วัฒนธรรมดนตรีโดยสังเขป วัฒนธรรมดนตรีในการพัฒนาบุคลิกภาพของครู

แนวคิด วัฒนธรรมผ่านเส้นทางที่ยากลำบากของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ นักปรัชญาและนักวัฒนธรรมนับได้มากถึงสองร้อยคำจำกัดความ

ในทฤษฎีวัฒนธรรม ชั้นจิตวิญญาณและวัตถุมีความโดดเด่น แนวคิด วัฒนธรรมบุคลิกภาพและ วัฒนธรรมของสังคมในเรื่องนี้คำกล่าวของนักคิดและนักดนตรีชาวเยอรมันผู้โด่งดังแห่งศตวรรษที่ 19-20 นั้นน่าสนใจ A. Schweitzer: "วัฒนธรรมเป็นผลมาจากความสำเร็จทั้งหมดของบุคคลและของมวลมนุษยชาติในทุกด้านและในทุกด้าน เท่าที่ความสำเร็จเหล่านี้มีส่วนในการปรับปรุงจิตวิญญาณของปัจเจกบุคคลและความก้าวหน้าโดยทั่วไป"

วัฒนธรรมทางศิลปะถือเป็นสุนทรียศาสตร์สมัยใหม่ว่าเป็นชั้นวัฒนธรรมทั่วไปที่เป็นอิสระและเฉพาะเจาะจง ครอบคลุมเนื้อหาบางส่วนและวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของสังคม

การมีส่วนร่วมโดยตรงในกิจกรรมศิลปะการรับรู้ผลงานศิลปะพัฒนาบุคคลทางจิตวิญญาณเสริมสร้างความรู้สึกและสติปัญญาของเขา

กิจกรรมของผู้คนในสาขาวัฒนธรรม ได้แก่ การสร้างคุณค่าทางศิลปะ การจัดเก็บและการกระจายของพวกเขา การไตร่ตรองอย่างมีวิจารณญาณและการศึกษาทางวิทยาศาสตร์ การศึกษาศิลปะและการอบรมเลี้ยงดู

วัฒนธรรมศิลปะบางพื้นที่สามารถแยกแยะได้ซึ่งสอดคล้องกับประเภทของศิลปะและในหมู่พวกเขาคือวัฒนธรรมดนตรี แนวคิดนี้รวมถึงกิจกรรมทางดนตรีประเภทต่างๆ และผลลัพธ์ - ผลงานดนตรี การรับรู้ การแสดง ตลอดจนจิตสำนึกด้านดนตรีและสุนทรียะของผู้คนที่พัฒนาขึ้นในกระบวนการของกิจกรรมนี้ (ความสนใจ ความต้องการ ทัศนคติ อารมณ์ ประสบการณ์ ความรู้สึก, การประเมินความงาม, รสนิยม, อุดมคติ). , มุมมอง, ทฤษฎี). นอกจากนี้ โครงสร้างวัฒนธรรมดนตรียังรวมถึงกิจกรรมของสถาบันต่าง ๆ ที่เกี่ยวข้องกับการจัดเก็บและแจกจ่ายงานดนตรี การศึกษาและการอบรมด้านดนตรี และการวิจัยทางดนตรี

ให้เราอาศัยลักษณะของแนวคิดเกี่ยวกับวัฒนธรรมดนตรีของเด็กก่อนวัยเรียนและวิเคราะห์โครงสร้างของมัน

วัฒนธรรมดนตรีของเด็กถือได้ว่าเป็นวัฒนธรรมย่อยเฉพาะของกลุ่มสังคมบางกลุ่ม (เด็กก่อนวัยเรียน) สามารถแยกความแตกต่างได้สององค์ประกอบ: 1) วัฒนธรรมดนตรีของเด็กแต่ละคนรวมถึงจิตสำนึกทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์ความรู้ทางดนตรีทักษะและความสามารถที่พัฒนาขึ้นจากกิจกรรมทางดนตรีเชิงปฏิบัติ 2) วัฒนธรรมดนตรีของเด็กก่อนวัยเรียน ซึ่งรวมถึงงานศิลปะพื้นบ้านและดนตรีอาชีพที่ใช้ในการทำงานกับเด็ก จิตสำนึกด้านดนตรีและสุนทรียภาพของเด็ก และสถาบันต่างๆ ที่ควบคุมกิจกรรมทางดนตรีของเด็กและตอบสนองความต้องการในการศึกษาด้านดนตรีของพวกเขา

ปริมาณของวัฒนธรรมดนตรีของสังคมที่สอดคล้องกับวัยก่อนวัยเรียนเป็นที่ยอมรับโดยเด็กในครอบครัว โรงเรียนอนุบาล ผ่านสื่อ สถาบันดนตรีและวัฒนธรรม

อิทธิพลของครอบครัวที่มีต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีของเด็กนั้นถูกกำหนดโดยประเพณี ทัศนคติของสมาชิกในครอบครัวต่อศิลปะดนตรี วัฒนธรรมทั่วไป และแม้กระทั่งยีนพูล บทบาทของโรงเรียนอนุบาลแสดงออกผ่านคุณสมบัติส่วนตัวและความเป็นมืออาชีพของครู-นักดนตรี ความสามารถและทักษะของเขา ระดับวัฒนธรรมทั่วไปของนักการศึกษา และคณาจารย์ทั้งหมด ผ่านเงื่อนไขที่พวกเขาสร้างขึ้น

สถาบันสาธารณะ (สื่อมวลชน สหภาพดนตรีสร้างสรรค์ สถาบันดนตรีและวัฒนธรรม ฯลฯ) จัดกิจกรรมดนตรีต่างๆ สำหรับเด็ก การสร้างสรรค์ การทำซ้ำ และการจัดเก็บงานดนตรี และการวิจัยทางวิทยาศาสตร์

ตามบทบัญญัติของจิตวิทยาเกี่ยวกับบทบาทของกิจกรรมในการพัฒนาบุคลิกภาพ องค์ประกอบหลายอย่างสามารถแยกแยะได้ในโครงสร้างของวัฒนธรรมดนตรีของเด็ก (แบบที่ 1)

องค์ประกอบของจิตสำนึกทางดนตรีและสุนทรียภาพซึ่งแสดงออกในวัยก่อนวัยเรียนยังคงเป็นสิ่งที่บ่งบอกถึงธรรมชาติและไม่สัมพันธ์กันในเนื้อหากับองค์ประกอบที่คล้ายคลึงกันอย่างสมบูรณ์ของจิตสำนึก เช่นเดียวกับในอุดมคติ มุมมอง ทฤษฎีต่างๆ ที่ไม่สามารถเข้าถึงได้สำหรับเด็กก่อนวัยเรียน

จิตสำนึกทางดนตรีและสุนทรียภาพในระยะต่าง ๆ ของชีวิตเด็กแสดงออกและพัฒนาไม่สม่ำเสมอ ส่วนประกอบของมันเชื่อมต่อกันอย่างใกล้ชิดโดยการเชื่อมต่อภายนอกและภายใน และสร้างระบบเดียว

พื้นฐานของวัฒนธรรมดนตรีส่วนบุคคลของเด็กถือได้ว่าเป็นจิตสำนึกทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์ซึ่งเกิดขึ้นในกระบวนการของกิจกรรมทางดนตรี

วัฒนธรรมดนตรีของเด็ก

กิจกรรมดนตรี

การรับรู้ทางดนตรี

ทำกิจกรรมสร้างสรรค์

ความรู้ ทักษะ และความสามารถ

เห็นได้ชัดว่าแนวคิดของ "วัฒนธรรมดนตรี" รวมอยู่ในกระแสหลักของแนวคิดทั่วไป: "วัฒนธรรม" "วัฒนธรรมทางศิลปะ" และ "วัฒนธรรมทางศิลปะของแต่ละบุคคล"

แนวคิดสมัยใหม่ของ "วัฒนธรรมทางศิลปะ" รวมถึง "ชุดของกระบวนการและปรากฏการณ์ของกิจกรรมทางจิตวิญญาณและการปฏิบัติสำหรับการสร้างสรรค์ การกระจาย การพัฒนาผลงานศิลปะหรือวัตถุที่มีคุณค่าทางสุนทรียะ" [วัฒนธรรมศิลปะ : แนวความคิดของคำศัพท์ / เอ็ด. แอล เอ็น. โดโรโกว่า - ม., 2521 - น. 67].

ดังนั้นวัฒนธรรมทางศิลปะจึงเป็นชุดของค่านิยมทางศิลปะตลอดจนระบบการทำซ้ำและการทำงานในสังคม โปรดทราบว่าแนวคิดของ "ศิลปะ" บางครั้งใช้เป็นคำพ้องความหมายสำหรับวัฒนธรรมทางศิลปะ

เนื่องจากคำจำกัดความเหล่านี้กลายเป็นคำพ้องความหมาย เป็นพื้นฐานสำหรับคำนิยามอื่นๆ อีกหลายสิบคำและอนุพันธ์ของคำนิยามเหล่านี้ ต้องชี้ให้เห็นว่าลักษณะสำคัญของแนวทางนี้คือการระบุวัฒนธรรมศิลปะสองด้าน กล่าวคือ วัฒนธรรมศิลปะของสังคม และผ่านปริซึมนี้ , วัฒนธรรมทางศิลปะของแต่ละบุคคล.

แนวคิดของ "วัฒนธรรมทางศิลปะของปัจเจกบุคคล" สามารถแยกแยะออกได้บนพื้นฐานที่ว่าคำจำกัดความของวัฒนธรรมทางศิลปะมักจะเน้นย้ำแง่มุมต่างๆ เช่น "ความสามารถในการเข้าใจศิลปะและสนุกกับมัน" Rapatskaya L.A. การก่อตัวของวัฒนธรรมศิลปะของครูสอนดนตรี - ม., 2534 - น. 41.; กิจกรรมสร้างสรรค์ของผู้คน กระบวนการสร้าง การรับรู้ และการดูดซึมคุณค่าทางศิลปะ นี่คือสิ่งที่ทำให้นักวิทยาศาสตร์มีเหตุผลในการแยกแนวคิดของ "วัฒนธรรมทางศิลปะ" และ "วัฒนธรรมทางศิลปะของแต่ละบุคคล"

แรงผลักดันเริ่มต้นสำหรับแผนกดังกล่าวคือคำแถลงเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงบุคลิกภาพภายใต้อิทธิพลของศิลปะ การกำหนดวัฒนธรรมว่าเป็นอุปกรณ์ทางจิตวิญญาณของแต่ละบุคคล นักวิทยาศาสตร์หมายถึง "การฉายภาพ" ของภาพไปยังผู้รับรู้ซึ่งก่อนหน้านี้ได้รับความรู้แล้วเรียกมันว่าวัฒนธรรมส่วนบุคคล

เห็นได้ชัดว่ามุมมองนี้ไม่สามารถแบ่งปันได้อย่างเต็มที่ เพราะมันสะท้อนให้เห็นเพียงแง่มุมหนึ่งของแนวคิด "วัฒนธรรมส่วนบุคคล" เพียงหนึ่งในหลายแง่มุม วัฒนธรรมบุคลิกภาพไม่ใช่ "คลัง" ของแนวคิดสำเร็จรูป แต่เป็นเครื่องมือที่แท้จริงในการทำความเข้าใจและเปลี่ยนแปลงโลกและบุคลิกภาพ แม้จะมีความชัดเจนด้านเดียว แต่ความคิดในการเปลี่ยนแปลงบุคลิกภาพนั้นดูเหมือนเราจะมีผลมากและคู่ควรแก่การพิจารณาต่อไป

ยูบี Alieva, Ts.G. Arzakanyan, S.B. ไบราโมว่า, G.M. เบรสลาวา, A.V. Gordeev, L.V. Goryunov, L.N. Dorogov, Yu.A. ลูกิน่า, แอล.พี. Pechko, A.V. Piradova, L.A. Rapatskaya, V.B. Churbanova และอีกหลายคน ด้วยความแตกต่างทั้งหมดในทิศทางการวิจัยของผู้เขียนข้างต้น พวกเขามีสิ่งหนึ่งที่เหมือนกัน - การวิเคราะห์การเปลี่ยนแปลงการทำงานที่เกิดขึ้นในบุคคลภายใต้อิทธิพลของศิลปะ (สุนทรียศาสตร์, จิตวิญญาณ)

ส่วนสำคัญของการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์คือการศึกษาด้านดนตรีซึ่งเป็นปัจจัยกำหนดในการสร้างวัฒนธรรมดนตรีของบุคคล ในการสอนการสอน การสอนดนตรีและการอบรมเลี้ยงดูถูกตีความว่าเป็นกระบวนการของการดูดซึมองค์ประกอบพื้นฐานของประสบการณ์ทางสังคมอย่างเป็นระบบ กลายเป็นวัฒนธรรมดนตรีรูปแบบต่างๆ ในการศึกษาของ G.V. Shostak เข้าใจวัฒนธรรมดนตรีว่าเป็นการศึกษาเชิงบูรณาการที่ซับซ้อน ซึ่งรวมถึงความสามารถในการนำทางในแนวดนตรีรูปแบบและทิศทางที่หลากหลาย ความรู้เกี่ยวกับธรรมชาติทางดนตรีทางทฤษฎีและสุนทรียศาสตร์ รสนิยมทางดนตรีสูง ความสามารถในการตอบสนองทางอารมณ์ต่อเนื้อหาของดนตรีบางประเภท ผลงานตลอดจนทักษะการแสดงที่สร้างสรรค์ เช่น ร้องเพลง เล่นเครื่องดนตรี ฯลฯ

ตามแนวทางกิจกรรมวัฒนธรรม อ. คางานะ วัฒนธรรม เป็นการฉายภาพกิจกรรมของมนุษย์ (หัวข้ออาจเป็นรายบุคคล กลุ่มหรือกลุ่ม) และประกอบด้วยสามรูปแบบ: วัฒนธรรมของมนุษยชาติ วัฒนธรรมของกลุ่มสังคม และวัฒนธรรมของแต่ละบุคคล วัฒนธรรมดนตรีของบุคคลถือได้ว่าเป็นวัฒนธรรมย่อยเฉพาะของกลุ่มสังคมบางกลุ่ม มันมีสององค์ประกอบ:

• วัฒนธรรมดนตรีส่วนบุคคล รวมถึงจิตสำนึกด้านดนตรีและสุนทรียภาพ ความรู้ด้านดนตรี ทักษะและความสามารถที่พัฒนาขึ้นจากกิจกรรมทางดนตรีเชิงปฏิบัติ
• · วัฒนธรรมดนตรีของกลุ่มอายุทางสังคมบางกลุ่ม ซึ่งรวมถึงผลงานศิลปะดนตรีพื้นบ้านและมืออาชีพที่ใช้ในการทำงานกับเด็กและสถาบันต่างๆ ที่ควบคุมกิจกรรมดนตรีของเด็ก

แนวคิดของวัฒนธรรมย่อยทางดนตรีอายุสามารถแสดงเป็นชุดของค่านิยมทางดนตรีดั้งเดิมตามด้วยตัวแทนของกลุ่มอายุนี้ นักวิจัยชี้ไปที่องค์ประกอบต่างๆ เช่น การยอมรับภายในหรือการปฏิเสธศิลปะดนตรีบางประเภทและบางประเภท ทิศทางของความสนใจและรสนิยมทางดนตรี นิทานพื้นบ้านดนตรีและวรรณกรรมสำหรับเด็ก ฯลฯ

พื้นฐานของวัฒนธรรมดนตรีส่วนบุคคลของเด็กถือได้ว่าเป็นจิตสำนึกทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์ซึ่งเกิดขึ้นในกระบวนการของกิจกรรมทางดนตรี จิตสำนึกทางดนตรีและสุนทรียภาพเป็นองค์ประกอบของวัฒนธรรมดนตรี ซึ่งเป็นกิจกรรมทางดนตรีที่ดำเนินการในระนาบอุดมคติภายใน

บางแง่มุมของจิตสำนึกด้านสุนทรียศาสตร์ได้รับการศึกษาในด้านการสอนและจิตวิทยาโดย S.N. Belyaeva-Instance, N.A. Vetlugina, I.L. อื่น ๆ

องค์ประกอบของจิตสำนึกทางดนตรีและสุนทรียภาพ ระบุโดย อ.ป. ราดีโนวา:

• ความต้องการดนตรีเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการสร้างทัศนคติด้านสุนทรียภาพของเด็กต่อดนตรี เกิดขึ้นเร็วพร้อมกับความต้องการสื่อสารกับผู้ใหญ่ในสภาพแวดล้อมทางดนตรีที่เต็มไปด้วยอารมณ์เชิงบวก พัฒนาด้วยการได้รับประสบการณ์ทางดนตรีและเมื่ออายุได้ 6 ขวบความสนใจในดนตรีสามารถเกิดขึ้นได้อย่างต่อเนื่อง
• อารมณ์สุนทรียภาพประสบการณ์ - พื้นฐานของการรับรู้สุนทรียศาสตร์ รวมทัศนคติทางอารมณ์และทางปัญญาเข้ากับดนตรี Teplov เขียนว่า: “เพื่อที่จะเข้าใจเพลงหนึ่ง สิ่งสำคัญคือต้องสัมผัสมันด้วยอารมณ์และไตร่ตรองบนพื้นฐานนี้” อารมณ์สุนทรียะที่พัฒนาแล้วเป็นตัวบ่งชี้การพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของแต่ละบุคคล
• รสนิยมทางดนตรี - ความสามารถในการเพลิดเพลินกับดนตรีที่มีคุณค่าทางศิลปะ ไม่ใช่โดยกำเนิด เกิดขึ้นในกิจกรรมทางดนตรี
• · การประเมินดนตรี - ทัศนคติที่ใส่ใจต่อความต้องการทางดนตรี ประสบการณ์ ทัศนคติ รสนิยม การให้เหตุผล

Lyudmila Valentinovna Shkolyar พูดถึงวัฒนธรรมดนตรีซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณทั้งหมด เน้นว่าการก่อตัวของเด็ก เด็กนักเรียนในฐานะผู้สร้าง ในฐานะศิลปิน (และนี่คือการพัฒนาวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณ) เป็นไปไม่ได้หากไม่มีการพัฒนาพื้นฐาน ความสามารถ - ศิลปะการได้ยิน, ศิลปะการมองเห็น, ศิลปะแห่งความรู้สึก, ศิลปะแห่งการคิด การพัฒนาบุคลิกภาพของมนุษย์โดยทั่วไปเป็นไปไม่ได้นอกความสามัคคีของ "จักรวาลส่วนบุคคล" ของเขา - ฉันเห็น ฉันได้ยิน ฉันรู้สึก ฉันคิดว่า ฉันทำ

โครงสร้างของแนวคิด "วัฒนธรรมดนตรี" มีความหลากหลายมาก สามารถแยกแยะองค์ประกอบต่างๆ พารามิเตอร์ของการพัฒนาดนตรี: ระดับของการพัฒนาการร้องเพลง ทักษะในการรับรู้ดนตรีสมัยใหม่ ระดับของกิจกรรมสร้างสรรค์ ฯลฯ แต่การพัฒนา ความก้าวหน้าของเด็กในด้านต่าง ๆ ของความเข้าใจในดนตรียังไม่ถือเป็นวัฒนธรรมทางดนตรีโดยรวม ส่วนประกอบควรมีลักษณะทั่วไป มีความหมายในเชิงความหมายมากที่สุด กลายเป็นส่วนประกอบทั่วไปในความสัมพันธ์กับเฉพาะ พื้นฐานดังกล่าวสามารถและควรเป็นรูปแบบใหม่เหล่านั้นในโลกแห่งจิตวิญญาณของเด็กที่พัฒนาขึ้นเนื่องจากการหักเหในความคิดและความรู้สึกของเขาเกี่ยวกับเนื้อหาทางศีลธรรมและสุนทรียะของดนตรีและทำให้สามารถค้นหาว่าวัฒนธรรมดนตรีของ ปัจเจกบุคคลนั้นเชื่อมโยงกับวัตถุอันกว้างใหญ่และวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของมนุษยชาติทั้งหมด Yu.B. Aliyev เชื่อว่าเกณฑ์หลักในการพิจารณาการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของเด็กนักเรียน ได้แก่:

• ระดับการพัฒนาความชอบทางศิลปะ
• การมีส่วนร่วมของเด็กนักเรียนในด้านความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะใด ๆ
• · การตระหนักรู้ในด้านวัฒนธรรมศิลปะของสังคม

ส่วนประกอบที่คล้ายกันนั้นโดดเด่นด้วย L.V. เด็กนักเรียน:

• ประสบการณ์ทางดนตรีของนักเรียน
• ความรู้ทางดนตรี
• พัฒนาการด้านดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ของเด็กนักเรียน

เกณฑ์ความพร้อมใช้งาน ดนตรี ประสบการณ์อาจดำเนินการ:

• ระดับการรับรู้ทั่วไปของดนตรี
• การปรากฏตัวของความสนใจความชอบและความชอบบางอย่าง;
• · แรงจูงใจในการดึงดูดใจของเด็กต่อเพลงนั้นหรือเพลงนั้น - สิ่งที่เด็กกำลังมองหาในนั้น สิ่งที่เขาคาดหวังจากมัน

วิธีการที่มุ่งระบุการก่อตัวทางจิตวิญญาณมีสามทางเลือก: 1) พบกับดนตรีในห้องเรียน; 2) เพลงสำหรับห้องสมุดดนตรีที่บ้าน; 3) เพลงสำหรับเพื่อน เสนอให้จัดทำโปรแกรมสำหรับบทเรียนสุดท้ายของไตรมาส เลือกบันทึกเพื่อฟังที่บ้านกับครอบครัว โปรแกรมงานเลี้ยงสำหรับเพื่อน

นอกจากนี้ คุณสามารถสนทนา:

• 1. คุณรู้สึกอย่างไรเกี่ยวกับดนตรี?
• 2. ดนตรีมีไว้เพื่ออะไรในชีวิต?
• 3. คุณรู้จักเพลงไหน คุณชอบเพลงไหนมากที่สุด?
• 4. คุณร้องเพลงอะไรในชั้นเรียน คุณรู้จักเพลงอะไร
• 5. คุณฟังเพลงที่ไหน (ทีวี วิทยุ คอนเสิร์ต)?
• 6. คุณพบกับดนตรีที่โรงเรียนยกเว้นบทเรียนหรือไม่? ที่ไหน?
• 7. คุณชอบที่จะร้องเพลงที่บ้านหรือไม่? คุณจะกินอะไร?
• 8. พ่อแม่ของคุณร้องเพลงที่บ้าน ในงานปาร์ตี้หรือไม่? พวกเขาร้องเพลงอะไร
• 9. คุณฟังเพลงอะไรกับพ่อแม่ครั้งสุดท้าย? ที่ไหน?
• 10. ช่วงนี้ชอบฟังเพลงอะไร? ทำไม

นอกจากนี้ยังสามารถจัดทำแบบสอบถามสำหรับผู้ปกครองและระบุทักษะการแสดงดนตรีบางอย่างได้

แบบสอบถามสำหรับผู้ปกครอง:

• 1. ในความเห็นของคุณ เด็กควรได้รับการพิจารณาว่าเป็นวัฒนธรรมในด้านดนตรีอย่างไร?
• 2. อะไรคือสิ่งที่จำเป็นสำหรับบุตรหลานในการบรรลุวัฒนธรรมดนตรีในระดับหนึ่ง?
• 3. คุณเห็นครอบครัวช่วยแก้ปัญหานี้อย่างไร?

องค์ประกอบที่สองคือ ดนตรี การรู้หนังสือเข้าใจเป็น:

• ความสามารถในการรับรู้ว่าดนตรีเป็นศิลปะที่มีชีวิต เปรียบได้กับชีวิต และเชื่อมโยงกับชีวิตอย่างแยกไม่ออก
• "ความรู้สึกทางดนตรี" พิเศษซึ่งช่วยให้คุณรับรู้ทางอารมณ์เพื่อแยกแยะความดีและความชั่วในตัวมัน
• ความสามารถในการกำหนดธรรมชาติของดนตรีด้วยหูและสัมผัสถึงความเชื่อมโยงภายในระหว่างธรรมชาติของดนตรีกับธรรมชาติของการแสดง
• ความสามารถในการระบุผู้แต่งเพลงที่ไม่คุ้นเคยด้วยหู หากเป็นคุณลักษณะของผู้แต่งคนนี้

มีการใช้หลายวิธีในการระบุความรู้ทางดนตรี "ความสัมพันธ์ทางดนตรีและชีวิต", "เลือกเพลง" (คำจำกัดความของดนตรีที่เกี่ยวข้องในเนื้อหา); "ค้นพบตัวเองผ่านเสียงเพลง"

วิธีการของ "สมาคมดนตรีและชีวิต" เกี่ยวข้องกับการตอบคำถามเกี่ยวกับงานที่ไม่คุ้นเคยบางอย่าง:

• 1. เพลงนี้ทำให้คุณนึกถึงความทรงจำอะไร เหตุการณ์ใดในชีวิตของคุณที่มันเกี่ยวโยงกับ?
• 2. เพลงนี้ฟังได้ที่ไหนในชีวิตและส่งผลต่อผู้คนอย่างไร?
• 3. อะไรในดนตรีที่ทำให้คุณได้ข้อสรุปดังกล่าว (หมายถึงสิ่งที่เพลงพูดถึงและมันบอกอะไร ความหมายของมันในงานแต่ละชิ้นคืออะไร)?

เทคนิค "เปิดตัวเองผ่านดนตรี" เด็ก ๆ จะได้รับชิ้นส่วนของดนตรีและสามงานที่เกี่ยวข้องกับมัน:

• · เด็ก ๆ ถูกจัดให้อยู่ในตำแหน่ง "คู่สนทนาของดนตรี": มันบอกอะไรบางอย่างกับพวกเขา และพวกเขาต้องบอกความรู้สึกของพวกเขา เกี่ยวกับสิ่งที่เกิดในพวกเขาระหว่างบทสนทนา;
• งานที่ 2 เกี่ยวข้องกับการเปิดเผยโดยเด็กของเนื้อหาดนตรีในรูปแบบพลาสติกในการเคลื่อนไหว
• · งานที่สามเกี่ยวข้องกับการเป็นตัวแทนของ "ตัวเอง" ในการวาดภาพ การประเมินตนเอง และดนตรีทำหน้าที่เป็นแหล่งข้อมูล ซึ่งเป็นโอกาสที่มีความหมาย

ความคิดสร้างสรรค์ (creativity) ถือเป็นคุณสมบัติพิเศษของบุคลิกภาพ โดดเด่นด้วยความสามารถในการพัฒนาตนเอง ในความหมายกว้าง ๆ ของคำนั้น เป็นกิจกรรมที่มีจุดมุ่งหมายอย่างมีสติของบุคคลในด้านความรู้ความเข้าใจและการเปลี่ยนแปลงของความเป็นจริง ในดนตรี ความคิดสร้างสรรค์มีความโดดเด่นด้วยเนื้อหาส่วนบุคคลที่เด่นชัด และแสดงออกถึงความสามารถพิเศษในการทำซ้ำ ตีความ และสัมผัสประสบการณ์ดนตรี พารามิเตอร์สำหรับการประเมินความครอบครองทักษะและความสามารถของเด็ก ได้แก่

• อารมณ์ความรู้สึก;
• ระดับของการรับรู้ถึงความตั้งใจ;
• · ความเฉลียวฉลาด, ความคิดริเริ่ม, ความเป็นเอกเทศในการเลือกวิธีการของศูนย์รวม;
• ศูนย์รวมศิลปะของความคิด
• · แรงดึงดูดจากประสบการณ์ทางดนตรีที่มีอยู่

ระดับของการพัฒนาดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ได้รับการตรวจสอบก่อนอื่นโดยการสังเกตเด็ก ๆ ในกระบวนการสื่อสารกับดนตรี (บทบาทที่เด็กเลือก: นักแต่งเพลงนักแสดงผู้ฟัง)

อีกเทคนิคหนึ่งคือ “ฉันแต่งเพลง” เป็นรายบุคคลและช่วยในการระบุระดับของการพัฒนาการแสดงตัวอย่าง จินตนาการ จินตนาการ การคิดภายในกรอบงานทางศิลปะ การได้ยินเชิงเปรียบเทียบ การมองเห็น ฯลฯ มีการมอบหมายงานสร้างสรรค์เริ่มต้น สถานการณ์: "เสียงฤดูใบไม้ผลิ", "วันฤดูร้อน", "เสียงของเมืองใหญ่" ฯลฯ หลังจากเลือกสถานการณ์แล้ว นักเรียนร่วมกับครูจะไตร่ตรองถึงตรรกะและความคิดริเริ่มของการพัฒนาเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างของงานศิลปะในอนาคต คุณสามารถรวบรวมความคิดของคุณบนเปียโน เครื่องดนตรีอื่นๆ เสียง พลาสติค

เทคนิคที่สามคือ "เด็กและดนตรี" ดนตรีคือสิ่งมีชีวิต นักเรียนได้รับเชิญให้วาดตามความรู้สึกของเขา เข้าใจดนตรีเมื่อเขาแสดงหรือฟัง อย่าลืมวาดตัวเองในภาพวาดนี้

บล็อกของวัตถุแห่งวัฏจักรสุนทรียศาสตร์ในโรงเรียนประถมศึกษามีจุดมุ่งหมายเพื่อศึกษากฎพื้นฐานของความสัมพันธ์ระหว่างบุคคลกับโลกรอบตัวเขาโดยทำความเข้าใจความหมายเชิงความหมายของกระบวนการสะท้อนโดยบุคคลในโลกรอบตัวเขาในด้านศิลปะและ รูปแบบสัญลักษณ์ได้รับการออกแบบมาเพื่อช่วยให้เด็กควบคุมโลกรอบตัวเขา การเป็น พื้นที่ สังคม การพัฒนาทิศทางค่านิยมผ่านการขยายความเป็นไปได้ของการแสดงออก ขั้นตอนนี้มุ่งเป้าไปที่การเตรียมนักเรียนอย่างมีจุดมุ่งหมายเพื่อรับรู้ข้อมูลทางวัฒนธรรมอย่างมีสติในอนาคต

ทักษะและความสามารถหลักสำหรับขั้นตอนนี้มีดังนี้:

• การทำความเข้าใจภาษาศิลปะเป็นวิธีการสื่อสารระหว่างผู้คน
• ถอดรหัสและส่งข้อมูลผ่านวิธีการแสดงออกของศิลปะประเภทต่างๆ (โดยเฉพาะดนตรี)
• - การแปลข้อมูลที่มีอยู่ในภาพศิลปะในงานศิลปะประเภทหนึ่งเป็นการแสดงออกผ่านงานศิลปะประเภทอื่น
• · การรับรู้ทางสุนทรียะของปรากฏการณ์ของโลกรอบข้างและการถ่ายโอนการรับรู้ของโลกผ่านภาพทางศิลปะ

ลักษณะของการสร้างเนื้อหาของวัตถุสุนทรียะระดับกลางควรเป็นการศึกษาคู่ขนานกันในการพัฒนาประวัติศาสตร์ของโลกและวัฒนธรรมศิลปะของชาติ ซึ่งจะช่วยให้เข้าใจบทบาทและสถานที่ของวัฒนธรรมของชาติในบริบทโลก การสร้างสื่อการสอนดังกล่าวทำให้มั่นใจถึงความสามัคคีของการฝึกอบรมภาคทฤษฎีและภาคปฏิบัติของนักเรียนไม่เพียงสอดคล้องกับลักษณะทางจิตวิทยาของกระบวนการรับรู้ในเด็กในวัยนี้เท่านั้น แต่ยังสอดคล้องกับความรู้ด้านมนุษยธรรมเฉพาะอีกด้วย

ทักษะและความสามารถที่นักเรียนควรแสดงให้เห็นจากการศึกษาสามารถลดได้ดังนี้

ü รับรู้และกำหนดลักษณะของภาพศิลปะอย่างมีสติในผลงานของรูปแบบศิลปะที่ศึกษา

- กำหนดลักษณะวิธีการแสดงออก เกณฑ์ประเภท ลักษณะเฉพาะของงานดนตรีเฉพาะ

l เข้าใจและระบุความเชื่อมโยงระหว่างการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะเฉพาะกับวัฒนธรรมของสังคมที่เกี่ยวข้อง

เพื่อทำความเข้าใจและนำไปใช้ในการแสดงออกถึงลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมดนตรีพื้นบ้าน

วัฒนธรรมดนตรีเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมทางศิลปะ การก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีส่วนบุคคลและโดยผ่านมัน - ผลกระทบต่อการก่อตัวของบุคลิกภาพโดยรวมเป็นแกนหลักของแนวคิดการสอนของ D.V. คาบาเลฟสกี้.

อาจารย์ ยู.บี. อาลีฟ, ดี.บี. Kabalevsky, O.P. Rigan - พยายามเปิดเผยเนื้อหาของแนวคิดเรื่อง "วัฒนธรรมดนตรี" เด็กนักเรียน - วินิจฉัยว่ามีลัทธิดนตรี

ทัวร์ในเด็กเล็กและอธิบายรายละเอียดผลงานการทดลองของเธอ

การศึกษาวรรณคดีพบว่าไม่มีความคิดเห็นที่ชัดเจนเกี่ยวกับคำจำกัดความของแนวคิดเกี่ยวกับวัฒนธรรมดนตรี ครูแต่ละคนมีมุมมองส่วนตัวของตัวเอง

ดม. Kabalevsky ระบุวัฒนธรรมดนตรีด้วยความรู้ทางดนตรี ในงานเขียนของเขา เขากล่าวว่า “วัฒนธรรมดนตรีคือความสามารถในการรับรู้ดนตรีว่าเป็นศิลปะที่มีชีวิต เป็นรูปเป็นร่าง ถือกำเนิดจากชีวิตและเชื่อมโยงกับชีวิตอย่างต่อเนื่อง นี่คือ “ความรู้สึกพิเศษของดนตรี” ที่ทำให้คุณรับรู้ถึงอารมณ์ แยกแยะความดี จากที่ไม่ดีในนั้นคือความสามารถในการฟังกำหนดธรรมชาติของดนตรีและสัมผัสถึงความเชื่อมโยงภายในระหว่างธรรมชาติของดนตรีกับธรรมชาติของการแสดงซึ่งเป็นความสามารถในการระบุผู้แต่งเพลงที่ไม่คุ้นเคยด้วยหูหากเป็น ลักษณะของผู้เขียนคนนี้ ผลงานของเขาที่นักเรียนคุ้นเคยอยู่แล้ว การนำนักเรียนเข้าสู่วัฒนธรรมทางดนตรีที่ละเอียดอ่อนนี้ต้องใช้ความระมัดระวัง ความสม่ำเสมอ และความแม่นยำอย่างมากในการเลือกผู้แต่งและผลงานของพวกเขา ตามที่ D.B. Kabalevsky การฟังเพลงมีพื้นฐานมาจากการรับรู้ทางอารมณ์และความกระตือรือร้นของดนตรี อย่างไรก็ตาม แนวคิดนี้ไม่ได้จำกัดอยู่เพียง "กิจกรรมของนักเรียน" เท่านั้น การรับรู้อย่างแข็งขันของดนตรีเป็นพื้นฐานของการศึกษาดนตรีโดยทั่วไป การเชื่อมโยงทั้งหมด ดนตรีสามารถเติมเต็มบทบาทด้านสุนทรียภาพ ความรู้ความเข้าใจ และการศึกษาได้ก็ต่อเมื่อเด็กเรียนรู้ที่จะได้ยินและคิดเกี่ยวกับมันอย่างแท้จริง "ผู้ที่ไม่ได้ยินเสียงดนตรีจะไม่มีวันเรียนรู้ที่จะเล่นมันได้ดีจริงๆ"

การรับรู้ที่แท้จริง รู้สึกได้ และครุ่นคิดเป็นรูปแบบหนึ่งของการทำความคุ้นเคยกับดนตรีที่กระฉับกระเฉงที่สุด เพราะสิ่งนี้จะกระตุ้นโลกภายในและจิตวิญญาณของนักเรียน ความรู้สึกและความคิดของพวกเขา นอกเหนือจากการได้ยินแล้ว ดนตรีในฐานะศิลปะไม่มีอยู่จริงเลย ดังนั้นศิลปะดนตรีซึ่งไม่มีความรู้สึกนึกคิดของบุคคล ความคิดและภาพชีวิต จึงไม่กระทบต่อโลกฝ่ายวิญญาณของเด็ก ดีบี Kabalevsky ชี้ให้เห็นว่าความสามารถในการฟังเพลงต้องเริ่มได้รับการศึกษาตั้งแต่เริ่มเรียน สิ่งนี้อำนวยความสะดวกโดยการปลูกฝังกฎจรรยาบรรณที่นำไปสู่การครองราชย์ในห้องเรียนในบรรยากาศใกล้กับบรรยากาศของห้องโถงคอนเสิร์ตและการเกิดขึ้นของทักษะการฟังอย่างตั้งใจ ครู ศาสตราจารย์ แพทย์ศาสตร์แห่งการสอนที่มีชื่อเสียง สมาชิกของ Academy of Pedagogical and Social Sciences Yu.B. อาลีฟ

ภายใต้วัฒนธรรมดนตรีของบุคลิกภาพของเด็ก เขาหมายถึง “ประสบการณ์ส่วนบุคคล สังคม และศิลปะของบุคลิกภาพ ซึ่งกำหนดความต้องการทางดนตรีที่สูง นี่เป็นคุณสมบัติเชิงบูรณาการของบุคลิกภาพ ตัวชี้วัดหลัก ได้แก่ :

การพัฒนาดนตรี (ความรักในศิลปะดนตรีทัศนคติทางอารมณ์ความต้องการตัวอย่างดนตรีศิลปะการสังเกตดนตรี)

การศึกษาดนตรี (อาวุธยุทโธปกรณ์ด้วยวิธีกิจกรรมดนตรี, ความรู้ประวัติศาสตร์ศิลปะ, ทัศนคติทางอารมณ์และคุณค่าต่อศิลปะและชีวิต, “การเปิดกว้าง” ต่อดนตรีใหม่, ความรู้ใหม่เกี่ยวกับศิลปะ, การพัฒนาอุดมคติทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์, รสนิยมทางศิลปะ, การวิจารณ์, ทัศนคติแบบเลือกสรร ไปจนถึงปรากฏการณ์ทางดนตรีต่างๆ)

ตามที่ Yu.B. Alieva โปรแกรมการศึกษาด้านดนตรีที่ได้ผลสามารถตีความได้ว่าเป็นภาพสะท้อนของความสัมพันธ์เริ่มต้น: นักแต่งเพลง - นักแสดง - ผู้ฟังและการพัฒนาความสัมพันธ์นี้สามารถมีคุณสมบัติเป็นกระบวนการของกิจกรรมทางดนตรีเชิงปฏิบัติของเด็กในตำแหน่ง "นักแต่งเพลง" (ผู้สร้างการด้นสดและการเรียบเรียง), "นักแสดง" (ล่ามข้อความดนตรี ) และ "ผู้ฟัง" (การรับรู้ผลงานเพลง)

ในเวลาเดียวกัน เพื่อความก้าวหน้าในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีส่วนบุคคล เด็กยังต้องการตำแหน่งของ "นักวิจารณ์" ซึ่งประเมินดนตรีตามระดับความต้องการของตนเองตามขั้นตอนหนึ่งใน การพัฒนารสนิยมทางศิลปะ

เส้นทางของการเป็น "ผู้ฟัง" ดนตรีที่มีคุณสมบัติเหมาะสม (และอย่างที่คุณทราบ การรับรู้ทางดนตรีเป็นรากฐานของวัฒนธรรมดนตรีส่วนบุคคล) ค่อนข้างยาว อย่างไรก็ตามในหลาย ๆ ด้านความสำเร็จขึ้นอยู่กับว่าครูสอนดนตรีสอนเด็กอย่างไรและอย่างไร “ หนึ่งในภารกิจหลักในการสร้างผ่านการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีส่วนบุคคล - ตาม Y. Aliyev - คือการวางเด็กในตำแหน่งเหล่านั้นโดยที่กิจกรรมทางดนตรีที่เต็มเปี่ยมเป็นไปไม่ได้ในตำแหน่งของ " ผู้ฟัง” และ “ผู้แสดง”

กิจกรรมของเด็กในตำแหน่ง "ผู้ฟัง"

งานของผู้อ่านตาม M. Bakhtin คือการเข้าใจงานในแบบที่ผู้เขียนเองเข้าใจ เมื่อเปรียบเทียบกับการอ่าน เราสามารถโต้แย้งได้ว่า "ผู้ฟัง" ก็ "สร้างภาพ" เช่นกัน และไม่รับรู้พร้อมด้วยการช่วยฟัง ในการตีความข้อความดนตรีนี้หรือนั้น เราได้ยินเฉพาะสิ่งที่นักแสดงคนใดคนหนึ่งมีส่วนสนับสนุนงานเขียนเท่านั้น เป็นสถานที่สำคัญที่นักแต่งเพลงและนักแสดงนำเสนอ มันมีไว้สำหรับผู้ฟังที่สร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะขององค์ประกอบทางดนตรีสร้างมันสร้างภาพลักษณ์ของผู้แต่งที่เพียงพอ แต่ไม่เหมือนกัน ดังนั้นเราจึงสามารถสรุปได้ว่าเด็ก- "ผู้ฟัง" ในกระบวนการรับรู้ทางดนตรีสามารถถือได้ว่าเป็น "ผู้เขียนร่วม" ของงานดนตรีในระดับหนึ่ง ในกรณีนี้ความคิดเกี่ยวกับกิจกรรมทางดนตรีของเด็ก ๆ ในการสืบพันธุ์จะเปลี่ยนไป และงานนี้ไม่ได้เป็นเพียงการท่องจำดนตรีเท่านั้น แต่ยังให้ความรู้แก่ผู้ฟังที่มีความคิดสร้างสรรค์ซึ่งสร้าง "ภาพทางดนตรีแห่งโลกแห่งเสียง" ของตัวเองซึ่งสามารถประเมินผลงานด้วยตนเองได้

สำนวนที่รู้จักกันดี: "หนังสือเติบโตไปพร้อมกับเรา" เกี่ยวข้องโดยตรงกับกระบวนการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรี จากความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีในช่วงอายุต่างๆ ผู้ฟังสามารถนำสิ่งต่าง ๆ เพื่อพัฒนาจิตวิญญาณของเขาได้ แต่เราไม่สามารถโต้แย้งข้อเท็จจริงที่ว่า “การรับรู้เชิงลึกของงานดนตรีนั้นขึ้นอยู่กับกิจกรรมของแนวคิดเชิงสร้างสรรค์ของผู้ฟังเพลงรุ่นเยาว์เป็นหลัก ความสมบูรณ์แบบของ “การตีความ” ของตัวอย่างศิลปะดนตรีของผู้ฟังและเป็น ตัวบ่งชี้วัฒนธรรมดนตรีของเขา

กิจกรรมของเด็กในตำแหน่ง "นักวิจารณ์"

งานสำคัญของการศึกษาดนตรีคือการสอนเด็กให้พัฒนามุมมองของเขาในกระบวนการของ "บทสนทนา" ทางศิลปะและดนตรีกับผู้เขียนเห็นด้วยกับเขาหรือเข้าสู่การโต้เถียงเพื่อฟังโลกแห่งดนตรีด้วยตัวเขาเอง หูชั้นในเพื่อประเมินคุณภาพของงาน นั่นคือเหตุผลที่งานของผู้ฟังดูเหมือนจะผสานเข้ากับงานของ "นักวิจารณ์"

ในการเรียนดนตรีกิจกรรมทางดนตรีของผู้ฟังบางประเภทเกิดขึ้น: การฟังงาน, การตีความด้วยวาจา, การไตร่ตรองเกี่ยวกับดนตรีที่ได้ยินและความคิดเห็นและการตัดสินที่แสดงเกี่ยวกับเรื่องนี้ กิจกรรมนี้มีส่วนช่วยในการพัฒนาทักษะการวิเคราะห์และประเมินผลผู้ฟังซึ่งมีความสำคัญต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรี

เอ็ม ไอ เนย์ดอร์ฟ

สู่การศึกษาแนวคิด "วัฒนธรรมดนตรี"

ประสบการณ์ประเภทโครงสร้าง

(บทความถูกตีพิมพ์ในคอลเลกชัน:ดนตรีศิลปะและวัฒนธรรม แถลงการณ์ทางวิทยาศาสตร์ของ Odessa State Conservatory ตั้งชื่อตาม A.V. Nezhdanova.- วีไอพี !. - โอเดสซา: Astroprintnt, 2000. - S. 46-51.ตัวเลขในวงเล็บเหลี่ยมระบุจุดสิ้นสุดของหน้าที่ตรงกันในหนังสือ บทความ PDF - ในภาคผนวกที่ด้านล่างของหน้า

แนวคิดของ "วัฒนธรรมทางดนตรี" ได้กลายเป็นสิ่งที่พบได้ทั่วไปมากขึ้นเรื่อยๆ เปรียบเทียบน้อยลง และใช้งานได้จริงมากขึ้น ปกติเขาเรียกว่าเมื่อการวิจัยหรือความคิดของนักข่าวมีความพึงพอใจเรื่องnym ศึกษาข้อความดนตรีหมายถึงชะตากรรมทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริง เป้า,เพื่อประโยชน์ในการสร้างข้อความดนตรีคือการสร้างความสำคัญทางสังคมความหมายได้สำเร็จในกระบวนการแสดงข้อความนี้ในสภาพแวดล้อมสาธารณะ เท่านั้นที่นี่ข้อความได้รับความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์ของการดำรงอยู่ของมัน

อย่างไรก็ตาม เป็นที่ทราบกันดีว่าสำหรับการแสดงข้อความดนตรี สังคมสิ่งแวดล้อมต้องพร้อมด้วยเทคโนโลยี เช่น การสร้างความเหมาะสมสถานที่ การอบรมนักแสดง คุณสมบัติของผู้ฟัง การผลิต muเครื่องมือภาษา ความพร้อมของสิ่งพิมพ์พิเศษและเป็นที่นิยม ฯลฯดังนั้น อันที่จริง ข้อความดนตรีใด ๆ ที่ฟังดูถูกรวมไว้ในที่สาธารณะผ่านการสื่อสารที่จัดระบบที่ซับซ้อนมากเกี่ยวกับและเพื่อประโยชน์ในการสร้างสรรค์เปล่งเสียง, การรับรู้ของข้อความที่คล้ายคลึงกัน, กระตุ้น, ในระหว่างกิจกรรมนี้, รุ่นความหมายเฉพาะในการกำเนิดทางดนตรีของมัน. กล่าวอีกนัยหนึ่งดนตรีมีจริง กล่าวคือ มีความหมายจะถูกสร้างขึ้นและมีอยู่เฉพาะชุมชนจำนวนพิเศษ(กลุ่ม ชุมชน) การเป็นสมาชิกซึ่งแสดงถึงคุณสมบัติบางอย่าง(ทักษะ) และกฎปฏิสัมพันธ์

ชุมชนที่เป็นปัญหาแสดงให้เห็นว่าพวกเขาไม่เพียงแต่จำกัดความเป็นสมาชิกเท่านั้น แต่ยังแสดงเป็นชุมชนที่สร้างความหมายและประสิทธิผลด้วย และถึงแม้ว่าในแวบแรกความหมายที่เกิดในกระบวนการของการสำแดงทางสังคมภาษา เป็นปัจเจกและโดยพลการโดยสิ้นเชิง อันที่จริง เป็นตัวละครร่วมกระบวนการแสดงดนตรีทวีคูณจริง ๆ (เสริมกำลัง ทำให้สังคม)สำคัญ) ความหมายบางอย่างและขัดขวางผู้อื่นภายในขอบเขตของประสบการณ์ส่วนตัว และในนี้ย่อหน้าแสดงพื้นฐานของผลประโยชน์สาธารณะในสิ่งเหล่านี้รวมอยู่ด้วยชุมชนดนตรีที่ไม่เป็นทางการ (และไม่มีชื่อ) เป็นเครื่องกำเนิดความหมายที่สำคัญทางสังคมที่ทำซ้ำอย่างต่อเนื่อง

ความสนใจด้านการวิจัยในชุมชนที่มีการจัดทางดนตรีถูกกำหนดโดยวัตถุประสงค์ในทางปฏิบัติซึ่งสามารถอธิบายได้ด้วยคำถามสองกลุ่ม ครั้งแรกของประกอบด้วยคำถามเกี่ยวกับโครงสร้างของงานดนตรีอย่างแม่นยำมากขึ้นในหัวข้อโครงสร้างทั่วไปที่ทำให้ข้อความดนตรีเพียงพอกับสภาพการทำงานการวางตำแหน่งในชุมชนที่มีการจัดทางดนตรีที่สอดคล้องกัน กลุ่มที่สองคำถามถูกส่งไปยังชุมชนที่มีการจัดระเบียบทางดนตรีที่ไม่เป็นระเบียบมากจากมุมมองของความหมายที่สร้างขึ้นผ่านการทำงานในพวกเขางานดนตรี สุดท้ายคำถามทั้งสองกลุ่มสามารถเป็น .ได้เสมอสร้างโดยคำถามของความหมายที่สร้างขึ้นโดยการทำงานทางสังคมของให้ของงานดนตรี - ในสภาพของเวลาและในมุมมองทางประวัติศาสตร์

จากมุมมองของปัญหานี้ (ดนตรีและความหมายที่เกิดขึ้น)ของชุมชนที่จัดทางดนตรีอย่างไม่เป็นทางการได้รับลักษณะของสัญศาสตร์และคำอธิบาย (ความเข้าใจ) ของชุมชนเหล่านี้เป็นปรากฏการณ์ทางสังคมพิเศษเน้นที่ลักษณะทางวัฒนธรรมของพวกเขา นี่คือที่มาของคำศัพท์ "วัฒนธรรมดนตรี" ในความหมายที่ชัดเจน : ลักษณะเชิงคุณภาพ สำบัดสำนวนของชุมชนดนตรีเป็นสภาพแวดล้อมทางสังคมเฉพาะที่เอะอะ เก๋าเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของตำราดนตรี

แนวคิดของ "วัฒนธรรม" (ขอบเขตมันกว้างกว่าแนวความคิดเรื่อง "วัฒนธรรมดนตรี") แก้ไขลักษณะสำคัญของชุมชนที่จัดระเบียบตนเองโดยใช้ นอกจากนี้จากเนื้อหาของข้อมูลหลักที่รวบรวมมัน . มิฉะนั้น เราสามารถพูดได้ว่าวัฒนธรรมเป็นลักษณะการให้ข้อมูลของสังคม ภายใต้ข้อมูลในที่นี้ไม่ควรเข้าใจว่าเป็น "การวัดเชิงปริมาณเพื่อขจัดความไม่แน่นอน" อย่างที่เป็นเป็นที่ยอมรับในไซเบอร์เนติกส์และจำนวนรวมของวิธีการในการกำจัดอย่างใดอย่างหนึ่งชุมชนและกำกับโดยตนเองเพื่อจัดระเบียบตนเองเพื่อขจัดความโกลาหลของตัวเองเพื่อสร้างระเบียบภายในเฉพาะสำหรับสังคมที่กำหนด โดยเป็นที่ชัดเจนว่าความคิดริเริ่มของวิธีการเหล่านี้ส่งผลโดยตรงต่อความคิดริเริ่มขององค์กรสังคม. ด้วยเหตุนี้ เมื่อมองจากภายนอกจึงถูกมองว่าเป็นด้านหน้าสังคม ลักษณะที่ปรากฏ ลักษณะเฉพาะของมัน

แต่ข้อมูลเป็นกระบวนการ ในระบบสังคม - ไหลต่อเนื่องกระบวนการต่อต้านความโกลาหล ความหมายของมันคือการทำซ้ำความคิด ความสัมพันธ์ และความหมายเหล่านั้นอย่างต่อเนื่องซึ่งเป็นที่ยอมรับว่าเป็นพื้นฐานในชุมชนแห่งนี้ จึงต้องมีการสืบพันธุ์อย่างต่อเนื่องข้อมูลประเภทเดียวกัน ที่ XX ศตวรรษ ปรากฏชัดว่า มายาคติสามารถเป็นแบบเดียวกันได้เทพนิยาย นวนิยาย ภาพเขียน รูปแบบสถาปัตยกรรม ซิมโฟนี ทฤษฎีทางวิทยาศาสตร์ ฯลฯ รวมทั้งข่าวทีวี และข่าวสภาพอากาศ

วัฒนธรรมดนตรีเป็นส่วนหนึ่งของระบบสนับสนุนข้อมูลทั่วไปสำหรับบุคคลทั่วไปทรัพย์สิน หนึ่งในวิธีการจัดระเบียบชีวิตสาธารณะ ลักษณะเฉพาะของดนตรี culทัวร์ในที่วิธีการหลักในการสั่งซื้อการทำซ้ำในการเป็นตัวแทน, ความสัมพันธ์,ความหมายที่ยอมรับว่าจำเป็นสำหรับชุมชนหนึ่งๆ คือความสัมพันธ์เกี่ยวกับการสร้างสรรค์ การทำซ้ำ และการรับรู้ของดนตรี จากมุมมองนี้ บทเพลงที่ไพเราะไม่ใช่เป้าหมาย แต่เป็นวิธีการปฏิสัมพันธ์ทางสังคม การเชื่อมโยงสื่อกลาง ตัวกลาง ดังนั้น ลูกบอลจึงเป็นสื่อกลางในความสัมพันธ์ของผู้เล่นทั้ง 22 คนในสนามฟุตบอล ผู้ชมทั้งหมดของแมตช์นี้ และทุกคนที่ได้รับคะแนนสุดท้ายจะมีนัยสำคัญ

ความโรแมนติกและซิมโฟนียังไกล่เกลี่ยความคล้ายคลึงกันที่แตกต่างกัน แต่อะไรคือความแตกต่างพื้นฐานระหว่างชุมชนเหล่านี้ (ระหว่างวัฒนธรรมของชุมชนเหล่านี้ ระหว่าง "วัฒนธรรมทางดนตรี") นั้นไม่ชัดเจนนัก ทั้งในวัฒนธรรมดนตรี ตำแหน่งของผู้เขียน ผู้แสดง และผู้ฟังนั้นสามารถแยกแยะได้ง่าย และในเรื่องนี้พวกเขามีความคล้ายคลึงกัน ความแตกต่างระหว่างวัฒนธรรมทางดนตรีพบได้ในการจัดลำดับเฉพาะ ในตำแหน่งร่วมกันของตำแหน่ง "ผู้แต่ง" "ผู้แสดง" "ผู้ฟัง" เช่น ในลักษณะโครงสร้างของชุมชนเหล่านี้

ข้อความดนตรีที่ทำงานในชุมชนที่จัดทางดนตรีซึ่งให้กำเนิดมัน (ซึ่งสามารถอธิบายได้ด้วยวัฒนธรรมดนตรีของมัน) ไม่เพียง แต่อยู่ในนั้น แต่ยังทำซ้ำ (ยืนยัน, ทำให้เป็นจริง) โครงสร้างของชุมชนนี้ด้วยวิถีของมัน การดำรงอยู่. การทำงานที่ "ถูกต้อง" ของข้อความดนตรีทำให้เกิดประเภทของโครงสร้างที่มีอยู่ในวัฒนธรรมประเภทนี้ ซึ่งหมายความว่าวัฒนธรรมทางดนตรีอย่างใดอย่างหนึ่งยังมีชีวิตอยู่ และเพราะว่าตำราดนตรีที่สร้างขึ้นและทำงานตามกฎของวัฒนธรรมนั้นจึงใช้งานได้จริงในสังคม ในคุณสมบัติของข้อความดนตรี - การทำงาน เพื่อทำซ้ำโครงสร้างของวัฒนธรรมดนตรี "ของมัน" - เป็นแหล่งที่มาของความสามารถในการสร้างความหมาย

แน่นอนว่าข้อความดนตรีก็เหมือนกับข้อความศิลปะอื่นๆ ที่อาจคลุมเครือ แต่ในกรณีนี้ เราสนใจเฉพาะความหมายที่เกิดขึ้นเนื่องจากความสอดคล้องกันอย่างมากระหว่างโครงสร้างของข้อความดนตรีประเภทใดประเภทหนึ่ง กับโครงสร้างที่สอดคล้องกันของวัฒนธรรมดนตรี - หากเราแยกความแตกต่างโดย ประเภทของการจัดลำดับร่วมกันในตำแหน่งหน้าที่หลักที่เสนอให้กับผู้ให้บริการ: ตำแหน่งของ "ผู้แต่ง", "นักแสดง" และ "ผู้ฟัง" กล่าวอีกนัยหนึ่ง เรามีความสนใจในความหมายและประสบการณ์ของบุคคลและกลุ่มที่เติบโตจากการระบุตัวตนของพวกเขาด้วยตำแหน่งใดตำแหน่งหนึ่งเหล่านี้ และด้วยเหตุนี้ ประสบการณ์ของพวกเขาเกี่ยวกับความสัมพันธ์กับผู้กำหนดตำแหน่งอื่น ๆ ตามวิธีที่มันเป็น " กำหนด” ให้กับสมาชิกของชุมชนแห่งนี้ตามวัฒนธรรมทางดนตรีของมัน .

ความหมายที่เราสนใจ แม้ว่าจะถูกสร้างขึ้นในสภาพแวดล้อมทางดนตรี แต่ก็มีความหมายที่กว้างกว่ามากในธรรมชาติทางสังคมวัฒนธรรมของพวกเขา เนื่องจากตำแหน่งดังกล่าวแก้ไขความสัมพันธ์ไม่เพียงแต่ในการสื่อสารทางดนตรีเท่านั้น ตัวอย่างเช่น ตำแหน่งของ "การประพันธ์" ในหลายวัฒนธรรมสามารถนำมาประกอบกับแนวคิดเกี่ยวกับชะตากรรมหรือชีวประวัติของบุคคลได้ หากในสมัยโบราณบุคคลมีความคิดเกี่ยวกับเส้นทางชีวิตของเขาในฐานะความตระหนักในความคิดสร้างสรรค์ของเขาเอง ในวัฒนธรรมของแนวโรแมนติก ตัวละครและผู้เขียนของพวกเขาพยายามที่จะตระหนักถึงชีวประวัติของพวกเขาในขอบเขตที่เป็นอิสระ ดังนั้น จึงควรสันนิษฐานว่าในวัฒนธรรมทางดนตรีของแนวโรแมนติก การประพันธ์ควรได้รับการเน้นย้ำและกระทั่งมีการแสดงมากเกินไป ในขณะที่ "การประพันธ์" ทางดนตรีในสมัยโบราณมักจะไม่ถูกค้นพบ

ความแตกต่างด้านอื่นระหว่างวัฒนธรรมดนตรีควรมีความแตกต่างในโครงสร้างที่สื่อกลางความคล้ายคลึงกันของตำราดนตรีเหล่านี้ กล่าวอีกนัยหนึ่ง โครงสร้างของความรักควรสอดคล้องกับโครงสร้างของประเภทของชุมชนดนตรีที่ความโรแมนติกในฐานะที่เป็นข้อความดนตรีประเภทหนึ่งเป็นสื่อกลางและที่ความโรแมนติกสร้างความหมายที่สำคัญทางสังคมบางอย่าง (และอย่างน้อย มันไม่เฉยเมยหรือแปลกใหม่) สามารถพูดได้เช่นเดียวกันเกี่ยวกับซิมโฟนี ในเวลาเดียวกัน คำจำกัดความของประเภทที่ใช้ที่นี่สำหรับตัวอย่าง (โรแมนติก ซิมโฟนี) เป็นตัวแทนเท่านั้น แต่อย่าใช้ประเภท (หรือคลาส) ของข้อความที่มีโครงสร้างสอดคล้องกับประเภท (คลาส) ที่สอดคล้องกันของวัฒนธรรมดนตรีที่เป็นสื่อกลางโดยพวกเขา ในกรณีนี้ จะแม่นยำกว่าถ้าพูดถึงงานประเภท "โรแมนติก" หรือ "ประเภทซิมโฟนี"

มาที่ความสัมพันธ์ระหว่างโครงสร้างที่เป็นทางการของตำราดนตรีและวัฒนธรรมทางดนตรีที่เกี่ยวข้องกัน ให้เราร่างการคัดค้านหลัก: ด้านหนึ่งมีตำราดนตรีที่มีเสถียรภาพในความสมบูรณ์ของพวกเขาเอง (เราเรียกพวกเขาว่า "สิ่ง "งาน") ในทางกลับกัน - ตำราดนตรีที่ไม่มีต้นฉบับที่ชัดเจน มีการเปลี่ยนแปลงไม่มากก็น้อยในการแสดงแต่ละครั้ง ดังนั้น โครงสร้างของชุมชนดนตรี (วัฒนธรรมดนตรี) ซึ่งข้อความดังกล่าวทำงานแตกต่างกัน: ตำราดนตรีที่สมบูรณ์ทำงานในวัฒนธรรมดนตรีที่มีตำแหน่ง "ผู้แต่ง" ของผู้เขียนที่ชัดเจนในขณะที่ในวัฒนธรรมดนตรีที่มีข้อความดนตรีแปรผัน การประพันธ์คือ ไม่ได้เปิดเผย แต่เป็นหน้าที่การแสดง ในการประมาณครั้งแรก เราอาจกล่าวได้ว่าข้อความที่สมบูรณ์ (บันทึกโดยโน้ตดนตรี) สอดคล้องกับโครงสร้างของวัฒนธรรมดนตรีของ "ผู้แต่ง" ในขณะที่ข้อความดนตรีที่แปรผัน (ไม่ได้บันทึก) ถูกสร้างขึ้นภายใต้กรอบของวัฒนธรรมทางดนตรีที่ "แสดง"

การวิเคราะห์เพิ่มเติมอย่างเป็นทางการนำเราไปสู่ความแตกต่างระหว่างวัฒนธรรมดนตรี "ของผู้แต่ง" สองประเภท เหล่านี้เป็นชุมชนที่มีการแสดงอิสระ (นักแสดงบนเวทีคอนเสิร์ต) และฟังก์ชั่นผู้ฟัง (ในห้องโถง) มากำหนดให้เป็น "ประเภทคอนเสิร์ตวัฒนธรรมดนตรี" และชุมชนที่ผู้ฟังและนักแสดงเปลี่ยนสถานที่ง่าย ๆ ให้อยู่ในพื้นที่เดียวกัน (ร้านเสริมสวย, ห้องในบ้าน) ปล่อยให้มันเป็นประเภทของการทำดนตรีสมัครเล่นในประเทศ "วัฒนธรรมดนตรีประเภทมือสมัครเล่น"

การวิเคราะห์อย่างเป็นทางการของวัฒนธรรมดนตรี "การแสดง" ยังทำให้สามารถแยกแยะได้ ในกรณีหนึ่ง ชุมชนดนตรี ซึ่งในขณะที่ตัวผู้เขียนไม่ได้แสดงออกมา หน้าที่ของเขาพร้อมกับตัวเขาเอง ถูกควบคุมโดยนักแสดง-ด้นสดที่ แสดงต่อหน้าผู้ฟังที่รวมตัวกัน (แจ๊สคลับ, โรงน้ำชาทางทิศตะวันออก) - " วัฒนธรรมดนตรีด้นสด". ในที่สุด ในการทำดนตรีพื้นบ้าน (ด้านดนตรีของพิธีกรรม) ไม่มีหน้าที่ใดที่เป็นทางการ - คติชนวิทยาไม่รู้จักความเชี่ยวชาญเฉพาะทางของผู้แต่ง นักแสดง หรือผู้ฟัง ("วัฒนธรรมดนตรีพื้นบ้านประเภทหนึ่ง")

ดังนั้น การวิเคราะห์ที่ง่ายที่สุดของโครงสร้างที่เป็นทางการของการสื่อสารทางดนตรีในสังคมทำให้เราสามารถแยกแยะความแตกต่างของการสร้างความสัมพันธ์ในการสื่อสารสี่ประเภท - จากการผสมผสานแบบซิงโครนัสของทั้งสามหน้าที่ (ในนิทานพื้นบ้านใกล้กับต้นแบบโบราณ) ไปจนถึงความเชี่ยวชาญเฉพาะด้าน (ในชุมชนดนตรี) ที่ปลูกฝังดนตรีคลาสสิก) การแสดง) ควรจำไว้ว่า ดังที่เราได้กำหนดไว้ข้างต้น แต่ละรูปแบบของโครงสร้างทางสังคมและดนตรีเหล่านี้ "สร้างขึ้น" ในลักษณะที่จะสร้างความหมายในสังคมที่มีอิทธิพลในการจัดระบบ (การจัดตนเอง) ในนั้น

ดังนั้น ชุมชนที่จัดระเบียบทางดนตรีจึงมีอยู่เพื่อประโยชน์และเพื่อการทำงานของข้อความดนตรีในนั้น และเพื่อเห็นแก่ความหมายที่เกิดจากกระบวนการทำงานนี้ . และความคล้ายคลึงเหล่านี้มีอยู่ก็ต่อเมื่อข้อความดนตรีเป็นสื่อกลางในความสัมพันธ์เหล่านี้ บุคคลที่ไม่มีข้อมูลมีสิทธิซื้อตั๋วคอนเสิร์ตดนตรีคลาสสิก เทศกาลดนตรีแจ๊ส หรือการแสดงร็อค แต่การปรากฏตัวเพียงในห้องโถงจะไม่ทำให้บุคคลนี้เป็นสมาชิกของชุมชนดนตรีที่เกี่ยวข้องจนกว่าจะถึงกระบวนการแสดง ดนตรีมีความหมายสำหรับเขา แต่ในทางเดียวกัน การสร้างความหมายก็จะผิดไป ถ้าด้วยเหตุผลบางอย่าง ข้อความทางดนตรีกลับกลายเป็นว่าถูกถ่ายทอดไปยังกลุ่มต่างด้าวในชุมชนที่จัดทางดนตรีไปนั้น หรือซึ่งสิ่งเดียวกัน ไปยังชุมชนที่มีมนุษย์ต่างดาว วัฒนธรรมดนตรี

ข้อความที่สร้างขึ้นในโครงสร้างดนตรีของนิทานพื้นบ้าน เมื่อ "นำ" ขึ้นสู่เวทีคอนเสิร์ต จะถูกบิดเบือนอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ โดยปรับให้เข้ากับข้อกำหนดของวัฒนธรรมดนตรีที่แตกต่างกัน ("ประเภทคอนเสิร์ต") แน่นอนว่าการปรับเปลี่ยนจะแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับวิธีการ "แนะนำ" หากว่ากันว่านักร้องโอเปร่าแสดง "เพลงพื้นบ้าน" ในคอนเสิร์ตฟิลฮาร์โมนิก ข้อความนั้นจะเปลี่ยนไปในทิศทางของการออกแบบเชิงโครงสร้างและการออกแบบที่แตกต่างอย่างชัดเจน โดยเข้าใกล้ความโรแมนติกในความหมายทางอารมณ์และความหมาย หากนักแสดงมือสมัครเล่นนำเสนอชิ้นส่วนของนิทานพื้นบ้านชิ้นเดียวกันซึ่งนำข้อความจากพาหะตามธรรมชาติมาแสดง การบิดเบือนจะหลีกเลี่ยงไม่ได้ที่นี่ ตัวอย่างเช่น การรับรู้ของชิ้นส่วนดังกล่าวเป็นหน่วยสำคัญอิสระของข้อความ และการนำการแสดงไปใช้กับผู้ชมนั้นปิดบังลักษณะเฉพาะที่มีอยู่ในนิทานพื้นบ้าน - การอยู่ใต้บังคับบัญชาของการสื่อสาร "วงกลม" ภายในและดังนั้นจึงมุ่งเน้นไปที่ความหมาย "สากล"

ความโรแมนติกซึ่งถือกำเนิดขึ้นเพื่อใช้ในวัฒนธรรมดนตรีของ "การทำดนตรีในบ้าน" ถูกทำให้เป็นเพลงพื้นบ้าน ผ่านการปรับระดับในระดับชาติและการคลายตัวอย่างเป็นทางการ และในสถานการณ์คอนเสิร์ตเริ่มโน้มเอียงไปสู่การแสดงละครหรือไฮเปอร์โบไลเซชัน นำมันเข้าใกล้ประเภทของเพลงมากขึ้น ( สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนในนักประพันธ์เพลงที่พยายาม "นำเสนอ" แนวโรแมนติกบนเวทีเช่น Mussorgsky, Tchaikovsky, Rachmaninoff)

ที่เปิดกว้างที่สุดคือประเภทของ "วัฒนธรรมดนตรีด้นสด" ซึ่งสามารถใช้ไม่เพียง แต่รูปแบบของตัวเอง แต่ยังยืมรูปแบบอีกด้วย โหมโรงโดยโชแปง ธีมเปียโนคอนแชร์โต้ โดย พี.ไอ. ไชคอฟสกี “เฮ้ ไปกันเถอะ” "ไนติงเกล" ของ Alyabyev - ตำราดนตรีจากประเภทดนตรีและวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน - กลายเป็นว่าเหมาะสมที่จะใช้เป็นธีมสำหรับการแสดงดนตรีแจ๊สแบบด้นสด อย่างเช่น "คาราวาน" แจ๊ส "ดั้งเดิม" ของ Duke Elington แต่อย่างแม่นยำและเฉพาะตามธีมและคุณธรรมและในช่วงเวลาแห่งความนิยม แหล่งที่มาของหัวข้อสูญเสียโครงสร้างที่เป็นทางการของตนเอง

ดังนั้น การถ่ายโอนข้อความไปยังสภาพแวดล้อมทางดนตรีทางวัฒนธรรมที่แตกต่างกันจึงควรถูกตีความว่าเป็นการอ้างอิง แต่ไม่ใช่ของข้อความที่โอนเอง แต่เป็นวัฒนธรรมที่ข้อความที่ยกมานั้นเป็นตัวแทน ตัวอย่างเช่น ความหมายที่ใกล้ที่สุดของการอ้างอิงท่วงทำนองพื้นบ้านของไชคอฟสกี "ในทุ่งมีต้นเบิร์ชยืนอยู่" ในตอนจบของซิมโฟนีที่สี่คือการเปรียบเทียบวัฒนธรรมดนตรีสองประเภทซึ่งแสดงโดยการเต้นรำและซิมโฟนี "พื้นบ้าน" และ " คอนเสิร์ต". การนำความโรแมนติกมาใส่ในดนตรีโอเปร่าและดนตรีไพเราะยังสร้างสถานการณ์ที่ผสมผสานวัฒนธรรมดนตรีสองประเภทเข้าด้วยกัน ทำนองเดียวกันคือ "การฮัมเพลงเพื่อตัวเอง" (การแต่งเพลงพื้นบ้าน) ของท่วงทำนองจากละครคอนเสิร์ต

ความขัดแย้งที่เกิดขึ้นทุกครั้งเมื่ออ้างข้อความดนตรีในสภาพแวดล้อมทางดนตรีของวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน ทำให้เกิดแนวคิดที่ชัดเจนเกี่ยวกับระดับความสอดคล้องที่สำคัญระหว่างโครงสร้างของวัฒนธรรมดนตรีกับโครงสร้างของข้อความดนตรีที่สร้างขึ้นในสภาพแวดล้อมของพวกเขา งานของการวิจัยเพิ่มเติมคือการแสดงสาเหตุและวิธีที่กระบวนการทำงานของข้อความในวัฒนธรรมดนตรี "ของตัวเอง" กลายเป็นกระบวนการสร้างความหมายไปพร้อม ๆ กัน

©เอ็ม I. Najdorf, 2000

มหาวิทยาลัยวัฒนธรรมและศิลปะแห่งรัฐมอสโก

สถาบันวัฒนธรรมศึกษาและการศึกษาพิพิธภัณฑ์

ผลกระทบของวัฒนธรรมดนตรีสมัยใหม่ต่อบุคลิกภาพ

(ตามตัวอย่างของร็อคแอนด์โรล)

หลักสูตรการทำงาน

เสร็จสมบูรณ์โดย: Volkova E.O.

นักศึกษาชั้นปีที่ 1 126 กลุ่ม

หัวหน้างาน:

Leontief

มอสโก 2009

บทนำ……………………………………………………………………………………3

บท ฉัน . เฉพาะเพลง. วัฒนธรรมดนตรีคืออะไร? .................................4

บท II . ประวัติศาสตร์ร็อกแอนด์โรล……………………………………………..……...........7

บท สาม . คนดังวัยหกสิบ……………………………………………12

บท IV . อิทธิพลของดนตรีร็อคต่อร่างกายมนุษย์…………………………….16

บท วี . ผลกระทบด้านลบของร็อกแอนด์โรล…………………………………………….19

บท VI . แง่บวกของดนตรีร็อก................................................................ ...........21

สรุป……………………………………………………………………………….23

รายชื่อแหล่งที่มาและวรรณกรรม

บทนำ.

จุดประสงค์ของงานนี้คือความพยายามที่จะศึกษาอิทธิพลของดนตรีที่มีต่อบุคลิกภาพ งานนี้ส่วนใหญ่ทุ่มเทให้กับการตรวจสอบอิทธิพลของดนตรีร็อคที่มีต่อเยาวชนในยุค 60 ฉันต้องการสำรวจรายละเอียดเกี่ยวกับการพัฒนาดนตรีร็อกแอนด์โรลในประเทศต่างๆ นอกจากนี้ ในงานนี้ ฉันต้องการค้นหาว่าดนตรีที่เราฟังทุกวันมีบทบาทอย่างไรในชีวิตของเราแต่ละคน และวัฒนธรรมทางดนตรีที่เราติดตามส่งผลต่อวิถีชีวิตของเรา โลกทัศน์ของเรา โลกทัศน์ของเราอย่างไร ฉันต้องการชี้แจงคำถามนี้เมื่อพิจารณาถึงยุค 60 ของชีวิตในสหรัฐอเมริกาและอังกฤษเพราะในเวลานี้ "การปฏิวัติทางดนตรี" เกิดขึ้นในประเทศเหล่านี้ซึ่งฉันหมายถึงการเกิดขึ้นของร็อกแอนด์โรลและ กลุ่มที่สามารถทิ้งรอยประทับขนาดใหญ่ไว้ในเพลง ฉันต้องการแก้ปัญหาที่เกิดขึ้นโดยการวิเคราะห์ชีวประวัติของนักดนตรีที่มีชื่อเสียงในยุค 60

เป็นที่ทราบกันดีว่าในช่วงวัยรุ่นของการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีมาถึงระดับหนึ่ง คนหนุ่มสาวพัฒนารสนิยมทางดนตรีของตัวเองวงกลมแห่งความสนใจและความชอบทางดนตรีของพวกเขาปรากฏขึ้นซึ่งค่อยๆได้รับความมั่นคง การสังเกตจากหลายๆ คนทำให้เราพูดได้ว่าเยาวชนในปัจจุบันส่วนใหญ่หลงใหลในดนตรีร็อค ร็อคคือความเป็นจริงทางสังคมในยุคของเรา ดนตรีร่วมสมัยถูกมองว่าเป็นศิลปะดนตรีที่แยกจากกันที่มีอยู่อย่างอิสระ

งานประกอบด้วยบทนำ หกบท บทสรุปและรายการอ้างอิง บทแรกมีเนื้อหาเกี่ยวกับการกำหนดบทบาทและสถานที่ของดนตรีในชีวิตของเยาวชนยุคใหม่ และการระบุแนวคิดของ "วัฒนธรรมดนตรี" บทที่สองกล่าวถึงที่มาของร็อกแอนด์โรล การพัฒนาในประเทศต่างๆ และให้คุณลักษณะโดยรวม บทที่สามจะให้ข้อเท็จจริงจากชีวิตของคนดังที่เล่นดนตรีร็อคและยังมีบทบาทสำคัญในชีวิตในประเทศของตน ในสามบทสุดท้ายนี้ จะพิจารณาแง่ลบและแง่บวกของร็อกแอนด์โรลในฐานะวัฒนธรรมดนตรี

บท ฉัน

เฉพาะเพลง. วัฒนธรรมดนตรีคืออะไร?

ในสังคมสมัยใหม่ ดนตรีมีความพิเศษ ห่างไกลจากที่สุดท้าย แม้แต่นักปรัชญาโบราณยังบรรยายถึงอิทธิพลทางบวกของดนตรีที่มีต่อบุคคล อริสโตเติลแย้งว่าด้วยความช่วยเหลือของดนตรี เราสามารถมีอิทธิพลต่อการก่อตัวของลักษณะของมนุษย์ในทางใดทางหนึ่ง Avicenna เรียกดนตรีว่าเป็นการบำบัดที่ไม่ใช่ยาพร้อมกับอาหาร ในอินเดีย มีการแสดงบทสวดประจำชาติเพื่อป้องกันโรคในโรงพยาบาลหลายแห่ง ดนตรีมีผลกระทบอย่างมากต่อพฤติกรรม ชีวิต และสุขภาพของผู้คน ดนตรีและจังหวะถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในพิธีกรรมและกิจกรรมทางศาสนาอื่นๆ ตัวอย่างที่เห็นได้ชัดเจนในเรื่องนี้คือการปฏิบัติของชามานิกซึ่งเป็นที่รู้จักในหมู่ชนชาติต่างๆ ทั่วโลก จังหวะที่คัดเลือกมาเป็นพิเศษของแทมบูรีนของหมอผีช่วยให้เข้าสู่สภาวะพิเศษแห่งจิตสำนึกของทั้งตัวเขาเองและผู้เข้าร่วมคนอื่นๆ

โลกที่เราอาศัยอยู่เต็มไปด้วยเสียงธรรมชาติและเสียงประดิษฐ์มากมาย แต่เสียงในตัวของมันเองไม่ใช่เสียงดนตรี ดนตรีเกิดขึ้นเมื่อบุคคลเริ่มจัดระเบียบเสียงเหล่านี้ เพลงที่เราฟังทุกวันไม่เพียงแต่สร้างความบันเทิงและทำให้หูของเราเพลิดเพลินเท่านั้น แต่เพลงนี้ยังมีความสามารถในการส่งผลกระทบที่เห็นได้ชัดเจน (ทั้งด้านบวกและด้านลบ) ต่อสภาพจิตใจและร่างกายของบุคคล ในสังคมสมัยใหม่ ดนตรีถูกกำหนดโดยแนวคิด - "แฟชั่น" หรือ "ไม่ทันสมัย" ในสมัยโบราณ ดนตรีมีบทบาทที่ผ่อนคลายและสนุกสนาน แต่ตอนนี้ ความหมายของดนตรีได้เปลี่ยนไปอย่างมาก ด้วยการประดิษฐ์การบันทึกเสียง ดนตรีกลายเป็นสินค้าที่สามารถซื้อหรือขายได้ ในทางกลับกัน ผลิตภัณฑ์นี้สร้างตลาดที่ให้คุณทำกำไรมหาศาล มีสถานีวิทยุจำนวนมากที่ออกอากาศเฉพาะเพลงเท่านั้น ในปี 1981 เอ็มทีวีมิวสิคทีวีปรากฏตัวในสหรัฐอเมริกา ออกอากาศตลอด 24 ชั่วโมง ดังนั้น ดนตรีจึงเป็นส่วนสำคัญของชีวิตมนุษย์ ขณะนี้มีแนวเพลง ทิศทาง และสไตล์ดนตรีที่แตกต่างกันจำนวนมาก ในสังคมสมัยใหม่ไม่มีแนวดนตรีแนวหน้า ความแตกต่างไม่ได้อยู่ที่ตัวดนตรี แต่อยู่ที่ผู้ฟัง แนวดนตรีมีคลื่นความถี่ที่แตกต่างกันซึ่งกำหนดการรับรู้ของผู้ชมว่าเป็นปรากฏการณ์ที่เกี่ยวข้องกับศิลปะไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตจริงด้วย ในความคิดของฉัน ผู้ฟังแต่ละคนเป็นปัจเจก แต่ละคนรับรู้บางอย่างในแบบของเขาเอง ดนตรีสามารถถ่ายทอดสภาวะทางอารมณ์ของผู้คนได้อย่างน่าเชื่อถือ

วัฒนธรรมดนตรีเป็นชุดของค่านิยมทางดนตรี การกระจายและการจัดเก็บ ในความคิดของฉัน ดนตรีในสังคมยุคใหม่ไม่ได้เป็นเพียงความบันเทิงเท่านั้น แต่ยังเป็นวิธีการแสดงตัวตนอีกด้วย บนพื้นฐานของดนตรีผู้คนและคนหนุ่มสาวส่วนใหญ่รวมตัวกันในวัฒนธรรมย่อยต่าง ๆ ค้นหาประเภทของตัวเอง แต่บทบาทดังกล่าวเล่นโดยดนตรีที่ต่อต้านรสนิยมของมวลชน

องค์ประกอบหลักและวิธีการสื่อความหมายทางดนตรี ได้แก่ เมโลดี้ จังหวะ เมตร จังหวะ ไดนามิกส์ ทุ้ม ฮาร์โมนี่ เครื่องมือวัด และอื่นๆ อีกมากมาย

ในความคิดของฉัน ดนตรีเป็นศิลปะเชิงสัญลักษณ์มากที่สุด เพราะมันมีอิทธิพลต่อบุคคลและจิตใจของเขาโดยไม่ใช้คำพูดหรือภาพที่มองเห็น ดนตรีถือเป็นหนึ่งในโหมดสูงสุดของการคิดเชิงสัญลักษณ์ ตามคำกล่าวของนักปรัชญา Attali “ดนตรีคือแรงสั่นสะเทือนและสัญลักษณ์ของสังคมที่แต่งด้วยเสียง” ในตำนานเทพเจ้ากรีก คำว่า "ดนตรี" มีความเกี่ยวข้องกับ Muses - ลูกสาวทั้งเก้าของ Zeus และเทพธิดาแห่งความทรงจำ Mnemosyne The Muses ยกเว้น Urania และ Clio เกี่ยวข้องกับการร้องเพลง การเต้นรำ และดนตรี พวกเขาร้องเพลงเกี่ยวกับการกระทำของเหล่าทวยเทพและพวกเขารู้อดีตปัจจุบันและอนาคต ประเพณีอื่นเชื่อมโยง Muses กับ Orpheus นักดนตรีที่มีมนต์ขลัง

ทุกๆ วัน พวกเราส่วนใหญ่ฟังเพลงประเภทต่าง ๆ แม้ว่าเราจะทำโดยไม่ได้ตั้งใจ แต่ก็ต้องได้ยิน เช่น ในรถ รถประจำทาง ซูเปอร์มาร์เก็ต โรงภาพยนตร์ บนถนน ที่ดิสโก้ ในบาร์ หรือร้านอาหาร - ทุกที่ที่เราอยู่เราจะมาพร้อมกับเสียงเพลง ในเวลาเดียวกัน แทบไม่มีใครสามารถคิดได้ว่าโลกภายในของเราส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อโลกภายในและการแสดงออกภายนอกอย่างไร นั่นคือ พฤติกรรม. ด้วยจังหวะ ท่วงทำนอง ความกลมกลืน ไดนามิก การผสมผสานเสียงที่หลากหลาย ดนตรีถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์ที่ไม่รู้จบ ความแข็งแกร่งของมันอยู่ที่การเพิกเฉยต่อจิตใจของมนุษย์ มันแทรกซึมเข้าสู่จิตวิญญาณโดยตรง เข้าสู่จิตใต้สำนึก และสร้างอารมณ์ของบุคคล ตามเนื้อหาของเพลง ดนตรีสามารถทำให้เกิดความรู้สึก ความต้องการ และความปรารถนาที่หลากหลายในตัวบุคคล มันสามารถผ่อนคลาย สงบ เติมพลัง ระคายเคือง แต่สิ่งเหล่านี้เป็นเพียงอิทธิพลที่จิตใจของเรารับรู้เท่านั้น ในเวลาเดียวกัน เราควบคุมพฤติกรรมของเราโดยขึ้นอยู่กับคุณภาพของอิทธิพลนี้ ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นอย่างมีสติด้วยการมีส่วนร่วมของความคิดและความตั้งใจ แต่มีอิทธิพลที่ส่งผ่าน "โดย" จิตสำนึกของเราอย่างแม่นยำ ซึ่งฝังลึกอยู่ในส่วนลึกของสมองของเรา และประกอบขึ้นเป็นสัดส่วนที่สำคัญของความหมายและแรงจูงใจทั้งหมดของเรา แน่นอนว่าบทบาทของดนตรีในการสร้าง "ฉัน" ของมนุษย์และพฤติกรรมของมันนั้นไม่อาจเกินจริงได้ มีหลายปัจจัยทั้งภายนอกและภายในที่มีอิทธิพลต่อโลกภายในของเรา แต่เราไม่สามารถปฏิเสธความจริงของการมีส่วนร่วมของดนตรีในการก่อตัวของจิตสำนึก

เยาวชนในปัจจุบันหลายคนโดยคำนึงถึงแนวเพลงที่หลากหลาย พยายามแสดงให้เห็นโลกภายในที่ร่ำรวยและความเป็นอื่น ให้ความสำคัญกับแนวเพลงที่ขัดกับบรรทัดฐานที่ยอมรับในสังคม แนวเพลงเหล่านี้รวมถึงร็อคซึ่งมีการแสดงหลายอย่าง (ฮาร์ดร็อค, พังค์ร็อก, อาร์ตร็อค) ร็อคมีต้นกำเนิดมาจากตะวันตกในต้นทศวรรษที่ 60 ภายใต้ชื่อ ร็อคแอนด์โรล.

บท II

ประวัติร็อกแอนด์โรล

ร็อกแอนด์โรล (ร็อกแอนด์โรล) - แปลตามตัวอักษรจากภาษาอังกฤษว่า "สวิงแอนด์สปิน" นี่เป็นหนึ่งในแนวเพลงยอดนิยมที่มีต้นกำเนิดในอเมริกาในทศวรรษ 1950 และเป็นช่วงเริ่มต้นของการพัฒนาดนตรีร็อค นอกจากนี้ยังเป็นการเต้นรำที่แสดงดนตรีร็อกแอนด์โรลและองค์ประกอบทางดนตรีในสไตล์ร็อกแอนด์โรล ร็อกแอนด์โรลโดดเด่นด้วยจังหวะที่รวดเร็ว มีคำแสลงมากมาย (ส่วนใหญ่เป็นนิโกร) และเสรีภาพในการแสดงดนตรี เครื่องดนตรีหลักคือ กีต้าร์ไฟฟ้า เบส กลอง และเปียโน

ในขั้นต้น คำว่า "ร็อกแอนด์โรล" ได้รับการประกาศเกียรติคุณจากอลัน ฟรายด์จากคลีฟแลนด์ (นักจัดรายการวิทยุของสถานีวิทยุแห่งหนึ่งในอเมริกา) ในช่วงต้นทศวรรษ 50 ในสหรัฐอเมริกา มีเพลงฮิตในสไตล์ริธึมและบลูส์ ซึ่งมีวลีที่ว่า "We" ll rock, we "ll roll" ซึ่งแปลว่า "เราจะร็อค เราจะปั่น" ". Alan Freed ใช้วลีนี้เพื่ออธิบายเพลงใหม่ที่เขาออกอากาศทางวิทยุ คำว่า "ร็อกแอนด์โรล" ก็ถูกนำมาใช้ทันที อลัน ฟรายด์ไม่เพียงแต่คิดค้นคำว่า "ร็อกแอนด์โรล" เท่านั้น แต่ยังส่งเสริมรูปแบบดนตรีใหม่อย่างจริงจังอีกด้วย กลายเป็นคนดังเขาได้แสดงในภาพยนตร์หลายเรื่องเรื่อง "Dance rock around the clock" ที่โด่งดังที่สุดซึ่งนำเสนอ Bill Haley แต่ในท้ายที่สุด ฟรายด์ในปี 2503 ถูกตัดสินจำคุกเนื่องจากติดสินบนอย่างแข็งขันและเสียชีวิตด้วยโรคพิษสุราเรื้อรัง

ร็อกแอนด์โรลเป็นผลมาจากการผสมผสานของสไตล์ดนตรีต่างๆ ที่พบได้ทั่วไปในอเมริกาในขณะนั้น นักดนตรีผิวขาวและผิวดำที่ไม่รู้จักในแถบอเมริกาใต้เริ่มผสมจังหวะและบลูส์ บูกี้-วูกี้ และคันทรี เกือบจะพร้อมๆ กัน เพื่อให้ได้เสียงที่ไม่รู้จักมาจนบัดนี้ บิล เฮลีย์ (นักแสดงร็อกแอนด์โรล "บริสุทธิ์" คนแรก) ใช้คำแสลงสีดำที่มีพลังและหลักในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ในเพลงจังหวะที่สร้างขึ้นจากเพลงคันทรีที่ผสมผสานระหว่างแจ๊สและบูกี้วูกี้ ซิงเกิ้ลสองเพลงของเขา "Rock Around The Clock" (บันทึกในเดือนเมษายน พ.ศ. 2497) และ "Shake Rattle And Roll" มีบทบาทสำคัญในความนิยมของร็อกแอนด์โรล ซึ่งก่อนหน้านั้นเป็นเพียงการทดลองทางดนตรีและเป็นที่รู้จักเฉพาะผู้ฟังเท่านั้น สถานีวิทยุท้องถิ่น แน่นอนว่าเป็นการยากมากที่จะระบุจุดเริ่มต้นของการกำเนิดของดนตรีสไตล์นี้ แต่ผู้เชี่ยวชาญมักให้ความสำคัญกับร็อกแอนด์โรลในเพลง "Rocket 88" ซึ่งบันทึกโดย Ike Turner ในสตูดิโอ Sam Phillips ในปี 1951 เป็นผลให้เสียงร็อคแอนด์โรลคลาสสิกเกิดขึ้นในปี 1954-55 เมื่อ Bill Haley, Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard และ Fats Domino บันทึกเพลงที่วางรากฐานสำหรับทิศทางนี้ เพรสลีย์ทดลองเพลงคันทรีและบลูส์อย่างกล้าหาญ ในที่สุด Fats Domino ก็พิสูจน์ให้เห็นว่าเปียโนบูกี้วูกี้ในนิวออร์ลีนส์ของเขาเป็นเพลงร็อกแอนด์โรล นักเปียโนบรรเลงเพลงและเสียงกรีดร้องอันบ้าคลั่งของลิตเติ้ลริชาร์ดเป็นแก่นสารของธรรมชาติที่ดื้อรั้นของร็อค ในขณะที่คอร์ดกีตาร์และเนื้อเพลงที่เฉียบแหลมของชัค เบอร์รี่เป็นตัวอย่างของการลอกเลียนแบบนับไม่ถ้วน

อีกคนที่ทิ้งร่องรอยไว้ในการสร้างร็อกแอนด์โรลคือลิตเติ้ลริชาร์ด นักร้องจังหวะแบล็กริธึมและบลูส์ ในปี 1973 เขาประกาศว่าเขาเป็นผู้ก่อตั้งเพลงร็อกแอนด์โรล เช่นเดียวกับที่ฟอร์ดเป็นผู้ก่อตั้งฟอร์ด ริชาร์ดตัวน้อยอ้างว่าเขาเป็นคนแรกที่เร่งจังหวะของจังหวะและบลูส์และกลายเป็นที่รู้จักในชื่อร็อกแอนด์โรล

แต่ถึงแม้จะมีการพัฒนาอย่างรวดเร็วของร็อคแอนด์โรลจนถึงปีพ. ศ. 2497 ความนิยมก็ไม่ได้ไปไกลกว่าหลายรัฐ ความสำเร็จที่แท้จริงเกิดขึ้นหลังจากการปรากฏตัวบนจอภาพยนตร์เรื่อง "Slate Jungle" เกี่ยวกับแก๊งค์เด็กนักเรียนวัยรุ่น การกระทำของภาพยนตร์เรื่องนี้มาพร้อมกับดนตรีที่บรรเลงโดย Bill Haley Orchestra บิลอายุเกินสามสิบแล้ว และวัยรุ่นก็จัดอันดับให้เขาเป็นคนรุ่นเก่า และพวกเขาต้องการเห็นเพื่อนของพวกเขาบนหน้าจอ แล้วเอลวิสก็ออกมา Elvis Presley เข้ากันได้ดีกับมาตรฐานฮอลลีวูดและยิ่งกว่านั้นยังเป็นเจ้าของเสียงที่โดดเด่นอีกด้วย การแสดงของเขาโดดเด่นด้วยพลวัตและอารมณ์ที่โดดเด่น เขายังคงเป็นตัวอย่างของร็อกแอนด์โรล แม้ว่าเขาจะไม่ถือว่าเป็นนักแสดงร็อกแอนด์โรลคนแรก แต่ประวัติศาสตร์ของรูปแบบใหม่นี้คำนวณจากช่วงเวลาที่เอลวิส เพรสลีย์ปรากฏตัวบนเวที นับจากนั้นเป็นต้นมา ร็อกแอนด์โรลก็เริ่มพัฒนาไปเป็นจังหวะของมันเอง ความต้องการบันทึกเพิ่มขึ้นทุกปี และเนื้อเพลงก็กลายเป็นประเด็นทางสังคมและปัญหามากขึ้น Elvis Presley ซึ่งได้รับการขนานนามว่า "ราชาแห่งร็อกแอนด์โรล" มีอิทธิพลทางดนตรีและโวหารอย่างมากต่อคนรุ่นใหม่ ไม่เพียงแต่ในอเมริกาเท่านั้น แต่ทั่วโลก

หลังจากประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนของเพรสลีย์ ร็อกแอนด์โรลกลายเป็นเป้าหมายที่น่าสนใจของโรงภาพยนตร์ในทันที เช่นเดียวกับค่ายเพลงรายใหญ่ ในปี พ.ศ. 2499-2557 ร็อกแอนด์โรลได้รับการเติมเต็มด้วยดาวดวงใหม่ - Carl Parkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Eddie Cochran - ผู้ซึ่งแสดงให้เห็นถึงเทคนิคการเล่นที่สร้างสรรค์และมีอิทธิพลต่อนักดนตรีรุ่นต่อไปมากยิ่งขึ้น สถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์ของดนตรีร็อกแอนด์โรลถูกครอบครองโดย Link Ray ซึ่งการประพันธ์ "Rumble" มีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีกีตาร์ที่ตามมา ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 เพลงร็อกแอนด์โรลได้รับความนิยมมากที่สุดในสหรัฐอเมริกา
การพัฒนาของร็อกแอนด์โรลเป็นไปอย่างรวดเร็ว แต่ก็พบว่าตัวเองใกล้จะหมดแรงอย่างรวดเร็วเช่นกัน: ริชาร์ดตัวน้อยออกจากเพลงป๊อปในปี 2500 สองปีหลังจากความสำเร็จครั้งแรกของเขา เอลวิส เพรสลีย์ถูกเกณฑ์ทหารเป็นเวลาสองปี และเมื่อเขากลับมาในปี 2503 เขาก็หมกมุ่นอยู่กับอาชีพนักแสดงภาพยนตร์มากขึ้น Buddy Holly, Ritchie Valens และ Eddie Cochran เสียชีวิตในปี 2502-60; ชัค เบอร์รี่ถูกตัดสินจำคุก นักร้องคนอื่นๆ เริ่มเชี่ยวชาญสไตล์ที่ไม่เกี่ยวข้อง (เพลงคันทรี ริทึมแอนด์บลูส์ ฯลฯ) ในทำนองเดียวกัน มีนักแสดงที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากมาย แต่พวกเขาก็มีส่วนช่วยในการพัฒนาดนตรีเพียงเล็กน้อยเท่านั้น

เมื่อต้นทศวรรษ 1960 ร็อกแอนด์โรลอยู่ในขั้นตอนสุดท้ายของการพัฒนา และเป็นไปได้เฉพาะที่จะเติมชีวิตชีวาให้กับมันด้วย "การบุกรุกของอังกฤษ" (เดอะบีทเทิลส์) ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เพลงร็อกแอนด์โรลเพลงฮิตเกือบทั้งหมดในยุค 50 (โดยเฉพาะ Chuck Berry และ Little Richard) ได้รับการคัฟเวอร์โดยวงดนตรีจากอังกฤษ ในเวลานี้ คำว่า "ร็อค" ปรากฏขึ้น

ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 เยาวชนชาวอังกฤษที่โตมากับเพลงบลูส์แบบอเมริกันได้เริ่มคิดค้นและแต่งสไตล์ของตนเอง วงดนตรีเช่น The Rolling Stones และ The Who มีส่วนทำให้เกิดเสียงใหม่ แนวคิดใหม่ และการเคลื่อนไหวใหม่ในดนตรี ได้แก่ ร็อค ในสภาพแวดล้อมที่สร้างสรรค์ มีความจำเป็นต้องพัฒนา มองหาสิ่งใหม่อยู่เสมอ ตั้งแต่ปีพ.ศ. 2509 ทิศทางของศิลปะร็อคได้รับความนิยมอย่างมากซึ่งต่อมาได้สร้างความประทับใจให้กับคนทั้งโลก ตัวแทนที่โดดเด่นของขบวนการนี้คือ Andy Warhol และ Welwit Underground, Pink Floyd และ David Bowie

ปี พ.ศ. 2518 ได้ครอบครองสถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์ร็อกแอนด์โรลอย่างถูกต้อง ในเวลานี้เองที่เมืองหลวงร็อกระดับโลกที่เป็นที่รู้จักทั้งสองแห่ง - นิวยอร์กและลอนดอน - กำลังสูญเสียพื้นที่และนักดนตรีรุ่นเยาว์จากทั้งสองด้านของมหาสมุทรแอตแลนติกกำลังได้รับแรงผลักดันและต้องการสูดพลังใหม่ ๆ ให้กับร็อค บางทีกระบวนการนี้อาจสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของทีมเช่น Patti Smith, Ramones, The Sex Pistols และ The Clash จากการทดลองที่กล้าหาญและแน่วแน่เหล่านี้ โลกได้เห็นการกำเนิดของร็อกแอนด์โรล - พังก์ร็อกรุ่นที่สาม

ในปี 1965 ในเมืองหลวงอุตสาหกรรมของอังกฤษ - เบอร์มิงแฮม - มีอุบัติเหตุที่เปลี่ยนประวัติศาสตร์ของหินไปตลอดกาล โทนี่ ไอรอน นักกีตาร์รุ่นเยาว์ ถูกมีดบาดที่มือขวาบนเครื่องมือกล หลังจากนั้นผู้ชายก็ไม่เลิกหวังที่จะเล่น: เขาใส่แผ่นโลหะลงบนนิ้วของเขาซึ่งเป็นผลมาจากเสียงที่ดังขึ้นแข็งแกร่งขึ้นหนักขึ้นและก้าวร้าวมากขึ้น สิ่งนี้ทำให้เกิดเสียงก้องที่ไม่เคยได้ยินมาก่อนในหมู่นักดนตรี ตั้งแต่เวลานั้นทุกคนพยายามสร้างเสียงนี้ "เฮฟวีเมทัล" กลายเป็นปรากฏการณ์ระดับโลกในประวัติศาสตร์ร็อค ทิศทางยังคงพัฒนาในวันนี้ บางทีตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของรุ่นนี้คือ Deep Purple, Iron Maiden และ Metallica

ในช่วงต้นทศวรรษ 70 ร็อคฟังดูมีพลังที่มีโอกาสและจำเป็นต้องฟังในสนามกีฬา Led Zeppelin เป็นคนแรกที่ก้าวย่างอย่างกล้าหาญ ในไม่ช้า สมาชิกในวงก็ค้นพบว่าเพลงของพวกเขาไม่ได้ฟังแค่คนทั่วโลกเท่านั้น แต่ยังสามารถเปลี่ยนแปลงได้มากมาย ยุคของสเตเดียมร็อคเป็นที่เลื่องลือโดยศิลปินหลายคน: Led Zeppelin, Kiss, The Police, Queen และ Dire Straits

ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ซีแอตเทิลกลายเป็นเมืองหลวงทางดนตรีของโลก และในขณะเดียวกัน ราชาเพลงร็อกทางเลือกก็ปรากฏตัวขึ้น เคิร์ท โคเบน นักร้องนำวง Nirvana กำลังกลายเป็นกระบอกเสียงของคนรุ่นต่อไปอย่างแท้จริง เร็วๆ นี้ วงดนตรีอื่นๆ อีกหลายวงเข้าร่วมอัลเทอร์เนทีฟร็อก มรดกของ Kurt Cobain และ R.E.M., Black Flag, Pearl Jam, Sonic Youth ยังคงมีอิทธิพลต่อดนตรีร็อคในปัจจุบัน ทุกวันฉันถูกรายล้อมไปด้วยผู้คนที่เสียสละอย่างมากเพื่อที่จะได้ฟังสมาชิกในวงเหล่านี้สดๆ

ในช่วงต้นยุค 80 ทิศทางอินดี้ยังคงเป็นปริศนาในดนตรีอังกฤษ ประกอบด้วยศิลปินมากมาย เช่น The Smiths และ Oasis นักแสดงเหล่านี้ในตอนแรกไม่ค่อยได้รับความนิยมมากนัก แต่หลังจากนั้นไม่กี่ปี ชัยชนะของพวกเขาก็สมบูรณ์จนยากที่จะรองรับแฟนๆ ทุกคนที่คอนเสิร์ต และคลื่นลูกใหม่ของวงดนตรีในแมนเชสเตอร์อย่าง The Libertines, Franz Ferdinand, Blur, Kaiser Chiefs และ Arctic Monkeys ไม่เพียงแต่รวบรวมตำแหน่งของ "อินดี้" เท่านั้น แต่ยังยกระดับทิศทางนี้ไปสู่จุดสูงสุดของดนตรีร็อคอีกด้วย

ตอนนี้คนทั้งโลกเฉลิมฉลองวันร็อกแอนด์โรลโลกในวันที่ 13 เมษายน ในวันนี้ในปี 1962 ที่เดอะบีทเทิลส์แสดงที่สตาร์คลับในฮัมบูร์ก

จากประวัติศาสตร์ร็อกแอนด์โรลในสหภาพโซเวียต

ร็อกแอนด์โรลมาถึงสหภาพโซเวียตหลังจากเทศกาลเยาวชนและนักศึกษาโลกในปี 2500 โจเซฟ สตาลินเสียชีวิตหนึ่งปีก่อนเกิดร็อกแอนด์โรล ในเวลานี้ ช่วงเวลาแห่งการละลายเริ่มขึ้นในสหภาพ ทุกอย่างเริ่มฟื้นคืนชีพ ขั้นตอนแรกคือการชุบชีวิตวิทยุซึ่งในขณะนั้นยังคงทำงานโดยใช้สาย และหลังจากหยุดพักไปนาน เสียงเพลงเบา ๆ ก็ดังขึ้นผ่านสายไฟที่เก่าแก่เหล่านี้ ตามปกติแล้ว มีเพียงเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซีย ดนตรีคลาสสิก และบทสวดจอร์เจียนเท่านั้นที่ฟังในอากาศ การเล่นแทงโก้ ฟ็อกซ์ทรอท รุมบ้า ทางวิทยุทีละน้อย ทุกสิ่งที่ก่อนหน้านี้ถือว่ายอมรับไม่ได้ นักสะสมเริ่มหลงใหลในบันทึกของบูกี้วูกี้จากต่างประเทศ พวกเขามีราคาแพงจึงค่อนข้างหายากดังนั้นพวกเขาจึงถูกแจกจ่ายมากขึ้นเรื่อย ๆ ในบันทึกทำเอง

เมื่อหลังปี 1959 แผ่นเสียงที่เล่นมายาวนานชุดแรกเริ่มวางจำหน่าย ซึ่งรวมถึงแผ่นของ Bill Haley ในที่สุด นักดนตรีก็สามารถเห็นใบหน้าของไอดอลของพวกเขาได้ ซึ่งประทับอยู่บนแขนเสื้อของแผ่นดิสก์ที่เล่นได้ยาวนาน

เป็นครั้งแรกที่ "Rock Around the Clock" ออกอากาศทางวิทยุของ St. Petersburg ในปี 1957 ในระหว่างการออกอากาศการแสดงของนักศึกษาของสถาบัน LETI ชื่อ "Spring at LETI" ถึงกระนั้น ร็อกแอนด์โรลก็พลาดไม่ได้ทางวิทยุในรูปแบบล้อเลียนเท่านั้น

ร็อกแอนด์โรลเป็นแรงผลักดันอย่างมากต่อสภาพแวดล้อมของเยาวชนในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ซึ่งยังคงดำเนินต่อไปจนถึงทุกวันนี้

บท สาม

คนที่มีชื่อเสียงของอายุหกสิบเศษ

เมื่อพูดถึงคนดังในวัยหกสิบเศษ ฉันหมายถึงนักดนตรีที่เล่นร็อคแอนด์โรล ซึ่งไม่เพียงแต่เล่นดนตรีของตัวเองเท่านั้น แต่ยังมีส่วนในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีและเพื่อชีวิตในประเทศของพวกเขาด้วย คนเหล่านี้เป็นคนที่เยาวชน (ทั้งในปัจจุบันและในสมัยนั้น) เชื่อและพยายามอย่างภาคภูมิที่จะเป็นเหมือนพวกเขา ฉันต้องการพูดคุยเกี่ยวกับ Chuck Berry, Mick Jagger และ John Lennon

ชัค เบอร์รี่.

Chuck Berry ถูกเรียกว่า "ราชาดำ" ของร็อกแอนด์โรล เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่านักดนตรีผสมผสานดนตรีสีดำ บลูส์ กับดนตรีสีขาว เพลงคันทรี่ และผลที่ได้คือร็อคแอนด์โรล นี่คือคำพูดจากนักดนตรีเอง:
“สำหรับพระเจ้า ไม่สำคัญหรอกว่าคุณจะดำหรือขาว” นักดนตรีโต้กลับ “แต่ในเพลง สิ่งเดียวที่สำคัญคือคุณรู้วิธีเล่นหรือไม่ นักดนตรีผิวดำก็มีดีก็มี สีขาว แจ๊สเล่นได้ทั้งขาวดำ ส่วนร็อกแอนด์โรล สิ่งสำคัญกว่าคือต้องนำไดรฟ์และเสียงใหม่ๆ เข้ามา มันขยายความเป็นไปได้ในการแสดงออก ดนตรีสามารถรวมผู้คนเข้าด้วยกันได้ "
ด้วยเพลงฮิตของ Berry เช่น "เพลงร็อกแอนด์โรล" "โรลโอเวอร์บีโธเฟน" และ "จอห์นนี่ บี กู๊ด" ร็อกแอนด์โรลก็ครองโลกในยุค 60 เขามีอิทธิพลอย่างมากต่อผลงานของ "เดอะบีทเทิลส์" (ร่วมกับนักร้องนำจอห์น เลนนอน) และ "เดอะ โรลลิงสโตนส์" (ซึ่งหน้าคือ มิก แจ็คเกอร์)
ชัค เบอร์รี่เริ่มแสดงในช่วงทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ XX และทำให้แฟนๆ ประหลาดใจที่ยังคงร่าเริงและออกทัวร์คอนเสิร์ตเป็นประจำ แม้ว่านักดนตรีจะอายุ 80 ปีแล้วก็ตาม “ฉันเล่นกีตาร์ทุกวันและซ้อมหนักมาก ฉันสอนนักดนตรีให้เล่น ฉันสอนลูกๆ ให้เล่น ฉันมีคอนเสิร์ตเยอะมาก”

จากข้อมูลนี้สรุปได้ว่าชัค เบอร์รี่สามารถลดความตึงเครียดทางเชื้อชาติด้วยดนตรีของเขาได้โดยการผสมผสานดนตรีของคนผิวดำและคนผิวขาวเข้าด้วยกัน

มิกค์ แจ็คเกอร์

Mick Jagger เป็นนักดนตรีร็อคชาวอังกฤษ นักแสดง โปรดิวเซอร์ ฟรอนต์แมนของ Rolling Stones ชายผู้เป็นเจ้าของวลีที่มีชื่อเสียงระดับโลก "เซ็กซ์ ยาเสพติด และร็อกแอนด์โรล" ภาพที่แจ็คเกอร์สร้างขึ้นบนเวทีนั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว - เสียงของเขา บางครั้งหยาบ บางครั้งดูเป็นผู้หญิงและนุ่มนวล ริมฝีปากหนา รอยยิ้มที่ยั่วยวน กระตุ้นอารมณ์ทางเพศต่อหน้าฝูงชนหลายพันคน ความก้าวร้าว พลังงาน และในเวลาเดียวกัน ความโง่เขลาและการแสดงตลก - ทั้งหมดนี้ทำให้ Jagger เป็นหนึ่งในร็อคฟรอนต์แมนที่โด่งดังที่สุด The Rolling Stones เป็นวงดนตรีร็อคที่มีการแสดงและบันทึกอย่างต่อเนื่องมากว่า 30 ปี อายุยืนอย่างมหัศจรรย์ การมีส่วนร่วมของเธอในดนตรีร็อคระดับโลกไม่สามารถประเมินค่าสูงเกินไปได้ Rolling Stones เป็นบุคคลที่มีลัทธิมายาวนาน คลื่นแห่งความสำเร็จดังก้องนักดนตรีมีปัญหา - ยาเสพติด เกือบทั้งปี 2510 ถูกดำเนินคดีเกี่ยวกับความผิดของมิก แจ็คเกอร์, คีธ ริชาร์ด, ไบรอัน โจนส์ ซึ่งเกี่ยวข้องกับการใช้ยาเสพติด ประโยคนั้นรุนแรงพอ - สามเดือนในคุก อย่างไรก็ตาม คดีนี้ได้ยื่นอุทธรณ์ และเปลี่ยนประโยคเป็นการปล่อยตัวแบบมีเงื่อนไข

คุณความดีของแจ็คเกอร์ในด้านดนตรีได้รับการชื่นชมอย่างสูง เนื่องในโอกาสครบรอบ 60 ปี สมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 2 ทรงแต่งตั้งแจ็คเกอร์ให้เป็นอัศวิน ในการให้สัมภาษณ์ Mick Jagger ซึ่งเปรียบเทียบระหว่างปี 1968 และ 1998 กล่าวว่าก่อนหน้านี้ในเพศที่สามเรื่อง "เซ็กส์ ยาเสพย์ติด และร็อกแอนด์โรล" เป็นเรื่องแรก และตอนนี้ยาก็เข้ามาแทนที่ แจ็คเกอร์ได้ประกาศว่าเขาจะเลิกดื่มสุรา สูบบุหรี่ และเสพยา เหตุผลในการตัดสินใจครั้งนี้ก็เพราะเป็นห่วงสุขภาพของตัวเอง

แม้จะเป็นที่ยอมรับไปทั่วโลก แต่บุคลิกภาพของนักโยกที่มีชื่อเสียงไม่เพียง แต่กระตุ้นอารมณ์เชิงบวกเท่านั้น จากการสำรวจความคิดเห็นที่จัดทำโดยนิตยสาร Blender ระบุว่า เซอร์ มิก แจ็คเกอร์ อยู่ในอันดับที่ 13 ในรายชื่อนักดนตรีที่แย่ที่สุด 50 คนในประวัติศาสตร์ดนตรีสมัยใหม่

นักดนตรีอย่าง Mick Jagger สามารถมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีร็อค เพลงของเขายังคงเป็นที่นิยมมาจนถึงทุกวันนี้ นอกจากนี้ เขายังแนะนำสัญญาณเชิงลบของดนตรีร็อค ซึ่งเป็นยาที่อาจทำลายสุขภาพและชื่อเสียงของเขาได้เป็นอย่างดี

จอห์น เลนนอน

การมีส่วนร่วมของจอห์น เลนนอนในฐานะส่วนหนึ่งของเดอะบีทเทิลส์ และแยกออกจากกลุ่มในตำนาน ที่มีต่อวัฒนธรรมโลกแทบจะประเมินค่าสูงไปไม่ได้ ร่วมกับ McCartney และ Harrison เขาได้ยกระดับงานของเพื่อนร่วมงานชาวอเมริกัน นักร้องร็อก ไปสู่ระดับใหม่ทางศิลปะ ในสหรัฐอเมริกา มีเพียง Elvis Presley, Ritchie Valens และดาราเพลงร็อกอะบิลลีอีกสองสามคนเท่านั้นที่จริงจังกับการพัฒนาและการแสดงส่วนร้อง เดอะบีทเทิลส์ทำสิ่งนี้มาโดยตลอด ดังนั้นการคัฟเวอร์ของศิลปินชาวอเมริกันจึงให้เสียงที่สื่อความหมายและเทคนิคมากกว่าเพลงเดิมในต้นฉบับ ศิลปินร็อคแอนด์โรลส่วนใหญ่ในสมัยนั้นร้องเพลง "เกี่ยวกับความรักที่แตกสลายและอารมณ์เสีย" เดอะบีทเทิลส์เป็นหนึ่งในกลุ่มแรกๆ ที่ละทิ้งหัวข้อป๊อป โดยเปลี่ยนเพลงให้เป็นบทกวีที่แท้จริง และ/หรือวางตัวปัญหาทางสังคมและการเมืองที่ร้ายแรงในตัวพวกเขา

นอกจากนี้ ผลงานของเดอะบีทเทิลส์ยังโดดเด่นด้วยความเป็นมนุษย์ งานรื่นเริง แง่บวก ซึ่งศิลปะตะวันตกมักขาดหายไป เลนนอนและนักดนตรีคนอื่นๆ จากทีม Liverpool Four เต็มไปด้วยความรักที่จริงใจต่อผู้ฟัง - และพวกเขารู้สึกถึงมัน และอาจรวมถึงการอธิบายความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของเดอะบีทเทิลส์ด้วย จอห์น เลนนอนเป็นคนจริงใจและไม่เคยปิดบังความคิดเห็นของเขา นี่คือความแข็งแกร่งของเขา แต่ด้วยเหตุนี้ เห็นได้ชัดว่าเขาไม่สามารถมีชีวิตอยู่ได้จนถึงทุกวันนี้ กิจกรรมทางการเมืองของจอห์น เลนนอนกินเวลาตั้งแต่ปี 2511 ถึง 2515 ในเวลานี้ เลนนอนมีจุดยืนที่ชัดเจนอยู่แล้ว - เขาสนับสนุนสันติภาพของโลก และยังส่งคำสั่งของจักรวรรดิอังกฤษคืนให้แก่ราชินี - เพื่อประท้วงนโยบายต่างประเทศของประเทศ ในปี 1969 การกระทำทางการเมืองสาธารณะครั้งแรกของ Lennon ร่วมกับ Yoko Ono เป็นของ เมื่อวันที่ 15 ธันวาคม พ.ศ. 2512 เลนนอนได้จัดคอนเสิร์ตต่อต้านสงครามภายใต้สโลแกน "สงครามจะสิ้นสุดลงถ้าคุณต้องการ" ทันทีหลังจากย้ายไปต่างประเทศ เลนนอนก็เข้ามาพัวพันกับชีวิตทางการเมืองของสหรัฐอเมริกา เขาสนับสนุนการเพิ่มขีดความสามารถของชาวอินเดียนแดงด้วยสิทธิพลเมือง เพื่อการบรรเทาสภาพเรือนจำ เพื่อการปล่อยตัวจอห์น ซินแคลร์ ผู้นำเยาวชนชาวอเมริกันคนหนึ่ง ซึ่งถูกตัดสินจำคุก 10 ปีในข้อหาครอบครองกัญชา

จอห์น เลนนอน นักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่พร้อมทั้งเพลงและการแสดงของเขา ได้พิสูจน์ให้คนทั้งโลกรู้ว่าผู้คนควรต่อสู้เพื่อสันติภาพและเสรีภาพ

บท IV

อิทธิพลของดนตรีร็อคต่อร่างกายมนุษย์

อย่างที่ทราบกันดีว่าไม่ใช่ทุกทิศทางของดนตรีจะส่งผลดีต่อร่างกายมนุษย์ ดังนั้น เรามาดูอิทธิพลของดนตรีร็อคกันดีกว่า สไตล์ดนตรีนี้มีลักษณะเฉพาะหรือวิธีการที่มีอิทธิพลต่อจิตใจ:

1. จังหวะยาก

2. ซ้ำซากจำเจ

3. ระดับเสียงความถี่สูง

4. เอฟเฟกต์แสง

จังหวะเป็นหนึ่งในวิธีการที่แข็งแกร่งในการมีอิทธิพลต่อร่างกายมนุษย์ ลัทธิวูดูใช้จังหวะพิเศษที่มีลำดับพิเศษของจังหวะดนตรีและคาถาระหว่างพิธีกรรมนอกรีต อาจทำให้บุคคลตกอยู่ในภวังค์หรือความปีติยินดี ระบบจังหวะที่คิดมาอย่างดีควบคุมร่างกายและจิตใจของมนุษย์ ราวกับเครื่องมือที่อยู่ในมือของนักบวชวูดู คนผิวสีชาวอเมริกันที่นำจังหวะเหล่านี้มาใช้เป็นเพลงเต้นรำ ค่อยๆ เปลี่ยนจากบลูส์เป็นจังหวะที่หนักกว่า

การรับรู้จังหวะดนตรีสัมพันธ์กับหน้าที่ของเครื่องช่วยฟัง จังหวะที่โดดเด่นก่อนจะจับศูนย์กลางของมอเตอร์ของสมอง จากนั้นกระตุ้นการทำงานของฮอร์โมนบางอย่างของระบบต่อมไร้ท่อ แต่การระเบิดหลักมุ่งไปที่ส่วนต่าง ๆ ของสมองที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการทำงานทางเพศของบุคคล การตีกลองถูกใช้โดย Bacchantes เพื่อทำให้ตัวเองบ้าคลั่ง และในบางเผ่า การประหารชีวิตก็ดำเนินไปโดยใช้จังหวะที่คล้ายคลึงกัน

เจเน็ต โพเดลล์ นักจิตวิทยาและนักดนตรีชาวอเมริกัน เขียนว่า: "พลังของร็อคขึ้นอยู่กับพลังงานทางเพศของจังหวะของมันเสมอ ความรู้สึกเหล่านี้ในเด็กทำให้พ่อแม่ของพวกเขาหวาดกลัว ซึ่งมองว่าหินเป็นภัยต่อลูกๆ ของพวกเขา และแน่นอนว่าถูกต้อง ร็อกแอนด์โรลและคุณสามารถทำให้คุณเคลื่อนไหว เต้น เพื่อให้คุณลืมทุกสิ่งในโลก

ควรให้ความสนใจเป็นพิเศษกับอิทธิพลของความถี่ที่ใช้ในเพลงร็อคซึ่งมีผลพิเศษต่อสมอง จังหวะจะได้คุณสมบัติของยาเสพติดเมื่อรวมกับความถี่ต่ำพิเศษ (15-30 เฮิรตซ์) และสูงพิเศษ (80,000 เฮิรตซ์)

ความถี่สูงและต่ำที่มากเกินไปทำให้สมองบาดเจ็บสาหัส ในคอนเสิร์ตร็อค เสียงฟกช้ำ เสียงไหม้ การสูญเสียการได้ยิน และการสูญเสียความทรงจำไม่ใช่เรื่องแปลก

หูของเราได้รับการปรับให้รับรู้เสียงปกติที่ 55-60 เดซิเบล เสียงดังจะอยู่ที่ 70 เดซิเบล แต่เมื่อผ่านเกณฑ์ทั้งหมดของการรับรู้ตามปกติ เสียงที่ดังมากทำให้เกิดความเครียดทางการได้ยินอย่างไม่น่าเชื่อ ระดับเสียงบนไซต์ซึ่งมีการติดตั้งผนังพร้อมลำโพงอันทรงพลัง ใช้ในคอนเสิร์ตร็อค ถึง 120 dB และตรงกลางไซต์สูงถึง 140-160 dB (120 dB สอดคล้องกับเสียงคำรามของเครื่องบินเจ็ทที่บินขึ้นในบริเวณใกล้เคียงและค่าเฉลี่ยสำหรับเครื่องเล่นที่มีหูฟังคือ 80-110 dB.) ในช่วงเวลาดังกล่าว ฮอร์โมนความเครียดจะหลั่งอะดรีนาลีนออกจากไต (ต่อมหมวกไต) กระบวนการนี้เกิดขึ้นในทุกสถานการณ์ที่ตึงเครียด แต่ผลกระทบของสิ่งกระตุ้นไม่ได้หยุดลง และมีการผลิตอะดรีนาลีนมากเกินไป ซึ่งจะลบข้อมูลบางส่วนที่ประทับอยู่ในสมอง บุคคลเพียงแค่ลืมสิ่งที่เกิดขึ้นกับเขาหรือสิ่งที่เขาศึกษาและจิตใจเสื่อมโทรม ไม่นานมานี้ แพทย์ชาวสวิสได้พิสูจน์ว่าหลังจากคอนเสิร์ตร็อค บุคคลจะปรับทิศทางตัวเองและตอบสนองต่อสิ่งเร้าที่แย่กว่าปกติถึง 3.5 เท่า

ดังนั้น คลังแสงทางเทคนิคทั้งหมดของร็อคจึงมุ่งเป้าไปที่การเล่นในร่างกายมนุษย์ ทางจิตใจ เช่นเดียวกับเครื่องดนตรี ดนตรีร็อคสามารถเปลี่ยนลักษณะส่วนบุคคลของบุคคลได้อย่างสมบูรณ์ มันส่งผลกระทบต่อศูนย์กลางการเคลื่อนไหว อารมณ์ สติปัญญาและทางเพศของกิจกรรมของมนุษย์ไปพร้อม ๆ กัน

อะไรคือผลกระทบของดนตรีร็อคต่อพฤติกรรมของผู้ฟัง?

ดังที่กล่าวไว้ข้างต้น แต่ละเสียงหรืองานมี "เส้นทางการได้ยิน" ของตัวเอง และปฏิกิริยาในการเปลี่ยนแปลงพฤติกรรมของมนุษย์ขึ้นอยู่กับสิ่งนี้ หากเซลล์ประสาทที่เกี่ยวข้องกับอารมณ์เชิงลบเข้ามาเกี่ยวข้อง สิ่งนี้จะสะท้อนให้เห็นในพฤติกรรมทันที

ต่อไปนี้คือผลกระทบที่เป็นไปได้ของดนตรีร็อคต่อสมองของมนุษย์:

1. ความก้าวร้าว

2. ความโกรธ

4. อาการซึมเศร้า

5. ความกลัว

6. การกระทำที่ถูกบังคับ

๗. สภาวะภวังค์ของความลึกต่างๆ.

8. แนวโน้มการฆ่าตัวตาย ในวัยรุ่น แนวโน้มนี้เริ่มปรากฏให้เห็นตั้งแต่อายุ 11-12 ปี แต่เมื่อฟังเพลงร็อค คุณลักษณะของจิตใจวัยรุ่นนี้จะกระตุ้นหรือรุนแรงขึ้นอย่างมากเมื่ออายุมากขึ้น)

9. การมีเพศสัมพันธ์ที่ผิดธรรมชาติและถูกบังคับ

10. ไม่สามารถตัดสินใจได้อย่างชัดเจน

11. การเคลื่อนไหวของกล้ามเนื้อโดยไม่สมัครใจ

12. ความคลั่งไคล้ดนตรี (ความปรารถนาที่จะฟังเพลงร็อคอย่างต่อเนื่อง)

13. การพัฒนาความโน้มเอียงลึกลับ

14. ความแปลกแยกทางสังคม

แน่นอนว่าสิ่งนี้ไม่ได้หมายความว่าคนที่รักหินอย่างเร่าร้อนจำเป็นต้องมีคุณสมบัติทั้งหมดเหล่านี้เพียงว่าเขามีความโน้มเอียงที่มากขึ้นสำหรับพวกเขาและด้วยปัจจัยอื่น ๆ ที่ผสมผสานกันอย่างเหมาะสมเขาจะอยู่ภายใต้สิ่งนี้อย่างแน่นอน อิทธิพล. โดยวิธีการที่เพลงร็อคยังสามารถเปลี่ยนความคิดและค่านิยมทางศาสนา (โดยเฉพาะอย่างยิ่งในวัยเด็กเมื่อยังไม่ก่อตัวเต็มที่) เช่นเดียวกับการกระตุ้นความปรารถนาในตัวบุคคลในการตระหนักรู้ในตนเองปัจเจกนิยมและการกีดกัน ในสังคม

ทั้งหมดนี้ถือได้ว่าเป็นหนึ่งในด้านลบของวัฒนธรรมดนตรีนี้ ผลกระทบด้านลบที่เหลือของดนตรีร็อคที่มีต่อบุคลิกภาพที่ข้าพเจ้าอยากพิจารณาในบทต่อไป

บท วี .

ผลกระทบด้านลบของร็อกแอนด์โรลต่อบุคลิกภาพ

ในสังคมปัจจุบัน เพลงร็อคได้เติบโตขึ้นเป็นขบวนการทั่วโลกที่มีผู้ติดตามหลายร้อยล้านคน สำหรับคนหนุ่มสาวจำนวนมาก ดนตรีร็อคได้กลายเป็นวิถีชีวิตที่ส่งเสริมการมึนเมา การใช้ยาเสพติด อาละวาด และการทำลายล้าง ไม่ว่าบุคคลนั้นจะเกี่ยวข้องกับดนตรีร็อคโดยพื้นฐานอย่างไร เขาก็ไม่สามารถปฏิเสธความจริงของอิทธิพลที่ครอบงำของดนตรีดังกล่าวที่มีต่อโลกทัศน์และการกระทำของคนหนุ่มสาวได้

หลักฐานแสดงให้เห็นว่าดนตรีร็อคกระตุ้นความสำส่อนทางเพศ ตามรายงานของ US News and World Report เมื่อวันที่ 19 มีนาคม พ.ศ. 2533 "ปัจจุบันมีวงดนตรีร็อค 13 วงที่ตั้งชื่อตามอวัยวะสืบพันธุ์ชาย 6 กลุ่มตามอวัยวะเพศหญิง 8 กลุ่มมีความเกี่ยวข้องกับการทำแท้ง วงหนึ่งเป็นโรคเกี่ยวกับมดลูก 10 กลุ่มได้รับการตั้งชื่อตามที่แตกต่างกัน กิจกรรมทางเพศและ 8 แห่งมีคำสบถในชื่อของพวกเขา” ดนตรีร็อคสมัยใหม่อิ่มตัวด้วยองค์ประกอบของการมีเพศสัมพันธ์นอกสมรส การล่วงประเวณี ซาดิสม์และมาโซคิสม์ การรักร่วมเพศ การข่มขืนและการตายของเนื้อหนัง

อารมณ์ทำลายล้างของการแต่งเพลงร็อคสามารถมุ่งตรงไปที่ผู้ฟังเพลง นักประพันธ์เพลงร็อคบางคนเทศนาการฆ่าตัวตาย - บางครั้งก็เป็นการบอกใบ้ บางครั้งโดยตรง ตัวอย่างเช่น นักแต่งเพลง Ozzy Osbourne ในเพลง "Suicide Solution" กล่าวว่า "การฆ่าตัวตายเป็นวิธีเดียวที่จะปลดปล่อย"

นอกจากเรื่องเพศและความรุนแรงแล้ว เพลงร็อคยังส่งเสริมการใช้ยาเสพติดอีกด้วย ย้อนกลับไปในปี 1969 นิตยสาร Times (26 กันยายน) แสดงความคิดเห็นว่า "นักประพันธ์เพลงร็อกใช้ยาบ่อยครั้งและเปิดเผย ผลงานของพวกเขาเต็มไปด้วยการพาดพิงถึงยาเสพย์ติด"

ร็อคสตาร์ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดหลายคนไม่เพียงเกี่ยวข้องกับไสยศาสตร์เท่านั้น แต่ยังเกี่ยวข้องกับลัทธิซาตานด้วย จอห์น เลนนอนพยายามอธิบายกระบวนการที่ "ได้รับแรงบันดาลใจ" ของเขาว่า "สภาพนี้เหมือนกับการครอบครอง เหมือนโรคจิตหรือสภาวะทางจิต" ริชาร์ดตัวน้อยประสบภาวะคล้ายคลึงกันและชี้ไปที่ซาตานว่าเป็นแรงบันดาลใจของเขา: “ฉันถูกนำและสั่งโดยกองกำลังอื่นเขาตั้งชื่อวิญญาณที่บางครั้งเข้าครอบครองและเพื่อเป็นเกียรติแก่พวกเขาเขาแต่งบทประพันธ์
บทกวีทั้งหมดของจิม มอร์ริสัน งานทั้งหมดของเขาเกี่ยวข้องกับยาที่ฆ่าเขา

ฉันได้ระบุแง่มุมเชิงลบทั้งหมดของวัฒนธรรมดนตรีนี้ ซึ่งเป็นสิ่งที่อันตรายที่สุดในความคิดของฉัน แต่เนื่องจากเพลงนี้และนักแสดงได้รับความนิยมมาเป็นเวลาครึ่งศตวรรษ ดนตรีจึงมีแง่บวกหลายประการ

บท VI .

ด้านดีของดนตรีร็อค

ร็อกแอนด์โรลไม่ใช่แค่ทิศทางดนตรี แต่เป็นวัฒนธรรมของเยาวชน ช่องทางการสื่อสารสำหรับคนหนุ่มสาว เป็นกระจกสะท้อนของสังคม เดิมทีมันถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นแนวทางในการแสดงออกของเยาวชน การกบฏและการประท้วง การปฏิเสธและการแก้ไขค่านิยมทางศีลธรรมและวัตถุของโลก

เราเห็นว่าตลอดประวัติศาสตร์ ร็อกแอนด์โรลแสดงให้เห็นถึงภาวะที่กลืนไม่เข้าคายไม่ออกชั่วนิรันดร์ของพ่อและลูก ร็อกแอนด์โรลในสายตาของคนรุ่นก่อนดูเหมือนเป็นเพียงความบันเทิงสำหรับเด็กเท่านั้น ซึ่งบางครั้งก็อันตรายและเป็นอันตราย แม้ว่าหินจะมีมาช้านานแล้ว แต่ผู้ใหญ่ยุคใหม่ก็เติบโตขึ้นมาบนมัน แต่ก็ยังประสบปัญหาแบบเดียวกันกับจุดเริ่มต้นของเส้นทาง นั่นคือ ความเข้าใจผิดและการปฏิเสธ สถานการณ์นี้แสดงให้เห็นเป็นอย่างดีถึงธรรมชาติของการพัฒนา ไม่ว่าเราจะพัฒนาอย่างไร เราก็ต้องผ่านขั้นตอนต่างๆ ที่ยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์

แน่นอนว่าการพัฒนาร็อกแอนด์โรลมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาด้านเทคนิค เศรษฐกิจ การเมืองและสังคม เป็นการพัฒนาทางเทคนิคที่เป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาหิน การพัฒนาเทคโนโลยีได้นำไปสู่ความจริงที่ว่าตอนนี้เกือบทุกครอบครัวมีวิทยุและเครื่องบันทึกเทปซึ่งเพิ่มอิทธิพลของดนตรีในสังคม การพัฒนาเศรษฐกิจยกระดับการพัฒนาพลเมือง ดังนั้นจึงยกระดับการศึกษา พวกเขามีเวลาว่างมากขึ้นในการอุทิศตนเพื่อดนตรี นอกจากนี้ยังช่วยปรับปรุงสภาพการทำงานและการจัดหางานสำหรับนักดนตรี

ในร็อกแอนด์โรล กฎแห่งปรัชญาทั้งหมดปรากฏให้เห็น ในข้อเท็จจริงที่ว่านี่เป็นการประท้วงของเยาวชนและการปรากฏตัวของดนตรีใหม่ โดยการปฏิเสธของเก่า กฎแห่งการปฏิเสธก็ปรากฏให้เห็น แสดงให้เห็นถึงการพัฒนาของดนตรีร็อค ในการเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่โดยการผสานรูปแบบอื่นๆ - กฎแห่งการสะท้อนซึ่งเป็นรากฐานของการพัฒนาของจิตสำนึก ในความไม่สอดคล้องกันของร็อค (การต่อต้านระหว่างป๊อปร็อคและดนตรีหนัก) กฎแห่งความสามัคคีและการต่อสู้ของสิ่งที่ตรงกันข้ามปรากฏออกมา

ร็อกแอนด์โรลได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเป็นสื่อกลางที่รวมเอาวัยรุ่นขาวดำ ซึ่งทำลายอคติทางเชื้อชาติและสังคม สองไอดอลเยาวชนผิวสีแห่งยุค 50 - ริชาร์ดตัวน้อยและชัค เบอร์รี่ - แสดงความปฏิเสธที่จะเชื่อฟังขบวนการเหยียดผิวด้วยท่าทางทุกท่าทางบนเวที พร้อมทุกเสียงเพลงของพวกเขา

ในตอนต้นของทศวรรษที่ 1960 มีอีกรุ่นหนึ่งเข้ามา พ่อแม่ของเด็กเหล่านี้ต่อสู้อย่างแข็งขันเพื่อสันติภาพ ความเงียบสงบ และความอุดมสมบูรณ์ โดยหวังว่าลูกหลานของพวกเขาจะไม่เพียงซาบซึ้งในความพยายามของพวกเขา แต่ยังขยายขอบเขตอันไกลโพ้นของโลกใหม่นี้ด้วย อย่างไรก็ตาม พ่อแม่พาพวกเขามาด้วยความกลัวสงครามนิวเคลียร์และบาปแห่งความเกลียดชังทางเชื้อชาติ และอุดมคติของความเสมอภาคและความยุติธรรมถูกเหยียบย่ำเพียงเพื่อแสวงหาความมั่นคงและความสำเร็จ ไม่น่าแปลกใจที่เด็กๆ ตั้งคำถามเกี่ยวกับรากฐานทางศีลธรรมและการเมืองของโลกหลังสงคราม อารมณ์ใหม่เหล่านี้สะท้อนให้เห็นในรสนิยมทางดนตรีของพวกเขา

แต่เมื่อเวลาผ่านไป ความนิยมของร็อกแอนด์โรลเริ่มจางหายไป ทำให้มีแนวเพลงใหม่ๆ ที่ได้กล่าวมาแล้วข้างต้น เริ่มมีสาขามากขึ้นเรื่อยๆ ด้วยการทำให้สังคมเป็นประชาธิปไตยอย่างค่อยเป็นค่อยไป ขบวนการเยาวชนใหม่เริ่มปรากฏขึ้น การเคลื่อนไหวแต่ละครั้งทำให้เกิดรูปแบบดนตรีใหม่ ความหลากหลายค่อยๆ บดบังแนวเพลงดั้งเดิม และในสมัยของเรา เป็นที่เชื่อกันว่าร็อกแอนด์โรลหยุดเป็นประเภทมวลชนแล้ว และโดยทั่วไปแล้ว ก็หยุดอยู่ แต่แม้กระทั่งตอนนี้ในหมู่คนรักดนตรีก็ยังมีคนที่ยังคงยึดมั่นในแนวเพลงอยู่ การต่อสู้อันเป็นนิรันดร์นี้ไม่ได้หยุดลงแม้แต่ในทุกวันนี้ ท้ายที่สุดแล้ว ร็อกแอนด์โรลคือดนตรีแห่งการเติบโตขึ้นมาโดยพื้นฐานแล้ว ร็อกแอนด์โรลรู้วิธีที่จะทำให้แฟนๆ ประหลาดใจอยู่เสมอ อย่างน้อยก็ชั่วขณะหนึ่ง และในขณะเดียวกัน มันก็ยังคงเป็นปริศนาสำหรับผู้ที่สวมชุดธุรกิจ ขับรถลีมูซีน มองโลกจากความสูงของตึกระฟ้า ซึ่งความมั่นคงและความสามารถในการคาดการณ์เป็นสิ่งสำคัญที่สุด ในช่วงห้าทศวรรษที่วุ่นวายในวงการอเมริกัน ร็อกแอนด์โรลได้ผ่านจุดสูงสุดและต่ำสุดที่มหัศจรรย์ และได้ให้กำเนิดนักดนตรีชั้นยอดมากมาย

บทสรุป

ดนตรีเป็นรูปแบบศิลปะที่ได้รับแรงบันดาลใจมากที่สุดรูปแบบหนึ่ง ของเขา จังหวะ, เมโลดี้, ฮาร์โมนี่, ไดนามิก, การผสมผสานเสียงที่หลากหลาย, สีสันและความแตกต่าง ดนตรีสื่อถึงความรู้สึกและอารมณ์ที่ไม่รู้จบ ความแข็งแกร่งของมันอยู่ที่การข้ามผ่านจิตใจ มันแทรกซึมเข้าสู่จิตวิญญาณโดยตรง จิตใต้สำนึก และสร้างอารมณ์ของบุคคล ตามเนื้อหาของเพลง ดนตรีสามารถทำให้เกิดความรู้สึกที่ประเสริฐและสูงส่งที่สุดในตัวบุคคล และในทางกลับกัน ความปรารถนาที่มืดมนและสกปรกที่สุด ทุกอย่างขึ้นอยู่กับเพลงว่ามันคืออะไร
นักประพันธ์เพลงร็อคสมัยใหม่ยอมรับว่าผลงานของพวกเขามีพลังมหาศาล ดนตรีของพวกเขานำทางชีวิตของผู้คนที่พวกเขาไม่รู้จักเลย วลีที่มีชื่อเสียงของ Mick Jagger "Sex, Drug, Rock and Roll" พูดเพื่อตัวเอง นี่คือสิ่งที่ทำให้คุณประณามไลฟ์สไตล์ร็อคแอนด์โรล การจัดเก็บภาษีของความสำส่อนเป็นจริงเป็นลบอย่างมาก ท้ายที่สุด เมื่อนักดนตรีร็อคร้องเพลงเกี่ยวกับอิสรภาพและต่อสู้เพื่อมัน พวกเขามองว่ามันเป็นการยอมจำนนหรือไม่? การมีเพศสัมพันธ์และยาเสพย์ติดเป็นสันติสุขของโลกหรือไม่?

ปัญหานี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องในสมัยของเรา บุคคลสามารถปฏิบัติตามวัฒนธรรมดนตรีบางอย่างได้ แต่ต้องรับผิดชอบต่อการกระทำของตนเสมอ เราสามารถรักจิม มอร์ริสัน (นักร้องนำของ The Doors) ได้ แต่คุณไม่จำเป็นต้องเป็นเหมือนเขาจึงจะทำได้ คุณไม่จำเป็นต้องใช้ยาแรงๆ แล้วตาย แค่ได้ยินเสียงเขาในเพลงแล้วเสียใจที่ทิ้งเราไปเร็วขนาดนี้ก็เพียงพอแล้ว

ในช่วงแรกๆ ร็อกแอนด์โรลถูกประณามในระดับสากลว่าบ่อนทำลายรากฐานทางศีลธรรมของเยาวชน แต่ดูเหมือนว่านี่คือสาเหตุที่ทำให้ได้รับความนิยมอย่างไม่เสื่อมคลาย แม้ว่าจะมีช่วงที่ซบเซา ตกต่ำ และพ่ายแพ้ต่อตนเองอย่างไร้เหตุผล การประท้วงเป็นคำสำคัญ

วัฒนธรรมดนตรีแต่ละวัฒนธรรมมีข้อดีและข้อเสีย ข้อดีและข้อเสีย แฟนและฝ่ายตรงข้าม ตามวัฒนธรรมดนตรีใด ๆ จำเป็นต้องดึงสิ่งที่ดีที่สุดออกจากมัน

รายชื่อแหล่งที่มาและวรรณกรรม

· R. Neckland "กุญแจแห่งเสียงเพลงสู่จักรวาล" ซันเดย์ไทมส์ในต่างประเทศ 1995 #46.

จีเอส Knabbe "ปรากฏการณ์ของหินและวัฒนธรรมต่อต้าน" คำถามของปรัชญา 1990 ฉบับที่ 8

· ใช่. Leontiev, Yu.A. Volkov "เพลงร็อค: หน้าที่ทางสังคมและกลไกทางจิตวิทยาของการรับรู้" ปัญหาวัฒนธรรมสารสนเทศฉบับที่ 4, 1997