Публикации раздела Музеи

Предтечи знаменитых: русские художницы XIX века

Р оссия по праву гордится своими художницами - «амазонками авангарда» Гончаровой или Розановой, а до них - Серебряковой или Остроумовой-Лебедевой, а до них… А кто же был до них? Рассказываем, кто проложил дорогу расцвету женского творчества ХХ века. Вопрос изучала Софья Багдасарова .

Количество женщин, занимающихся живописью, стало расти как лавина начиная с 1900-х. А вот в предшествующее столетие их по пальцам пересчитать. Связано это было как с малой доступностью женского образования, так и с патриархальным представлением о том, какие профессии приличны дамам. Ситуация менялась постепенно.

Романовы

Работа Марии Федоровны, жены Павла I. Портрет Павла I. 1790

Первыми профессиональными художницами на территории России, конечно, были иностранки - Доротея Гзель (жена приглашенного Петром I живописца), Мари-Анна Колло (невестка скульптора Фальконе), Элизабет Виже-Лебрён (супруга художника Жан-Батиста Лебрена) и другие.

Пожалуй, первая художница-россиянка тоже иностранка - это императрица Мария Федоровна, жена Павла I. Русская великая княгиня с 1776 года, она пользовалась плодами своего отличного немецкого образования: писала пастелью, рисовала по стеклу свинцовыми карандашами, а также одной из первых в мире овладела токарным мастерством. Ее лучшие камеи на яшме или агате - портреты родных. Дочери императрицы также занимались рисованием и лепили барельефы. А главное, что Мария Федоровна учила не только своих детей, но и занималась образованием вообще всех своих подданных женского пола. Она основывала институты и школы, придумывала учебные программы, то есть наметила четкий план развития женского образования в России, которого страна придерживалась целый век.

Живописью занималась и ее тезка, другая императрица Мария Федоровна (жена ее правнука Александра III). От нее способности к рисованию унаследовала дочь, великая княжна Ольга Александровна. Это помогло ей кормить детей в эмиграции: пусть ее акварели и не так уж талантливы, но покупателям было приятно иметь что-то «от Романовых».

Дворянки-дилетантки

Постепенно у нас стало как в Европе: каждая образованная барышня должна была уметь танцевать, вышивать и рисовать. Среди дворянок Александровской и Николаевской эпохи появились художницы-любительницы, которые украшали свои альбомы и памятные книжки различными зарисовками. Дамы работали по образцу произведений других художников: например, так фрейлина Екатерина Бакунина (в браке Полторацкая), предмет страсти Пушкина, создала свой «автопортрет», сняв копию с рисунка Ореста Кипренского; ее портреты матери и мужа также копийны.

Некоторые дамы овладели техникой пастели (дочь генерала Каменского Александра Ржевская, племянница графов Паниных Александра Репнина). Рисованием занимались барышни из семей Шереметевых, Долгоруких, Апраксиных. Пристойной считалась роспись миниатюр по слоновой кости - как делала Анна Бутурлина, внучатая племянница канцлера Воронцова. А наиболее талантливые дерзали писать маслом - трудоемкой «мужской» техникой. Среди них - дочь начальницы Смольного института Александра Бюлер и кузина Гоголя Глафира Псёл, воспитанница генерал-губернатора Малороссии.

Г. Псёл. Портрет сестры. 1839

А. Бутурлина. Автопортрет. 1817

Е. Бакунина (Полторацкая). Портрет матери. 1828

Дочери и сестры

Мария Дурнова. Портрет мальчика. 1820

Аристократок, конечно, учили приходящие учителя. По-другому овладевали искусствами девочки, родившиеся в художественных семьях. Самые ранние примеры, видимо, дочь исторического живописца Трофима Дурнова Мария и знаменитого жанриста Венецианова Александра. Произведения Венециановой уже отнюдь не дилетантские, и писать маслом она не боялась. Жаль лишь, что зависимость от родича-учителя налицо: разумеется, девушка создавала жанровые картины. Впрочем, этим грешили и художницы более поздних поколений: возьмем Ольгу Лагоду-Шишкину, которая в 1870-х училась в Императорской Академии художеств. Она стала сначала ученицей, а потом супругой прославленного Ивана Шишкина. Ольга Лагода-Шишкина, как и супруг, писала в жанре пейзажа. Творчеством Исаака Левитана вдохновлялась Софья Кувшинникова - его ученица и многолетняя возлюбленная.

Ближе к концу века женщины из художественных семей обретают свой язык. Никто не упрекнет в подражательности талантливую сестру Поленова Елену с ее волшебными сказками. Своя манера была и у дочери Константина Маковского - Елены Лукш-Маковской.

Прилежные ученицы

Профессиональное обучение женщин началось в конце 1830-х годов, когда при Императорском обществе поощрения художеств открылись рисовальные классы для девочек. На них училась Евдокия Бакунина и Екатерина Хилкова. Сохранилась картина Хилковой с изображением этих занятий. Со временем женщин стали принимать в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Две вольнослушательницы училища, Антонина Ржевская и Эмилия Шанкс, - единственные женщины, принятые в Товарищество передвижников. В 1842 году в Петербурге открылись женские вечерние классы в Санкт-Петербургской рисовальной школе для вольноопределяющихся.

Допустили женщин и в Императорскую Академию художеств - в первый раз в качестве вольнослушательниц целых 30 человек, в том числе будущую жену Шишкина. Для женщин XIX века, которые начали задумываться об эмансипации, вехой стал 1854 год, когда медаль Академии впервые получила женщина - сестра Сухово-Кобылина Софья. (Кстати, двумя годами ранее женщина стала президентом Академии - сестра императора великая княгиня Мария Николаевна.) В 1873 году в Академии ученицам разрешили заниматься в одних классах с учениками, однако со временем число девушек так возросло, что из них решили сделать свое отделение. Смешанное обучение, да еще в государственном учреждении, было явлением передовым: так,

Ван Гог, Матисс, Гоген, Дали... И сотни других мужчин, гениев живописи, которые на слуху у всех, которых мы знаем и любим с самого детства. А вот представительницы прекрасной половины человечества как будто остаются в стороне... Как часто можно услышать обидный, несправедливый вопрос: "Почему среди женщин нет известных художников? Может, им не дано?" Разумеется, это не так. Сегодня мы вспомним грандиозных художниц, русских и зарубежных, чьи картины по праву считаются мировыми шедеврами. Семь великих имен, семь непростых женских судеб в мире изобразительного искусства, который принято считать мужским...

Наталия Гончарова (1881−1962) — правнучатая племянницы той самой Натальи Николаевны Гончаровой, супруги Александра Сергеевича Пушкина (в свое время художница оформила «Сказки о царе Салтане», отдав таким образом дань знаменитому родству).
Она изучала живопись под руководством выдающегося художника и педагога Константина Коровина. Вместе с мужем — М. Ф. Ларионовым, одним из основателем русского авангарда, — организовала объединение «Ослиный хвост». В 1915 году получила приглашение Сергея Дягилева для работы над Русскими сезонами — гастролями артистов оперы и балета в Париже.
Сегодняшней стоимостью своих полотен Наталья Гончарова перещеголяла всех художниц мира. В 2008-ом ценовой рекорд в «женском зачете» побила картина «Цветы», проданная на аукционе Christie’s более чем за $10 млн. Работа является одним из ключевых произведений русского авангарда, так как объединяет в себе элементы европейского импрессионизма и абсолютно новаторского направления, созданного Гончаровой и ее мужем — т. н. «лучизма». Мол, все предметы, которые мы видим — сумма лучей, преломленных от этих самых предметов. Экспериментировала художница и с примитивизмом, используя иконопись.
В 2010-ом на лондонских торгах картина «Испанка» установила очередной ценовой рекорд — её счастливый обладатель расстался с $ 1, 216 млн.
Сегодня большинство работ Натальи Гончаровой находятся в Третьяковской галерее.

Наталья Гончарова. "Павлин под ярким солнцем". 1911.

Фрида Кало (1907-1954) — самая известная мексиканская художница, которую прославили колоритные автопортреты. На её творчество оказали заметное влияние мексиканская культура и искусство народов доколумбовой Америки . Художественный стиль Фриды Кало характеризуют как фолк-арт или наивное искусство .
Всю жизнь у Фриды было слабое здоровье — она страдала полиомиелитом в возрасте шести лет, а также перенесла серьёзную автомобильную аварию в подростковом возрасте, после которой ей пришлось пройти многочисленные операции , повлиявшие на неё до конца жизни. Именно после трагедии она впервые попросила у отца кисти и краски. Первой картиной был автопортрет, что навсегда определило основное направление творчества. Она записывала в дневнике: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
В 1929 году Кало вышла замуж за художника Диего Риверу. Их бурная совместная жизнь стала легендой.
В 1937 году в доме Диего и Фриды, придерживающихся коммунистических взглядов, ненадолго нашёл убежище советский революционный деятель Лев Троцкий ; у них с Фридой завязался роман.
В сороковые картины Фриды Кало появляются на нескольких заметных выставках. В то же время обостряются её проблемы со здоровьем. Лекарства и наркотики, призванные уменьшить физические страдания, меняют её душевное состояние, что ярко отражается в дневнике, ставшем культовым среди её поклонников. В 1953 году состоялась её первая персональная выставка на родине . К тому времени Фрида уже не могла встать с постели, и на открытие выставки её принесли на больничной койке. Через год культовая художница и икона стиля скончалась, но сама её жизнь, яркий образ и удивительные картины стали вдохновляющей легендой для миллионов людей во всем мире...

Фрида Кало. "Автопортрет (Диего в мыслях)". 1943.

Мария Башкирцева (1858 — 1884) — родилась в Полтавской губернии. Она первая из русских художниц, чьи картины, «Жан и Жак» и «Митинг», украсили стены Лувра. Однако большинство её работ не пережили Первой мировой войны. Помимо 150 картин, 200 рисунков и многочисленных акварелей, Мария Башкирцева оставила после себя и литературное наследие — «Дневник», который вела с 15 лет на французском. После ее смерти его перевели на все европейские языки, а вскоре издали в Америке. Примечательно, что мать вырвала из дневника все страницы, на которых упоминались феминистические воззрения дочери. Известно, что Мария Башкирцева активно выступала за права женщин. Её натуре казались тесными и академические каноны живописи. Она отдавала предпочтение работе на пленерах, писала выхваченные из повседневных уличных пейзажей лица парижанок.
Век художницы, к несчастью, оказался не долгим: она умерла от туберкулеза всего в 25 лет. В последние годы жизни художница вела переписку с Ги де Мопассаном, который произнес на её могиле: «Это была единственная Роза в моей жизни, чей путь я усыпал бы розами, зная, что он будет так ярок и так короток!». А великая Марина Цветаева посвятила Башкирцевой сборник ранней лирики «Вечерний альбом».

Мария Башкирцева. "Дождевой зонтик". 1883.

Мэри Кассат (1844-1926) — знаменитая американская художница и график, писавшая в стиле импрессионизма. Она прожила большую часть своей жизни во Франции, была дружна с Эдгаром Дега и Бэртой Моризо. Мотивом для её полотен послужили образы социальной и личной жизни женщин, с особым упором на тесную связь матерей и детей.
Несмотря на то, что семья Мэри возражала против её желания стать профессиональным художником, она начала изучать живопись в Пенсильванской Академии изящных искусств в Филадельфии. Нетерпимая к неспешному темпу обучения и покровительственному отношению со стороны мужской половины студенчества и преподавателей, она решила продолжить изучение самостоятельно, и в 1886 году переехала в Париж.
Увидев пастели Эдгара Дега в окне магазина по продаже картин, она написала другу: «Мне пришлось подойти и прижать нос к окну, чтобы впитать всё, что я смогла бы, из его живописи. Это изменило мою жизнь. Я увидела искусство таким, каким я хотела его увидеть.» Она встретилась с Дега в 1874 году. Он пригласил её участвовать в выставке импрессионистов, и работы Мэри Кассат были выставлены на экспозиции в 1879 году .
Кассатт стала чрезвычайно искусной в использовании пастели, в конечном счёте выполняя многие свои полотна в этой технике.
Серия строго написанных, тонко подмеченных, не сентиментальных картин о матери и ребёнке является основной темой её наиболее известных работ.
1890-е годы стали для Кассат самым оживлённым и творческим периодом в её жизни. Ей подражали молодые американские художники, нуждавшиеся в её советах и поддержке. В знак признания её вклада в искусство, в 1904-м году она получила орден Почетного легиона .
Мэри Кассат скончалась в 1926 году в Шато де Бофрене, близ Парижа, и была похоронена в семейном склепе.

Мэри Кассат. "Женщины, восхищающиеся ребенком". 1897.

Зинаида Серебрякова (1884−1967) — русская художница-реалист. Её дед и прадед посвятили себя архитектуре, отец занимался скульптурой и живописью, а в дядях числился известный художник и критик Александр Бенуа, поэтому с кистью и холстом Зинаида подружилась с детства.
Серебрякова вышла замуж за своего двоюродного брата; родня не одобрила этот союз, и художнице с супругом пришлось эмигрировать, оставив детей в России. Увидеть сына Зинаиде Серебряковой посчастливилось только спустя 36 лет...
Сегодня полотна художницы продаются за баснословные деньги. А при жизни в Париже она пыталась заработать на жизнь написанием портретов, но очень часто просто дарила их заказчикам. Из-за бедности Серебрякова даже была вынуждена самостоятельно изготавливать краски. Вернуться в Россию она так и не смогла: Вторая мировая война отрезала её от Родины.
Самая знаменитая картина Зинаиды Серебряковой - автопортрет художницы «За туалетом» (1909). Впервые общественность заговорила о таланте автора после презентации работы на VII выставке «Союза русских художников» (1910). Сегодня автопортрет 25-летней художницы хранится в Третьяковской галерее. А картину «За завтраком» (1914), героями которой стали дети Серебряковой, называют одним из лучших детских портретов в истории живописи.

Зинаида Серебрякова. "За туалетом". Автопортрет. 1909.

Берта Моризо (1841-1895) — французская художница, писавшая в стиле импрессионизма . Она доводилась внучатой племянницей знаменитому художнику, мастеру стиля рококо, Жану Оноре Фрагонару, была замужем за Эженом Мане , братом своего друга и коллеги Эдуарда Мане. Черты лица Берты хорошо знакомы знатокам импрессионизма, так как Мане часто её рисовал.
Моризо родилась в Бурже , в богатой буржуазной семье. Она и её сестра Эдма Моризо стали художницами. Семья, после того как Берта определилась с выбором профессии, не мешала её карьере. Живописи училась у К.Коро, работая с ним на пленэре.
В 1864 году она впервые выставила свои работы на одной из самых престижных художественных выставок Франции — Парижском салоне . Её работы отбирались для участия в шести Салонах подряд, пока в 1874 году она не примкнула к группе «отверженных» импрессионистов, созданной Сезанном , Дега , Моне , Моризо, Писсаро , Ренуаром и Сислеем , и приняла участие в их первой экспозиции в студии фотографа Надара .
Легкая, наполненная светом и радостным ощущением жизни живопись Б.Моризо создает манящие образы, вызывающие в душе ощущение гармонии и красоты. В ее картинах нет социальных мотивов и всплесков эмоций, но они заставляли по-новому вглядываться в обыденные и привычные события повседневной жизни, от них веяло теплом, уютом и тихим семейным счастьем. Это направление живописи оказалось востребованным, картины Берты охотно покупали, они неизменно вызывали интерес зрителей на выставках. У художницы оказалось много последователей по всему миру, особенно среди женщин-живописцев.

Берта Моризо. "Ловля бабочек". 1874.

Елена Поленова (1850 — 1898) — сестра известного русского живописца Василия Поленова. Художница, создававшая на полотнах сказочный мир.
Родилась в Санкт-Петербурге, в семье ученого-историка. Интерес к мифическим сюжетам — родом из детства: маленькой Лиле, как называли её домашние, всегда читали русские народные сказки. Рисованию вместе с братом она обучалась у знаменитого художника и педагога, автора метода «широкого взгляда», Павла Чистякова. Так как женщинам в ту пору в Академию художеств путь был заказан, девушка обучалась у Ивана Крамского в Петербургской школе Общества поощрения художеств.
Личная жизнь у Елены Поленовой так и не сложилась. В отличие от жизни творческой: несколько работ приобрел для коллекции сам Третьяков. Сказочные сюжеты картин приходили к ней во сне. А работала над холстами она в имении мецената Мамонтова, Абрамцево. Здесь, например, родился «Зверь» — чудище, похищающее душу из царства светлых грез.
В последние годы жизни художница исполнила множество набросков фантастических цветочных орнаментов для обрамления икон, вышивок, керамики. Рисуя цветочные орнаменты, Поленова проявила неистощимую фантазию, каждый раз находя новое расположение цветов, новый ритм, создавая бурный и динамичный поток форм. Скончалась Елена Поленова 19 ноября 1898 года в Москве, в расцвете сил и таланта, не осуществив множества планов. Так, ей предстояло оформить Русский павильон на Всемирной выставке в Париже в 1900 году...

Елена Поленова. "Иван-царевич и Жар-птица". 1896.

• 29.03.2019 Продано 50 % лотов, покупали Москва и Санкт-Петербург. Торги прошли на фоне хорошей покупательской активности
• 27.03.2019 12 и 13 апреля 2019 года аукционный дом Hargesheimer Kunstauktionen GmbH в Дюссельдорфе (Германия) проводит очередные весенние торги «Русское искусство» и «Русские и греческие иконы»
• 27.03.2019 Наибольшим спросом пользовались ювелирные украшения, фарфор и изделия из серебра
• 26.03.2019 К аукциону живописи, графики и ДПИ, который состоится 28 марта, «Литфонд» подготовил 165 лотов: от иконы конца XVII века и гравюры с изображением императора Петра II первой трети XVIII века до работ наших современников
• 26.03.2019 Традиционные двадцать лотов - это десять живописных работ, пять листов оригинальной графики, две работы в смешанной технике, одна авторская скульптура, одна фарфоровая тарелка и одна фотография

• 12.03.2019 Такой вывод содержится в исследовании, опубликованном в марте 2019 года Бюро экономического анализа США (BEA) и Национальным эндаументом искусств (NEA)
• 11.12.2018 Три месяца назад вступило в действие постановление правительства № 285: продавцам картин велено перечислять 5 % при перепродаже в аккредитованную организацию УПРАВИС в пользу художников и наследников авторского права. Объясняю, что с этим не так
• 06.12.2018 Под каждым изображением лота смотрите реальный результат, пересчитанный из фунтов в доллары по курсу 1,28. И сравнивайте с прогнозом AI
• 27.11.2018 Кураторы выставки «Хвост кометы» Елена Баснер, Юрий Аввакумов и Сергей Сазонов. Автор идеи Наталия Каровская. Восемь фальшаков показывают специально в отдельном зале. В том числе скандальный «Самовар» Малевича
• 20.11.2018 Рейтинг самых дорогих работ ныне живущих художников - это конструкция, говорящая о роли и месте художника в истории искусства куда меньше, чем о возрасте и крепости здоровья

• 29.03.2019 Известный московский художник Татьяна Ян представит свой новый персональный проект Opus incertum в Антикварном центре на Садовом
• 29.03.2019 Клад примерно из двух тысяч предметов планируют сделать доступным для широкой публики до конца этого года. Экспонировать его будут полностью - в том крыле дворца, где жил Николай I
• 28.03.2019 Выставка в Доме И. С. Остроухова в Трубниковском переулке приурочена к 80-летию со дня рождения В. Ерофеева и к 50-летию его самого знаменитого произведения. Экспозицию составили работы художника Кирилла Мамонова по мотивам поэмы «Москва - Петушки»
• 26.03.2019 На выставке одного из ярких представителей искусства эпохи застоя, перестройки и постсоветского времени представлено 86 живописных произведений и одна видеоинсталляция из собрания ГТГ и частных коллекций
• 06.03.2019 В Театральной галерее на Малой Ордынке открывается персональная выставка Владимира Любарова

Давайте поговорим о «Женщинах художницах» и о том, что под этим термином подразумевается.

Вот некоторые вещи в мире искусства, о которых я знаю:

В 2013 году каждый художник в топе-100 аукционных продаж был мужчина.
В 2014 году не было ни одной женщины в топ-40.
В 2015 году, только пять из 34 художественных галерей хвастались списками, в которых женщины составляют более 50 процентов. И это в Америке - лидере мировой демократии!

Меньше четырех процентов художников в современном искусстве в коллекции Метрополитена в Нью-Йорке работы женщин, но, внимание(!) - 76% из полотен - обнаженные или полуобнаженные женщины. С 2007 года, только 29 процентов персональных выставок в музее Уитни в были посвящены женщинам -художницам.

Мужчины художники по-прежнему увековечивают миф, что женщины плохие художники: "Даже если в занятиях живописью в художественной академии более 90 процентов составляют женщины, это факт, что очень немногим из них удастся стать по-настоящему мощными художниками", сказал Георг Базелитц в этом году.

"Если женщины достаточно амбициозны, чтобы добиться успеха, они могут сделать это, спасибо. Но до сих пор, они не смогли доказать, что они хотят успеха. Как правило, женщины продают себя хорошо, но не как художники".

Это просто цифры, да, и я смогла их найти в обзорах американского искусства. Такая же удручающая картина в искусстве и у нас.
Я приветствую более полный статистический обзор (хотя сомневаюсь, что это будет другая история), и если у вас есть другие цифры - пишите. Но сегодня четко прослеживается одно - Реальность такова: женщины недостаточно представлены в мире искусства.

Маленький вопрос: почему так мало женщин - уличных художников? Их единицы, в то время, как мужчин в этой области сотни! Те художницы, которых мы сегодня знаем, не хуже, а иногда и лучше Бенкси. Получается, что для достижения успеха в стрит-арте женщинам надо серьезно превосходить мужчин - только тогда их заметят. Но только ли в этом направдении?

Термин "художница" обязательно подчеркивает женское авторство какой-либо работы, выполненной ею.

Разделяя женщин художников и мужчин, критик может сказать, что к «женскому искусству» надо подходить с другой меркой. Но подход с другой меркой означает в первую пренебрежение и завышение планки для женщин.

Рут Asawa родилась в 1926году, Калифорния. Получила прозвище "леди Фонтан" из-за склонности к проектированию необычных фонтанов, в частности, в Сан-Франциско. В начале своей карьеры, она научилась вязать крючком скульптуры из проводов, создавая произведения, в которых сочитался реализм и абстракция.

Вивианна Торунь часто упоминается как одна из самых известных ювелиров Швеции, мастер ювелир с личным стилем. Она общалась с Пикассо и Матиссом в парижских салонах.

Используя понятие гендера как фильтр, через который мы анализируем искусство, мы вносим ограничения.

Есть художники, которые твердо заявляют, «Я не считаю себя девушкой художницей, я просто художник». И это совершенно законное высказывание для человека.

Женщины художники являются просто художниками. Но не сегодня. Сегодня женщина в искусстве это человек, чье творчество оценивают по гендерному принципу. Сегодня женщин меньшинство в искусстве.

И выбор профессии, который они делают это право, а не привилегия.

Теперь можете закидывать меня тапками, но то, что здесь написано - это всего лишь, правда.

Вопрос, почему в истории искусств не было великих художниц, до сих пор не теряет актуальности, хотя арт-критик Линда Нохлин ответила на него еще в 1971 году в одноименном эссе. Наша редакция, со своей стороны, решила вспомнить художниц прошлого, которые занимались живописью, скульптурой, работой по ткани — словом, искусством, несмотря на недоступность образования, отсутствие прав и пренебрежение современников.

Плаутилла Нелли (1524-1588)
Италия

Плаутилла Нелли. Святая Екатерина с цветком. Courtesy of The Uffizi Gallery

Первая известная флорентийская художница эпохи Возрождения была монахиней флорентийского монастыря Святой Екатерины Сиенской, а впоследствии стала его настоятельницей. В отличие от большинства монастырских художниц, ее творчество не ограничивалось иллюстрацией манускриптов — она писала многофигурные полотна большого формата на религиозные сюжеты, причем живописи она училась самостоятельно, копируя работы других мастеров. Художница, надолго забытая историей искусств во многом из-за небольшого количества сохранившихся произведений, была тем не менее довольно популярна в свое время. Например, Джорджо Вазари отмечал ее работы в «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Причем он, вполне в духе феминистской критики искусства, писал, что Плаутилла Нелли «могла бы создать чудесные вещи, если бы она, подобно мужчинам, имела возможность учиться и заниматься рисунком и воспроизводить живую натуру». Работы художницы можно увидеть в Галерее Уффици, где в рамках долгосрочной выставочной программы по исправлению исторической несправедливости к женщинам открылась выставка «Плаутилла Нелли. Монастырское искусство и благочестие по следам Савонаролы» (до 4 июня).

Катерина ван Хемессен (1528 — после 1587)
Нидерланды

Катерина ван Хемессен. Портрет женщины. Courtesy of Rijksmuseum, Amsterdam

Фламандская художница была дочерью довольно известного мастера Яна ван Хемессена, который и обучил ее живописи. В основном писала портреты, но сохранились и ее картины на религиозные сюжеты (писать их было более престижно, чем жанровые вещи). Ей принадлежит один из самых ранних в Северной Европе автопортретов за работой (подчеркивать общественное положение художника было не принято, как и демонстрировать рабочие инструменты). Художница была достаточно успешна в свое время: она входила в гильдию Святого Луки и даже имела трех учеников. Позднее, примерно в 1540-х годах, Катерина ван Хемессен стала придворной художницей Марии Австрийской. Высокое покровительство обеспечивало ей свободу от контроля гильдии и приличное содержание, а после смерти Марии Австрийской в 1558 году Катерина ван Хемессен получала пенсию, обеспечивавшую ей комфортное существование.

Софонисба Ангвиссола (около 1532 — 1625)
Италия

Софонисба Ангвиссола. Courtesy of The Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Софонисбу Ангвиссолу от многих профессиональных художниц отличает происхождение: она родилась в аристократической семье, в то время как большинство ее коллег были дочерями художников, которые и обучали их ремеслу. Как и все пять ее сестер, она получила разностороннее образование, включавшее живопись, по одной из версий, из-за того, что в семье долго не рождался наследник, а обеспечить шестерых дочерей приданым было сложно. Преуспеть в профессиональном занятии живописью, впрочем, удалось только Софонисбе, в немалой степени благодаря активному содействию отца, просившего о поддержке молодой художницы авторитетных мастеров, в том числе Микеланджело. В качестве придворной художницы она почти 15 лет служила при испанском дворе, где имела высокий статус, судя по тому, что перед ее возвращением в Италию король Филипп II выбрал ей в мужья состоятельного сицилийского аристократа и обеспечил приданым. Художница специализировалась на портрете, поскольку не могла состязаться с мужчинами в изображении многофигурных композиций: женщинам было запрещено изучать обнаженную натуру. В своих работах она совмещала традиции итальянского и испанского портрета, из-за чего многие картины Ангвиссолы в XIX веке, когда интерес к ее творчеству практически пропал, ошибочно приписывались Алонсо Санчесу Коэльо, работавшему при испанском дворе приблизительно в тот же период, Джованни Морони и даже Тициану. Первая большая персональная выставка художницы состоялась только в 1994 году, примерно на это же время пришлась реабилитация ее имени в истории искусств.

Мариетта Робусти (около 1560 — 1590)
Италия

Мариэтта Робусти. Автопортрет. Courtesy of The Uffizi Gallery

Старшая дочь Якопо Робусти, больше известного как Тинторетто. Художник сам обучал ее, и впоследствии она работала в его мастерской. Биограф Тинторетто Карло Ридольфи писал, что Мариетта в детстве переодевалась в мальчика, чтобы везде сопровождать отца. О ее жизни известно немного, как и о творчестве. Сохранилась всего одна точно атрибутированная работа Мариетты Робусти — «Портрет пожилого мужчины с мальчиком» (около 1585), долго считавшаяся полотном Тинторетто, пока в 1920 году на нем не обнаружили монограмму художницы. Идентификацию ее произведений затрудняет схожесть манеры с отцовской и отсутствие достоверных описаний того, в создании каких именно работ художника она принимала участие. Об успешности Мариетты можно судить по тому, что дважды ее приглашали стать придворной художницей — Филипп II и Максимилиан II, и оба раза отец не отпустил дочь, а уехать по своей воле она не имела права. Вместо службы при дворе Тинторетто выдал ее замуж за венецианского ювелира Якопо Аугуста. Небольшое количество сохранившихся работ объясняется и непродолжительностью жизни художницы: она умерла в возрасте примерно 30 лет, предположительно при родах.

Юдит Лейстер (1609-1660)
Нидерланды

Юдит Лейстер. Автопортрет. Courtesy of National Gallery of Art, Washington DC

Почему Юдит Лейстер стала художницей и у кого она училась живописи (ее отец был пивоваром), неизвестно. Однако в 1633 году она вступила в харлемскую гильдию Святого Луки и стала в ней единственной женщиной, у которой была собственная художественная мастерская и ученики мужского пола. В 1636 году художница вышла замуж за своего коллегу Яна Минсе Молинара и практически перестала заниматься живописью, по крайней мере самостоятельно. Творческое наследие Юдит Лейстер, писавшей в основном жанровые сцены, как это часто случалось с художниками-женщинами, после ее смерти практически растворилось: многие работы были утеряны, еще часть приписывалась другим авторам. Например, «Веселая пара» (1630) до 1893 года считалась одной из лучших работ Франса Халса, и именно под его именем картину купил Лувр. А амстердамский Рейксмузеум приобрел в качестве одной из самых известных работ того же Халса ее «Веселого хозяина» (1629).

Мэри Бил (1633-1699)
Великобритания

Мэри Бил. Портрет неизвестной. Courtesy of Moyse"s Hall Museum

Мэри Бил считается первой профессиональной художницей Англии, и, что особенно примечательно, именно ее труд приносил основной доход семье. Муж художницы помогал ей в мастерской и занимался административной частью работы. В свое время она считалась одной из лучших портретисток Англии, ее картины высоко оценивал популярный тогда придворный художник Питер Лели, с которым она дружила и чье художественное влияние испытала.

Мэри Мозер (1744-1819)
Великобритания

Мэри Мозер. Натюрморт. Courtesy of British Royal collection

Менее известная современница Ангелики Кауфман была второй женщиной-основательницей Королевской академии художеств. На знаменитом групповом портрете академиков (1771-1772) Иоганна Цоффани она представлена портретом рядом с изображением Кауфман — женщины-академики, очевидно, не могли участвовать в сцене с обнаженными моделями-мужчинами, поэтому художник обозначил их присутствие портретами. Как и Кауфман, Мэри Мозер имела швейцарское происхождение, правда, в отличие от первой, родилась в Лондоне, в семье художника Джорджа Майкла Мозера, чьи связи в немалой степени помогли карьере его дочери. Первую медаль Королевского общества искусств она получила в 14 лет за рисунки цветов. На изображении цветочных натюрмортов она сосредоточилась и в дальнейшем, став одной из всего лишь двух художников с такой специализацией в академии.

Мари-Дениз Вильер (1774-1821)
Франция

Мари-Дениз Вильер. Рисующая молодая женщина. Courtesy of Metropolitan Museum of Art

Как это часто бывало с художницами, работы Мари-Дениз Вильер практически не сохранились, а биография известна отрывочно. Ее сестры также занимались живописью, сама она обучалась у Анн-Луи Жироде-Триозона и, возможно, у Жака Луи Давида, который не только брал в ученицы женщин, но и поощрял их интерес к историческим сюжетам. Он подталкивал художниц к участию в салонах, куда после Великой Французской революции им был открыт широкий доступ. Мари-Дениз Вильер в салонах участвовала неоднократно, однажды удостоившись премии в 1,5 тыс. франков. Копию ее представленной на одном из салонов картины «Ребенок в колыбели, уносимый наводнением месяца нивоз X года» заказывал князь Николай Юсупов для Архангельского. Cамая известная картина Вильер «Рисующая молодая женщина» (1801) из Метрополитен-музея долгое время считалась работой Давида и прошла целую серию переатрибуций — от Франсуа Жерара до другой ученицы Давида, Констанс Карпентье.

Роза Бонер (1822-1899)
Франция

Роза Бонёр. Пахота в Невере. Courtesy of Musée d"Orsay

Была, пожалуй, самой успешной художницей XIX века и одним из наиболее известных художников-анималистов. Ее отец — учитель рисования — принадлежал к школе сенсимонистов, провозглашавших идеалы женского равенства. «Почему я не могу гордиться тем, что я женщина? Мой отец, ярый приверженец гуманизма, много раз говорил мне, что роль женщины — возвысить род человеческий, что женщина есть Мессия грядущих веков. От него, из его учения я узнала о великом, благородном предназначении пола, принадлежностью к которому я горжусь и независимость которого буду отстаивать до последнего дня моей жизни…» — говорила Роза Бонер. Вся ее жизнь шла вразрез с традиционными представлениями о женственности: она не вышла замуж, объясняя отказ от брака нежеланием терять независимость, носила брючный костюм (оправдывала спецификой работы с животными) и жила с женщинами, хотя лесбиянкой себя никогда не называла. Международный успех пришел к ней после показа на Салоне в 1853 году полотна «Ярмарка лошадей». Позднее королева Виктория организовала приватный показ этой картины в Букингемском дворце, и вообще в Великобритании работы Бонер пользовались даже большей популярностью, чем в ее родной Франции. Впрочем, на родине она стала первой художницей, получившей орден Почетного легиона, а среди других ее наград были испанский орден Изабеллы Католической и орден Леопольда Бельгийского, что подтверждает ее международную известность.

Марианна Норт (1830-1890)
Великобритания

Марианна Норт. Nepenthes northiana. Phillips, A., A. Lamb & C.C. Lee Publishing 2008

Путешественница и ботанический иллюстратор, Марианна Норт не была художницей в строгом смысле слова: она не получила профессионального образования. В детстве и юности Марианна часто посещала Королевские ботанические сады Кью, директор которых был другом ее отца, где изучала тропическую флору. После смерти родителя Марианна Норт, которой на тот момент было почти 40 лет, получила солидное наследство, оно позволило ей не выходить замуж и путешествовать почти всю оставшуюся жизнь. К браку она питала глубокое отвращение, считая, что он превращает женщину в «кого-то наподобие старшей прислуги». Почти четверть века, с 1871 по 1885 год, она посвятила путешествиям по всему миру и изображению растений. Свои находки Норт писала маслом, хотя жанр ботанической иллюстрации подразумевал графику, и изображала растения в их естественной среде, а не на белом фоне, как было принято тогда. В отсутствие цветной фотографии ее работы с тщательно прорисованными деталями были полезны в научных целях. Своими ботаническими находками Марианна Норт делилась с Чарльзом Дарвином, а работы передала Королевским ботаническим садам Кью, где на ее же средства специально для них была построена галерея.

Харриет Пауэрс (1837-1911)
США

Харриет Пауэрс. Библейское полотно. Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston

Харриет Пауэрс родилась в рабстве на территории штата Джорджия. Она совмещала традиционную американскую технику квилта с аппликацией, имеющей восточноафриканские корни, и создавала уникальные лоскутные полотна. Сохранились всего две ее работы, в которых она обращалась к библейским сюжетам, местным легендам и, по не до конца понятным причинам, астрономическим явлениям. Первое ее произведение — «Библейское полотно» (1885-1886) — купила художница Дженни Смит, заметив его на выставке хлопка в Атенсе в 1886 году. Тогда Пауэрс отказалась расставаться с работой, однако четырьмя годами позже из-за финансовых трудностей была вынуждена продать ее, пояснив смысл изображенных сюжетов: все они были взяты из Библии. Сюжеты второй из известных работ Харриет Пауэрс позаимствованы не только из Библии, но и из легенд, в ней она также изобразила стихийные бедствия и даже некоторые события американской истории. После отмены рабства у Пауэрс и ее мужа была небольшая ферма и примерно полтора гектара земли, но в 1890-х благосостояние семьи стало ухудшаться, муж начал продавать землю, а потом и вовсе бросил жену с детьми. Больше она замуж не выходила и до конца жизни, скорее всего, жила на доходы от шитья.

Мэри Кассатт (1844-1926)
США, Франция

Мэри Кэссет. Чаепитие. Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston

Большую части жизни проведя во Франции, Мэри Кассатт была одной из первых женщин (и единственной американкой), примкнувших к находившимся на тот момент в оппозиции к официальному искусству импрессионистам. Несмотря на вполне академическое художественное образование (она училась у салонного художника Жана Леона Жерома и сама неоднократно выставлялась на Салоне), Кассатт приняла приглашение Эдгара Дега присоединиться к независимой группе художников. Под влиянием Дега изменила технику письма и тематику своих работ, начав писать в основном матерей с детьми, которые и стали главным мотивом ее творчества. Помимо непосредственно живописи, Кассатт выступала в роли арт-консультанта коллекционеров. Благодаря ее советам собрание Генри Осборна Хэвемайера и его жены Луизины, большая часть которого сейчас хранится в Метрополитен-музее, пополнилось работами Дега, Эдуарда Мане, Камиля Писсарро и Клода Моне.

Эмилия Шанкс (1857-1936)
Россия, Великобритания

Эмилия Шанкс. Новенькая в школе. Государственная Третьяковская галерея

Первая из двух женщин, принятых в Товарищество передвижных художественных выставок (второй была Антонина Ржевская), родилась в семье успешного английского предпринимателя Джеймса Шанкса, владельца ювелирной мастерской и магазина в Москве. Посещала Московское училище живописи, ваяния и зодчества в качестве вольнослушательницы, ее учителями были Владимир Маковский, Илларион Прянишников и Василий Поленов, с которым она продолжала дружить и после окончания училища в 1890 году. Параллельно живописи Эмилия Шанкс увлекалась фотографией, снимая в основном сельский быт и природу. С 1891 года выставлялась вместе с передвижниками, и уже в 1892 году ее работу «Новенькая в школе» высоко оценил Илья Репин, а Павел Третьяков приобрел ее в свою коллекцию. В 1894 году Эмилию Шанкс 15 голосами (больше, чем за Валентина Серова) избрали членом Товарищества передвижных художественных выставок. Накануне Первой мировой войны она вместе с семьей вернулась в Лондон, где продолжила выставляться в Королевской академии художеств.

Мария Башкирцева (1858-1884)
Россия, Франция

Мария Башкирцева. Зонтик. Courtesy of The Russian Museum

Известна в основном благодаря своему дневнику, особенно популярному в начале XX века: поклонницей Башкирцевой была Марина Цветаева, его высоко оценивали Валерий Брюсов и Сергей Андреевский. Большую часть жизни Башкирцева, родившаяся в Полтавской губернии, прожила во Франции, куда ее в детстве увезла мать после расставания с отцом художницы. Юная Мария хотела стать балериной, затем певицей и даже начала делать шаги в этом направлении, но в 16 узнала, что больна туберкулезом, а лет с 18-ти из-за болезни стала терять сначала голос, а потом и слух. Примерно тогда же Мария, больше всего мечтавшая о славе, решила заняться живописью и поступила в частную Академию Жюлиана (Национальная высшая школа изящных искусств была по-прежнему недоступна для женщин). Свое художественное образование она оценивала невысоко. «Я обречена на одиночество или на посредственность женской мастерской, — пишет она в дневнике. — Здесь вас не толкают вперед, не поощряют, и вы гниете на месте. Ах, почему я только женщина?» Она активно выступала против закрытости для женщин системы академического художественного образования и даже написала об этом статью в журнал «Гражданка» под псевдонимом Полин Орель. Тем не менее художница выставлялась на Салоне, а ее работы приобрел Лувр. Скончалась Мария Башкирцева в 25 лет от чахотки, успев создать около 150 картин, 200 графических работ и немного скульптуры, из которых сохранилась небольшая часть, многое погибло во время Второй мировой войны.

Мария Якунчикова (1870-1902)
Россия, Франция

Мария Якунчикова. Выполненное по эскизу художницы настенное лоскутное панно. Courtesy of Christie"s

Мария Якунчикова родилась в семье предпринимателя Василия Якунчикова и Зинаиды Мамонтовой. Савва Мамонтов приходился ее матери двоюродным братом, а родная сестра Зинаиды Вера была замужем за Павлом Третьяковым, так что шансов остаться в стороне от искусства у будущей художницы практически не было. Живописью она увлеклась уже в детстве — для обучения детей Якунчиковых был нанят художник Николай Мартынов. В 15 лет пошла вольнослушательницей в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и вскоре сблизилась с семьей Поленовых (ее старшая сестра Наталья в 1882 году вышла замуж за Василия Поленова), регулярно участвуя в их рисовальных вечерах. Особенно дружна Якунчикова была с младшей сестрой художника Еленой Поленовой, которая увлекалась народным искусством сама и увлекла Якунчикову. Когда Марии было 18 лет, у нее обнаружили туберкулез. Врачи рекомендовали сменить климат, и Якунчикова переехала в Европу, бывая с тех пор в России только наездами. В Париже она поступила в Академию Жюлиана, а приезжая на родину, жила и работала у Поленовых в Бехове и у Мамонтовых в Абрамцеве, где немало внимания уделяла декоративно-прикладному искусству, особенно керамике и выжиганию по дереву. В 1896 году вышла замуж за врача Леона Вебер-Баулера, через два года у них родился первый сын. В это же время Сергей Дягилев пригласил Марию Якунчикову принять участие в «Выставке русских и финляндских художников» и заказал ей обложку для журнала «Мир искусства». В 1900 году она участвовала в оформлении кустарного отдела русского павильона Всемирной выставки в Париже, где ее работа получила серебряную медаль. Но вскоре у сына Якунчиковой обнаружили туберкулез, а рождение в 1901 году второго ребенка подорвало ее здоровье окончательно — в 1902 году художница умерла. «Она была характерно-русской женщиной с типично-русским дарованием… Лишь только она начала развиваться как художница, она вышла замуж, затем — дети, затем — серьезная болезнь сына и, наконец, смерть. Якунчикова мало успела, особенно по сравнению с тем, что могла. Но во всем, что она, впопыхах, между детскими пеленками и шумом Парижа имела время сделать — она выказывала глубину чудесного дарования, чутья и любви к далеким от нее русскими лесам, этим „елочкам и осинкам“, к которым она относилась с каким-то благоговением и к которым стремилась всю жизнь», — писал о Якунчиковой Сергей Дягилев.

Эльза фон Фрейтаг-Лорингховен (1874-1927)
США

Эльза фон Фрейтаг-Лорингофен. Courtesy of Library of Congress

Эльза Плёц родилась в Германии в семье строителя и политика, который вел разгульную жизнь и бил ее мать. Заразившись сифилисом, последняя пыталась покончить с собой и позже умерла в психиатрической больнице. Как говорила Эльза, мать «оставила мне в наследство… борьбу». Она была трижды замужем и все три раза неудачно. Последний супруг Эльзы — Леопольд Карл Фридрих барон фон Фрейтаг-Лорингховен, за которого она вышла уже в Америке, сбежал, прихватив ее ничтожные сбережения и оставив ей свой титул и возможность войти в аристократические круги Нью-Йорка. Всю свою жизнь Эльза превратила в дадаистское произведение искусства: она писала стихи, устраивала перформансы, создавала скульптуры и коллажи из найденных на помойке предметов. Художник Джордж Бидл в 1917 году описывал ее комнату в Нью-Йорке как забитую «какими-то разрозненными железками, автомобильными шинами… урнами для мусора, наводившими ужас и отвращение, которые для ее истерзанного, но чрезвычайно чувствительного восприятия стали объектами прекрасного…» «Для меня ее комната была так же органична, как, например, студия Бранкузи в Париже», — говорил он. Существует теория, что легендарный «Фонтан» принадлежал именно руке Эльзы, а Марсель Дюшан всего лишь присвоил себе авторство — подробнее об этом можно прочитать в нашем материале.

Елена Киселева (1878-1974)
Россия, Югославия

Елена Киселева. Девушки на выданье. Courtesy of MRI

Елена Киселева, чьи работы стали известны широкой публике благодаря выставке в Музее русского импрессионизма (до 12 марта), имела все шансы войти в историю отечественного искусства: выпускница Императорской академии художеств, обучалась в мастерской Ильи Репина, стала первой женщиной, в 1907 году получившей заграничное пенсионерство, а в 1910 году принятой в Общество архитекторов-художников. Писала в основном портреты. «Композиция или пейзаж мне были мало интересны. Я всегда была портретисткой и страстно любила изображать красивых, интересных женщин», — признавалась Киселева. Забвению художницы немало способствовала эмиграция в Королевство сербов, хорватов и словенцев (будущую Югославию), куда она переехала с мужем в 1920 году. Об этом времени она писала: «Жизнь давно забрала меня всю целиком, и художницей я была как-то сбоку, в стороне. А главное, была очень сложная, трудная жизнь. А тут революция, война, беженство. В это трудное время у меня создалась новая семья, родился сын, — где уж тут было думать о художестве». После смерти сына в 1944 году она и вовсе перестала заниматься живописью. Наследием Елены Киселевой в конце 1960-х годов заинтересовалась воронежский искусствовед Марина Лунева, которая переписывалась с художницей и активно способствовала возвращению части ее работ на родину.