسه ، كان تعدد الأصوات هو الشكل السائد للتعبير ليس فقط في الأنواع الروحية ، ولكن أيضًا في الأنواع العلمانية.

ارتبط تطوير تعدد الأصوات الكورالية ، أولاً وقبل كل شيء ، بعمل الملحنين من المدرسة الهولندية (الفرنسية الفلمنكية): غيوم دوفاي ، جوهانس أوكيغيم ، جاكوب أوبريشت ، جوسكين ديسبريس ، أورلاندو لاسو.

أورلاندو لاسو (حوالي 1532-1594) عمل في العديد من الدول الأوروبية. موهبته ، الهائلة حقًا ، غزت وسعدت الجميع. في العمل الهائل لأورلاندو لاسو ، تم تمثيل جميع الأنواع الموسيقية لعصر النهضة (مع غلبة الموسيقى العلمانية على الروحانية). من أشهر أعماله "إيكو" ، التي كتبت في نوع الأغاني الإيطالية اليومية. يعتمد التكوين على التجاور الملون للجورتين ، مما يخلق تأثير صدى. نصها ينتمي إلى الملحن نفسه.

إلى جانب أورلاندو لاسو ، كان الإيطالي أكبر ممثل لعصر النهضة العالي في الموسيقى.باليسترينا (الاسم الكامل جيوفاني بييرلوي جي دا باليسترينا ، حوالي 1525-1594). قضى باليسترينا معظم حياته في روما ، حيث كان دائمًا مرتبطًا بالعمل في الكنيسة ، على وجه الخصوص ، ترأس كنيسة كاتدرائية القديس بطرس. نفذ. الجزء الرئيسي من موسيقاه هو الأعمال الروحية ، أولاً وقبل كل شيء ، الجماهير (هناك أكثر من مائة منها ، من بينها "قداس البابا مارشيلو" الشهير) والحركات. ومع ذلك ، قام باليسترينا بتأليف موسيقى علمانية أيضًا - مادريجال ، كانزونيتس. يعمل بالسترينا لجوقة ساريllaأصبح مثالًا كلاسيكيًا على تعدد الأصوات في عصر النهضة.

لعبت أعمال الملحنين متعددي الأصوات دورًا رائدًا في تطوير النوع الرئيسي لموسيقى عصر النهضة -الجماهير ... نشأت في العصور الوسطى ، نوع الكتلة فيالرابع عشر- السادس عشرقرون ، فإنه يتحول بسرعة ، وينتقل من العينات الممثلة بأجزاء منفصلة ومبعثرة ، إلى أعمال ذات شكل دوري متناغم.

اعتمادًا على تقويم الكنيسة ، تم حذف بعض الأجزاء في موسيقى القداس وأُدرجت أجزاء أخرى. هناك خمسة أجزاء إلزامية موجودة باستمرار في خدمة الكنيسة. الخامسأناو الخامس - « كيريإليسون» ("يا رب ارحم") و« اجنوسداي» (« حمل الله ") - تم التعبير عن صلاة الاستغفار والرحمة. فيثانيًاو رابعا - « جلوريا"(" المجد ") و" سانكتوس» (« المقدسة ") - الثناء والامتنان. في الجزء المركزي ، "عقيدة» (« أنا أؤمن ") ، تم تحديد العقائد الرئيسية للعقيدة المسيحية.

ثالثًا ، الدور المتنامي للموسيقى الآلية (مع غلبة واضحة للأنواع الصوتية). إذا كانت العصور الوسطى الأوروبية تقريبًا لا تعرف الذرائعية المهنية ، ففي عصر النهضة ، تم إنشاء العديد من الأعمال للعود (أكثر الآلات الموسيقية شيوعًا في ذلك الوقت) ، والأعضاء ، والفيولا ، والفيولا ، والعذراء ، والمزامير الطولية. لا يزالون يتبعون الأنماط الصوتية ، لكن الاهتمام بالعزف على الآلات قد تم تحديده بالفعل.

رابعًا ، خلال عصر النهضة ، كان هناك تشكيل نشط لمدارس الموسيقى الوطنية (عازفو متعدد الأصوات هولنديون ، وعذراء إنجليز ، وعازفون إسبانيون وغيرهم) ، والتي استند عملها إلى الفولكلور في بلادهم.

أخيرًا ، تقدمت نظرية الموسيقى إلى الأمام ، بعد أن طرحت عددًا من المنظرين البارزين. هذا الفرنسيةفيليب دي فيتري ، مؤلف الرسالة " آرسنوفا» (« New Art "، الذي يوفر أساسًا نظريًا لأسلوب متعدد الألحان جديد) ؛ إيطاليجوزيفو زارلينو أحد مؤسسي علم الوئام. سويسريغلاريان مؤسس مذهب اللحن.

وكالة التعليم الاتحادية

GOU VPO "جامعة ماري ستيت"

كلية الفصول الابتدائية

التخصص: 050708

"أصول التدريس وطرق التعليم الابتدائي"

القسم: "بيداغوجيا التعليم الابتدائي"

اختبار

موسيقى عصر النهضة

يوشكار أولا 2010

عصر النهضة (عصر النهضة) هو ذروة جميع أنواع الفنون وجاذبية شخصياتها للتقاليد والأشكال القديمة.

لعصر النهضة حدود تاريخية وتاريخية غير متساوية في مختلف البلدان الأوروبية. في إيطاليا ، بدأت في القرن الرابع عشر ، وفي هولندا بدأت في القرن الخامس عشر ، وفي فرنسا وألمانيا وإنجلترا ، تتجلى علاماتها بوضوح في القرن السادس عشر. في الوقت نفسه ، أصبح تطوير العلاقات بين المدارس الإبداعية المختلفة ، وتبادل الخبرات بين الموسيقيين الذين انتقلوا من بلد إلى آخر ، والذين عملوا في كنائس مختلفة ، علامة على العصر ويسمح لنا بالتحدث عن الاتجاهات المشتركة بين الجميع. حقبة.

الثقافة الفنية لعصر النهضة مبدأ شخصي قائم على العلم. المهارة المعقدة بشكل غير عادي للعازفين متعددي الأصوات في القرنين الخامس عشر والسادس عشر ، وتعايش أسلوبهم الموهوب مع الفن المشرق للرقصات اليومية ، وتطور الأنواع العلمانية. أصبح التعبير عن الغنائية والدراما أكثر فأكثر في أعماله.

لذلك ، كما نرى ، فإن عصر النهضة فترة صعبة في تاريخ تطور الفن الموسيقي ، لذلك يبدو من المعقول النظر فيها بمزيد من التفصيل ، مع الاهتمام بالشخصيات الفردية.

الموسيقى هي لغة العالم الوحيدة ، فهي لا تحتاج إلى ترجمة ، فالروح تتحدث مع الروح فيها.

أفيرباخ بيرتهولد.

تشير موسيقى عصر النهضة ، أو موسيقى عصر النهضة ، إلى فترة تطور الموسيقى الأوروبية بين حوالي 1400 و 1600. في إيطاليا ، بدأت بداية حقبة جديدة لفن الموسيقى في القرن الرابع عشر. تشكلت المدرسة الهولندية ووصلت إلى ذروتها الأولى في الخامس عشر ، وبعد ذلك استمر تطورها في التوسع ، واستحوذ التأثير بطريقة أو بأخرى على سادة المدارس الوطنية الأخرى. تجلت علامات عصر النهضة بوضوح في فرنسا في القرن السادس عشر ، على الرغم من أن إنجازاتها الإبداعية كانت عظيمة ولا جدال فيها حتى في القرون السابقة.

يعود صعود الفن في ألمانيا وإنجلترا وبعض البلدان الأخرى في مدار عصر النهضة إلى القرن السادس عشر. ومع ذلك ، مع مرور الوقت ، أصبحت الحركة الإبداعية الجديدة حاسمة بالنسبة لأوروبا الغربية ككل واستجابت بطريقتها الخاصة في بلدان أوروبا الشرقية.

تبين أن موسيقى عصر النهضة غريبة تمامًا على الأصوات القاسية والقاسية. شكلت قوانين الانسجام جوهرها الرئيسي.

كان لا يزال يحتفظ بالمكانة الرائدة موسيقى روحيةالسبر أثناء خدمة الكنيسة. خلال عصر النهضة ، احتفظت بالمواضيع الرئيسية لموسيقى العصور الوسطى: التسبيح للرب وخالق العالم ، والقداسة ونقاء الشعور الديني. والغرض الرئيسي من هذه الموسيقى ، كما قال أحد منظريها ، هو "إسعاد الله".

كانت الجماهير والعزوات والترانيم والمزامير أساس الثقافة الموسيقية.

القداس هو عبارة عن مجموعة من أجزاء من الليتورجيا الكاثوليكية للطقوس اللاتينية ، يتم تعيين نصوصها على موسيقى للغناء أحادي الصوت أو متعدد الألحان ، مع أو بدون آلات موسيقية ، من أجل المرافقة الموسيقية للخدمات الرسمية في الرومان. الكنيسة الكاثوليكية والكنائس البروتستانتية العليا ، على سبيل المثال ، في الكنيسة السويدية.

الجماهير ، ذات القيمة الموسيقية ، تُؤدى أيضًا خارج العبادة في الحفلات الموسيقية ؛ علاوة على ذلك ، تم تأليف العديد من الجماهير في أوقات لاحقة خصيصًا إما للأداء في قاعة موسيقية أو بمناسبة نوع من الاحتفال.

قداس الكنيسة ، الذي يعود إلى الألحان التقليدية للترتيل الغريغوري ، عبر بشكل واضح عن جوهر الثقافة الموسيقية. كما في العصور الوسطى ، كان القداس يتألف من خمسة أجزاء ، لكنه أصبح الآن أكثر فخامة وواسع النطاق. لم يعد العالم يبدو صغيراً ومرئياً للإنسان. لم تعد الحياة العادية بأفراحها الأرضية تعتبر خطاة.

توت (الاب. موتتمن عند موت- كلمة) هو عمل صوتي متعدد الألحان من مستودع متعدد الألحان ، أحد الأنواع المركزية في موسيقى أوروبا الغربية العصور الوسطى وعصر النهضة.

الترنيمة (اليونانية القديمة ὕμνος) هي أغنية مهيبة تمدح وتمجد شخصًا ما أو شيء ما (كان في الأصل إلهًا).

المزمور (اليونانية ψαλμός "ترنيمة التسبيح") ، ص. المزمور ، رر. المزامير (ψαλμοί اليوناني) - تراتيل الشعر الديني اليهودي (العبرية תהילים) والمسيحيين والصلاة (من العهد القديم).

هم يشكلون سفر المزامير ، الكتاب التاسع عشر من العهد القديم. يُنسب تأليف المزامير تقليديًا إلى الملك داود (حوالي 1000 قبل الميلاد) والعديد من المؤلفين الآخرين ، بما في ذلك إبراهيم وموسى وشخصيات أسطورية أخرى.

في المجموع ، يتضمن سفر المزامير 150 مزمورًا ، مقسمة إلى صلوات وتسبيح وترانيم وتعاليم.

كان للمزامير تأثير كبير على الفولكلور وكانت بمثابة مصدر للعديد من الأمثال. في اليهودية ، كانت المزامير تُؤدى على شكل ترانيم للمرافقة. بالنسبة لكل مزمور ، كقاعدة عامة ، تمت الإشارة إلى طريقة الأداء و "النموذج" (في الترنيمة الغريغورية التي تسمى التنغيم) ، أي اللحن المقابل. لقد احتل سفر المزامير مكانة مهمة في المسيحية. كانت المزامير تؤدى أثناء الخدمات الإلهية ، والصلاة المنزلية ، وقبل المعركة ، وعند التحرك في التكوين. في البداية ، تم غنائهم في الكنيسة من قبل المجتمع بأكمله. تم تنفيذ المزامير على شكل كابيلا ، فقط في المنزل كان استخدام الأدوات مسموحًا به. كان نوع الأداء متسلسلًا. بالإضافة إلى المزامير الكاملة ، تم أيضًا استخدام بعض الآيات الأكثر تعبيرًا منها. على هذا الأساس ، نشأت ترانيم مستقلة - أنتيفون ، تدريجي ، السبيل والهللويا.

تدريجيا ، بدأت الاتجاهات العلمانية تتغلغل في أعمال مؤلفي الكنيسة. يتم تقديم موضوعات الأغاني الشعبية التي ليست على الإطلاق ذات محتوى ديني بجرأة في النسيج متعدد الألحان لأناشيد الكنيسة. لكن الآن هذا لا يتعارض مع الروح والمزاج العام للعصر. على العكس من ذلك ، في الموسيقى ، تم الجمع بين الإلهي والإنسان بطريقة مدهشة.

بلغت الموسيقى المقدسة ذروتها في القرن الخامس عشر. في هولندا. هنا ، تم تبجيل الموسيقى أكثر من غيرها من أشكال الفن. كان الملحنون الهولنديون والفلمنكيون أول من وضع قواعد جديدة نغمات متعددة الألحانأداء (متعدد الألحان) - كلاسيكي " أسلوب صارم". كانت أهم تقنية تأليف للسادة الهولنديين تقليد- ترديد نفس اللحن بأصوات مختلفة. كان الصوت الرئيسي هو المضمون ، الذي عُهد إليه باللحن الرئيسي المتكرر - الكانتوس الراسخ ("اللحن الثابت"). تحت التينور كان الجهير وفوق ألتو. الأعلى ، أي الشاهقة فوق الجميع ، تم تسمية الصوت سوبرانو.

باستخدام الحسابات الرياضية ، تمكن الملحنون الهولنديون والفلمنكيون من حساب صيغة مجموعات الفترات الموسيقية. الهدف الرئيسي من الكتابة هو إنشاء هيكل صوتي متناغم ومتناسق وفخم ومكتمل داخليًا. قام أحد ألمع ممثلي هذه المدرسة ، يوهانس أوكيغيم (1425-1497) ، بناءً على حسابات رياضية ، بتأليف درع من 36 صوتًا!

يتم تمثيل جميع الأنواع المميزة للمدرسة الهولندية في أعمال Okegem: الكتلة ، والتوت ، والتشانسون. النوع الأكثر أهمية بالنسبة له هو الكتلة ، لقد أثبت نفسه كمتعدد الأصوات البارز. موسيقى Okegem ديناميكية للغاية ، يتحرك الخط اللحني في نطاق واسع ، وله سعة واسعة. في الوقت نفسه ، يتميز Okegem بالتنغيم السلس ، والتشريف الصوتي الخالص ، والتفكير النمطي القديم. لذلك ، غالبًا ما توصف موسيقى Okegem بأنها "موجهة إلى اللانهاية" ، "مرتفعة" في بيئة تصويرية منفصلة إلى حد ما. إنها أقل ارتباطًا بالنص ، غنية بالأناشيد ، ارتجالية ، معبرة.

نجا عدد قليل جدًا من أعمال Okegem:

حوالي 14 كتلة (11 في المجموع):

· قداس Missa pro Defunctis (أول قداس متعدد الألحان في تاريخ الأدب الموسيقي العالمي) ؛

9-13 (وفقًا لمصادر مختلفة):

أكثر من 20 تشانسون

هناك العديد من الأعمال التي يُشكك في انتمائها Okegem ، من بينها العتمة الشهيرة "Deo gratias" لـ 36 صوتًا. تُنسب بعض الشخصيات المجهولة إلى Okegem على أساس التشابه في الأسلوب.

قداس أوكيجم الثلاثة عشر محفوظة في مخطوطة من القرن الخامس عشر تُعرف باسم مخطوطة شيجي.

بين الجماهير ، هناك جزءان من خمسة أجزاء وواحد من ثمانية أجزاء. يستخدم Okegem الألحان الشعبية ("L’homme armé") أو ألحانه الخاصة ("Maistresse") أو ألحان المؤلفين الآخرين (على سبيل المثال ، Benshua في "De plus en plus") كمواضيع للجماهير. هناك جماهير بدون موضوعات مستعارة ("Quinti toni" و "Sine nomine" و "Cujusvis toni").

موتس وتشانسون

حركات Okegem و chanson متاخمة مباشرة لجماهيره وتختلف عنهم بشكل أساسي في مقياسهم. من بين الحركات ، هناك تراكيب احتفالية خصبة ، بالإضافة إلى تراكيب كورالية روحية أكثر صرامة.

وأشهرها هو شعار الشكر الاحتفالي "Deo gratias" ، وهو مكتوب لأربعة مؤلفات من تسعة أجزاء ، وبالتالي يعتبر مؤلفًا من 36 جزءًا. في الواقع ، يتكون من أربعة شرائع من تسعة أجزاء (على أربعة مواضيع مختلفة) ، والتي تتبع واحدًا تلو الآخر مع تداخلات طفيفة في بداية الجزء التالي في ختام السابق. في أماكن تداخل الأصوات البالغ عددها 18 صوتًا ، لا يوجد 36 صوتًا حقيقيًا في الحافز.

ما لا يقل إثارة للاهتمام هو عمل الملحن الهولندي أورلاندو لاسو (1532-1594) ، الذي ابتكر أكثر من ألفي عمل ذات طبيعة عبادة وعلمانية.

لاسو هو أكثر الملحنين غزارة في عصره. نظرًا للأحجام الهائلة لتراثه ، فإن الأهمية الفنية لأعماله (التي تم تكليف العديد منها) لم يتم تقديرها بالكامل بعد.

لقد عمل حصريًا في الأنواع الصوتية ، بما في ذلك كتابة أكثر من 60 قداسًا ، وطقوسًا دينية ، و 4 دورات من المشاعر (لجميع المبشرين) ، ومكاتب الأسبوع المقدس (تعد ردود Matins في خميس العهد ، والجمعة العظيمة ، والسبت المقدس ذات أهمية خاصة) ، أكثر من 100 تراتيل رائعة ، تراتيل ، فوبوردون ، حوالي 150 فرنك. تشانسون (أغانيه "Susanne un jour" ، إعادة صياغة القصة التوراتية لسوزانا ، كانت واحدة من أشهر المسرحيات في القرن السادس عشر) ، الإيطالية (Villanelles ، moreski ، canzones) والأغاني الألمانية (أكثر من 140 Lieder) ، حوالي 250 مادريجال.

تتميز اللاسو بالتطور الأكثر تفصيلاً للنصوص بلغات مختلفة ، سواء الليتورجية (بما في ذلك نصوص الكتاب المقدس) أو المؤلفة بحرية. الجدية والدراما لهذا المفهوم ، تميز المجلدات الموسعة تكوين دموع القديس بطرس (دورة من 7 أصوات روحية مادريجالات على أبيات كتبها لويجي ترانزيلو ، نُشرت عام 1595) ومزامير التوبة لداود (1571 مخطوطة بتنسيق أوراق مزخرفة مع الرسوم التوضيحية من قبل G. Milich ، وتوفير المواد الأيقونية القيمة عن الحياة ، بما في ذلك الترفيه الموسيقي ، في المحكمة البافارية).

في الوقت نفسه ، في الموسيقى العلمانية ، لم تكن اللاسو غريبة عن الفكاهة. على سبيل المثال ، في Chanson "الشرب في ثلاثة أشخاص يوزع في الأعياد" (Fertur in conviviis vinus، vina، vinum) ، أعيد سرد حكاية قديمة من حياة المتشردين ؛ في الأغنية الشهيرة "ماتونا ميا كارا" ، يغني جندي ألماني أغنية حب مشوهة للكلمات الإيطالية ؛ في ترنيمة "Ut queant laxis" يتم تقليد solfeging غير المحظوظ. تم كتابة عدد من المسرحيات القصيرة الساطعة التي كتبها لاسو بأبيات تافهة للغاية ، على سبيل المثال ، تشانسون "سيدة نظرت باهتمام إلى القلعة / الطبيعة عند التمثال الرخامي" (En un chasteau ma dame ...) ، وبعض الأغاني (خاصة moreski) تحتوي على مفردات بذيئة.

موسيقى علمانيةتم تمثيل عصر النهضة بأنواع مختلفة: مادريجال ، أغاني ، كانزون. بعد أن توقفت الموسيقى عن كونها "خادمة للكنيسة" ، بدأت الآن في الظهور ليس باللغة اللاتينية ، ولكن بلغتها الأصلية. أصبح أكثر أنواع الموسيقى العلمانية شهرة (مادريجال الإيطالية - أغنية باللغة الأم) - مؤلفات كورالية متعددة الألحان مكتوبة على نص قصيدة غنائية لمحتوى الحب. في أغلب الأحيان ، لهذا الغرض ، تم استخدام قصائد الأساتذة المشهورين: دانتي وفرانشيسكو بتراركا وتوركواتو تاسو. لم يؤد مغنون محترفون أداء مادريجال ، بل قام به مجموعة كاملة من الهواة ، حيث كان يقود كل جزء مغني واحد. المزاج الرئيسي للمادريجال هو الحزن والشوق والحزن ، ولكن كانت هناك أيضًا مؤلفات مبهجة وحيوية.

زميل باحث في الثقافة الموسيقية د. يلاحظ كيرنارسكايا:

"قلب مادريغال النظام الموسيقي بأكمله لعصر النهضة رأساً على عقب: انهارت اللدونة المتساوية والمتجانسة للكتلة ... اختفت شركة الكانتوس الثابتة ، وهي أساس الكل الموسيقي ، ... الأساليب المعتادة لتطوير" الكتابة الصارمة " ... أفسح المجال للتناقضات العاطفية واللحنية للحلقات ، فكل منها حاول أن ينقل الفكر الشعري الوارد في النص بأكبر قدر ممكن من التعبيرية. مادريجال أخيرًا قوض القوى الضعيفة لـ "الأسلوب الصارم".

لم تكن الأغنية المصحوبة بآلات موسيقية أقل شعبية من الموسيقى العلمانية. على عكس الموسيقى التي يتم تشغيلها في الكنيسة ، كانت الأغاني سهلة الأداء. تم تقسيم نصهم المقفى بوضوح إلى مقاطع من 4-6 أسطر. في الأغاني ، كما في مادريجال ، اكتسب النص أهمية كبيرة. عند الأداء ، يجب ألا تضيع الخطوط الشعرية في الغناء متعدد الألحان. اشتهرت بشكل خاص أغاني الملحن الفرنسي كليمان جانيكين (حوالي 1485-1558). كتب كليمان جانيكين حوالي 250 تشانسون ، معظمها لأربعة أصوات ، على أبيات شعرية لبيير رونسارد ، وكليمان مارو ، وم. دي سان جيلي ، وهم شعراء مجهولون. بالنسبة إلى 40 تشانسون آخر ، يناقض العلم الحديث في تأليف جانيكين (والذي ، مع ذلك ، لا يقلل من جودة هذه الموسيقى المتنازع عليها نفسها). السمة المميزة الرئيسية لموسيقاه متعددة الألحان العلمانية هي البرمجة والمرئية. أمام عين المستمع صور للمعركة ("معركة مارينيانو" ، "معركة رينتي" ، "معركة ميتز") ، مشاهد الصيد ("غناء الطيور" ، "غناء العندليب" ، " قبرة) ، مشاهد من الحياة اليومية ("ثرثرة النساء"). تنقل Janequin بشكل واضح أجواء الحياة اليومية في باريس إلى أغنية "Screams of Paris" التي تحمل اسم Chanson ، حيث يمكنك سماع تعجب الباعة الجائلين ("Milk!" - "Pies!" - "Artichokes!" - "Fish!" - " المباريات! "-" الحمام! "-" الأحذية القديمة! "-" النبيذ! "). على الرغم من كل البراعة في الملمس والإيقاع ، تظل موسيقى Janequin في مجال التناغم والنقطة المقابلة تقليدية للغاية.

كان عصر النهضة هو البداية إبداع الملحن المحترف... الممثل المذهل لهذا الاتجاه الجديد هو بلا شك باليسترينا (1525-1594). يتضمن إرثه العديد من الأعمال الموسيقية المقدسة والعلمانية: 93 قداسًا و 326 ترنيمة ورسومات. وهو مؤلف مجلدين من كتابات علمانية لكلمات بترارك. عمل لفترة طويلة كمدير جوقة في كاتدرائية القديس بطرس في روما. تتميز موسيقى الكنيسة التي ابتكرها بنقاء وسامية المشاعر. موسيقى الملحن العلمانية مشبعة بروحانية وانسجام غير عاديين.

نحن مدينون لعصر النهضة بتشكيل الآلات الموسيقيةكشكل فني مستقل. في هذا الوقت ، ظهر عدد من القطع الموسيقية ، والاختلافات ، والمقدمات ، والتخيلات ، وروندو ، وتوكاتاس. من بين الآلات الموسيقية الأكثر شيوعًا هي الأورغن ، والهاربسيكورد ، والفيولا ، وأنواع مختلفة من المزامير ، وفي نهاية القرن السادس عشر. - كمان.

ينتهي عصر النهضة بظهور أنواع موسيقية جديدة: أغنية منفردة وأوراتوريو وأوبرا. إذا كان المعبد في وقت سابق هو مركز الثقافة الموسيقية ، فمنذ ذلك الوقت بدأت الموسيقى في الظهور في دار الأوبرا. وحدث مثل هذا.

في مدينة فلورنسا الإيطالية في نهاية القرن السادس عشر. بدأ الشعراء والممثلون والعلماء والموسيقيون الموهوبون في التجمع. ثم لم يفكر أي منهم في أي اكتشاف. ومع ذلك ، فإنهم كانوا مقدرًا لهم إحداث ثورة حقيقية في الفنون المسرحية والموسيقية. بعد استئناف أداء أعمال الكتاب المسرحيين اليونانيين القدماء ، بدأوا في تأليف موسيقاهم الخاصة ، وفقًا لأفكارهم ، مع طبيعة الدراما القديمة.

أعضاء الكاميراتا(كما كان يُطلق على هذا المجتمع) تم التفكير بعناية في المرافقة الموسيقية لمونولوجات وحوارات الشخصيات الأسطورية. كان المطلوب من الممثلين أداء الأجزاء المنطوقة سردي(تلاوة ، ترديد الكلام). وعلى الرغم من أن الكلمة استمرت في لعب دور قيادي فيما يتعلق بالموسيقى ، فقد تم اتخاذ الخطوة الأولى نحو التقارب والانصهار المتناغم. مثل هذا الأداء جعل من الممكن نقل ثروة العالم الداخلي للشخص وتجاربه الشخصية ومشاعره إلى حد كبير. بناءً على هذه الأجزاء الصوتية ، الآرياس- حلقات منتهية في عرض موسيقي من بينها عرض أوبرا.

سرعان ما نالت دار الأوبرا الحب وأصبحت مشهورة ليس فقط في إيطاليا ، ولكن أيضًا في البلدان الأوروبية الأخرى.

قائمة الأدب المستخدم

1) قاموس موسوعي لشاب موسيقي / كومب. في. Medushevsky، O.O. أوتشاكوفسكايا. - م: علم أصول التدريس ، 1985.

2) ثقافة الفن العالمية. من بدايات القرن السابع عشر: كتاب مدرسي. لمدة 10 سل. تعليم عام. مؤسسات الملف الإنساني / G.I. دانيلوف. - الطبعة الثانية ، الصورة النمطية. - م: بوستارد ، 2005.

كانت الظاهرة الأكثر لفتًا للنظر هي انتشار الأنواع الصوتية العلمانية في ذلك الوقت ، المشبعة بروح الاتجاهات الإنسانية. لعب إضفاء الطابع المهني على الفن الموسيقي دورًا خاصًا في تطورهم: نمت مهارة الموسيقيين ، وتم تنظيم مدارس الغناء ، حيث قاموا ، منذ سن مبكرة ، بتدريس الغناء وعزف الأرغن والنظرية الموسيقية. كل هذا أدى إلى الموافقة على تعدد الأصوات بأسلوب صارم ، يتطلب مهارة عالية وإتقانًا احترافيًا لتقنية التركيب والأداء. في إطار هذا الأسلوب ، تعمل القواعد الصارمة للتنظيم الصوتي والإيقاعي مع الحفاظ على أقصى استقلالية للأصوات. على الرغم من احتلال موسيقى الكنيسة مكانًا مهمًا في أعمال أساتذة الأسلوب الصارم ، إلى جانب الأعمال المتعلقة بالنصوص الروحية ، فقد كتب هؤلاء الملحنون العديد من الأغاني العلمانية متعددة الألحان. تحظى الصور الموسيقية والشعرية للأنواع الصوتية العلمانية بأهمية خاصة. تتميز النصوص بحيوية المحتوى وأهميته. بالإضافة إلى كلمات الحب ، كانت النصوص الساخرة ، التافهة ، ثنائية الحزم ، شائعة للغاية ، والتي تم دمجها مع الأسلوب الاحترافي الممتاز للكتابة متعددة الألحان. إليكم بعض نصوص الشانسون الفرنسية ، وهي مثال على الشعر اليومي "انهضي ، عزيزتي كولينيت ، حان الوقت لتناول مشروب ؛ الضحك والمتعة هما ما أسعى لتحقيقه. دع الجميع يستسلم للفرح. لقد جاء الربيع .. . "،" فليلعن المال ، فقد سلبني صديقتي: لقد استحوذت على حبها ، والآخر - الثروة ، الحب الصادق في شؤون الحب لا يساوي شيئًا ".

ظهرت ثقافة عصر النهضة لأول مرة في إيطاليا ، ثم في بلدان أخرى. احتفظ التاريخ بمعلومات حول الحركات المتكررة للموسيقيين المشهورين من بلد إلى آخر ، وعن عملهم في كنيسة أو كنيسة أخرى ، وعن التواصل المتكرر لممثلي جنسيات مختلفة ، وما إلى ذلك. لذلك ، في موسيقى عصر النهضة ، نلاحظ علاقة مهمة بين الأعمال التي أنشأها الملحنون المدارس الوطنية المختلفة.

غالبًا ما يشار إلى القرن السادس عشر باسم "عصر الرقص". تحت تأثير المُثُل الإنسانية لعصر النهضة الإيطالية ، تم كسر السد الذي يحظر الكنيسة أخيرًا ، وكشف التوق إلى "الدنيوية" ، عن أفراح الأرض على أنها انفجار غير مسبوق لعناصر الرقص والغناء. عامل قوي في ترويج الأغنية والرقص في القرن السادس عشر. لعب اختراع طرق طباعة الموسيقى دورًا: بدأت الرقصات المنشورة في طبعات كبيرة تتجول من بلد إلى آخر. ساهمت كل أمة في الهواية المشتركة ، فكان الرقص ، والابتعاد عن موطنها الأصلي ، يسافر عبر القارة ، ويغير مظهرها ، وأحيانًا اسمها. انتشرت الموضة بالنسبة لهم بسرعة وتغيرت بسرعة.

في الوقت نفسه ، كان عصر النهضة هو وقت الحركات الدينية الواسعة (هوسيت في بوهيميا ، اللوثرية في ألمانيا ، الكالفينية في فرنسا). كل هذه المظاهر المتنوعة للحركات الدينية في ذلك الوقت يمكن أن توحد بالمفهوم العام للبروتستانتية. لعبت البروتستانتية في مختلف الحركات الوطنية دورًا مهمًا في تطوير وتعزيز الثقافات الموسيقية المشتركة للشعوب ، علاوة على ذلك ، بشكل رئيسي في مجال الموسيقى الشعبية. على عكس النزعة الإنسانية ، التي احتضنت دائرة ضيقة نسبيًا من الناس ، كانت البروتستانتية اتجاهًا أكثر انتشارًا وانتشر بين طبقات واسعة من الناس. واحدة من أكثر الظواهر اللافتة للنظر في الفن الموسيقي لعصر النهضة هي الترنيمة البروتستانتية. نشأت في ألمانيا تحت تأثير حركة الإصلاح ، على عكس سمات العبادة الكاثوليكية ، فقد تميزت بمحتوى عاطفي ودلالي خاص. علق لوثر وغيره من ممثلي البروتستانتية أهمية كبيرة على الموسيقى: "الموسيقى تجعل الناس مبتهجين ، وتجعل الناس ينسون الغضب. وتقضي على الثقة بالنفس وأوجه القصور الأخرى ... يجب تعليم الشباب باستمرار على الموسيقى ، لأنها تصنع أشخاصًا بارعين ومناسبين للجميع . " وهكذا ، لم تكن الموسيقى في حركة الإصلاح تعتبر ترفًا ، بل نوعًا من "الخبز اليومي" - فقد تمت دعوتها للعب دور كبير في دعاية البروتستانتية وتشكيل الوعي الروحي للجماهير العريضة.

النوع:

الأنواع الصوتية

يتميز العصر بأكمله بهيمنة واضحة للأنواع الصوتية ، وخاصة الصوتية تعدد الأصوات... إتقان معقد بشكل غير عادي لتعدد الأصوات بأسلوب صارم ، منحة دراسية حقيقية ، تقنية مبدعة تتعايش مع الفن المشرق والحديث للنشر اليومي. تكتسب الموسيقى الآلية بعض الاستقلالية ، لكن اعتمادها المباشر على الأشكال الصوتية والمصادر اليومية (الرقص ، الأغنية) لن يتم التغلب عليه إلا بعد قليل. تظل الأنواع الموسيقية الرئيسية مرتبطة بالنص اللفظي. انعكس جوهر النزعة الإنسانية في عصر النهضة في تأليف الأغاني الكورالية بأسلوب فروتول وفيلانيل.
أنواع الرقص

في عصر النهضة ، اكتسب الرقص اليومي أهمية كبيرة. تظهر العديد من أشكال الرقص الجديدة في إيطاليا وفرنسا وإنجلترا وإسبانيا. طبقات المجتمع المختلفة لها رقصاتها الخاصة ، وتطور طريقة أدائها ، وقواعد السلوك أثناء الكرات ، والسهرات ، والاحتفالات. رقصات عصر النهضة أكثر تعقيدًا من اللعنات البسيطة في أواخر العصور الوسطى. يتم استبدال الرقصات ذات الرقص المستدير والرقص الخطي برقصات ثنائية (ثنائية) مبنية على حركات وأشكال معقدة.
فولتا - رقصة زوجية من أصل إيطالي. يأتي اسمها من الكلمة الإيطالية voltare ، والتي تعني "الدوران". الحجم ذو ثلاث ضربات ، والإيقاع سريع بشكل معتدل. النمط الرئيسي للرقص هو أن الرجل النبيل يدير السيدة التي ترقص معه في الهواء برشاقة وفجأة. عادة ما يتم هذا التسلق عاليًا جدًا. إنه يتطلب قوة ومهارة كبيرين من الرجل ، لأنه على الرغم من حدة الحركات وبعض اندفاعها ، يجب أن يتم المصعد بشكل واضح وجميل.
جاليارد - رقصة قديمة من أصل إيطالي منتشرة في إيطاليا وإنجلترا وفرنسا وإسبانيا وألمانيا. إن إيقاع الجاليارد المبكر سريع بشكل معتدل ، والحجم ثلاثي الإيقاع. غالبًا ما كان يتم أداء Galliarda بعد البافانا ، والتي كانت مرتبطة بها في بعض الأحيان بشكل موضوعي. جالياردز القرن السادس عشر مستدام في نسيج لحني متناسق مع لحن في الصوت العلوي. كانت ألحان الغاليارد شائعة بين قطاعات واسعة من المجتمع الفرنسي. خلال الغناء ، عزف طلاب أورليانز ألحان الغاليارد على العود والقيثارات. مثل الجرس ، كان للجاليارد طابع نوع من حوار الرقص. تحرك الفارس حول القاعة مع سيدته. عندما أدى الرجل المنفرد ، بقيت السيدة في مكانها. يتكون الذكر المنفرد من مجموعة متنوعة من الحركات المعقدة. بعد ذلك ، اقترب من السيدة مرة أخرى واستمر في الرقص.
بافانا - رقصة جانبية من القرنين السادس عشر والسابع عشر. الإيقاع بطيء نوعًا ما ، 4/4 أو 2/4 نبضة. تختلف المصادر المختلفة حول أصلها (إيطاليا وإسبانيا وفرنسا). النسخة الأكثر شيوعًا هي رقصة إسبانية تقلد حركات الطاووس الذي يمشي بذيل متدفق بشكل جميل. كان على مقربة من رقصة الباس. على موسيقى البافان ، جرت مواكب احتفالية مختلفة: دخول السلطات إلى المدينة ، ووديعة العروس النبيلة إلى الكنيسة. في فرنسا وإيطاليا ، تم إنشاء البافانا كرقصة محكمة. سمحت الشخصية الجليلة للبافانا لمجتمع البلاط بالتألق بالنعمة والنعمة في سلوكهم وحركاتهم. لم يؤد الشعب والبرجوازية هذه الرقصة. تم تنفيذ Pavane ، مثل المينوت ، بدقة حسب الرتبة. بدأ الملك والملكة الرقص ، ثم دخل الدوفان والسيدة النبيلة الرقص ، ثم الأمراء ، إلخ. قام كافالييرز بأداء بافانا بالسيف والستائر. كانت السيدات ترتدي فساتين رسمية مع خنادق طويلة ثقيلة ، والتي كان لابد من استخدامها بمهارة أثناء الحركات ، دون رفعها عن الأرض. جعلت حركة الترين الحركات جميلة ، مما أعطى البافاني روعة ووقارًا. بالنسبة للملكة ، حملت المضيفات القطار. قبل بدء الرقص ، كان من المفترض أن يتجول في الصالة. في نهاية الرقصة ، تجول الأزواج مرة أخرى حول القاعة بالأقواس والأقواس. ولكن قبل ارتداء القبعة ، كان على الرجل أن يضع يده اليمنى على كتف السيدة من الخلف ويده اليسرى (ممسكة بالقبعة) على خصرها ويقبلها على خدها. أثناء الرقص ، تم خفض عيني السيدة. فقط من وقت لآخر كانت تنظر إلى عاشقها. تم الحفاظ على البافانا لأطول فترة في إنجلترا ، حيث كانت تحظى بشعبية كبيرة.
أليماند - رقصة بطيئة من أصل ألماني بأربع إيقاع. إنه ينتمي إلى الرقصات الهائلة "المنخفضة" الخالية من القفز. أصبح فناني الأداء أزواجًا واحدًا تلو الآخر. لم يكن عدد الأزواج محدودًا. أمسك الرجل بأيدي السيدة. تحرك العمود حول القاعة ، وعندما وصل إلى نهايته ، استدار المشاركون في مكانهم (دون فصل أيديهم) واستمروا في الرقص في الاتجاه المعاكس.
كورانت - رقصة محكمة من أصل إيطالي. كان الرنين بسيطًا ومعقدًا. يتكون الأول من خطوات تخطيط بسيطة ، يتم إجراؤها بشكل أساسي إلى الأمام. كان الرنين المعقد ذا طبيعة إيمائية: دعا ثلاثة رجال ثلاث سيدات للمشاركة في الرقص. تم اصطحاب السيدات إلى الركن المقابل من القاعة وطلب منهن الرقص. رفضت السيدات. بعد رفض السادة ، غادروا ، لكنهم عادوا مرة أخرى وركعوا أمام السيدات. فقط بعد مشهد التمثيل الإيمائي بدأ الرقص. هناك اختلافات بين الأجراس من النوعين الإيطالي والفرنسي. الأجراس الإيطالية هي رقصة حية بطول 3/4 أو 3/8 متر بإيقاع بسيط في نسيج لحني متناسق. الفرنسية - رقصة مهيبة ("رقصة على الطريقة") ، موكب سلس وفخور. حجم 3/2 ، وتيرة معتدلة ، ونسيج متعدد الألحان متطور.
سراباندي - رقصة شعبية في القرنين السادس عشر والسابع عشر. مشتق من رقصة الأنثى الإسبانية بالصنجات. في البداية كانت مصحوبة بالغناء. يقدم مصمم الرقصات والمعلم الشهير كارلو بلازيس في أحد أعماله وصفًا موجزًا لساراباندا: "في هذه الرقصة ، يختار كل شخص سيدة لا يهتم بها. تعطي الموسيقى إشارة ، ويؤدي اثنان من العشاق رقصة نبيلة ، ومع ذلك ، فإن أهمية هذه الرقصة لا تتعارض على الأقل مع المتعة ، بل إن التواضع يمنحها المزيد من النعمة ؛ فعيون الجميع تسعد بمتابعة الراقصين ، الذين يؤدون شخصيات مختلفة ، ويعبرون بحركتهم عن جميع مراحل الحب ". في البداية ، كانت وتيرة ساراباندا سريعة إلى حد ما ، وفي وقت لاحق (من القرن السابع عشر) ظهرت ساراباندا فرنسية بطيئة بنمط إيقاعي مميز: …… في موطنها ، تندرج ساراباندا في فئة الرقصات الفاحشة في عام 1630. تم حظره من قبل المجلس القشتالي.
جيج - رقصة من أصل إنجليزي ، الأسرع ، ثلاثية ، تتحول إلى ثلاثة توائم. في البداية ، كانت الحفلة عبارة عن رقصة ثنائية ، لكنها انتشرت بين البحارة كرقصة فردية وسريعة للغاية ذات طابع كوميدي. ظهرت لاحقًا في موسيقى الآلات باعتبارها الجزء الأخير من مجموعة رقص قديمة.

ملخص: موسيقى عصر النهضة