การก่อตัวและพัฒนาการทางความคิดทางดนตรีเชิงเปรียบเทียบ ดนตรีกับความคิด

MBUDO Vyazemskaya Children's Art School ตั้งชื่อตาม A.S. Dargomyzhsky

งานระเบียบวิธี

ในหัวข้อ: "การพัฒนาความคิดเชิงจินตนาการทางดนตรี"

จัดทำโดยอาจารย์

ตั้งชื่อตาม A.S. Dargomyzhsky

E.A. Kurnosova

ปี 2559

1. ทำอย่างไรให้น่าสนใจ ดึงดูดใจเด็กด้วยเสียงเพลง

2. การเชื่อมต่อโลกแห่งศิลปะกับโลกส่วนตัวของเด็ก

3. ความรู้ทางดนตรี

4. ดนตรีและวรรณคดี.

5. ดนตรีและทัศนศิลป์

6. บทสรุป

7. วรรณกรรม

น่าสนใจอย่างไร สะกดใจเด็กด้วยเสียงเพลง

เป้าหมายหลักของการศึกษาประถมศึกษาด้านดนตรีสมัยใหม่คือการศึกษาด้านศีลธรรมและความงามและการพัฒนาบุคลิกภาพของเด็ก การศึกษาทุกรูปแบบร่วมกับเขาควรมุ่งเป้าไปที่การพัฒนาทางจิตวิญญาณของเขา และเหนือสิ่งอื่นใด เพื่อสร้างวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณในตัวเขา มันเป็นอายุของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่าซึ่งการรับรู้ทางอารมณ์และทางประสาทสัมผัสของความเป็นจริงเป็นที่ชื่นชอบมากที่สุดในการศึกษาด้านศีลธรรมและความงาม

การสอนดนตรีเบื้องต้นสำหรับเด็กมีวัตถุประสงค์เพื่อพัฒนาความสามารถทางดนตรีของเด็ก ในเวลานี้ความสำเร็จของการศึกษาต่อถูกกำหนดไว้ล่วงหน้า ซึ่งส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับความต้องการและความสนใจของเด็กในชั้นเรียน หากเราวิเคราะห์พัฒนาการของข้อมูลดนตรีในเด็ก เราจะทำให้แน่ใจว่าพื้นฐานคือความสนใจที่แสดงในเสียง แต่ดอกเบี้ยจะไม่เกิดขึ้นในการรวมกันของเสียงโดยพลการ การรวมกันนี้ควรทำให้เกิดประสบการณ์ทางอารมณ์หรือการแสดงโดยนัยที่สร้างอารมณ์เฉพาะในเด็ก การหาน้ำเสียงที่เหมาะสม การสร้างบรรยากาศที่เหมาะสม คือการทำให้แน่ใจว่าบทเรียนจะประสบความสำเร็จ พูดคุยและให้เหตุผลกับนักเรียนอย่างเท่าเทียมกัน แต่อย่าลืมว่าเด็กมีความคิดเห็นของตัวเอง การสัมผัสดนตรีร่วมกันเป็นการติดต่อที่สำคัญที่สุด ซึ่งมักจะเป็นตัวชี้ขาดความสำเร็จ โดยการดึงด้ายที่มองไม่เห็นเหล่านี้และปลุกกระแสการตอบสนองในตัวนักเรียน เราสร้างเงื่อนไขสำหรับความประทับใจทางดนตรีที่สดใส

ชั้นเรียนกับนักเรียนเป็นกระบวนการที่สร้างสรรค์ ทุกสิ่งที่เราต้องการสอนไม่ควรถูกกำหนด แต่กลับค้นพบอีกครั้งรวมถึงเด็กที่ทำงานอย่างแข็งขัน - นี่คืองานหลักของวิธีการค้นหาปัญหา

การใช้วิธีนี้อย่างชำนาญสามารถทำให้งานพื้นฐานที่น่าสนใจและน่าตื่นเต้นที่สุด บางครั้งเราประเมินความสามารถของเด็กในการคิดและทำความเข้าใจต่ำเกินไป และหากต้องการเลียนแบบเขา เราก็ตกอยู่ในน้ำเสียงดั้งเดิมและผิดๆ เด็กรู้สึกได้ทันที - มันขับไล่พวกเขา และจากนั้นก็ไม่มีประโยชน์ที่จะพยายามปลุกให้เด็กสนใจสิ่งที่คุณเสนอเนื่องจากความสนใจของเขาถูกดูดซับด้วยน้ำเสียงที่ผิดและปิดการรับรู้ถึงสิ่งอื่น

สิ่งสำคัญคือต้องสร้างแรงบันดาลใจให้เด็กเชื่อมั่นในครู นี่คือจุดเริ่มต้นของอำนาจของครูซึ่งจำเป็นสำหรับการทำงานกับเด็กต่อไป

จากบทเรียนแรกคุณต้องอธิบายให้เด็กฟังว่าดนตรีเป็นภาษา ลองนึกภาพ เด็กคนหนึ่งไปโรงเรียน ไม่รู้ตัวอักษร ไม่รู้ว่าจะเขียนอย่างไร และพวกเขาบอกเขาว่า: "เขียนเรียงความในหัวข้อที่กำหนดภายในพรุ่งนี้" เด็กมีความกลัวในสายตาของเขา - "ฉันทำอะไรไม่ได้เลย" เขามาเรียนดนตรีโดยไม่รู้อะไรเลย และมันก็เริ่ม - การได้ยิน จังหวะ ความจำ และอื่นๆ อีกมากมาย "สวยงาม" (หมายเหตุ!). และเขาต้องการที่จะเล่นทันที ที่นี่จำเป็นต้องสร้างเงื่อนไขให้เขาต้องการเรียนรู้คำศัพท์เชิงทฤษฎี เพื่อที่เขาต้องการพัฒนาทักษะที่จำเป็นในการใช้เครื่องมือนี้ให้เชี่ยวชาญ เพื่อให้เขาได้ยินคุณ ท้ายที่สุดการได้ยินคือความสามารถในการได้ยินและเข้าใจ

ในบทเรียนแรก จำเป็นต้องให้เด็กเล่นเครื่องดนตรี ให้สัมผัสปุ่มและอธิบายว่าปุ่มหีบเพลงหีบเพลงนั้นคล้ายกับร่างกายมนุษย์อย่างไร ขนมีน้ำหนักเบา การเคลื่อนไหวของขนคือการหายใจของบุคคล และเสียงของปุ่มที่มือขวาเป็นเสียงที่ไพเราะและไพเราะ

วิธีที่เป็นธรรมชาติที่สุดในการแนะนำนักเรียนให้รู้จักกับโลกแห่งภาพทางดนตรีคืออะไร? วิธีแก้ปัญหาที่มีประสิทธิภาพมากที่สุดสำหรับปัญหานี้เกี่ยวข้องกับการพึ่งพาหลักการของการเข้าเล่นดนตรีอย่างสนุกสนาน ประกอบด้วยการสร้างสถานการณ์ที่ต้องใช้การกลับชาติมาเกิดจากเด็กซึ่งเป็นผลงานแฟนตาซี ตัวอย่างเช่น คุณสามารถเริ่มต้นด้วยละครใบ้ กิจกรรมนี้มีประโยชน์และน่าสนใจสำหรับเด็กทุกวัยโดยเฉพาะผู้ที่มีจินตนาการไม่ดี เนื่องจากดนตรีเป็นศิลปะที่มีจังหวะเป็นจังหวะ จึงเป็นไปไม่ได้ที่จะบรรลุผลตามที่ต้องการนอกภาพ กล่าวคือ เป็นการถ่ายทอดลักษณะของดนตรีที่ตีความออกมา ตั้งแต่วันแรก แบบฝึกหัดและบทละครที่เกี่ยวข้องกับตัวละครเฉพาะควรปรากฏในละครของเด็ก การเขียนโปรแกรมและภาพที่เป็นรูปธรรมเป็นคุณลักษณะเฉพาะของบทละครเด็ก ซึ่งปรากฏแม้ในกรณีที่ไม่ได้ระบุโปรแกรมไว้

เพื่อความชัดเจนของการรับรู้ทางสายตาของดนตรี คุณสามารถแสดงนิทานดนตรี "Kolobok", "Teremok" ดึงดูดเด็กให้แก้ภาพ ใช้ท่วงท่า ท่วงทำนอง การแสดงลีลาที่หลากหลาย ฯลฯ - นักเรียนทำความคุ้นเคยกับแนวคิดของ "ความสามัคคี", "เมตร", "จังหวะ", "ระดับเสียง" บอกข้อมูลใหม่ให้ลูกขณะเล่นเครื่องดนตรี ตัวอย่างเช่น แสดง kolobok โดยการเล่น arpeggios ในวิชาเอกและวิชารอง ถามเด็กๆ ว่าชอบคอลบอคไหนมากที่สุด โดยปกติแล้ว kolobok ที่สำคัญจะถูกเลือก กล่าวคือเรียกร้องให้มีการสร้างสรรค์ร่วมกัน ทุกอย่างขึ้นอยู่กับจินตนาการของครู

การทำงานกับภาพศิลปะควรเริ่มจากขั้นตอนแรกของดนตรี เมื่อสอนเด็กให้อ่านโน้ตดนตรีเป็นครั้งแรก ครูต้องวาดโครงร่างของทำนองเพลง ถ้าเป็นไปได้ คุ้นเคยอยู่แล้วจากเครื่องหมายที่เพิ่งเรียนรู้โดยนักเรียน (สะดวกกว่าที่จะประสานเสียงกับ มองเห็นได้ - หูด้วยตา) และสอนให้เขาทำซ้ำทำนองนี้บนเครื่องดนตรี

หากเด็กสามารถทำซ้ำท่วงทำนองใด ๆ ได้แล้ว ก็จำเป็นต้องตรวจสอบให้แน่ใจว่าการแสดงนี้เป็นการแสดงอารมณ์ เพื่อให้ลักษณะของการแสดงสอดคล้องกับลักษณะของท่วงทำนองที่กำหนด สำหรับสิ่งนี้ขอแนะนำให้ใช้ท่วงทำนองพื้นบ้านซึ่งการเริ่มต้นทางอารมณ์และบทกวีนั้นดูสดใสกว่าการแต่งเพลงที่ดีที่สุดสำหรับเด็ก โดยเร็วที่สุด คุณต้องให้เด็กเล่นท่วงทำนองเศร้าอย่างเศร้า ท่วงทำนองร่าเริงสนุกสนาน ท่วงทำนองเคร่งขรึมอย่างเคร่งขรึม ฯลฯ เขาจะนำความตั้งใจทางศิลปะและดนตรีของเขามาสู่ความชัดเจน

การเชื่อมต่อของโลกศิลปะกับโลกส่วนตัวของเด็ก

คุณสามารถจำเพลงได้เฉพาะสิ่งที่เข้าใจและรู้สึกได้เท่านั้น ดังนั้นจึงเป็นเรื่องสำคัญมากที่จะแสดงให้นักเรียนเห็นถึงความเชื่อมโยงระหว่างโลกศิลปะกับโลกส่วนตัวของเขา โดยแนะนำให้เด็กรู้จักดนตรีจากเนื้อหาที่สำคัญสำหรับเขาเป็นการส่วนตัว

ครูไม่ควรกำหนดให้นักเรียนโต้ตอบแบบเป็นโปรแกรมที่ชัดเจนซึ่งช่วยลดจินตนาการของเด็ก ความคิดริเริ่มของเด็กถูกปลุกให้ตื่นขึ้นด้วยภาพและการเปรียบเทียบที่เขาพบในการทำงานร่วมกันกับครู

จะเกิดอะไรขึ้นถ้าเด็กไม่ได้เล่นบทละคร แต่เป็นงานศิลปะที่แท้จริง? ประการแรก สภาพทางอารมณ์ของเขาจะแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง เพิ่มขึ้นเมื่อเทียบกับสิ่งที่เกิดขึ้นเมื่อเรียนรู้การสเก็ตช์แบบแห้ง ประการที่สอง มันจะง่ายกว่ามากสำหรับเขาที่จะปลูกฝัง (เพราะความเข้าใจของเขาเองจะไปที่ข้อเสนอแนะนี้) ด้วยเสียงอะไร, จังหวะใด, ความแตกต่างอะไรบ้างและด้วยเทคนิค "ขี้เล่น" ที่ชิ้นหนึ่งต้องการ จะต้องดำเนินการให้ชัดเจน มีความหมาย และแสดงออก นั่นคือ เพียงพอกับเนื้อหา งานนี้ซึ่งเป็นผลงานของเด็กในงานดนตรี-ศิลปะ-กวีนิพนธ์ จะอยู่ในรูปของตัวอ่อนซึ่งเป็นผลงานที่บ่งบอกถึงกิจกรรมของนักแสดง-ศิลปินที่เป็นผู้ใหญ่

การฟังรายการเพลงมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการคิดเชิงจินตนาการทางดนตรี ซึ่งรวมถึงระบบคำถามและงานที่ช่วยให้เด็กๆ เปิดเผยเนื้อหาเชิงเปรียบเทียบของศิลปะดนตรี อันที่จริงควรเป็นบทสนทนาและให้ตัวเลือกแก่เด็ก ๆ สำหรับการอ่านการประพันธ์ดนตรีอย่างสร้างสรรค์ คำถามสามารถแสดงออกผ่านการเปรียบเทียบการประพันธ์ดนตรีระหว่างกันและโดยการเปรียบเทียบผลงานดนตรีของศิลปะประเภทอื่น ทิศทางของคำถามมีความสำคัญ: จำเป็นสำหรับเขาที่จะมุ่งเน้นความสนใจของเด็กไม่ใช่ในการคำนวณวิธีการแสดงออกของแต่ละบุคคล (ดัง, เงียบ, ช้า, เร็ว) แต่เพื่อเปลี่ยนเขาไปสู่โลกภายในของเขายิ่งไปกว่านั้น ความรู้สึกมีสติและไม่รู้สึกตัว, ปฏิกิริยา, ความประทับใจ, แสดงออกในจิตวิญญาณของเขาภายใต้อิทธิพลของดนตรี

สิ่งสำคัญไม่เพียงแต่จะถามคำถามกับเด็กเท่านั้น แต่ยังต้องฟังคำตอบด้วย ซึ่งมักจะเป็นต้นฉบับและไม่ใช่แบบแผน เพราะไม่มีอะไรจะรวยไปกว่าคำพูดของเด็ก และถึงแม้จะมีความไม่สอดคล้องกันและการพูดน้อยในนั้น แต่ในทางกลับกัน มันจะมีความเป็นตัวของตัวเอง สีเฉพาะตัว - นี่คือสิ่งที่ครูควรได้ยินและชื่นชม

เฉพาะเมื่อเด็กรู้สึกและเข้าใจธรรมชาติของดนตรี แสดงออกในกิจกรรมสร้างสรรค์ ทักษะและความสามารถที่ได้รับจะเป็นประโยชน์ต่อการพัฒนาดนตรี ความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก ๆ ขึ้นอยู่กับความประทับใจทางดนตรีที่สดใส การฟังเพลงเด็กมักจะได้ยินไม่เพียง แต่สิ่งที่อยู่ในนั้นสิ่งที่ผู้แต่ง (และแน่นอนนักแสดง) วางไว้ในนั้น แต่ยังเกิดในจิตวิญญาณของเขาในจิตสำนึกของเขาด้วย นั่นก็คือการสร้างจินตนาการเชิงสร้างสรรค์ของตัวเองขึ้นมาแล้ว ดังนั้นงานที่ฟังจะสร้างการผสมผสานที่ซับซ้อนของเนื้อหาวัตถุประสงค์ของดนตรีและการรับรู้ส่วนตัว ความคิดสร้างสรรค์ของผู้ฟังผสมผสานกับความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงและความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดง! จินตนาการของเด็ก ๆ โดยเฉพาะในวัยประถมมักจะสดใส มีชีวิตชีวา และได้ฟัง "ดนตรีประกอบ" อย่างสนุกสนาน

สำหรับพัฒนาการด้านศิลปะและจินตนาการของเด็ก การทำงานอันเป็นผลมาจากความคิดสร้างสรรค์ของตนเองนั้นมีค่ามากกว่า จากนั้นเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างของดนตรีทั้งองค์กรและลำดับของผ้าดนตรีจะกลายเป็น "ประสบการณ์" ซึ่งเด็ก ๆ เลือกเอง

น้ำเสียงที่เด็กพบในกระบวนการสร้างสรรค์ไม่ควร "ปรับ" ให้ใกล้เคียงกับต้นฉบับของผู้เขียนมากที่สุด มันเป็นสิ่งสำคัญที่จะเข้าสู่อารมณ์ในขอบเขตของอารมณ์ที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน จากนั้น เมื่อเทียบกับภูมิหลังของสิ่งที่เด็กๆ ได้อาศัยอยู่ ซึ่งสร้างขึ้นด้วยตัวเอง ต้นฉบับของผู้เขียนกลายเป็นหนึ่งในความเป็นไปได้สำหรับศูนย์รวมของเนื้อหาชีวิตอย่างใดอย่างหนึ่งที่แสดงไว้ในจินตภาพทางดนตรีนี้

จากตำแหน่งเหล่านี้จำเป็นต้องให้ความสนใจอย่างมากกับคำศัพท์เกี่ยวกับดนตรีมันควรจะสดใสเป็นรูปเป็นร่าง แต่แม่นยำและละเอียดอ่อนอย่างยิ่งเพื่อไม่ให้เด็กตีความงานของเขาอย่างชำนาญ จินตนาการ จินตนาการสร้างสรรค์ของเขาต่อดนตรี ไม่ใช่จากมัน ...

ความรู้ทางดนตรี

นอกจากโน้ตดนตรีระดับประถมศึกษาแล้ว ยังมีบางสิ่งที่สำคัญกว่า นั่นคือความรู้ทางดนตรี โดยพื้นฐานแล้ว การรู้หนังสือทางดนตรีคือวัฒนธรรมดนตรี ซึ่งระดับนี้ไม่ได้ขึ้นอยู่กับระดับของการเรียนรู้โน้ตดนตรีโดยตรง การรู้หนังสือทางดนตรีคือความสามารถในการรับรู้ดนตรีว่าเป็นศิลปะที่มีชีวิต เปรียบได้กับชีวิต และเชื่อมโยงกับชีวิตอย่างแยกไม่ออก เป็นความสามารถในการกำหนดลักษณะของดนตรีด้วยหูและสัมผัสถึงความเชื่อมโยงภายในระหว่างลักษณะของดนตรีกับลักษณะของการแสดง ศิลปะประเภทใดก็ตามที่คิดอยู่ในภาพ และภาพนั้นเป็นส่วนสำคัญโดยธรรมชาติทางศิลปะของมัน และในภาพศิลปะใด ๆ เช่นเดียวกับในหยดน้ำ โลกทั้งใบก็สะท้อนออกมา ดนตรีมีกฎการเคลื่อนที่ของจังหวะ ความกลมกลืน รูปแบบ ฯลฯ ของตัวเอง การเรียนรู้กฎเหล่านี้ นักเรียนมักจะเปลี่ยนจากเรื่องเฉพาะไปหาเรื่องทั่วไป จำเป็นต้องสร้างกระบวนการศึกษาไม่ใช่จากเฉพาะเจาะจงถึงส่วนรวม แต่ในทางกลับกัน จินตภาพมีบทบาทสำคัญอย่างยิ่งต่อความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของเด็กในระยะแรก เมื่อเด็กพัฒนาทักษะพื้นฐานในการแสดง - การลงจอด การวางมือ การผลิตเสียง โดยการเปิดเผยภาพนี้หรือภาพนั้นนักเรียนสามารถบรรลุจังหวะที่ถูกต้องโดยการสัมผัสแป้นพิมพ์ดังนั้นการสอนเด็กจึงต้องใช้สื่อการศึกษาซึ่งงานด้านเทคนิคจะถูกรวมเข้ากับภาพ เครื่องมือนี้มีผลอย่างมากในการให้นักเรียนมีทักษะทางเทคนิคที่จำเป็น

สำหรับความรู้เชิงปฏิบัติของเทคนิคสำหรับนักดนตรีรุ่นเยาว์ บทบาทของจังหวะ เสียงต่ำ ความกลมกลืน ฯลฯ เป็นการยากที่จะประเมินค่าความสำคัญของภาพทางศิลปะให้สูงไป ตัวอย่างเช่นในแบบฝึกหัดตัวอย่างง่ายๆ "หัวรถจักร" เด็กจะได้รับแนวคิดหลายอย่างพร้อมกัน: ระยะเวลาของโน้ต, หยุดชั่วคราว, ความสัมพันธ์ของพวกเขา เขาคุ้นเคยกับน้ำเสียงที่เป็นภาพในดนตรี ในขณะเดียวกันก็ให้แนวคิดของดนตรีในฐานะศิลปะชั่วคราว ตรงกันข้ามกับศิลปะประเภทอื่นที่ควรวาดเส้นขนานกัน ส่วนที่มีเนื้อหาของโปรแกรมมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการได้ยินแบบเสียงต่ำ อุปมา การเชื่อมโยงภาพมีส่วนช่วยในการพัฒนาจินตนาการทางการได้ยิน

หากต้องการเล่นอย่างโจ่งแจ้ง คุณต้องพูดให้ถูกต้อง วลีดนตรีสามารถแสดงได้อย่างชัดเจนบนเครื่องดนตรีหากตรงตามเงื่อนไขพื้นฐานอย่างน้อยสามประการ: 1. เมื่อนักแสดงทราบถึงโครงสร้างของวลี (แบ่งเป็นแรงจูงใจ) การเปลี่ยนแปลง (จุดเริ่มต้น เพิ่มขึ้น จุดสำคัญ การเสื่อม) โดยไม่คำนึงถึงเครื่องมือ 2) เป็นเจ้าของเครื่องมือเพียงพอที่จะดำเนินการตามเจตนารมณ์ทางศิลปะของเขา 3) รู้วิธีฟังตัวเอง การแสดงของเขาราวกับว่ามาจากภายนอกและแก้ไขข้อบกพร่องที่สังเกตได้ ข้อมูลเฉพาะนี้จำเป็นสำหรับนักแสดงทุกคน นักเรียนต้องกำหนด (ก่อนอื่นด้วยความช่วยเหลือของครู) รูปแบบขององค์ประกอบที่เขาเรียนรู้รู้โทนสีของชิ้นงานอย่างแน่นหนาจำนวนและชื่อของตัวละครที่คีย์ ฯลฯ

ดนตรีและวรรณคดี.

วรรณกรรมและดนตรี คำพูดและดนตรีเป็นหลักการสำคัญสองประการ สององค์ประกอบของศิลปะ เป็นเวลาหลายศตวรรษแล้วที่พวกเขามีปฏิสัมพันธ์กันอย่างต่อเนื่อง มักจะทะเลาะกันและมักจะตกลงกันและเข้าใจซึ่งกันและกัน บางครั้งการปะทะกันและการปรองดองทำให้เกิดผลงานชิ้นเอก - เพลงรักและโอเปร่า ข้อความบทกวีสามารถให้เสียงใหม่แก่ดนตรี เขาเสริมคุณค่าด้วยความหมาย เงาแห่งความรู้สึก ความสว่างไสวของเสียงต่ำ ในอดีตอันไกลโพ้น วรรณกรรมและดนตรีประกอบเป็นหนึ่งเดียว

การคิดเชิงจินตนาการของเด็ก หรือมากกว่านั้น ระดับการพัฒนาของเขา มีอิทธิพลอย่างมากต่อความสำเร็จของเขาในการสอนดนตรี ท้ายที่สุด รูปภาพมักแสดงอารมณ์ และอารมณ์เป็นเนื้อหาหลักของเพลงแทบทุกประเภท

และสำหรับสิ่งนี้ เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่ครั้งแรกที่เขาได้ยินภาพเหล่านี้ในเพลง แต่เด็กในวัยที่พวกเขาเริ่มเรียนดนตรียังไม่ได้พัฒนาความคิดเชิงนามธรรม ดังนั้น เสียงเพลงที่ไพเราะจึงไม่ได้ทำให้เกิดภาพที่เชื่อมโยงกันซึ่งใกล้เคียงกับที่พวกเขาคุ้นเคยกันดีอยู่แล้วตั้งแต่ช่วงวัยเด็ก

ในเรื่องนี้ เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่จะต้องผลักดันให้เด็กสร้างสะพานเชื่อมระหว่างเนื้อหาทางอารมณ์ของเพลงที่เขาเล่นกับภาพ อารมณ์ ความประทับใจที่เขาได้รับจากประสบการณ์ชีวิตและจากการติดต่อกับศิลปะอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องอย่างมีสติ

วรรณคดีเป็นหนึ่งในรูปแบบศิลปะที่เกี่ยวข้องและใกล้เคียงกับดนตรีมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพูดถึงการท่องวรรณกรรมและกวีนิพนธ์ มีคำศัพท์ในเพลง: "ประโยค", "วลี" เรายังใช้แนวคิด: "เครื่องหมายวรรคตอน", "caesura" แต่สิ่งสำคัญที่สุดที่ทำให้ดนตรีเกี่ยวข้องกับคำพูดที่แสดงออกและสิ่งที่เป็นรากฐานหลักของการแสดงดนตรีที่แสดงออกคือเสียงสูงต่ำ

ความหมายของงานวรรณกรรมแสดงเป็นคำพูด เด็กจึงเข้าใจเนื้อหาของข้อความได้ง่าย ในดนตรี เนื้อหานี้แสดงออกอย่างเป็นนามธรรมมากขึ้น มันถูกซ่อนอยู่หลังสัญลักษณ์ที่เปล่งเสียง และเพื่อที่จะเข้าใจความหมาย คุณจำเป็นต้องรู้การถอดรหัสของสัญลักษณ์เหล่านี้

น้ำเสียงที่แสดงออกถึงอารมณ์เป็นหนึ่งในสัญลักษณ์หลักที่สื่อถึงบริบททางอารมณ์ในดนตรี สัญลักษณ์น้ำเสียงสูงต่ำเหล่านี้มาจากไหน และเหตุใดจึงเหมือนกันมากหรือน้อยสำหรับทุกคน (ซึ่งเป็นสิ่งที่ทำให้ภาษาดนตรีสากล) เหตุผลก็คือมันมาจากภาษาพูดของเราอย่างแม่นยำมากขึ้นจากน้ำเสียงที่มาพร้อมกับ แสดงออกคำพูด. ดังนั้น เพื่อให้เด็กเรียนรู้ที่จะฟังเสียงสูงต่ำเหล่านี้ในดนตรี เราต้องสอนเขาให้ได้ยินโดยใช้คำพูดธรรมดาของมนุษย์ก่อน

เนื่องจากดนตรีเป็นภาษาของอารมณ์ ดังนั้น คำพูดที่น้ำเสียงสูงต่ำถูก "ลบ" และคัดลอกจึงต้องมีอารมณ์ ดังนั้น เพื่อให้นักดนตรีแสดงได้อย่างชัดเจน เขาต้องเรียนรู้การบรรยายที่แสดงออกทางอารมณ์

หากเด็กรู้วิธีออกเสียงคำตามอารมณ์ ด้วยน้ำเสียงที่แสดงออก ก็จะง่ายกว่ามากที่จะนำน้ำเสียงนี้ไปใส่ในดนตรี และความหมายของดนตรีก็จะยิ่งใกล้ชิดและชัดเจนขึ้นมาก

นิทานพื้นบ้านหลายเรื่องรวมถึงการร้องเพลงของตัวละคร (เช่นนิทานพื้นบ้านรัสเซีย "Teremok", "Kolobok", "Cat, Rooster and Fox" เป็นต้น)

ฮีโร่ในเทพนิยายแต่ละคนมีภาพลักษณ์ทางดนตรีของตัวเอง ซึ่งประกอบด้วยจังหวะ ระดับเสียง จังหวะที่กำหนดตัวละครของเขา

ดนตรีและทัศนศิลป์.

เมื่อทำงานกับการคิดเชิงดนตรี เรามักจะหันไปทางทัศนศิลป์ สิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อทำงานกับชิ้นส่วนซอฟต์แวร์

การศึกษาโปรแกรมเพลงในพื้นที่กว้างใหญ่เราพบว่าไม่เพียง แต่เพลงและนิทานบทกวีและเพลงบัลลาดเท่านั้นไม่เพียง แต่ชื่อที่ได้รับแรงบันดาลใจจากภาพวรรณกรรมเช่น "Scheherazade" โดย N. Rimsky-Korsakov " Peer Gynt" โดย E. Grieg หรือ "Blizzard" G. Sviridov ในดนตรีปรากฏว่าภาพวาดไพเราะภาพเฟรสโกและภาพพิมพ์มีอยู่เป็นเวลานาน ชื่อเพลงสะท้อนภาพที่สร้างแรงบันดาลใจ - "ป่า" และ "ทะเล" "เมฆ" และ "หมอก" และยังมี "ประตูวีรบุรุษในเคียฟ", "ปราสาทเก่า", "น้ำพุโรมัน"

อะไรที่เชื่อมโยงดนตรีและทัศนศิลป์? ประการแรก - ไดนามิก การกระจายระดับความดัง ระดับเหล่านี้ได้รับชื่อของเฉดสีหรือความแตกต่างในดนตรี - และนี่คือคำจำกัดความจากสาขาการวาดภาพ! ความเปรียบต่างของสีในการวาดภาพเปรียบได้กับความเปรียบต่างของโหมดหลักและโหมดรองในดนตรี ซึ่งสอดคล้องกับอารมณ์ ความเปรียบต่างของรีจิสเตอร์สร้างเสียงที่ "เข้มขึ้น" และ "สว่างขึ้น"

ธรรมชาติในงานศิลปะนั้นสร้างจิตวิญญาณขึ้นมา มันเป็นเรื่องที่น่าเศร้าและสนุกสนาน ครุ่นคิด และน่าเกรงขาม มันเป็นอย่างที่คนเห็นมัน ธีมของธรรมชาติดึงดูดนักดนตรีมาเป็นเวลานาน ธรรมชาติให้เสียงดนตรีและเสียงทุ้มที่ได้ยินในการร้องเพลงของนก เสียงพึมพำของลำธาร ในเสียงพายุฝนฟ้าคะนอง

ภูมิทัศน์ในดนตรีสามารถเปรียบได้กับภูมิทัศน์ในงานจิตรกรรม ดังนั้นภาพธรรมชาติที่ผู้แต่งหันไปหาจึงมีความหลากหลาย

ไม่เพียงแต่ฤดูกาลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงช่วงเวลาของวันด้วย ฝนและหิมะ องค์ประกอบของป่าและทะเล ทุ่งหญ้าและทุ่งนา โลกและท้องฟ้า ทุกสิ่งล้วนแสดงออกถึงเสียงของมัน ซึ่งบางครั้งก็โดดเด่นอย่างแท้จริงด้วยความแม่นยำของภาพและพลังแห่งอิทธิพลที่มีต่อผู้ฟัง .

การทำงานกับนักเรียนในโครงการ เราหันไปใช้การรับรู้ทางสายตาของภาพที่ดำเนินการ

บทสรุป.

ครู - นักดนตรีทุกคนมีงานที่ยาก: เพื่อให้ความรู้ทักษะการเล่นคุณภาพสูงและความสมบูรณ์ของศูนย์รวมของการออกแบบทางศิลปะในนักเรียน กุญแจดอกหนึ่งที่นำไปสู่ความสมบูรณ์ของการสอนคือการติดต่ออย่างใกล้ชิดของครูกับนักเรียน ความเข้าใจของพวกเขาขึ้นอยู่กับความสนใจอย่างสร้างสรรค์ในการเรียนรู้เกี่ยวกับดนตรี ควรรักษาความสนใจอย่างต่อเนื่องโดยการขยายขอบเขตการศึกษาและการสอนด้วยผลงานที่ซับซ้อนมากขึ้นในความสัมพันธ์ประเภท โวหาร และเนื้อสัมผัส การวิเคราะห์วิธีการศึกษาผลงานและการสอนอย่างละเอียดถี่ถ้วนเผยให้เห็นถึงความเฉพาะเจาะจงของการเรียนรู้โดยนักเรียน

วรรณกรรม:

1. Alekseev A. วิธีการสอนเล่นเปียโน ดนตรี, ม. 1991

2. Kryukova V. การสอนดนตรี มิวสิค, ม., 1989

3. Feinberg S. Pianism เป็นศิลปะ ฟีนิกซ์. 2546.

4. A. Sobolev, A. Potanin "ชำระดนตรีในบ้าน" มอสโก 2548

1

งานอย่างหนึ่งของการศึกษาดนตรีในโรงเรียนคือการให้โอกาสเด็ก "ได้ฟังเนื้อหาสำคัญของดนตรี ... เพื่อสร้าง ... หูสำหรับดนตรีเป็นอวัยวะในการค้นหาความงามที่ไม่เคยมีมาก่อน" คนที่เพิ่งเกิดได้สร้างสายสัมพันธ์กับโลกผ่านเสียงสูงต่ำอยู่แล้ว ไม่ว่าพัฒนาการของเด็กจะเป็นอย่างไร เขาก็ตอบสนองต่อการแสดงออกทางอารมณ์ของเธอ

การออกเสียงสูงต่ำคือจุดโฟกัสเล็กๆ ของความคิดในโครงสร้างเสียง การแสดงออกของความรู้สึก และโครงร่างพลาสติกในไมโครสสารที่ฟังดูน่าฟัง ไม่ว่าบุคคลจะวางตำแหน่งตัวเองในโลกอย่างไร ไม่ว่าเขาจะพูดกับเขาอย่างไร ไม่ว่าเขาจะรับรู้โลกอย่างไร เขาก็ทำงานด้วยน้ำเสียงสูงต่ำ ซึ่งเป็นแก่นแท้ของคำพูดและแก่นแท้ของดนตรี น้ำเสียงตาม V. Medushevsky คือ "ตัวตนทางศิลปะ" ของเรา ขอบเขตของชาตินำศิลปะทุกประเภทมาไว้ด้วยกัน เนื่องจากต้นกำเนิดของดนตรี วิจิตรศิลป์ วรรณกรรม การออกแบบท่าเต้น โรงละคร ฯลฯ มีทัศนคติต่อการเป็นอยู่ สาระสำคัญของสิ่งนั้นสามารถสื่อออกมาได้ในคำพูดของ F. Tyutchev: “ทุกสิ่งทุกอย่าง อยู่ในฉันและฉันอยู่ในทุกสิ่ง!”

เสียงสูงต่ำยังเป็นความทรงจำทางดนตรีและภาษาศาสตร์ ซึ่งเสียงที่ไพเราะ-จังหวะ, เป็นรูปเป็นร่าง, พลาสติก และความประทับใจอื่นๆ ของชีวิตและประสบการณ์ทางวัฒนธรรมของมนุษยชาติถูกซ่อนไว้ เป็นการยากที่จะเข้าใจน้ำเสียงสูงต่ำ รู้สึกถึงความเป็นเอกเทศและความคิดริเริ่ม รู้สึกถึงภาพลักษณ์ เจาะลึกธรรมชาติในสุดของมัน ชื่นชมความกะทัดรัดของการก่อสร้าง การคาดการณ์การพัฒนานั้นยาก แต่น่าสนใจอย่างเหลือเชื่อ เมื่อเปิดเผยความลับของโครงสร้างจุลภาคนี้ คุณจะเริ่มเข้าใจและฟังโลกอย่างลึกซึ้งและลึกซึ้งยิ่งขึ้น ตลอดจนเข้าใจและได้ยินตัวเองในโลกนี้ ดังนั้นจึงเป็นที่ชัดเจนว่าการพัฒนาการคิดแบบชาตินิยม - ความสามารถในการคิดด้วยน้ำเสียงและน้ำเสียงสูงต่ำ - เป็นวิธีการเปลี่ยนเด็กเข้าด้านในสู่ส่วนลึกของจิตวิญญาณและความคิดของเขา วิธีสะสมประสบการณ์ชีวิตผ่านดนตรี และในที่สุด วิธีที่ถูกต้องวิธีหนึ่งในการเอาชนะวิกฤตทางจิตวิญญาณและศีลธรรมของมนุษยชาติ

ชุด "ดนตรี" ทางการศึกษาที่พัฒนาโดยทีมงานสร้างสรรค์ภายใต้การนำของ G. P. Sergeeva และ E. D. Kritskaya ให้โอกาสที่กว้างที่สุดในการแก้ปัญหาข้างต้น โครงสร้างที่มีศูนย์กลางของสื่อการสอน แบ่งเป็นช่วงๆ และชุดเชื่อมโยงที่หลากหลายทำให้สามารถสร้าง "คำศัพท์เกี่ยวกับเสียงสูงต่ำ" ของเด็กนักเรียนได้ โดยอาศัยความเข้าใจในการออกเสียงสูงต่ำเป็นความสม่ำเสมอของศิลปะ เนื้อหาของโปรแกรมถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่สะสม "สัมภาระสูงต่ำ" ทีละน้อยประสบการณ์ระดับชาติได้รับการเสริมคุณค่า การเปรียบเทียบอย่างมีจุดมุ่งหมายของงานต่าง ๆ กับน้ำเสียงประเภทเดียวกัน น้ำเสียงของสไตล์ใดสไตล์หนึ่งจะพัฒนาสัญชาตญาณทางดนตรีและปรับปรุงคุณภาพการรับรู้ทางดนตรีอย่างมีนัยสำคัญ

พื้นฐานสำหรับพัฒนาการทางความคิดของเด็กคือความคลุมเครือในการรับรู้ การตีความที่หลากหลาย และ "ตัวเลือกการได้ยิน" ที่หลากหลาย ชุด "ดนตรี" เกี่ยวกับระเบียบวิธีการศึกษาจะกระตุ้นให้เด็กค้นหาการเชื่อมโยงที่เป็นรูปเป็นร่างระหว่างดนตรีกับวิจิตรศิลป์ ประวัติศาสตร์ วรรณกรรม ประติมากรรม การถ่ายภาพศิลปะอย่างต่อเนื่อง ดังนั้นการเน้นในการศึกษาดนตรีตาม EMC "Muzyka" จึงเปลี่ยนจากทฤษฎีและประวัติศาสตร์ของดนตรีไปสู่การขยายตัวของสัมภาระที่เป็นรูปเป็นร่างของเด็ก การพัฒนาการตอบสนองของเขาต่อดนตรีและความปรารถนาที่จะแสดงตัวตนในงานศิลปะ บทเรียนที่สอนในโปรแกรมนี้ช่วยให้ตามที่ B. Asafiev "ชื่นชมยินดีและเศร้าโศกและรู้สึกถึงพลังและความกล้าหาญที่เข้มงวด ... ไม่เกี่ยวกับดนตรีหรือดนตรี แต่ให้สัมผัสกับน้ำเสียงสูงต่ำ"

วิธีการของ "มุมมองและการหวนกลับ" เสนอโดย DB Kabalevsky และพัฒนาอย่างประสบความสำเร็จในวิธีการสอนนี้ทำให้สามารถไปได้ตั้งแต่กำเนิดของเสียงสูงต่ำและการพัฒนาไปสู่ศูนย์รวมของภาพและการเปิดเผยแนวความคิดทางอุดมการณ์ของดนตรีหลัก ทำงาน ความคิดและความรู้สึกที่ผู้เขียนวางไว้ในรูปแบบดนตรีขนาดใหญ่นั้นชัดเจนและเข้าใจได้สำหรับเด็ก การเปลี่ยนไปใช้เสียงสูงต่ำทำให้เราสามารถ "ถอดรหัส" เนื้อหาของงานได้เอง เพื่อให้เข้าใจว่าเป็นผลจากความคิดทางศิลปะที่ถือกำเนิดขึ้น เพื่อสะท้อนถึงความขัดแย้งทางศีลธรรมและสุนทรียภาพบางอย่าง จากนั้นให้พิจารณาละครของงานการจัดเรียงภาพดนตรีระดับความขัดแย้งและการมีปฏิสัมพันธ์ ผลที่ตามมาคือ การคิดแบบสัญชาติญาณเป็นองค์ประกอบของการคิดเชิงศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ เด็กใช้เส้นทางของการค้นหา เส้นทางของผู้สร้าง เข้าใจศิลปะว่าเป็น "ประสบการณ์ของความสัมพันธ์" (S. Kh. Rappoport)

เมื่อพิจารณาถึงวิวัฒนาการของรูปแบบดนตรี การเปรียบเทียบการตีความผลงานต่างๆ และการแสดง การเรียนรู้ศิลปะดนตรีชั้นต่างๆ (ตั้งแต่นิทานพื้นบ้านและประเพณีทางศาสนาไปจนถึงดนตรีวิชาการสมัยใหม่และดนตรียอดนิยมในบทสนทนา) "ภาพศิลปะแบบองค์รวมของโลก" จะค่อยๆ สร้างขึ้นในจิตใจของนักเรียน การดึงดูดศิลปะดนตรีในฐานะประสบการณ์ของคนรุ่นต่อรุ่น การใช้ชีวิตในกิจกรรมทางดนตรีของพวกเขาเอง เปิดโอกาสให้คนคนหนึ่งสร้างคุณค่าทางอารมณ์ ประสบการณ์ทางศีลธรรมและสุนทรียภาพ และประสบการณ์ของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและศิลปะ

ในทางปฏิบัติ ครูได้อะไรจากการสอนวิชาบนพื้นฐานของ "ดนตรี" ของ EMC?

ประการแรก เด็ก ๆ ไม่กลัวที่จะแต่งเพลงเพราะธรรมชาติของความคิดสร้างสรรค์เป็นที่คุ้นเคย เข้าใจ และคุ้นเคยกับพวกเขา พวกเขาเต็มใจเขียนและปฏิบัติงาน แน่นอนว่าสิ่งเหล่านี้ไม่ใช่การแต่งเพลงขนาดใหญ่ แต่มีเพียงรูปแบบเล็ก ๆ แต่ในหมู่พวกเขามีเพลงที่นำเสนอแล้วในการแข่งขันระดับเทศบาลและระดับรัฐบาลกลาง

ประการที่สอง เด็กพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ ครูไม่ค่อยให้แนวคิดเชิงทฤษฎีแก่นักเรียนมากนัก บ่อยครั้งที่พวกเขาเข้าใจในหลักสูตรของความร่วมมือและการทำงานร่วมกันของครูและนักเรียน หรือในกระบวนการทำงานอิสระในบทเรียน ตัวอย่างเช่น เด็กๆ เองอนุมานรูปแบบของการสร้างรูปแบบวงกลมในชั้นประถมศึกษาปีที่ 2 และคิดว่าทั้งเสียงสูงต่ำหรือทำนองควรเชื่อมโยงส่วนต่างๆ ของวงจร จากนั้นวงจรจะมีความสมบูรณ์มากขึ้น และความยินดีที่ทำให้พวกเขาติดตามการเปลี่ยนแปลงของเสียง "เดิน" ใน "รูปภาพที่นิทรรศการ" โดย MP Mussorgsky

ประการที่สาม เด็ก ๆ ได้รับ "หูทางสังคม" (B. Asafiev) พวกเขารู้สึกถึงสไตล์ของเวลา ลักษณะเฉพาะของดนตรีในระดับชาติ ได้รับความรู้สึกของ "ภาพเหมือนของนักแต่งเพลง"

ประการที่สี่ พวกเขาสนใจรูปแบบดนตรีขนาดใหญ่ การฟังในระดับประถมศึกษาไม่ใช่ชิ้นส่วนของโอเปร่าบัลเลต์คอนเสิร์ตและซิมโฟนี แต่เป็นการกระทำและบางส่วนในเกรดอาวุโส - มองเห็นงานทั้งหมดได้อย่างสมบูรณ์งานของจิตวิญญาณและจิตใจของนักเรียนสามารถมองเห็นได้และความเข้าใจ มาว่าไม่มีอะไรสามารถแทนที่ช่วงเวลาดังกล่าวในชีวิตของบุคคลได้เมื่อบุคคลดำเนินการสนทนากับ "ฉัน" ในตัวของเขา เมื่อเขาเรียนรู้ที่จะอยู่ร่วมกับดนตรี!

บรรณานุกรม:

1. Medushevsky V.V. รูปแบบของดนตรีสากล - ม., 2536 .-- 265 น.
2. Sergeeva G.P. , Kritskaya E.D.Music: วิธีการ เบี้ยเลี้ยง. - ม., 2548 .-- 205 น.
3. Kritskaya E. D. , Sergeeva G. P. , Shmagina T. S. วิธีการทำงานกับหนังสือเรียน "ดนตรี" เกรด 1-4 - ม., 2545 .-- 206 น.

การอ้างอิงบรรณานุกรม

Talalaeva N.V. การพัฒนาการคิดเชิงโทนโดยอิงจากแพ็คเกจการสอนวิธี "ดนตรี" // การวิจัยขั้นพื้นฐาน - 2551. - ลำดับที่ 5 - ส. 125-126;
URL: http://fundamental-research.ru/ru/article/view?id=3002 (วันที่เข้าถึง: 28.10.2019) เรานำวารสารที่ตีพิมพ์โดย "Academy of Natural Sciences" มาให้คุณทราบ

ในทางจิตวิทยา มีการกำหนดตำแหน่งว่าการคิดเชิงศิลปะคือการคิดในรูปตามแนวคิดเฉพาะ ในจิตวิทยาดนตรีสมัยใหม่ ภาพลักษณ์ทางศิลปะของงานดนตรีถือเป็นความสามัคคีของหลักการสามประการ - วัสดุ จิตวิญญาณ และตรรกะ

พื้นฐานของวัสดุของงานดนตรีปรากฏในรูปแบบของลักษณะทางเสียงของเรื่องเสียง ซึ่งสามารถวิเคราะห์ได้โดยพารามิเตอร์ต่างๆ เช่น ท่วงทำนอง ความกลมกลืน จังหวะรถไฟใต้ดิน ไดนามิก เสียงต่ำ รีจิสเตอร์ พื้นผิว แต่ลักษณะภายนอกทั้งหมดเหล่านี้ของงานไม่สามารถให้ปรากฏการณ์ของภาพศิลปะได้ด้วยตัวเอง ภาพดังกล่าวสามารถเกิดขึ้นได้เฉพาะในจิตใจของผู้ฟังและนักแสดงเท่านั้น เมื่อเขาเชื่อมโยงจินตนาการของเขา เจตจำนง เข้ากับพารามิเตอร์ทางเสียงเหล่านี้ของงาน และระบายสีผ้าที่เปล่งเสียงด้วยความช่วยเหลือจากความรู้สึกและอารมณ์ของเขาเอง ดังนั้น ข้อความดนตรีและพารามิเตอร์ทางเสียงของเพลงประกอบเป็นพื้นฐานของเนื้อหา พื้นฐานของวัสดุของชิ้นส่วนของเพลง ผ้าดนตรีถูกสร้างขึ้นตามกฎของตรรกะทางดนตรี วิธีการหลักของการแสดงออกทางดนตรี - ท่วงทำนอง, ความกลมกลืน, จังหวะเมโทร, ไดนามิก, พื้นผิว - เป็นวิธีการผสมผสาน, การทำให้เสียงสูงต่ำทางดนตรีโดยทั่วไปซึ่งอยู่ในเพลงตามคำจำกัดความของ B.V. Asafiev ผู้ให้บริการหลักของการแสดงออกของความหมาย

พื้นฐานทางจิตวิญญาณ - อารมณ์ ความเชื่อมโยง จินตนาการต่างๆ ที่สร้างภาพลักษณ์ทางดนตรี

พื้นฐานทางตรรกะคือการจัดระเบียบอย่างเป็นทางการของเพลงหนึ่งๆ จากมุมมองของโครงสร้างฮาร์มอนิกและลำดับของชิ้นส่วน ซึ่งเป็นองค์ประกอบเชิงตรรกะของภาพดนตรี น้ำเสียงที่อยู่ภายใต้กฎแห่งการคิดทางดนตรี กลายเป็นหมวดสุนทรียะในดนตรีชิ้นหนึ่ง ซึ่งรวมเอาหลักการทางอารมณ์และเหตุผลเข้าไว้ด้วยกัน สัมผัสถึงแก่นแท้ที่แสดงออกของภาพศิลปะทางดนตรี เข้าใจหลักการสร้างวัสดุจากผ้าเสียง ความสามารถในการรวบรวมความสามัคคีนี้ในการกระทำที่สร้างสรรค์ - การแต่งหรือการตีความดนตรี - นี่คือสิ่งที่การคิดทางดนตรีเป็นการกระทำ

เมื่อมีความเข้าใจในหลักการเหล่านี้ทั้งหมดของภาพทางดนตรีในจิตใจของทั้งผู้แต่ง ผู้แสดง และผู้ฟัง เราจะพูดถึงการมีอยู่ของความคิดทางดนตรีอย่างแท้จริงเท่านั้น

นอกจากการปรากฏตัวในภาพดนตรีของหลักการทั้งสามข้างต้นแล้ว - ความรู้สึก เรื่องเสียง และการจัดวางตรรกะ - มีองค์ประกอบที่สำคัญอีกประการหนึ่งของภาพดนตรี - เจตจำนงของนักแสดงที่เชื่อมโยงความรู้สึกของเขากับชั้นเสียงของ ผลงานดนตรีและนำมาสู่ผู้ฟังอย่างเต็มอิ่มทุกอรรถรส.เสียง. มันเกิดขึ้นที่นักดนตรีรู้สึกและเข้าใจเนื้อหาของเพลงอย่างละเอียด แต่ในการแสดงของเขาเองด้วยเหตุผลหลายประการ (ขาดความพร้อมด้านเทคนิค, ความตื่นเต้น ... ) การแสดงจริงนั้นมีคุณค่าทางศิลปะเพียงเล็กน้อย . และมันเป็นกระบวนการโดยสมัครใจที่รับผิดชอบในการเอาชนะความยากลำบากในการบรรลุเป้าหมายที่กลายเป็นปัจจัยชี้ขาดในการดำเนินการตามสิ่งที่คิดและมีประสบการณ์ในกระบวนการเตรียมการที่บ้าน

สำหรับการพัฒนาและการพัฒนาตนเองของนักดนตรี จากสิ่งที่ได้กล่าวไปแล้ว การทำความเข้าใจและจัดระเบียบทุกด้านของกระบวนการสร้างสรรค์ทางดนตรีอย่างถูกต้องเป็นสิ่งสำคัญมาก ตั้งแต่ความตั้งใจจนถึงการผสานรวมที่เป็นรูปธรรมในการแต่งเพลงหรือการแสดง ดังนั้นความคิดของนักดนตรีจึงเน้นไปที่กิจกรรมของเขาเป็นหลัก:

• - การคิดผ่านโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน - ความสัมพันธ์ที่เป็นไปได้ อารมณ์และความคิดเบื้องหลังพวกเขา
• - คิดเกี่ยวกับเนื้อผ้าของงาน - ตรรกะของการพัฒนาความคิดในโครงสร้างที่กลมกลืนกัน, ลักษณะเฉพาะของทำนอง, จังหวะ, เนื้อสัมผัส, ไดนามิก, agogy, การก่อตัวของรูปแบบ
• - ค้นหาวิธีการ วิธีการ และวิธีการที่สมบูรณ์แบบที่สุดในการรวบรวมความคิดและความรู้สึกบนเครื่องดนตรีหรือบนกระดาษดนตรี

"ฉันได้ในสิ่งที่ฉันต้องการ" - นี่คือจุดสุดท้ายของการคิดทางดนตรีในกระบวนการแสดงและแต่งเพลง "- GG Neigauz กล่าว

มือสมัครเล่นอย่างมืออาชีพ ในการสอนดนตรีสมัยใหม่มักจะมีการฝึกฝนความสามารถในการเล่นอย่างมืออาชีพของนักเรียน ซึ่งการเติมเต็มความรู้เชิงทฤษฎีนั้นช้า ความขาดแคลนความรู้ด้านดนตรีของนักดนตรีทำให้สามารถพูดถึง "มือสมัครเล่นระดับมืออาชีพ" ที่ฉาวโฉ่ของนักดนตรีบรรเลงที่ไม่รู้อะไรเลยที่อยู่นอกเหนือวงแคบของความเชี่ยวชาญเฉพาะทางในทันที ความจำเป็นในการเรียนรู้หลายๆ ส่วนในช่วงปีการศึกษาตามโปรแกรมที่กำหนดนั้นไม่ปล่อยให้เวลาสำหรับกิจกรรมประเภทดังกล่าวที่จำเป็นสำหรับนักดนตรี เช่น การฟัง การเปลี่ยนท่าทาง การอ่านด้วยสายตา การเล่นเป็นหมู่คณะ

จากผลดังกล่าว มีหลายสถานการณ์ที่สามารถระบุได้ซึ่งขัดขวางการพัฒนาความคิดทางดนตรีในกระบวนการศึกษา:

• 1. นักเรียนการแสดงดนตรีในการฝึกฝนประจำวันของพวกเขาต้องรับมือกับผลงานจำนวนจำกัด ฝึกฝนทักษะทางการศึกษาและการสอนขั้นต่ำ
• 2. บทเรียนในชั้นเรียนการแสดงซึ่งโดยพื้นฐานแล้วกลายเป็นการฝึกทักษะการเล่นแบบมืออาชีพนั้นมักมีเนื้อหาไม่เพียงพอ - การเติมเต็มความรู้เชิงทฤษฎีและความรู้ทั่วไปเกิดขึ้นในหมู่นักเรียนนักบรรเลงอย่างช้าและไม่ได้ผล ด้านความรู้ความเข้าใจของการเรียนรู้กลายเป็น ด้านล่าง.
• 3. การสอนในหลายกรณีมีลักษณะเป็นเผด็จการที่เด่นชัด โดยกำหนดให้นักเรียนปฏิบัติตามรูปแบบการตีความที่กำหนดโดยครู โดยไม่ต้องพัฒนาการวัดความเป็นอิสระ กิจกรรม และความคิดริเริ่มเชิงสร้างสรรค์ที่เหมาะสม
• 4. ทักษะและความสามารถที่เกิดขึ้นในกระบวนการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีนั้นมีจำกัด ไม่กว้างพอและเป็นสากล (นักเรียนแสดงให้เห็นว่าไม่สามารถก้าวข้ามวงแคบของบทละครที่ทำร่วมกับครูในกิจกรรมการเล่นเชิงปฏิบัติ)

การขยายขอบเขตอันไกลโพ้นทางดนตรีและทางปัญญาทั่วไปควรเป็นความกังวลอย่างต่อเนื่องของนักดนตรีรุ่นใหม่ เพราะมันจะช่วยยกระดับความสามารถทางวิชาชีพของเขา

เพื่อพัฒนาทักษะการคิดในกระบวนการรับรู้ดนตรี ขอแนะนำ:

• - เพื่อระบุเกรนน้ำเสียงหลักในการทำงาน
• - เพื่อกำหนดทิศทางสไตล์ของเพลงด้วยหู;
• - เพื่อเปิดเผยลักษณะเฉพาะของสไตล์การแสดงเมื่อตีความงานเดียวกันโดยนักดนตรีที่แตกต่างกัน
• - กำหนดโดยลำดับฮาร์มอนิกของหู
• - เพื่อคัดเลือกงานวรรณกรรมและจิตรกรรมสำหรับองค์ประกอบทางดนตรีตามโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่าง

ในการพัฒนาทักษะการคิดในกระบวนการดำเนินการ คุณควร:

• - เพื่อเปรียบเทียบแผนการแสดงผลงานดนตรีในรุ่นต่างๆ
• - ค้นหาน้ำเสียงชั้นนำและจุดสนับสนุนที่ความคิดทางดนตรีพัฒนาในเพลง
• - จัดทำแผนการแสดงหลายรายการสำหรับเพลงชิ้นเดียวกัน
• - ดำเนินการกับออร์เคสตร้าจินตภาพต่างๆ

ขึ้นอยู่กับประเภทของกิจกรรมเฉพาะในการคิดทางดนตรี การเริ่มต้นที่เป็นรูปเป็นร่างสามารถเหนือกว่าได้ ซึ่งเราสามารถสังเกตได้เมื่อรับรู้ดนตรีหรือการมองเห็นที่ได้ผลในขณะที่มันเกิดขึ้นในขณะที่เล่นเครื่องดนตรีหรือความรู้เชิงนามธรรม ด้วยประสบการณ์ชีวิตของผู้ฟัง

ในกิจกรรมทุกประเภทเหล่านี้ - การสร้างดนตรี, การแสดง, การรับรู้ - จำเป็นต้องมีภาพแห่งจินตนาการโดยปราศจากงานที่ไม่มีกิจกรรมทางดนตรีที่เต็มเปี่ยม เมื่อสร้างผลงานเพลง ผู้แต่งจะทำงานด้วยเสียงในจินตนาการ คิดตามตรรกะของการใช้งาน เลือกเสียงสูงต่ำที่ถ่ายทอดความรู้สึกและความคิดได้ดีที่สุดในขณะที่สร้างเพลง เมื่อนักแสดงเริ่มทำงานกับข้อความที่นักแต่งเพลงมอบให้เขา วิธีการหลักในการถ่ายทอดภาพทางดนตรีคือทักษะทางเทคนิคของเขา ซึ่งเขาพบจังหวะที่ต้องการ จังหวะ พลวัต ความทรมาน เสียงต่ำที่ต้องการ ความสำเร็จของการแสดงมักจะเกี่ยวข้องกับความรู้สึกของนักแสดงและเข้าใจภาพลักษณ์ของเพลงนั้นๆ ได้ดีเพียงใด ผู้ฟังจะสามารถเข้าใจสิ่งที่นักแต่งเพลงและนักแสดงต้องการจะแสดงออกมา หากในการแสดงตัวตนภายในของเขา เสียงเพลงสามารถกระตุ้นสถานการณ์ในชีวิต ภาพ และความสัมพันธ์ที่สอดคล้องกับจิตวิญญาณของงานดนตรี มักจะเป็นผู้ที่มีประสบการณ์ชีวิตที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น ผู้มีประสบการณ์และเห็นมามาก แม้จะไม่มีประสบการณ์ทางดนตรีพิเศษใด ๆ ก็ตาม ตอบสนองต่อดนตรีได้ลึกซึ้งกว่าผู้ฝึกดนตรี แต่มีประสบการณ์เพียงเล็กน้อย

การเชื่อมโยงจินตนาการทางดนตรีกับประสบการณ์ชีวิตของผู้ฟัง

ขึ้นอยู่กับประสบการณ์ชีวิตของพวกเขา คนสองคนที่ฟังเพลงชิ้นเดียวกันสามารถเข้าใจและประเมินมันในรูปแบบที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง เห็นภาพที่แตกต่างกันในนั้น คุณสมบัติทั้งหมดเหล่านี้ของการรับรู้ของดนตรี การแสดง และการสร้างสรรค์นั้นเกิดจากจินตนาการ ซึ่งเหมือนกับลายนิ้วมือที่ไม่เคยเหมือนกันแม้แต่กับคนสองคน กิจกรรมของจินตนาการทางดนตรีมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการแสดงแทนดนตรีและการได้ยิน เช่น ความสามารถในการฟังเพลงโดยไม่ต้องพึ่งพาเสียงจริง การแสดงแทนเหล่านี้พัฒนาบนพื้นฐานของการรับรู้ทางดนตรี ซึ่งทำให้หูมีความรู้สึกสดใสของเพลงที่กำลังเล่นโดยตรง อย่างไรก็ตาม กิจกรรมของจินตนาการทางดนตรีไม่ควรจบลงที่การทำงานของหูชั้นใน B.M. Teplov ชี้ไปที่สิ่งนี้อย่างถูกต้อง โดยกล่าวว่าการแสดงแทนการได้ยินแทบจะไม่เคยเป็นการได้ยินเลย และควรรวมถึงภาพ การเคลื่อนไหว และช่วงเวลาอื่นๆ

แทบไม่มีความจำเป็นเลยที่จะต้องพยายามแปลภาษาของภาพดนตรีให้เป็นความหมายเชิงแนวคิดที่แสดงออกมาเป็นคำพูดโดยสมบูรณ์ คำกล่าวของ PI Tchaikovsky เกี่ยวกับ Symphony ที่สี่ของเขานั้นเป็นที่รู้จักกันดีว่า "The Symphony" PI Tchaikovsky คิด "ควรแสดงออกถึงสิ่งที่ไม่มีคำพูด แต่สิ่งที่ถามจากจิตวิญญาณและสิ่งที่ต้องการจะแสดงออกมา" อย่างไรก็ตาม การศึกษาสถานการณ์ที่ผู้แต่งสร้างผลงาน ทัศนคติและโลกทัศน์ของเขาเองในยุคที่เขาอาศัยอยู่ มีอิทธิพลต่อการสร้างแนวความคิดทางศิลปะในการแสดงผลงานดนตรี เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าผลิตภัณฑ์ซอฟต์แวร์ ได้แก่ ที่ผู้แต่งให้ชื่อหรือที่นำหน้าด้วยคำอธิบายของผู้เขียนพิเศษจะง่ายต่อการเข้าใจ ในกรณีนี้นักแต่งเพลงจะร่างช่องทางที่จินตนาการของนักแสดงและผู้ฟังจะเคลื่อนไหวเมื่อทำความคุ้นเคยกับดนตรีของเขา

ที่โรงเรียนไอ.พี. Pavlova แบ่งผู้คนออกเป็นประเภทศิลปะและจิตใจขึ้นอยู่กับระบบสัญญาณที่บุคคลต้องอาศัยในกิจกรรมของเขา เมื่ออาศัยระบบการส่งสัญญาณแรกซึ่งทำงานด้วยการแสดงภาพที่เป็นรูปธรรมเป็นหลัก ในขณะที่กล่าวถึงความรู้สึกโดยตรง เราพูดถึงประเภทศิลปะ เมื่ออาศัยระบบการส่งสัญญาณที่สองที่ควบคุมพฤติกรรมโดยใช้คำพูด คนๆ หนึ่งจะพูดถึงประเภทการคิด

เมื่อทำงานกับเด็กประเภทศิลปะ ครูไม่จำเป็นต้องเสียคำมากเพราะในกรณีนี้นักเรียนเข้าใจเนื้อหาของงานโดยสังหรณ์ใจโดยเน้นที่ธรรมชาติของท่วงทำนองความกลมกลืนจังหวะและวิธีการอื่น ๆ ของการแสดงออกทางดนตรี เกี่ยวกับนักเรียนที่ G.G. Neigauz กล่าวว่าพวกเขาไม่ต้องการคำอธิบายด้วยวาจาเพิ่มเติม

เมื่อทำงานกับนักเรียนประเภทจิต แรงผลักดันภายนอกจากครูกลายเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับความเข้าใจในงานดนตรีของพวกเขา ซึ่งด้วยความช่วยเหลือจากการเปรียบเทียบ อุปมา ความสัมพันธ์ที่เป็นรูปเป็นร่าง กระตุ้นจินตนาการของนักเรียนและสาเหตุ ประสบการณ์ทางอารมณ์ในตัวเขาคล้ายกับประสบการณ์ที่ใกล้เคียงกับโครงสร้างอารมณ์ของงานที่กำลังเรียนรู้ ...

การคิดเชิงดนตรีเป็นรูปเป็นร่างเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการรับรู้หรือการทำซ้ำเนื้อหาทางศิลปะของงานดนตรี มีลักษณะเฉพาะโดยมีพื้นฐานมาจากวัสดุที่เป็นรูปเป็นร่าง ภาพดนตรีเป็นลำดับเสียงที่มีความหมายในระดับชาติ โดยมีเนื้อหาเป็นความรู้สึก อารมณ์ และประสบการณ์ของบุคคล
เป็นที่ทราบกันว่าเนื้อหาทางศิลปะของงานดนตรีนั้นแสดงออกผ่านท่วงทำนอง จังหวะ จังหวะ พลวัต ฯลฯ ซึ่งโดยทั่วไปแล้วเป็นภาษาเฉพาะของดนตรี การพัฒนาความคิดเชิงดนตรีจึงสันนิษฐานไว้ก่อนอื่นใดเกี่ยวกับภาษาของดนตรีและความตระหนักในความจริงที่ว่าดนตรีไม่ได้พรรณนาถึงโลกที่มองเห็นได้ แต่แสดงออกโดยหลักทัศนคติของบุคคลที่มีต่อโลกนี้ . และการพรรณนาของมันถูกจำกัดด้วยการสร้างคำเลียนเสียงธรรมชาติ (เช่น เสียงนกร้อง) ความเชื่อมโยงระหว่างประสาทสัมผัสทางหูและประสาทสัมผัสทางสายตา การสัมพันธ์กัน (เสียงนกร้องเป็นภาพของป่า เสียงสูงคือแสง เบา บาง เสียงต่ำมืด หนักหนา หนา ).

ลักษณะเฉพาะของดนตรีคือไม่มีการสร้างภาพข้อมูลตามวัตถุประสงค์ ความรู้สึกเดียวกันและด้วยเหตุนี้น้ำเสียงของการแสดงออกจึงอาจเกิดจากสถานการณ์ ปรากฏการณ์ หรือวัตถุที่แตกต่างกัน ดังนั้นการรับรู้ภาพดนตรีจึงทำให้เกิดปัญหาบางอย่าง ดังนั้น หนึ่งในวิธีหลักในการพัฒนาความเข้าใจเกี่ยวกับความหมายที่เป็นรูปเป็นร่างของดนตรีคือวิธีการสร้างภาพโดยการวิเคราะห์ลูกโซ่ที่ต่อเนื่องกัน: การนำเสนอภาพที่เป็นรูปธรรม (เช่น ฉากเต้นรำ) ความรู้สึกที่เกิดขึ้นจากสิ่งนี้ ภาพวัตถุประสงค์หมายถึงการแสดงออกทางดนตรีของความรู้สึกเหล่านี้

เนื้อหาของการนำเสนอที่เป็นรูปเป็นร่างทางดนตรีได้รับแจ้งก่อนอื่นตามประเภทของการเล่นรูปแบบชื่อข้อความของเพลง ฯลฯ และความหมายของการแสดงออกมักจะถูกกำหนดโดยผู้แต่งเพลง งาน. ดังนั้น คำถามทั้งหมดคือการค้นหากับนักเรียนว่าภาพวัตถุที่นำเสนอกระตุ้นความรู้สึกอย่างไร และแสดงให้เขาเห็นว่าความรู้สึกที่ปรากฏนั้นสะท้อนให้เห็นในดนตรีชิ้นนี้อย่างไร
ในกระบวนการวิเคราะห์สายโซ่นี้ จำเป็นต้องหลีกเลี่ยงการคิดมากเกินไปของนักเรียนด้วยรายละเอียดที่มากเกินไปของภาพเรื่องและพยายามให้มีลักษณะทั่วไปน้อยที่สุด วัตถุประสงค์ของการวิเคราะห์คือเพื่อค้นหาว่าสภาวะทางอารมณ์ (อารมณ์) หรือคุณภาพทางอารมณ์ของบุคคลใดทำให้เกิดภาพวัตถุที่กำหนด นั่นคือ ความปิติยินดี ความสนุกสนาน ความร่าเริง ความอ่อนโยน ความท้อแท้ ความเศร้า หรือ - ความรอบคอบ, ความเด็ดขาด, พลังงาน, ความยับยั้งชั่งใจ, ความอุตสาหะ, การขาดเจตจำนง, ความจริงจัง, ฯลฯ หลังจากนั้นจะมีการวิเคราะห์วิธีการแสดงออกทางดนตรีของลักษณะเฉพาะของอารมณ์หรือคุณภาพตามอำเภอใจ: ความสามัคคี, จังหวะ, พลวัต, การโจมตีด้วยเสียง (ยากหรือ อ่อน) อื่นๆ
วิธีหลักในการแสดงออกคือทำนอง - เสียงสูงต่ำ การจัดจังหวะ แบ่งออกเป็นแรงจูงใจ วลี ช่วงเวลา ฯลฯ ซึ่งรับรู้คล้ายกับคำพูด ไม่เพียงแต่มีอิทธิพลต่อเสียงเท่านั้น แต่ยังหมายถึงความหมายด้วย สถานการณ์นี้มีความสำคัญมากสำหรับการพัฒนาการคิดเชิงดนตรีโดยเฉพาะอย่างยิ่งการเปรียบเสมือนความหมายทางภาษาของท่วงทำนองของคำพูดที่เปี่ยมด้วยอารมณ์ อันที่จริงเมื่อเริ่มเรียนรู้ที่จะเล่นหีบเพลงปุ่มนักเรียนมีประสบการณ์ชีวิตอยู่แล้ว: เขาสามารถแยกแยะสถานะทางอารมณ์ของผู้คนรอบตัวเขาแยกแยะคุณสมบัติทางอารมณ์รู้วิธีรับรู้และทำซ้ำคำพูดที่อุดมไปด้วยอารมณ์นอกจากนี้ เขายังมีประสบการณ์ทางดนตรีด้วย ทั้งหมดนี้เป็นข้อกำหนดเบื้องต้นที่จำเป็นและเป็นธรรมชาติสำหรับการพัฒนาความเข้าใจในความหมายเชิงสากลของทำนองเพลงที่ประสบความสำเร็จ และด้วยเหตุนี้ จึงเป็นการพัฒนาความคิดเชิงเปรียบเทียบทางดนตรี คำถามทั้งหมดคือการพึ่งพาประสบการณ์นี้อย่างชำนาญ โดยใช้มันเป็นความรู้และทักษะที่ได้มาก่อนหน้านี้

เด็กหรือระดับการพัฒนาของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อความสำเร็จในการสอนดนตรี ท้ายที่สุด รูปภาพมักแสดงอารมณ์ และอารมณ์เป็นเนื้อหาหลักของเพลงแทบทุกประเภท

น่าเสียดายที่การเล่นของเด็กไม่ค่อยน่าสนใจเชิงอารมณ์ ส่วนใหญ่คุณจะได้ยินเสียงที่แหบแห้งและเป็นวิชาการ เป็นการดีถ้าเสียงเหล่านี้เป็นเสียงที่ผู้แต่งตั้งใจไว้ จะดียิ่งขึ้นไปอีกหากมีการคำนวณระยะเวลาของบันทึกย่ออย่างถูกต้อง

และถ้าจังหวะนั้นใกล้เคียงกับปัจจุบัน คุณยังต้องการอะไรอีก? งานทั้งหมดได้รับการแก้ไขแล้ว แต่การฟังเกมดังกล่าวเป็นเรื่องที่น่าเบื่ออย่างเหลือเชื่อ บางครั้งคุณคิดว่า: "จะดีกว่าถ้ามีบางอย่างผิดปกติ แต่มีปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่มีชีวิตชีวา"

แต่เพื่อให้ปฏิกิริยานี้ปรากฏขึ้น เด็กต้องการความสนใจอย่างจริงใจมากในสิ่งที่เขาทำที่เปียโน ในเรื่องนี้ ภารกิจหลักคือการบรรลุปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่สดใสต่อดนตรี ปฏิกิริยาดังกล่าวทำให้เด็กเพียงแค่ "ระเบิด" ด้วยความกระวนกระวายใจที่จะบอกด้วยเสียงเกี่ยวกับภาพที่สดใสทั้งหมดที่อยู่ในเพลง

และสำหรับสิ่งนี้ เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่ครั้งแรกที่เขาได้ยินภาพเหล่านี้ในเพลง แต่เด็กในวัยที่พวกเขาเริ่มเรียนดนตรียังไม่ได้พัฒนาความคิดเชิงนามธรรม ดังนั้น เสียงเพลงที่ไพเราะจึงไม่ได้ทำให้เกิดภาพที่เชื่อมโยงกันซึ่งใกล้เคียงกับที่พวกเขาคุ้นเคยกันดีอยู่แล้วตั้งแต่ช่วงวัยเด็ก

ในเรื่องนี้ เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่จะต้องผลักดันให้เด็กสร้างสะพานเชื่อมระหว่างเนื้อหาทางอารมณ์ของเพลงที่เขาเล่นกับภาพ อารมณ์ ความประทับใจที่เขาได้รับจากประสบการณ์ชีวิตและจากการติดต่อกับศิลปะอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องอย่างมีสติ

วรรณคดีเป็นหนึ่งในรูปแบบศิลปะที่เกี่ยวข้องและใกล้เคียงกับดนตรีมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพูดถึงการท่องวรรณกรรมและกวีนิพนธ์

มีคำศัพท์ในเพลง: "ประโยค", "วลี" เรายังใช้แนวคิด: "เครื่องหมายวรรคตอน", "caesura" แต่สิ่งสำคัญที่สุดที่ทำให้ดนตรีเกี่ยวข้องกับคำพูดที่แสดงออกและสิ่งที่เป็นรากฐานหลักของการแสดงดนตรีที่แสดงออกคือเสียงสูงต่ำ

ความหมายของงานวรรณกรรมแสดงเป็นคำพูด เด็กจึงเข้าใจเนื้อหาของข้อความได้ง่าย ในดนตรี เนื้อหานี้แสดงออกอย่างเป็นนามธรรมมากขึ้น มันถูกซ่อนอยู่หลังสัญลักษณ์ที่เปล่งเสียง และเพื่อที่จะเข้าใจความหมาย คุณจำเป็นต้องรู้การถอดรหัสของสัญลักษณ์เหล่านี้

น้ำเสียงที่แสดงออกถึงอารมณ์เป็นหนึ่งในสัญลักษณ์หลักที่สื่อถึงบริบททางอารมณ์ในดนตรี สัญลักษณ์น้ำเสียงสูงต่ำเหล่านี้มาจากไหน และเหตุใดจึงเหมือนกันมากหรือน้อยสำหรับทุกคน (ซึ่งเป็นสิ่งที่ทำให้ภาษาดนตรีสากล)

เหตุผลก็คือมันมาจากภาษาพูดของเราอย่างแม่นยำมากขึ้นจากน้ำเสียงที่มาพร้อมกับ แสดงออกคำพูด. ดังนั้น เพื่อให้เด็กเรียนรู้ที่จะฟังเสียงสูงต่ำเหล่านี้ในดนตรี เราต้องสอนเขาให้ได้ยินโดยใช้คำพูดธรรมดาของมนุษย์ก่อน

เนื่องจากดนตรีเป็นภาษาของอารมณ์ ดังนั้น คำพูดที่น้ำเสียงสูงต่ำถูก "ลบ" และคัดลอกจึงต้องมีอารมณ์ ดังนั้น เพื่อให้นักดนตรีแสดงได้อย่างชัดเจน เขาต้องเรียนรู้การบรรยายที่แสดงออกทางอารมณ์

แน่นอนว่าที่โรงเรียนขอให้ทุกคนเรียนรู้บทกวีจากความทรงจำ มีงานมอบหมายให้อ่านข้อความร้อยแก้วที่แสดงออกถึงอารมณ์ แต่ครูจะพยายามหรือไม่? แม่นยำกว่านี้เขาจะสามารถใช้ทักษะนี้กับเด็กทุกคนได้หรือไม่? ท้ายที่สุด อาจต้องใช้เวลามากในการแก้ไขน้ำเสียงที่ไม่ถูกต้อง "ผิด" หรือแม้แต่เพียงแค่น้ำเสียงที่โศกเศร้า

ไม่มีใครจะรบกวนเด็กทุกคนเมื่อมีเด็กมากกว่าหนึ่งโหลในชั้นเรียน ทำได้เฉพาะคุณแม่ที่สนใจอยากให้ลูกได้รับการศึกษาที่ดีและ

ในกรณีนี้ เรากำลังพูดถึง "เท่านั้น" เกี่ยวกับการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ซึ่งจำเป็นสำหรับกิจกรรมของมนุษย์ทุกประเภทและหายากมาก (อย่างแม่นยำเพราะไม่ได้รับการพัฒนาในวัยเด็ก)!

และในขณะเดียวกันศิลปะและความคล่องแคล่วในการพูดก็พัฒนาขึ้น - คุณสมบัติที่จำเป็นสำหรับการปรับตัวในสังคมใด ๆ ! แต่นี่เป็นเพียงถ้าคุณไม่เรียนรู้ข้อความกับเด็ก แต่สอนน้ำเสียงที่แสดงออกถึงเขา

และครูสอนดนตรีจะพบว่าจะทำอย่างไรกับทักษะนี้ในห้องเรียน ในชั้นประถมศึกษาปี บทย่อยทางวาจา ("ข้อความย่อย") ถูกประดิษฐ์ขึ้นสำหรับแต่ละทำนอง

หากเด็กรู้วิธีออกเสียงคำตามอารมณ์ ด้วยน้ำเสียงที่แสดงออก ก็จะง่ายกว่ามากที่จะนำน้ำเสียงนี้ไปใส่ในดนตรี และความหมายของดนตรีก็จะยิ่งใกล้ชิดและชัดเจนขึ้นมาก