จิตรกรภูมิทัศน์ชาวอเมริกัน สารานุกรมโรงเรียน
ในปี ค.ศ. 1776 อเมริกาประกาศอิสรภาพ และตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา การพัฒนาวิจิตรศิลป์ระดับชาติซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อสะท้อนประวัติศาสตร์ของประเทศก็เริ่มต้นขึ้นจริงๆ
ศิลปินแห่งศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่เรียนรู้ด้วยตนเองและอิงตามสไตล์ศิลปะของอังกฤษ
และในศตวรรษที่ XIX โรงเรียนจิตรกรรมแห่งแรกคือโรงเรียน Hudson River ก่อตั้งขึ้นแล้ว
โรงเรียนฮัดสันริเวอร์
โรงเรียนฮัดสันริเวอร์เป็นชื่อของกลุ่มจิตรกรภูมิทัศน์ชาวอเมริกัน งานของพวกเขาพัฒนาในรูปแบบของแนวโรแมนติก ภาพวาดแสดงให้เห็นหุบเขาแม่น้ำฮัดสันและบริเวณโดยรอบ ศิลปินส่วนใหญ่มักวาดภาพถิ่นทุรกันดารของอเมริกาและตั้งคำถามถึงความเป็นไปได้ของความก้าวหน้าทางเทคโนโลยี
โธมัส โคล "อ็อกซ์บาว" (1836) พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน (นิวยอร์ก)
โรงเรียนแม่น้ำฮัดสันไม่ใช่ปรากฏการณ์ที่เป็นเนื้อเดียวกันในการวาดภาพของเวลา: ตัวอย่างเช่นมีหน่อในรูปแบบของอิมเพรสชั่นนิสต์ที่เรียกว่า ความสว่างไสว. Luminism ให้ความสนใจอย่างมากกับการรับรู้แสงของศิลปิน การเรืองแสงแตกต่างจากอิมเพรสชั่นนิสม์ตรงที่การใส่ใจในรายละเอียดมากขึ้น มีการแปรงพู่กันที่ซ่อนอยู่ แต่โดยทั่วไปแล้ว ทั้งสองสไตล์จะคล้ายกัน
Fitz Henry Lane "เรือในสายหมอก" (1860)
ผู้ก่อตั้งโรงเรียนคือศิลปินโทมัสโคล เขาไปที่แม่น้ำฮัดสันในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2368 จากนั้นเพื่อนสนิทของแอชเชอร์บราวน์ดูแรนด์ก็เข้าร่วมกับเขา ศิลปินอื่นๆ ของโรงเรียน:
อัลเบิร์ต เบียร์สตัดท์
John William Casillier
โบสถ์เฟรเดอริค เอ็ดวิน
Thomas Cole
ซามูเอล โคลแมน
แจสเปอร์ ฟรานซิส ครอปซีย์
Thomas Doughty
โรเบิร์ต สก็อตต์ ดันแคนสัน
แซนฟอร์ด โรบินสัน กิฟฟอร์ด
James McDougal Hart
วิลเลียม ฮาร์ท
William Stanley Haseltine
ดร.มาร์ติน จอห์นสัน เฮดดี้
ภาพวาดของศิลปินของโรงเรียนฮัดสันโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายและความเป็นธรรมชาติ
โทมัสโคล (1801-1848)
Thomas Cole เกิดในอังกฤษ ในปี ค.ศ. 1818 ครอบครัวของเขาอพยพไปยังสหรัฐอเมริกา โคลได้รับพื้นฐานของอาชีพนี้จากสไตน์จิตรกรภาพเหมือนท่องเที่ยว แต่การวาดภาพบุคคลไม่ประสบความสำเร็จสำหรับเขา และเขาเริ่มวาดภาพทิวทัศน์ นอกจากนี้ เขายังประสบความสำเร็จในการวาดภาพเชิงเปรียบเทียบ เช่น ซีรีส์ Journey of Life ซึ่งประกอบด้วยภาพวาดเกี่ยวกับสี่ช่วงเวลาในชีวิตของบุคคล ได้แก่ วัยเด็ก เยาวชน วุฒิภาวะ และวัยชรา วัฏจักรนี้เก็บไว้ในหอศิลป์แห่งชาติ (วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา)
ต. โคล "วัยเด็ก"
ในภาพแรก ศิลปินวาดภาพเด็กในเรือที่ลอยอยู่ในแม่น้ำแห่งชีวิต เรือลำนี้ขับเคลื่อนโดยนางฟ้า เด็กยังไม่สามารถเป็นอิสระได้ ขอบเขตอันไกลโพ้นของเขาดังในภาพมีจำกัด รูปบนหัวเรือถือนาฬิกาทรายซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของเวลา
ที.โคล “เยาวชน”
เรือลำเดียวกัน แต่มีชายหนุ่มอยู่ในนั้นแล้ว เขาควบคุมเรือด้วยตัวเขาเองแล้ว แต่นางฟ้ายังไม่ทิ้งเขา - เขากำลังเฝ้าดูเขาจากฝั่ง
นางฟ้ายังคงเฝ้าดูชายคนนั้น แต่เขาจมอยู่ในปัญหาของเขาที่เอาชนะเขาได้ - มันถูกเน้นด้วยสีที่มืดมนของภาพ ต้นไม้ที่ถูกพายุโค่น...
ต. โคล "วัยชรา"
และตอนนี้เส้นทางชีวิตของบุคคลกำลังจะสิ้นสุดลง บนเรือไม่มีหุ่นนาฬิกาทรายอีกต่อไป - หมดเวลาแห่งชีวิตบนโลกแล้ว และเรือก็ทรุดโทรม ...
เทวดาผู้พิทักษ์ลงมาหาเขาเพื่อนำทางไปยังอีกโลกหนึ่งและเทวดาอื่น ๆ สามารถมองเห็นได้ในระยะไกล โคลกล่าวถึงภาพนี้ว่า: "โซ่ตรวนของการดำรงอยู่ของร่างกายหลุดพ้นไป และจิตใจก็สามารถเห็นเพียงแวบเดียวของชีวิตนิรันดร์"
วินสโลว์ โฮเมอร์ (1836-1910)
ภาพจาก 1880
จิตรกรและศิลปินกราฟิคชาวอเมริกัน ผู้ก่อตั้งภาพวาดเสมือนจริง เขาเป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีในเรื่องทิวทัศน์ท้องทะเลของเขา เขาวาดด้วยน้ำมันและสีน้ำ งานของเขามีอิทธิพลต่อการพัฒนาจิตรกรรมอเมริกันในเวลาต่อมาทั้งหมด
โฮเมอร์ได้รับอิทธิพลจากการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ แต่มีพื้นฐานมาจากวิชาอเมริกันล้วนๆ
ภาพวาดของเขาในสมัยแรกนั้นสว่างไสวและเงียบสงบ ในขณะที่ช่วงหลังมีลักษณะเฉพาะด้วยโทนสีเข้มและธีมที่น่าเศร้า
W. โฮเมอร์ "สัญญาณหมอก" พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บอสตัน (สหรัฐอเมริกา)
แก่นของภาพคือการต่อสู้ของมนุษย์กับทะเล อัตราส่วนของชีวิตมนุษย์ที่เปราะบาง และธรรมชาตินิรันดร์
Thomas Cowperthwaite Eakins (ไอกินส์) (1844-1916)
ศิลปิน ช่างภาพ ครูชาวอเมริกัน ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของการวาดภาพเหมือนจริงของอเมริกา
ต. อีกินส์. ภาพเหมือนตนเอง (1902)
เขาสำเร็จการศึกษาจากสถาบันวิจิตรศิลป์แห่งเพนซิลเวเนีย จากนั้นจึงพัฒนาทักษะของเขาในยุโรป โดยส่วนใหญ่อยู่ในปารีสภายใต้การแนะนำของฌอง ลีออง เกอโรม เขาสอนที่ Academy of Fine Arts เป็นผู้อำนวยการ
เขาให้ความสนใจอย่างมากกับการศึกษาและการพรรณนาภาพเปลือยซึ่งแสดงถึงการคิดอย่างอิสระซึ่งเขาถูกไล่ออก ในภาพวาดและภาพถ่ายของ Eakins ร่างกายที่เปลือยเปล่าและกึ่งเปลือยอยู่ตรงกลาง เขาเป็นเจ้าของภาพนักกีฬามากมาย สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษสำหรับ Eakins คือการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์
ต. อีกินส์ "ว่ายน้ำ" (1895)
เขาวาดภาพเหมือนในสภาพแวดล้อมที่มีหลายร่าง
ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Gross Clinic
ต. Eakins "คลินิกมวลรวม" (1875)
ภาพวาดนี้เป็นภาพของศัลยแพทย์ชื่อดังในฟิลาเดลเฟีย ซามูเอล กรอส ซึ่งเป็นผู้กำกับการผ่าตัดต่อหน้านักศึกษาของสถาบันการแพทย์ ศิลปินวาดภาพดร. กรอสว่าเป็นอัจฉริยะแห่งความคิดของมนุษย์ แต่ภาพดังกล่าวทำให้คนรุ่นเดียวกันตกใจด้วยความสมจริง
ที. เอกินส์ยังเป็นที่รู้จักจากภาพถ่ายบุคคลสำคัญๆ หลายภาพ รวมถึงภาพเหมือนของกวีชาวอเมริกันและนักประชาสัมพันธ์ Walt Whitman (1887-1888) ซึ่งกวีเองถือว่าดีที่สุด
ต. อีกินส์. ภาพเหมือนของวิทแมน (1887)
เจมส์ เจ้าอาวาส แมคนีล วิสต์เลอร์ (ค.ศ. 1834-1903)
จิตรกรชาวแองโกล-อเมริกัน จิตรกรภาพเหมือน การแกะสลัก และช่างพิมพ์หิน บรรพบุรุษของอิมเพรสชั่นนิสม์และสัญลักษณ์
ดี. วิสต์เลอร์. ภาพเหมือนตนเอง. สถาบันศิลปะ (ดีทรอยต์)
เกิดที่โลเวลล์ รัฐแมสซาชูเซตส์ George Washington Whistler พ่อของเขา วิศวกรการรถไฟที่มีชื่อเสียง ได้รับเชิญในปี 1842 ให้สร้างถนนในรัสเซีย เขาออกแบบทางรถไฟ Nikolaev ในรัสเซีย เจมส์เข้าเรียนที่ Academy of Arts ในสหรัฐอเมริกา เขาเรียนที่โรงเรียนทหาร แต่ถูกไล่ออกจากโรงเรียนเนื่องจากผลงานไม่ดี
D. Whistler “การจัดเป็นสีเทาและสีดำ แม่ของศิลปิน (1871) Musee d'Orsay (ปารีส)
นี่เป็นผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ James Whistler
เขาศึกษาการวาดภาพในปารีส จากนั้นในเวนิส (เขาทำงานสเก็ตช์สีน้ำและงานแกะสลัก)
ในช่วงแรกของงานของ Whistler ความปรารถนาที่จะจับภาพความประทับใจครั้งแรกของวัตถุ - ภูมิทัศน์หรือบุคคล - ใกล้เคียงกับอิมเพรสชั่นนิสม์ แต่ในหลายประเด็น เขาไม่เห็นด้วยกับพวกอิมเพรสชันนิสต์: เขาไม่เห็นด้วยกับลัทธิ plein air เขาคิดเกี่ยวกับโทนสีล่วงหน้า ในงานต่อมา วิสต์เลอร์ใช้สีโปร่งใสเหมือนสีน้ำเจือจางอย่างยิ่ง ซึ่งสื่อถึงความรู้สึกของการเคลื่อนไหวที่ไม่คงที่ของสภาพแวดล้อมในบรรยากาศ
ดี. วิสต์เลอร์ "ซิมโฟนีในมหาสมุทรสีเทาและสีเขียว" (2409-2415)
ประเภทครัวเรือน
การพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ในภาพวาดอเมริกันของศตวรรษที่ XIX มีประเภทครัวเรือน ตอนแรก แนวนี้อิงจากภาพชีวิตต่างจังหวัดด้วยไพ่ ระบำ ฯลฯ
Eastman Johnson ความสุขของ Stagecoach ที่ถูกทอดทิ้ง (1871)
แต่หลังจากการปฏิวัติอุตสาหกรรมและการขยายตัวของเมืองเริ่มขึ้นในสหรัฐอเมริกา ศิลปินเริ่มพรรณนาถึงชีวิตของชาวเมืองใหญ่
John Gast "American Progress" (ประมาณ พ.ศ. 2415)
ภาพวาดแสดงให้เห็นโคลอมเบียเชิงเปรียบเทียบพร้อมตำราเรียนในมือของเธอ เธอนำอารยธรรมไปทางทิศตะวันตกพร้อมกับผู้ตั้งถิ่นฐานชาวอเมริกัน โดยทอดสายโทรเลขไปตามถนน ภาพแสดงกิจกรรมทางเศรษฐกิจประเภทต่าง ๆ ของผู้ตั้งถิ่นฐานกลุ่มแรก ประวัติการขนส่ง ชาวอินเดียและสัตว์ป่าถูกพรรณนาว่าหนีจากผู้ตั้งถิ่นฐาน
"โรงเรียนถังขยะ"
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX และ XX สหรัฐอเมริกาเติบโตอย่างรวดเร็วในเมืองใหญ่ กล้องในสมัยนั้นยังไม่สามารถใช้จับภาพเหตุการณ์ได้อย่างรวดเร็ว หนังสือพิมพ์ข่าวจึงจ้างศิลปินมาแสดง ด้วยเหตุนี้จึงก่อตั้ง "โรงเรียนถังขยะ" ซึ่งรวมถึง Robert Henry, Glenn Colman, Jerome Myers และ George Bellows วัตถุหลักของภาพสเก็ตช์ในสตูดิโอคือท้องถนนกับตัวแทนทั่วไป: เด็กเร่ร่อน โสเภณี นักแสดงข้างถนน และผู้อพยพ ที่มา การศึกษา และมุมมองทางการเมืองของศิลปินเหล่านี้มีหลากหลาย แต่โรเบิร์ต เฮนรี่เชื่อว่าชีวิตและกิจกรรมของคนจน ชนชั้นกรรมาชีพ และชนชั้นกลาง มีค่าควรแก่การหลอมรวมในการวาดภาพ - สิ่งเหล่านี้คือความเป็นจริงของเวลา
George Bellows ผู้ช่วยพยาบาลของ Edith Cavell (1918)
"โรงเรียนถังขยะ" ปฏิวัติทัศนศิลป์ของสหรัฐอเมริกา เป็นผู้บุกเบิกของ
"ผู้เล่นการ์ด"
ผู้เขียน
Paul Cezanne
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1839–1906
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์
ศิลปินเกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในเมืองเล็ก ๆ ของ Aix-en-Provence แต่เริ่มวาดภาพในปารีส ความสำเร็จที่แท้จริงมาถึงเขาหลังจากนิทรรศการเดี่ยวที่จัดโดยนักสะสมแอมบรอยส์ โวลลาร์ด ในปี พ.ศ. 2429 20 ปีก่อนออกเดินทาง เขาย้ายไปอยู่ชานเมืองบ้านเกิดของเขา ศิลปินรุ่นเยาว์เรียกการเดินทางมาหาเขาว่า "การจาริกแสวงบุญไปยังเมือง Aix"
130x97 ซม.
พ.ศ. 2438
ราคา
250 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูลส่วนตัว
งานของ Cezanne นั้นเข้าใจง่าย กฎข้อเดียวของศิลปินคือการถ่ายโอนหัวข้อหรือโครงเรื่องไปยังผืนผ้าใบโดยตรงดังนั้นภาพวาดของเขาจึงไม่ทำให้ผู้ชมสับสน Cezanne ผสมผสานประเพณีฝรั่งเศสหลักสองประการเข้ากับงานศิลปะของเขา: ความคลาสสิคและความโรแมนติก ด้วยความช่วยเหลือของพื้นผิวที่มีสีสัน เขาทำให้รูปร่างของวัตถุมีความเป็นพลาสติกที่น่าทึ่ง
ชุดภาพวาดห้าภาพ "ผู้เล่นการ์ด" ถูกเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2433-2438 โครงเรื่องของพวกเขาเหมือนกัน - หลายคนกำลังเล่นโป๊กเกอร์อย่างกระตือรือร้น ผลงานแตกต่างกันในจำนวนผู้เล่นและขนาดของผืนผ้าใบเท่านั้น
ภาพเขียนสี่ภาพถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ในยุโรปและอเมริกา (Musée d'Orsay, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน, มูลนิธิ Barnes และสถาบันศิลปะ Courtauld) และภาพที่ห้า จนกระทั่งเมื่อไม่นานนี้ เป็นการตกแต่งของคอลเล็กชั่นส่วนตัวของ George Embirikos เจ้าของเรือมหาเศรษฐีชาวกรีก ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ในช่วงฤดูหนาวปี 2554 เขาตัดสินใจที่จะขายมัน ผู้ซื้อที่มีศักยภาพของงาน "ฟรี" ของ Cezanne คือ William Aquavella พ่อค้างานศิลปะและ Larry Gagosian เจ้าของแกลเลอรี่ที่มีชื่อเสียงระดับโลกซึ่งเสนอราคาประมาณ 220 ล้านดอลลาร์สำหรับงานนี้ เป็นผลให้ภาพวาดไปที่ราชวงศ์ของรัฐอาหรับของกาตาร์สำหรับ 250 ล้าน ข้อตกลงศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพถูกปิดในเดือนกุมภาพันธ์ 2012 สิ่งนี้ถูกรายงานไปยัง Vanity Fair โดยนักข่าว Alexandra Pierce เธอรู้ต้นทุนของภาพวาดและชื่อเจ้าของใหม่ จากนั้นข้อมูลก็แทรกซึมเข้าสู่สื่อทั่วโลก
ในปี 2010 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่อาหรับและพิพิธภัณฑสถานแห่งชาติกาตาร์เปิดในกาตาร์ ตอนนี้คอลเลกชันของพวกเขากำลังเติบโต บางที Sheik ได้ซื้อ The Card Players รุ่นที่ห้าเพื่อจุดประสงค์นี้
ส่วนใหญ่ภาพราคาแพงในโลก
เจ้าของ
ชีคฮาหมัด
บิน คาลิฟา อัล-ทานี
ราชวงศ์อัล-ธานีปกครองกาตาร์มานานกว่า 130 ปี เมื่อประมาณครึ่งศตวรรษก่อน มีการค้นพบน้ำมันและก๊าซสำรองจำนวนมาก ซึ่งทำให้กาตาร์กลายเป็นภูมิภาคที่ร่ำรวยที่สุดแห่งหนึ่งของโลกในทันที ต้องขอบคุณการส่งออกไฮโดรคาร์บอน ประเทศเล็กๆ แห่งนี้บันทึก GDP ต่อหัวที่ใหญ่ที่สุด Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani เข้ายึดอำนาจในปี 1995 ในขณะที่บิดาของเขาอยู่ในสวิตเซอร์แลนด์ โดยได้รับการสนับสนุนจากสมาชิกในครอบครัว ผู้เชี่ยวชาญกล่าวว่าข้อดีของผู้ปกครองคนปัจจุบันอยู่ในกลยุทธ์ที่ชัดเจนสำหรับการพัฒนาประเทศสร้างภาพลักษณ์ที่ประสบความสำเร็จของรัฐ กาตาร์มีรัฐธรรมนูญและนายกรัฐมนตรีแล้ว และผู้หญิงก็มีสิทธิลงคะแนนเสียงในการเลือกตั้งรัฐสภา อย่างไรก็ตาม เป็นประมุขแห่งกาตาร์ผู้ก่อตั้งช่องข่าว Al Jazeera เจ้าหน้าที่ของรัฐอาหรับให้ความสำคัญกับวัฒนธรรมเป็นอย่างมาก
2
"หมายเลข 5"
ผู้เขียน
แจ็คสัน พอลล็อค
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1912–1956
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม
Jack the Sprinkler - ชื่อเล่นนี้มอบให้กับพอลลอคโดยประชาชนชาวอเมริกันสำหรับเทคนิคการวาดภาพพิเศษของเขา ศิลปินละทิ้งแปรงและขาตั้ง แล้วเทสีลงบนพื้นผิวผ้าใบหรือแผ่นใยไม้อัดระหว่างการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องรอบๆ และข้างใน ตั้งแต่อายุยังน้อย เขาชอบปรัชญาของ Jiddu Krishnamurti ซึ่งข้อความหลักคือความจริงถูกเปิดเผยในระหว่างการ "เท" อย่างเสรี
122x244 ซม.
พ.ศ. 2491
ราคา
140 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล โซเธบี้ส์
คุณค่าของผลงานของพอลลอคไม่ได้อยู่ที่ผลลัพธ์ แต่อยู่ที่กระบวนการ ผู้เขียนไม่ได้ตั้งใจเรียกงานศิลปะของเขาว่า "จิตรกรรมแอ็คชั่น" ด้วยมือที่เบาของเขา มันจึงกลายเป็นทรัพย์สินหลักของอเมริกา แจ็คสัน พอลลอคผสมสีกับทราย แก้วแตก แล้วเขียนด้วยกระดาษแข็ง มีดจาน มีด พลั่ว ศิลปินได้รับความนิยมมากจนในปี 1950 มีแม้กระทั่งผู้ลอกเลียนแบบในสหภาพโซเวียต ภาพวาด "หมายเลข 5" ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในภาพที่แปลกและแพงที่สุดในโลก David Geffen หนึ่งในผู้ก่อตั้ง DreamWorks ซื้อมาเพื่อเป็นของสะสมส่วนตัว และในปี 2006 ขายที่ Sotheby`s ในราคา 140 ล้านดอลลาร์แก่ David Martinez นักสะสมชาวเม็กซิกัน อย่างไรก็ตาม สำนักงานกฎหมายได้ออกแถลงข่าวในนามของลูกค้าในไม่ช้าว่า David Martinez ไม่ใช่เจ้าของภาพวาด มีเพียงสิ่งเดียวที่รู้แน่ชัด: นักการเงินชาวเม็กซิกันเพิ่งรวบรวมผลงานศิลปะร่วมสมัย ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะพลาด "ปลาใหญ่" เช่น "หมายเลข 5" ของพอลลอค
3
"ผู้หญิงที่ 3"
ผู้เขียน
วิลเลม เดอ คูนิ่ง
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1997
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม
เป็นชาวเนเธอร์แลนด์ เขาอพยพไปยังสหรัฐอเมริกาในปี 2469 ในปี พ.ศ. 2491 ได้มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวของศิลปิน นักวิจารณ์ศิลปะชื่นชมการประพันธ์ขาวดำที่ซับซ้อนและวิตกกังวล โดยตระหนักว่าผู้แต่งเป็นศิลปินสมัยใหม่ผู้ยิ่งใหญ่ เขาทนทุกข์ทรมานจากโรคพิษสุราเรื้อรังมาเกือบทั้งชีวิต แต่งานทุกชิ้นรู้สึกมีความสุขในการสร้างสรรค์งานศิลปะใหม่ๆ De Kooning โดดเด่นด้วยความหุนหันพลันแล่นของการวาดภาพ จังหวะกว้าง ซึ่งเป็นสาเหตุที่บางครั้งภาพไม่พอดีกับขอบเขตของผืนผ้าใบ
121x171 ซม.
พ.ศ. 2496
ราคา
137 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว
ในปี 1950 ผู้หญิงที่มีดวงตาว่างเปล่า หน้าอกใหญ่โต และมีลักษณะที่น่าเกลียดปรากฏในภาพวาดของ De Kooning "Woman III" เป็นผลงานชิ้นสุดท้ายจากซีรีส์นี้ที่เข้าร่วมการประมูล
ตั้งแต่ปี 1970 ภาพวาดถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เตหะราน แต่หลังจากการแนะนำกฎทางศีลธรรมที่เข้มงวดในประเทศ พวกเขาพยายามที่จะกำจัดมัน ในปี 1994 งานนี้ถูกนำออกจากอิหร่าน และ 12 ปีต่อมา David Geffen เจ้าของผลงาน (โปรดิวเซอร์คนเดียวกับที่ขาย "หมายเลข 5 ของ Jackson Pollock") ขายภาพวาดนี้ให้กับ Stephen Cohen เศรษฐีพันล้านด้วยราคา 137.5 ล้านเหรียญ เป็นที่น่าสนใจว่าในหนึ่งปีเกฟเฟนเริ่มขายคอลเลกชั่นภาพวาดของเขา สิ่งนี้ทำให้เกิดข่าวลือมากมาย ตัวอย่างเช่น ผู้ผลิตตัดสินใจซื้อลอสแองเจลีสไทมส์
ที่หนึ่งในฟอรัมศิลปะ มีการแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับความคล้ายคลึงของ "Woman III" กับภาพวาดของ Leonardo da Vinci "Lady with an Ermine" เบื้องหลังรอยยิ้มอันเฉียบคมและร่างไร้รูปร่างของนางเอก ผู้รอบรู้ในการวาดภาพมองเห็นความสง่างามของบุคคลในสายเลือดของราชวงศ์ นี่เป็นหลักฐานจากการสวมมงกุฎที่สวมมงกุฎศีรษะของผู้หญิงอย่างไม่ดี
4
"ภาพเหมือนของอเดลบลอค-บาวเออร์ ฉัน"
ผู้เขียน
Gustav Klimt
ประเทศ ออสเตรีย
ปีแห่งชีวิต 1862–1918
สไตล์ ทันสมัย
Gustav Klimt เกิดในตระกูลช่างแกะสลักและเป็นลูกคนที่สองในเจ็ดคน ลูกชายสามคนของเออร์เนสต์คลิมท์กลายเป็นศิลปินและมีเพียงกุสตาฟเท่านั้นที่โด่งดังไปทั่วโลก เขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในวัยเด็กของเขาในความยากจน หลังจากการตายของพ่อ เขาต้องรับผิดชอบต่อครอบครัวทั้งหมด ในเวลานี้ Klimt ได้พัฒนาสไตล์ของเขา ก่อนที่ภาพวาดของเขา ผู้ชมจะค้าง: ภายใต้เส้นบาง ๆ ของทองคำ ความเร้าอารมณ์ที่ตรงไปตรงมานั้นมองเห็นได้ชัดเจน
138x136 ซม.
พ.ศ. 2450
ราคา
135 ล้านเหรียญ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ชะตากรรมของภาพวาดซึ่งเรียกว่า "Austrian Mona Lisa" อาจกลายเป็นพื้นฐานสำหรับหนังสือขายดีได้อย่างง่ายดาย ผลงานของศิลปินกลายเป็นสาเหตุของความขัดแย้งทั้งรัฐและหญิงชราคนหนึ่ง
ดังนั้น "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer I" จึงแสดงถึงขุนนางซึ่งเป็นภรรยาของ Ferdinand Bloch พินัยกรรมสุดท้ายของเธอคือการถ่ายโอนภาพวาดไปยังหอศิลป์แห่งรัฐออสเตรีย อย่างไรก็ตาม โบลชยกเลิกการบริจาคตามความประสงค์ของเขา และพวกนาซีก็เวนคืนภาพวาดดังกล่าว ต่อมาแกลเลอรี่แทบจะไม่ได้ซื้อ Golden Adele ออกมา แต่แล้วทายาทก็ปรากฏตัว - Maria Altman หลานสาวของ Ferdinand Bloch
ในปี 2548 การพิจารณาคดีระดับสูง "Maria Altman กับสาธารณรัฐออสเตรีย" เริ่มขึ้นอันเป็นผลมาจากการที่รูปภาพ "จากไป" กับเธอไปที่ลอสแองเจลิส ออสเตรียใช้มาตรการที่ไม่เคยมีมาก่อน: มีการเจรจาเงินกู้ ประชากรบริจาคเงินเพื่อซื้อภาพเหมือน ความดีไม่เคยชนะความชั่ว: Altman ขึ้นราคาเป็น 300 ล้านเหรียญ ในช่วงเวลาของการพิจารณาคดี เธออายุ 79 ปี และเธอลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะบุคคลที่เปลี่ยนเจตจำนงของ Bloch-Bauer เพื่อประโยชน์ส่วนตัว ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดย Ronald Lauder เจ้าของ New Gallery ในนิวยอร์กซึ่งยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ไม่ใช่สำหรับออสเตรีย สำหรับเขา Altman ลดราคาเหลือ 135 ล้านดอลลาร์
5
"กรีดร้อง"
ผู้เขียน
Edvard Munch
ประเทศ นอร์เวย์
ปีแห่งชีวิต 1863–1944
สไตล์ การแสดงออก
ภาพวาดแรกของ Munch ซึ่งโด่งดังไปทั่วโลก "The Sick Girl" (มีทั้งหมด 5 ชุด) อุทิศให้กับน้องสาวของศิลปินที่เสียชีวิตด้วยวัณโรคเมื่ออายุได้ 15 ปี Munch สนใจเรื่องความตายและความเหงามาโดยตลอด ในเยอรมนี ภาพวาดอันหนักหน่วงและคลั่งไคล้ของเขาทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาว อย่างไรก็ตาม แม้จะมีโครงเรื่องที่น่าหดหู่ แต่ภาพวาดของเขาก็มีแม่เหล็กพิเศษ อย่างน้อยก็ "กรี๊ด"
73.5x91 ซม.
พ.ศ. 2438
ราคา
119.92 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายใน 2012
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ชื่อเต็มของภาพวาดคือ Der Schrei der Natur (แปลจากภาษาเยอรมันว่า "เสียงร้องของธรรมชาติ") ใบหน้าของบุคคลหรือมนุษย์ต่างดาวแสดงความสิ้นหวังและตื่นตระหนก - ผู้ชมประสบอารมณ์เดียวกันเมื่อดูภาพ งานสำคัญของ expressionism เตือนถึงแก่นเรื่องที่มีความรุนแรงในงานศิลปะของศตวรรษที่ 20 ตามเวอร์ชั่นหนึ่งศิลปินสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของความผิดปกติทางจิตซึ่งเขาต้องทนทุกข์ทรมานมาตลอดชีวิต
ภาพวาดถูกขโมยไปสองครั้งจากพิพิธภัณฑ์ต่างๆ แต่ถูกส่งคืน ได้รับความเสียหายเล็กน้อยหลังจากการโจรกรรม The Scream ได้รับการฟื้นฟูและพร้อมที่จะแสดงอีกครั้งที่พิพิธภัณฑ์ Munch ในปี 2008 สำหรับตัวแทนของวัฒนธรรมป๊อป งานนี้กลายเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจ: Andy Warhol ได้สร้างชุดของสำเนาภาพพิมพ์และหน้ากากจากภาพยนตร์เรื่อง "Scream" ถูกสร้างขึ้นในภาพและความคล้ายคลึงของฮีโร่ของภาพ
สำหรับหนึ่งพล็อต Munch เขียนงานสี่เวอร์ชัน: หนึ่งชุดในคอลเล็กชันส่วนตัวทำด้วยสีพาสเทล Petter Olsen มหาเศรษฐีชาวนอร์เวย์ นำมันขึ้นประมูลเมื่อวันที่ 2 พฤษภาคม 2012 ผู้ซื้อคือลีออน แบล็ก ซึ่งไม่ได้บันทึกจำนวนเงินที่บันทึกสำหรับ "กรี๊ด" ผู้ก่อตั้ง Apollo Advisors, L.P. และที่ปรึกษาสิงโต L.P. เป็นที่รู้จักสำหรับความรักในงานศิลปะของเขา Black เป็นผู้อุปถัมภ์ของ Dartmouth College, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, ศูนย์ศิลปะลินคอล์น และพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน มีคอลเลกชันภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดโดยศิลปินร่วมสมัยและปรมาจารย์คลาสสิกของศตวรรษที่ผ่านมา
6
"เปลือยกับพื้นหลังของหน้าอกและใบไม้สีเขียว"
ผู้เขียน
ปาโบล ปีกัสโซ
ประเทศ สเปน ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1973
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม
โดยกำเนิดเขาเป็นชาวสเปน แต่ในจิตวิญญาณและที่อยู่อาศัยเขาเป็นชาวฝรั่งเศสที่แท้จริง Picasso เปิดสตูดิโอศิลปะของตัวเองในบาร์เซโลนาเมื่ออายุเพียง 16 ปี จากนั้นเขาก็ไปปารีสและใช้ชีวิตส่วนใหญ่ที่นั่น นั่นคือเหตุผลที่นามสกุลของเขามีความเครียดสองเท่า สไตล์ที่ Picasso คิดค้นขึ้นนั้นขึ้นอยู่กับการปฏิเสธความคิดเห็นที่ว่าวัตถุที่ปรากฎบนผืนผ้าใบสามารถดูได้จากมุมเดียวเท่านั้น
130x162 ซม.
พ.ศ. 2475
ราคา
106.482 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล คริสตี้ส์
ระหว่างที่เขาทำงานในกรุงโรม ศิลปินได้พบกับนักเต้น Olga Khokhlova ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นภรรยาของเขา เขายุติความพเนจรย้ายไปอยู่กับเธอในอพาร์ตเมนต์สุดหรู เมื่อถึงเวลานั้นการรับรู้ได้พบวีรบุรุษ แต่การแต่งงานถูกทำลาย ภาพวาดที่แพงที่สุดในโลกชิ้นหนึ่งถูกสร้างขึ้นโดยบังเอิญ - ด้วยความรักอันยิ่งใหญ่ซึ่งเหมือนกับปีกัสโซเสมอมา ในปี 1927 เขาเริ่มสนใจ Marie-Therese Walter อายุน้อย (เธออายุ 17 ปี เขาอายุ 45 ปี) แอบจากภรรยาของเขา เขาออกไปกับนายหญิงของเขาในเมืองใกล้ปารีส ซึ่งเขาวาดภาพเหมือน Marie-Therese ในรูปของ Daphne ภาพวาดนี้ซื้อโดย Paul Rosenberg ตัวแทนจำหน่ายในนิวยอร์ก และขายให้กับ Sidney F. Brody ในปี 1951 The Brodys แสดงภาพวาดให้โลกเห็นเพียงครั้งเดียวและเพียงเพราะศิลปินอายุ 80 ปี หลังจากที่สามีของเธอเสียชีวิต นางโบรดี้นำงานไปขายทอดตลาดที่คริสตี้ส์ในเดือนมีนาคม 2010 ในหกทศวรรษที่ผ่านมาราคาได้เพิ่มขึ้นมากกว่า 5,000 ครั้ง! นักสะสมที่ไม่รู้จักซื้อมันมาในราคา 106.5 ล้านดอลลาร์ ในปี 2554 มีการจัด "นิทรรศการภาพเดียว" ในสหราชอาณาจักรซึ่งได้เห็นแสงเป็นครั้งที่สอง แต่ชื่อเจ้าของยังไม่ทราบ
7
"แปดเอลวิส"
ผู้เขียน
Andy Warhole
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1928-1987
สไตล์
ป๊อปอาร์ต
“เซ็กส์และปาร์ตี้เป็นสถานที่แห่งเดียวที่คุณต้องปรากฏตัวต่อหน้า” แอนดี้ วอร์ฮอล นักออกแบบลัทธิป๊อป ผู้กำกับ และหนึ่งในผู้ก่อตั้งนิตยสารสัมภาษณ์ ดีไซเนอร์ Andy Warhol กล่าว เขาทำงานร่วมกับโว้กและฮาร์เปอร์สบาซาร์ ออกแบบปกอัลบั้ม และออกแบบรองเท้าสำหรับไอ.มิลเลอร์ ในทศวรรษที่ 1960 ภาพวาดปรากฏสัญลักษณ์ของอเมริกา: ซุปของแคมป์เบลล์และโคคา-โคลา, เพรสลีย์และมอนโร - ซึ่งทำให้เขากลายเป็นตำนาน
358x208 ซม.
พ.ศ. 2506
ราคา
100 ล้านเหรียญ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูลส่วนตัว
ยุค 60 ของ Warhol - ยุคที่เรียกว่าป๊อปอาร์ตในอเมริกา ในปีพ.ศ. 2505 เขาทำงานในแมนฮัตตันที่ Factory Studio ซึ่งบรรดาชาวโบฮีเมียในนิวยอร์กมารวมตัวกัน ตัวแทนที่ฉลาดที่สุด: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote และบุคคลที่มีชื่อเสียงอื่น ๆ ในโลก ในเวลาเดียวกัน Warhol ได้ลองใช้เทคนิคการพิมพ์ซิลค์สกรีน - ทำซ้ำหลายภาพในหนึ่งภาพ เขายังใช้วิธีนี้ในการสร้าง "Eight Elvises": ผู้ดูดูเหมือนจะเห็นเฟรมจากภาพยนตร์ที่ดารามีชีวิต ทุกสิ่งที่ศิลปินรักมากอยู่ที่นี่: ภาพลักษณ์สาธารณะแบบ win-win สีเงิน และลางสังหรณ์แห่งความตายเป็นข้อความหลัก
ปัจจุบันมีผู้ค้างานศิลปะ 2 รายที่โปรโมตงานของ Warhol ในตลาดโลก ได้แก่ Larry Gagosian และ Alberto Mugrabi ครั้งแรกในปี 2008 ใช้เงิน 200 ล้านดอลลาร์เพื่อซื้อผลงานของ Warhol มากกว่า 15 ชิ้น คนที่สองซื้อและขายภาพวาดของเขาเช่นการ์ดคริสต์มาสซึ่งมีราคาแพงกว่าเท่านั้น แต่ไม่ใช่พวกเขา แต่ Philippe Segalo ที่ปรึกษาด้านศิลปะชาวฝรั่งเศสผู้อ่อนน้อมถ่อมตนผู้ช่วยนักเลงศิลปะชาวโรมัน Annibale Berlinghieri ขาย Eight Elvises ให้กับผู้ซื้อที่ไม่รู้จักด้วยจำนวนเงินเป็นประวัติการณ์สำหรับ Warhol - 100 ล้านเหรียญ
8
"ส้ม,เหลืองแดง"
ผู้เขียน
Mark Rothko
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1903–1970
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม
หนึ่งในผู้สร้างภาพระบายสีภาคสนามเกิดในเมืองดวินสค์ รัสเซีย (ปัจจุบันคือเมืองเดากัฟปิลส์ ลัตเวีย) ในครอบครัวใหญ่ของเภสัชกรชาวยิว ในปี 1911 พวกเขาอพยพไปยังสหรัฐอเมริกา Rothko เรียนที่แผนกศิลปะของมหาวิทยาลัยเยล ได้รับทุนการศึกษา แต่ความรู้สึกต่อต้านกลุ่มเซมิติกทำให้เขาต้องออกจากการศึกษา แม้จะมีทุกอย่างนักวิจารณ์ศิลปะก็ยกย่องศิลปินและพิพิธภัณฑ์ต่าง ๆ ไล่ตามเขามาตลอดชีวิต
206x236 ซม.
ค.ศ. 1961
ราคา
86.882 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล คริสตี้ส์
การทดลองทางศิลปะครั้งแรกของ Rothko เป็นการวางแนวแนวเซอร์เรียลลิสต์ แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาทำให้พล็อตเรื่องจุดสีง่ายขึ้น กีดกันพวกเขาจากความเที่ยงธรรมใดๆ ในตอนแรกพวกเขามีเฉดสีสดใส และในปี 1960 พวกเขาเต็มไปด้วยสีน้ำตาล สีม่วง และหนาจนถึงสีดำเมื่อศิลปินเสียชีวิต Mark Rothko เตือนไม่ให้มองหาความหมายใด ๆ ในภาพวาดของเขา ผู้เขียนต้องการพูดในสิ่งที่เขาพูดอย่างแน่นอน: เฉพาะสีที่ละลายในอากาศเท่านั้นและไม่มีอะไรเพิ่มเติม เขาแนะนำให้ดูผลงานจากระยะ 45 ซม. เพื่อให้ผู้ชม "ลาก" เข้าไปในสีเหมือนลงในกรวย ข้อควรระวัง: การดูตามกฎทั้งหมดสามารถนำไปสู่ผลของการทำสมาธิ กล่าวคือ การรับรู้ถึงความไม่มีที่สิ้นสุดค่อยๆ มา การแช่ในตัวเองอย่างสมบูรณ์ การผ่อนคลาย การทำให้บริสุทธิ์ สีในภาพวาดของเขามีชีวิต หายใจ และมีผลกระทบทางอารมณ์อย่างรุนแรง (บางครั้งกล่าวกันว่าเป็นการเยียวยา) ศิลปินกล่าวว่า: "ผู้ชมควรร้องไห้เมื่อมองดูพวกเขา" - และมีกรณีเช่นนี้จริงๆ ตามทฤษฎีของ Rothko ในขณะนี้ผู้คนต่างอาศัยประสบการณ์ทางจิตวิญญาณแบบเดียวกับที่เขามีในกระบวนการทำงานเกี่ยวกับภาพ หากคุณสามารถเข้าใจมันในระดับที่ลึกซึ้งเช่นนี้ได้ ก็ไม่ต้องแปลกใจที่ผลงานของลัทธินามธรรมเหล่านี้มักถูกเปรียบเทียบโดยนักวิจารณ์ที่มีไอคอน
งาน "Orange, Red, Yellow" เป็นการแสดงออกถึงแก่นแท้ของภาพวาดของ Mark Rothko ราคาเริ่มต้นในการประมูลของคริสตี้ในนิวยอร์กอยู่ที่ 35-45 ล้านดอลลาร์ ผู้ซื้อที่ไม่รู้จักเสนอราคาเป็นสองเท่าของราคาประเมิน ชื่อของเจ้าของภาพวาดที่มีความสุขมักไม่ได้รับการเปิดเผย
9
"ไตรลักษณ์"
ผู้เขียน
ฟรานซิส เบคอน
ประเทศ
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1909–1992
สไตล์ การแสดงออก
การผจญภัยของฟรานซิส เบคอน ผู้มีชื่อเต็มและยังเป็นทายาทของปราชญ์ผู้ยิ่งใหญ่ที่อยู่ห่างไกลออกไป เริ่มต้นขึ้นเมื่อพ่อของเขาปฏิเสธเขา ไม่สามารถยอมรับความโน้มเอียงของลูกชายรักร่วมเพศได้ เบคอนไปที่เบอร์ลินก่อน จากนั้นไปปารีส จากนั้นร่องรอยของเขาก็สับสนไปทั่วทั้งยุโรป แม้กระทั่งในช่วงชีวิตของเขา ผลงานของเขาก็ยังถูกจัดแสดงในศูนย์วัฒนธรรมชั้นนำของโลก รวมทั้งพิพิธภัณฑ์ Guggenheim และ Tretyakov Gallery
147.5x198 ซม. (อันละ)
พ.ศ. 2519
ราคา
86.2 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล โซเธบี้ส์
พิพิธภัณฑ์อันทรงเกียรติพยายามที่จะครอบครองภาพวาดของเบคอน แต่ประชาชนชาวอังกฤษในยุคต้น ๆ ก็ไม่รีบร้อนที่จะแยกออกสำหรับงานศิลปะดังกล่าว มาร์กาเร็ต แทตเชอร์ นายกรัฐมนตรีอังกฤษในตำนานกล่าวถึงเขาว่า "ชายผู้วาดภาพอันน่าสยดสยองเหล่านี้"
ช่วงเริ่มต้นในการทำงานศิลปินเองก็ถือว่าเป็นช่วงหลังสงคราม กลับมาจากการรับราชการ เขาได้วาดภาพและสร้างผลงานชิ้นเอกอีกครั้ง ก่อนที่จะมีส่วนร่วมในการประมูล "Triptych, 1976" งานที่แพงที่สุดของ Bacon คือ "Study for a Portrait of Pope Innocent X" (52.7 ล้านดอลลาร์) ใน "Triptych, 1976" ศิลปินวาดภาพพล็อตในตำนานของการกดขี่ข่มเหง Orestes ด้วยความโกรธ แน่นอนว่า Orestes ก็คือเบคอนนั่นเอง และความโกรธเกรี้ยวเป็นการทรมานของเขา เป็นเวลากว่า 30 ปีแล้วที่ภาพวาดนี้เป็นของสะสมส่วนตัวและไม่ได้เข้าร่วมในนิทรรศการ ความจริงข้อนี้ให้คุณค่าพิเศษและทำให้ต้นทุนเพิ่มขึ้น แต่อะไรคือเงินสองสามล้านสำหรับนักเลงศิลปะและแม้แต่ใจกว้างในภาษารัสเซีย? Roman Abramovich เริ่มสร้างคอลเล็กชั่นของเขาในปี 1990 โดยได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแฟนสาว Dasha Zhukova ซึ่งกลายเป็นเจ้าของแกลเลอรี่ที่ทันสมัยในรัสเซียสมัยใหม่ ตามข้อมูลอย่างไม่เป็นทางการ นักธุรกิจรายนี้เป็นเจ้าของผลงานของ Alberto Giacometti และ Pablo Picasso ซึ่งซื้อมาด้วยมูลค่ากว่า 100 ล้านเหรียญสหรัฐ ในปี 2008 เขาได้เป็นเจ้าของ Triptych อย่างไรก็ตามในปี 2554 เบคอนได้รับงานอันมีค่าอีกชิ้นหนึ่ง - "ภาพร่างของ Lucian Freud สามภาพ" แหล่งข่าวที่ซ่อนอยู่กล่าวว่า Roman Arkadievich กลายเป็นผู้ซื้ออีกครั้ง
10
"บ่อน้ำกับดอกบัว"
ผู้เขียน
โคล้ด โมเน่ต์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1840–1926
สไตล์ อิมเพรสชั่นนิสม์
ศิลปินได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้ก่อตั้งอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่ง "จดสิทธิบัตร" วิธีการนี้ในผืนผ้าใบของเขา งานสำคัญชิ้นแรกคือภาพวาด "Breakfast on the Grass" (งานต้นฉบับของ Edouard Manet) ในวัยหนุ่ม เขาวาดภาพล้อเลียน และวาดภาพจริงระหว่างการเดินทางเลียบชายฝั่งและในที่โล่ง ในปารีส เขามีวิถีชีวิตแบบโบฮีเมียนและไม่ทิ้งมันไว้แม้หลังจากรับใช้ในกองทัพแล้ว
210x100 ซม.
พ.ศ. 2462
ราคา
80.5 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล คริสตี้ส์
นอกจากความจริงที่ว่าโมเนต์เป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่แล้ว เขายังทำงานอย่างกระตือรือร้นในการทำสวน รักสัตว์ป่าและดอกไม้ ในภูมิประเทศของเขา สภาวะของธรรมชาติอยู่ชั่วขณะ วัตถุดูเหมือนจะเบลอตามการเคลื่อนไหวของอากาศ ความประทับใจจะเพิ่มขึ้นจากการลากเส้นขนาดใหญ่ จากระยะหนึ่ง พวกมันจะมองไม่เห็นและรวมเป็นภาพสามมิติที่มีพื้นผิว ในภาพวาดของ Monet ตอนปลาย สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยธีมของน้ำและชีวิตในนั้น ในเมือง Giverny ศิลปินมีสระน้ำของตัวเอง ซึ่งเขาปลูกดอกบัวจากเมล็ดที่นำมาจากญี่ปุ่นโดยเฉพาะ เมื่อดอกไม้บาน พระองค์ก็เริ่มทาสี ซีรีส์ Water Lilies ประกอบด้วยผลงาน 60 ชิ้นที่ศิลปินวาดภาพมาตลอดเกือบ 30 ปี จนกระทั่งเขาเสียชีวิต การมองเห็นของเขาเสื่อมลงตามอายุ แต่เขาไม่หยุด ทิวทัศน์ของสระน้ำเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ขึ้นอยู่กับลม ฤดูกาล และสภาพอากาศ และโมเนต์ต้องการบันทึกการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ ผ่านการทำงานอย่างรอบคอบ ความเข้าใจถึงแก่นแท้ของธรรมชาติมาถึงเขา ภาพวาดบางส่วนในซีรีส์นี้ถูกเก็บไว้ในแกลเลอรีชั้นนำของโลก: พิพิธภัณฑ์ศิลปะตะวันตกแห่งชาติ (โตเกียว), Orangerie (ปารีส) เวอร์ชันถัดไปของ "Pond with water lilies" ตกไปอยู่ในมือของผู้ซื้อที่ไม่รู้จักในจำนวนที่สูงเป็นประวัติการณ์
11
ดาวเท็จ t
ผู้เขียน
Jasper Johns
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีเกิด 1930
สไตล์ ป๊อปอาร์ต
ในปี 1949 โจนส์เข้าโรงเรียนออกแบบในนิวยอร์ก นอกจาก Jackson Pollock, Willem de Kooning และคนอื่นๆ แล้ว เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในศิลปินหลักของศตวรรษที่ 20 ในปี 2012 เขาได้รับรางวัล Presidential Medal of Freedom ซึ่งเป็นรางวัลพลเรือนสูงสุดในสหรัฐอเมริกา
137.2x170.8 ซม.
พ.ศ. 2502
ราคา
80 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว
เช่นเดียวกับ Marcel Duchamp โจนส์ทำงานกับวัตถุจริง โดยวาดภาพบนผ้าใบและในงานประติมากรรมตามต้นฉบับทั้งหมด สำหรับผลงานของเขา เขาใช้สิ่งของที่เรียบง่ายและเข้าใจได้สำหรับทุกคน ไม่ว่าจะเป็นขวดเบียร์ ธง หรือแผนที่ ไม่มีองค์ประกอบที่ชัดเจนในภาพ False Start ดูเหมือนว่าศิลปินจะเล่นกับผู้ชม ซึ่งมักจะ "ไม่ถูกต้อง" ในการเซ็นชื่อสีในภาพ ทำให้แนวคิดเรื่องสีเปลี่ยนไป: "ฉันต้องการหาวิธีถ่ายทอดสีเพื่อให้สามารถกำหนดโดยวิธีอื่นได้" นักวิจารณ์กล่าวว่าภาพวาดที่ระเบิดและ "ไม่ปลอดภัย" ที่สุดของเขาได้มาจากผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก
12
"นั่งเปลือยบนโซฟา"
ผู้เขียน
อาเมเดโอ โมดิเกลียนี่
ประเทศ อิตาลี, ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1884–1920
สไตล์ การแสดงออก
Modigliani มักป่วยตั้งแต่ยังเด็ก ในช่วงที่มีอาการไข้ขึ้น เขาตระหนักดีถึงชะตากรรมของเขาในฐานะศิลปิน เขาศึกษาการวาดภาพในเมืองลิวอร์โน ฟลอเรนซ์ เวนิส และในปี พ.ศ. 2449 เขาได้เดินทางไปปารีส ที่ซึ่งงานศิลปะของเขาเจริญรุ่งเรือง
65x100 ซม.
พ.ศ. 2460
ราคา
68.962 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ในปี 1917 Modigliani ได้พบกับ Jeanne Hebuterne วัย 19 ปี ซึ่งเป็นนางแบบของเขาและต่อมาเป็นภรรยาของเขา ในปี 2547 ภาพเหมือนของเธอขายได้ 31.3 ล้านดอลลาร์ ซึ่งเป็นสถิติสุดท้ายก่อนการขายภาพเปลือยบนโซฟาในปี 2010 ภาพวาดถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จักในราคาสูงสุดของ Modigliani ในขณะนี้ การขายผลงานเริ่มขึ้นหลังจากการตายของศิลปินเท่านั้น เขาเสียชีวิตด้วยความยากจน ป่วยเป็นวัณโรค และในวันรุ่งขึ้น จีนน์ เฮบูแตร์น ซึ่งตั้งครรภ์ได้เก้าเดือนก็ฆ่าตัวตายเช่นกัน
13
"อินทรีบนต้นสน"
ผู้เขียน
Qi Baishi
ประเทศ จีน
ปีแห่งชีวิต 1864–1957
สไตล์ guohua
ความสนใจในการประดิษฐ์ตัวอักษรทำให้ Qi Baishi วาดภาพ ตอนอายุ 28 เขาได้เป็นนักเรียนของศิลปิน Hu Qingyuan กระทรวงวัฒนธรรมจีนมอบตำแหน่ง "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่แห่งประชาชนจีน" ให้กับเขา ในปี 1956 เขาได้รับรางวัล International Peace Prize
10x26 ซม.
พ.ศ. 2489
ราคา
65.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ผู้พิทักษ์จีน
ฉี ไป่ซี สนใจในปรากฏการณ์ของโลกรอบข้าง ซึ่งหลายคนไม่ให้ความสำคัญ และนี่คือความยิ่งใหญ่ของเขา ผู้ชายที่ไม่มีการศึกษากลายเป็นศาสตราจารย์และผู้สร้างที่โดดเด่นในประวัติศาสตร์ Pablo Picasso พูดถึงเขา: "ฉันกลัวที่จะไปประเทศของคุณเพราะมี Qi Baishi ในประเทศจีน" องค์ประกอบ "Eagle on a Pine Tree" ได้รับการยอมรับว่าเป็นงานที่ใหญ่ที่สุดของศิลปิน นอกจากผืนผ้าใบแล้ว ยังมีม้วนอักษรอียิปต์โบราณอีกสองม้วน สำหรับประเทศจีน จำนวนเงินที่ซื้อผลิตภัณฑ์นั้นสูงเป็นประวัติการณ์ - 425.5 ล้านหยวน เฉพาะม้วนหนังสือของนักประดิษฐ์ตัวอักษรโบราณ Huang Tingjian เท่านั้นที่ถูกขายในราคา 436.8 ล้านดอลลาร์
14
"1949-A-#1"
ผู้เขียน
คลิฟฟอร์ด สติล
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1980
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม
ตอนอายุ 20 เขาได้ไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนในนิวยอร์กและรู้สึกผิดหวัง ต่อมาเขาสมัครเรียนหลักสูตรลีกศิลป์สำหรับนักเรียน แต่เหลือเวลา 45 นาทีหลังจากเริ่มชั้นเรียน ปรากฏว่า "ไม่ใช่ของเขา" นิทรรศการส่วนบุคคลครั้งแรกทำให้เกิดเสียงสะท้อน ศิลปินพบว่าตัวเอง และด้วยการรับรู้
79x93 ซม.
พ.ศ. 2492
ราคา
61.7 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ผลงานทั้งหมดของเขาซึ่งมีมากกว่า 800 ภาพบนผืนผ้าใบและงาน 1,600 ชิ้นบนกระดาษ ยังคงเป็นมรดกตกทอดไปยังเมืองในอเมริกา ซึ่งพิพิธภัณฑ์ที่ตั้งชื่อตามเขาจะถูกเปิดขึ้น เดนเวอร์กลายเป็นเมืองดังกล่าว แต่มีเพียงการก่อสร้างเท่านั้นที่มีราคาแพงสำหรับทางการ และมีการประมูลผลงานสี่ชิ้นเพื่อให้เสร็จสมบูรณ์ ผลงานของ Still ไม่น่าจะถูกประมูลอีกเลย ซึ่งทำให้ราคาสูงขึ้นล่วงหน้า ภาพวาด "1949-A-No.1" ขายได้มากเป็นประวัติการณ์สำหรับศิลปินแม้ว่าผู้เชี่ยวชาญคาดการณ์ว่าจะขายได้สูงสุด 25-35 ล้านดอลลาร์
15
"องค์ประกอบสุพรีม"
ผู้เขียน
Kazimir Malevich
ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1878–1935
สไตล์ ลัทธิเหนือกว่า
Malevich เรียนจิตรกรรมที่โรงเรียนศิลปะเคียฟ จากนั้นไปที่สถาบันศิลปะมอสโก ในปีพ.ศ. 2456 เขาเริ่มวาดภาพเรขาคณิตนามธรรมในรูปแบบที่เรียกว่า Suprematism (จากภาษาละตินว่า "การครอบงำ")
71x88.5 ซม.
พ.ศ. 2459
ราคา
60 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ภาพวาดถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ของเมืองอัมสเตอร์ดัมเป็นเวลาประมาณ 50 ปี แต่หลังจากการโต้เถียงกัน 17 ปีกับญาติของ Malevich พิพิธภัณฑ์ก็ปล่อยมันไป ศิลปินวาดภาพงานนี้ในปีเดียวกับ The Manifesto of Suprematism ดังนั้น Sotheby's ก่อนการประมูลจะประกาศว่าจะไม่นำไปเป็นของสะสมส่วนตัวด้วยราคาต่ำกว่า 60 ล้านดอลลาร์ และมันก็เกิดขึ้น เป็นการดีกว่าที่จะมองจากด้านบน: ตัวเลขบนผืนผ้าใบคล้ายกับมุมมองทางอากาศของโลก อย่างไรก็ตาม เมื่อไม่กี่ปีก่อน ญาติคนเดียวกันได้เวนคืน "องค์ประกอบ Suprematist" อื่นจากพิพิธภัณฑ์ MoMA เพื่อขายที่ Phillips ในราคา 17 ล้านดอลลาร์
16
"อาบน้ำ"
ผู้เขียน
Paul Gauguin
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1848–1903
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์
ศิลปินอาศัยอยู่ในเปรูจนกระทั่งอายุเจ็ดขวบจากนั้นกลับไปฝรั่งเศสกับครอบครัว แต่ความทรงจำในวัยเด็กผลักดันให้เขาเดินทางตลอดเวลา ในฝรั่งเศสเขาเริ่มวาดภาพเป็นเพื่อนกับแวนโก๊ะ เขาใช้เวลาหลายเดือนกับเขาใน Arles จนกระทั่ง Van Gogh ตัดหูของเขาระหว่างการทะเลาะวิวาท
93.4x60.4 ซม.
1902
ราคา
55 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2548
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ในปี พ.ศ. 2434 โกแกงได้ขายภาพเขียนของเขาเพื่อใช้เงินที่ได้ไปลึกเข้าไปในเกาะตาฮิติ ที่นั่นเขาสร้างผลงานซึ่งเราสามารถสัมผัสได้ถึงความเชื่อมโยงระหว่างธรรมชาติกับมนุษย์ Gauguin อาศัยอยู่ในกระท่อมมุงจาก และสวรรค์เขตร้อนผลิบานบนผืนผ้าใบของเขา ภรรยาของเขาเป็นตาฮิเตียน เตฮูรา วัย 13 ปี ซึ่งไม่ได้ขัดขวางศิลปินจากการสำส่อน เมื่อติดโรคซิฟิลิส เขาจึงเดินทางไปฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม Gauguin นั้นคับแคบที่นั่น และเขากลับไปตาฮิติ ช่วงเวลานี้เรียกว่า "ตาฮิติที่สอง" - ตอนนั้นเองที่ภาพวาด "Bathers" ถูกทาสีซึ่งเป็นหนึ่งในงานที่หรูหราที่สุดในงานของเขา
17
"แดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะสีฟ้าและชมพู"
ผู้เขียน
อองรี มาติส
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1869–1954
สไตล์ ลัทธิโฟวิส
ในปี 1889 Henri Matisse มีอาการไส้ติ่งอักเสบ เมื่อเขาฟื้นจากการผ่าตัด แม่ของเขาซื้อสีทาให้เขา อย่างแรกจากความเบื่อหน่าย Matisse คัดลอกโปสการ์ดสีจากนั้น - ผลงานของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ที่เขาเห็นในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เขาก็มีสไตล์ - fauvism
65.2x81 ซม.
พ.ศ. 2454
ราคา
46.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2552
ในการประมูล คริสตี้ส์
ภาพวาด "แดฟโฟดิลและผ้าปูโต๊ะสีน้ำเงินและชมพู" เป็นของ Yves Saint Laurent มาเป็นเวลานาน หลังจากการเสียชีวิตของกูตูเรียร์ งานศิลปะทั้งหมดของเขาตกไปอยู่ในมือของเพื่อนและคนรักของเขา ปิแอร์ เบอร์เกอร์ ผู้ซึ่งตัดสินใจนำมันขึ้นประมูลที่คริสตี้ส์ ไข่มุกแห่งคอลเล็กชั่นที่ขายคือภาพวาด "แดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะสีน้ำเงินและชมพู" ซึ่งวาดบนผ้าปูโต๊ะธรรมดาแทนผ้าใบ เป็นตัวอย่างหนึ่งของ Fauvism มันเต็มไปด้วยพลังของสี สีสันต่างๆ ดูเหมือนจะระเบิดและกรีดร้อง จากชุดภาพวาดบนผ้าปูโต๊ะที่รู้จักกันดีในปัจจุบันนี้ผลงานชิ้นเดียวที่อยู่ในคอลเล็กชั่นส่วนตัว
18
"สาวนอน"
ผู้เขียน
รอยลี
ชเตนสไตน์
ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1923–1997
สไตล์ ป๊อปอาร์ต
ศิลปินเกิดในนิวยอร์กและหลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียนเขาไปที่โอไฮโอซึ่งเขาไปเรียนหลักสูตรศิลปะ ในปีพ.ศ. 2492 ลิกเตนสไตน์ได้รับปริญญาศิลปศาสตรมหาบัณฑิต ความสนใจในการ์ตูนและความสามารถในการแดกดันทำให้เขากลายเป็นศิลปินลัทธิแห่งศตวรรษที่ผ่านมา
91x91 ซม.
พ.ศ. 2507
ราคา
44.882 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ครั้งหนึ่ง หมากฝรั่งตกไปอยู่ในมือของลิกเตนสไตน์ เขาวาดภาพใหม่จากส่วนแทรกบนผืนผ้าใบและกลายเป็นที่รู้จัก เนื้อเรื่องจากชีวประวัติของเขานี้มีเนื้อหาเกี่ยวกับป๊อปอาร์ตทั้งหมด: การบริโภคเป็นพระเจ้าองค์ใหม่ และในกระดาษห่อหมากฝรั่งมีความสวยงามไม่น้อยไปกว่า Mona Lisa ภาพวาดของเขาชวนให้นึกถึงการ์ตูนและการ์ตูน: ลิกเตนสไตน์เพียงแค่ขยายภาพที่เสร็จแล้ว วาดแรสเตอร์ ใช้การพิมพ์สกรีน และการพิมพ์ซิลค์สกรีน ภาพวาด "Sleeping Girl" เป็นของนักสะสมเบียทริซและฟิลิปเกิร์ชมาเกือบ 50 ปีซึ่งทายาทขายทอดตลาด
19
"ชัยชนะ. บูกี้ วูกี้"
ผู้เขียน
Piet Mondrian
ประเทศ เนเธอร์แลนด์
ปีแห่งชีวิต 1872–1944
สไตล์ neoplasticism
ชื่อจริงของเขา - คอร์เนลิส - ศิลปินเปลี่ยนเป็น Mondrian เมื่อเขาย้ายไปปารีสในปี 2455 ร่วมกับศิลปินธีโอ ฟาน โดสเบิร์ก เขาได้ก่อตั้งขบวนการนีโอพลาสติก ภาษาโปรแกรม Piet ตั้งชื่อตาม Mondrian
27x127 ซม.
1944
ราคา
40 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 1998
ในการประมูล โซเธบี้ส์
"ดนตรี" ที่สุดของศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 หาเลี้ยงชีพด้วยสิ่งมีชีวิตสีน้ำแม้ว่าเขาจะกลายเป็นที่รู้จักในฐานะศิลปินนีโอพลาสติก เขาย้ายไปสหรัฐอเมริกาในทศวรรษที่ 1940 และใช้ชีวิตที่เหลืออยู่ที่นั่น แจ๊สและนิวยอร์ก - นั่นคือสิ่งที่เป็นแรงบันดาลใจให้เขามากที่สุด! จิตรกรรม "ชัยชนะ Boogie Woogie เป็นตัวอย่างที่ดีที่สุดของเรื่องนี้ สี่เหลี่ยมที่เรียบร้อย "มีตราสินค้า" ได้มาจากการใช้เทปกาว ซึ่งเป็นวัสดุโปรดของ Mondrian ในอเมริกาเขาถูกเรียกว่า "ผู้อพยพที่มีชื่อเสียงที่สุด" ในช่วงอายุหกสิบเศษ Yves Saint Laurent ได้ผลิตชุดเดรส "Mondrian" ที่มีชื่อเสียงระดับโลกพร้อมลายตารางสีขนาดใหญ่
20
"องค์ประกอบที่ 5"
ผู้เขียน
โหระพาคันดินสกี้
ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1866–1944
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด
ศิลปินเกิดในมอสโกและพ่อของเขามาจากไซบีเรีย หลังจากการปฏิวัติ เขาพยายามร่วมมือกับทางการโซเวียต แต่ในไม่ช้าก็ตระหนักว่ากฎหมายของชนชั้นกรรมาชีพไม่ได้สร้างขึ้นสำหรับเขา และได้อพยพไปยังเยอรมนีโดยไม่มีปัญหา
275x190 ซม.
พ.ศ. 2454
ราคา
40 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2550
ในการประมูล โซเธบี้ส์
คันดินสกี้เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ละทิ้งการวาดภาพวัตถุโดยสิ้นเชิง ซึ่งเขาได้รับฉายาว่าเป็นอัจฉริยะ ระหว่างลัทธินาซีในเยอรมนี ภาพวาดของเขาถูกจัดว่าเป็น "ศิลปะที่เสื่อมทราม" และไม่ได้จัดแสดงที่ไหนเลย ในปีพ. ศ. 2482 คันดินสกี้ได้รับสัญชาติฝรั่งเศสในปารีสเขาเข้าร่วมในกระบวนการทางศิลปะอย่างอิสระ ภาพวาดของเขา "มีเสียง" ราวกับภาพลวงตา ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้หลายคนเรียกว่า "องค์ประกอบ" (เขียนครั้งแรกในปี 1910 และครั้งสุดท้ายในปี 1939) “องค์ประกอบที่ 5” เป็นหนึ่งในงานหลักในประเภทนี้: “คำว่า “องค์ประกอบ” ฟังดูเหมือนคำอธิษฐานสำหรับฉัน” ศิลปินกล่าว เขาวางแผนว่าจะวาดภาพอะไรบนผืนผ้าใบผืนใหญ่ ต่างจากผู้ติดตามหลายคน ราวกับกำลังเขียนโน้ต
21
"การศึกษาของผู้หญิงในชุดสีน้ำเงิน"
ผู้เขียน
Fernand Léger
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1955
สไตล์ คิวบิสม์-โพสต์อิมเพรสชันนิสม์
Leger ได้รับการศึกษาด้านสถาปัตยกรรมแล้วเป็นนักเรียนที่ School of Fine Arts ในปารีส ศิลปินถือว่าตัวเองเป็นลูกศิษย์ของ Cezanne เป็นผู้ขอโทษสำหรับลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและในศตวรรษที่ 20 เขาก็ประสบความสำเร็จในฐานะประติมากร
96.5x129.5 ซม.
2455-2456
ราคา
39.2 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล โซเธบี้ส์
David Normann ประธานของ International Impressionism and Modernism ของ Sotheby เชื่อว่าเงินจำนวนมหาศาลที่จ่ายให้กับ The Lady in Blue นั้นสมเหตุสมผลทั้งหมด ภาพวาดเป็นของคอลเลกชัน Leger ที่มีชื่อเสียง (ศิลปินวาดภาพสามภาพในหัวข้อเดียว ภาพสุดท้ายอยู่ในมือของเอกชนในปัจจุบัน - เอ็ด.) และพื้นผิวของผืนผ้าใบได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบเดิม ผู้เขียนเองมอบงานนี้ให้กับแกลลอรี่ Der Sturm จากนั้นมันก็จบลงในคอลเล็กชั่นของ Hermann Lang นักสะสมสมัยใหม่ชาวเยอรมันและตอนนี้เป็นของผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก
22
“ฉากถนน เบอร์ลิน"
ผู้เขียน
เอิร์นส์ ลุดวิกเคิร์ชเนอร์
ประเทศ เยอรมนี
ปีแห่งชีวิต 1880–1938
สไตล์ การแสดงออก
สำหรับการแสดงออกทางอารมณ์ของเยอรมัน Kirchner กลายเป็นบุคคลสำคัญ อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่ท้องถิ่นกล่าวหาว่าเขายึดมั่นใน "ศิลปะที่เสื่อมโทรม" ซึ่งส่งผลกระทบอย่างน่าเศร้าต่อชะตากรรมของภาพวาดของเขาและชีวิตของศิลปินที่ฆ่าตัวตายในปี 2481
95x121 ซม.
พ.ศ. 2456
ราคา
38.096 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล คริสตี้ส์
หลังจากย้ายไปเบอร์ลินแล้ว Kirchner ได้สร้างภาพสเก็ตช์ภาพท้องถนน 11 ภาพ เขาได้รับแรงบันดาลใจจากความพลุกพล่านวุ่นวายของเมืองใหญ่ ในภาพวาดที่จำหน่ายในนิวยอร์กในปี 2549 ความวิตกกังวลของศิลปินนั้นรุนแรงเป็นพิเศษ: ผู้คนบนถนนในเบอร์ลินดูเหมือนนก - สง่างามและอันตราย เธอเป็นผลงานชิ้นสุดท้ายจากซีรีส์ดัง ขายทอดตลาด ที่เหลือเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ ในปี 1937 พวกนาซีปฏิบัติต่อ Kirchner อย่างไร้ความปราณี: 639 ผลงานของเขาถูกยึดจากแกลเลอรี่ของเยอรมัน ทำลายหรือขายในต่างประเทศ ศิลปินไม่สามารถอยู่รอดได้
23
"พักผ่อนนักเต้น"
ผู้เขียน
เอ็ดการ์ เดอกาส์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1834–1917
สไตล์ อิมเพรสชั่นนิสม์
ประวัติของเดอกาส์ในฐานะศิลปินเริ่มต้นจากการที่เขาทำงานเป็นผู้ลอกเลียนแบบในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เขาใฝ่ฝันที่จะ "มีชื่อเสียงและไม่รู้จัก" และในที่สุดเขาก็ประสบความสำเร็จ ในช่วงสุดท้ายของชีวิต Degas วัย 80 ปี ที่หูหนวกและตาบอด ยังคงเข้าร่วมงานนิทรรศการและการประมูลต่อไป
64x59 ซม.
พ.ศ. 2422
ราคา
37.043 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล โซเธบี้ส์
“นักบัลเล่ต์เป็นเพียงแค่ข้ออ้างในการพรรณนาถึงเนื้อผ้าและการเคลื่อนไหว” เดอกาส์กล่าว ฉากจากชีวิตของนักเต้นดูเหมือนจะถูกมอง: สาวๆ ไม่ได้โพสท่าเพื่อศิลปิน แต่กลายเป็นส่วนหนึ่งของบรรยากาศที่ถูกจับตามองของเดอกาส์ Resting Dancer ขายได้ 28 ล้านเหรียญในปี 2542 และไม่ถึง 10 ปีต่อมาก็ถูกซื้อไป 37 ล้านเหรียญ - วันนี้เป็นงานที่แพงที่สุดของศิลปินที่เคยเปิดประมูล Degas ให้ความสำคัญกับเฟรมเป็นอย่างมาก เขาออกแบบเองและห้ามไม่ให้เปลี่ยนกรอบ ฉันสงสัยว่ากรอบใดที่ติดตั้งบนภาพวาดที่ขาย?
24
"จิตรกรรม"
ผู้เขียน
ฮวน มิโร
ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1893–1983
สไตล์ ศิลปะนามธรรม
ในช่วงสงครามกลางเมืองสเปน ศิลปินอยู่ฝ่ายรีพับลิกัน ในปีพ.ศ. 2480 เขาหนีจากอำนาจฟาสซิสต์ไปยังกรุงปารีส ที่ซึ่งเขาอาศัยอยู่กับครอบครัวอย่างยากจนข้นแค้น ในช่วงเวลานี้ Miro วาดภาพ "Help Spain!" ดึงดูดความสนใจของคนทั้งโลกไปสู่การปกครองของลัทธิฟาสซิสต์
89x115 ซม.
พ.ศ. 2470
ราคา
36.824 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ชื่อที่สองของภาพวาดคือ "บลูสตาร์" ศิลปินเขียนมันในปีเดียวกันเมื่อเขาประกาศว่า: "ฉันต้องการฆ่าภาพวาด" และเยาะเย้ยผืนผ้าใบอย่างไร้ความปราณีเกาสีด้วยเล็บติดขนบนผืนผ้าใบคลุมงานด้วยขยะ เป้าหมายของเขาคือการหักล้างตำนานเกี่ยวกับความลึกลับของการวาดภาพ แต่เมื่อจัดการกับสิ่งนี้ Miro ได้สร้างตำนานของตัวเองขึ้นซึ่งเป็นนามธรรมที่เหนือจริง "ภาพวาด" ของเขาหมายถึงวัฏจักรของ "ภาพฝัน" ผู้ซื้อสี่รายต่อสู้เพื่อมันในการประมูล แต่การโทรแบบไม่ระบุตัวตนหนึ่งครั้งได้ยุติข้อพิพาท และ "จิตรกรรม" กลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดของศิลปิน
25
"บลูโรส"
ผู้เขียน
อีฟ ไคลน์
ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1928–1962
สไตล์ จิตรกรรมขาวดำ
ศิลปินเกิดในตระกูลจิตรกร แต่ศึกษาภาษาตะวันออก การเดินเรือ งานฝีมือจากทองคำเปลว พุทธศาสนานิกายเซน และอีกมากมาย บุคลิกและการแสดงตลกอวดดีของเขาน่าสนใจกว่าภาพวาดขาวดำหลายเท่า
153x199x16 ซม.
1960
ราคา
36.779 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายในปี 2012
ในงานประมูลของคริสตี้
นิทรรศการครั้งแรกของงานสีเหลือง สีส้ม สีชมพู ไม่ได้กระตุ้นความสนใจของสาธารณชน ไคลน์รู้สึกขุ่นเคืองและครั้งต่อไปที่เขานำเสนอผืนผ้าใบที่เหมือนกัน 11 ชิ้นซึ่งวาดด้วยอุลตรามารีนผสมกับเรซินสังเคราะห์พิเศษ เขายังจดสิทธิบัตรวิธีนี้ สีตกลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะ "International Klein Blue" ศิลปินยังขายความว่างเปล่า สร้างภาพวาดโดยนำกระดาษไปตากฝน การจุดไฟบนกระดาษแข็ง ทำภาพร่างมนุษย์บนผ้าใบ พูดได้คำเดียวว่า ฉันได้ทดลองอย่างดีที่สุดเท่าที่จะทำได้ ในการสร้าง "กุหลาบสีน้ำเงิน" ฉันใช้เม็ดสีแห้ง เรซิน กรวด และฟองน้ำธรรมชาติ
26
“ตามหาโมเสส”
ผู้เขียน
เซอร์ ลอว์เรนซ์ อัลมา-ทาเดมา
ประเทศ บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1836–1912
สไตล์ นีโอคลาสซิซิสซึ่ม
เซอร์ลอว์เรนซ์เองได้เพิ่มคำนำหน้า "alma" ลงในนามสกุลของเขาเพื่อให้ปรากฏเป็นอันดับแรกในแคตตาล็อกงานศิลปะ ในอังกฤษยุควิกตอเรีย ภาพวาดของเขาเป็นที่ต้องการมากจนศิลปินได้รับตำแหน่งอัศวิน
213.4x136.7 ซม.
1902
ราคา
35.922 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ธีมหลักของงานของ Alma-Tadema คือสมัยโบราณ ในภาพวาดเขาพยายามพรรณนาถึงยุคของจักรวรรดิโรมันในรายละเอียดที่เล็กที่สุดด้วยเหตุนี้เขาจึงมีส่วนร่วมในการขุดค้นทางโบราณคดีบนคาบสมุทร Apennine และในบ้านในลอนดอนของเขาเขาได้ทำซ้ำการตกแต่งภายในทางประวัติศาสตร์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เรื่องราวในตำนานกลายเป็นอีกแหล่งแรงบันดาลใจสำหรับเขา ศิลปินเป็นที่ต้องการอย่างมากในช่วงชีวิตของเขา แต่หลังจากที่เขาเสียชีวิตเขาก็ถูกลืมไปอย่างรวดเร็ว ตอนนี้ความสนใจกำลังฟื้นคืนชีพขึ้นมา ดังที่เห็นได้จากต้นทุนของภาพวาด "In Search of Moses" ซึ่งสูงกว่าประมาณการก่อนการขายถึงเจ็ดเท่า
27
"ภาพเหมือนของเจ้าหน้าที่เปลือยกายนอนหลับ"
ผู้เขียน
ลูเซียน ฟรอยด์
ประเทศ เยอรมนี
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1922–2011
สไตล์ ภาพวาดที่เป็นรูปเป็นร่าง
ศิลปินคือหลานชายของซิกมันด์ ฟรอยด์ บิดาแห่งจิตวิเคราะห์ หลังจากการก่อตั้งลัทธิฟาสซิสต์ในเยอรมนี ครอบครัวของเขาอพยพไปยังสหราชอาณาจักร ผลงานของฟรอยด์อยู่ใน Wallace Collection ในลอนดอน ซึ่งไม่เคยมีศิลปินร่วมสมัยเคยจัดแสดงมาก่อน
219.1x151.4 ซม.
1995
ราคา
33.6 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล คริสตี้ส์
ในขณะที่ศิลปินทันสมัยแห่งศตวรรษที่ 20 สร้าง "จุดสีบนผนัง" ในเชิงบวกและขายได้หลายล้าน ฟรอยด์วาดภาพที่เป็นธรรมชาติอย่างยิ่งและขายให้มากขึ้นไปอีก “ฉันจับเสียงร้องของจิตวิญญาณและความทรมานของเนื้อที่เหี่ยวเฉา” เขากล่าว นักวิจารณ์เชื่อว่าทั้งหมดนี้เป็น "มรดก" ของซิกมันด์ ฟรอยด์ ภาพวาดถูกจัดแสดงอย่างแข็งขันและขายได้สำเร็จจนผู้เชี่ยวชาญมีข้อสงสัย: พวกเขามีคุณสมบัติในการสะกดจิตหรือไม่? ขายในการประมูล "ภาพเหมือนของเจ้าหน้าที่เปลือยกายที่หลับใหล" ตามที่ดวงอาทิตย์ได้รับโดยผู้เชี่ยวชาญด้านความงามและมหาเศรษฐี Roman Abramovich
28
"ไวโอลินและกีตาร์"
ผู้เขียน
Xหนึ่ง gris
ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1887–1927
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม
เกิดที่มาดริด ซึ่งเขาจบการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะและหัตถกรรม ในปี 1906 เขาย้ายไปปารีสและเข้าสู่วงการศิลปินที่ทรงอิทธิพลที่สุดแห่งยุค: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger ยังทำงานร่วมกับ Sergei Diaghilev และคณะของเขาด้วย
5x100 ซม.
พ.ศ. 2456
ราคา
$28.642 ล้าน
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล คริสตี้ส์
Gris ในคำพูดของเขาเองมีส่วนร่วมใน "สถาปัตยกรรมที่มีสีระนาบ" ภาพวาดของเขาได้รับการพิจารณาอย่างแม่นยำ: เขาไม่ได้เว้นจังหวะโดยบังเอิญซึ่งทำให้ความคิดสร้างสรรค์เกี่ยวข้องกับเรขาคณิต ศิลปินสร้างลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในแบบของเขาเอง แม้ว่าเขาจะให้ความเคารพอย่างสูงต่อปาโบล ปีกัสโซ บิดาผู้ก่อตั้งขบวนการนี้ ผู้สืบทอดตำแหน่งได้อุทิศงาน Cubist งานแรกของเขา นั่นคือ Tribute to Picasso ให้กับเขา ภาพวาด "ไวโอลินและกีตาร์" ได้รับการยอมรับว่าโดดเด่นในผลงานของศิลปิน ในช่วงชีวิตของเขา Gris เป็นที่รู้จักจากนักวิจารณ์และนักวิจารณ์ศิลปะ ผลงานของเขาจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ที่ใหญ่ที่สุดในโลกและเก็บไว้ในคอลเล็กชั่นส่วนตัว
29
"ภาพเหมือนทุ่ง Eluard»
ผู้เขียน
ซัลวาดอร์ ดาลี
ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1904–1989
สไตล์ สถิตยศาสตร์
“สถิตยศาสตร์คือฉัน” Dali กล่าวเมื่อเขาถูกไล่ออกจากกลุ่ม Surrealist เมื่อเวลาผ่านไป เขากลายเป็นศิลปินเซอร์เรียลลิสต์ที่โด่งดังที่สุด งานของต้าหลี่มีอยู่ทุกที่ ไม่ใช่แค่ในแกลเลอรี่ ตัวอย่างเช่น เขาเป็นคนคิดค้นบรรจุภัณฑ์สำหรับ Chupa-Chups
25x33 ซม.
พ.ศ. 2472
ราคา
20.6 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล โซเธบี้ส์
ในปี 1929 กวี Paul Eluard และ Gala ภรรยาชาวรัสเซียของเขามาเยี่ยม Dali ผู้ยั่วยุและนักวิวาทผู้ยิ่งใหญ่ การพบกันครั้งนี้เป็นจุดเริ่มต้นของเรื่องราวความรักที่ยาวนานกว่าครึ่งศตวรรษ ภาพวาด "Portrait of Paul Eluard" ถูกวาดขึ้นในระหว่างการเยือนประวัติศาสตร์ครั้งนี้ “ฉันรู้สึกว่าฉันได้รับมอบหมายให้ทำหน้าที่จับภาพใบหน้าของกวี ซึ่งโอลิมปัสฉันขโมยหนึ่งในรำพึง” ศิลปินกล่าว ก่อนที่จะพบกับ Gala เขาเป็นสาวพรหมจารีและรู้สึกรังเกียจที่คิดว่าจะมีเพศสัมพันธ์กับผู้หญิง รักสามเส้ามีอยู่จนกระทั่งเอลูอาร์ดเสียชีวิต หลังจากนั้นก็กลายเป็นคู่ Dali-Gala
30
"วันครบรอบ"
ผู้เขียน
มาร์ค ชากาล
ประเทศ รัสเซีย ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1887–1985
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด
Moishe Segal เกิดที่ Vitebsk แต่ในปี 1910 เขาอพยพไปยังปารีส เปลี่ยนชื่อของเขา และใกล้ชิดกับศิลปินแนวหน้าในยุคนั้น ในช่วงทศวรรษที่ 1930 เมื่อพวกนาซียึดอำนาจ เขาได้เดินทางไปสหรัฐอเมริกาโดยได้รับความช่วยเหลือจากกงสุลอเมริกัน เขากลับไปฝรั่งเศสในปี 2491 เท่านั้น
80x103 ซม.
พ.ศ. 2466
ราคา
14.85 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายในปี 1990
ในการประมูลของ Sotheby
ภาพวาด "ยูบิลลี่" ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของศิลปิน มันมีคุณสมบัติทั้งหมดในการทำงานของเขา: กฎทางกายภาพของโลกถูกลบล้างความรู้สึกของเทพนิยายได้รับการเก็บรักษาไว้ในฉากของชีวิตชนชั้นนายทุนน้อยและความรักอยู่ในใจกลางของโครงเรื่อง Chagall ไม่ได้ดึงผู้คนจากธรรมชาติ แต่มาจากความทรงจำหรือการเพ้อฝันเท่านั้น ภาพวาด "ยูบิลลี่" แสดงให้เห็นถึงตัวศิลปินเองกับเบลาภรรยาของเขา ภาพวาดถูกขายในปี 1990 และไม่ได้รับการเสนอราคาตั้งแต่นั้นมา ที่น่าสนใจคือพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งนิวยอร์ก MoMA ยังคงเหมือนเดิมทุกประการ ภายใต้ชื่อ "วันเกิด" เท่านั้น โดยวิธีการที่มันถูกเขียนก่อนหน้านี้ - ในปี 1915
ร่างที่เตรียมไว้
Tatyana Palasova
รวบรวมเรตติ้งแล้ว
ตามรายการ www.art-spb.ru
นิตยสาร tmn №13
(พฤษภาคม-มิถุนายน 2556)
ถ้าคุณคิดว่าศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ทุกคนล้วนแต่เป็นอดีตไปแล้ว คุณไม่มีทางรู้หรอกว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้ คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะอยู่ในความทรงจำของคุณไม่น้อยไปกว่าผลงานของเกจิในสมัยก่อน
Wojciech Babski
Wojciech Babski เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ เขาจบการศึกษาจากสถาบันสารพัดช่าง Silesian แต่เชื่อมโยงตัวเองด้วย เมื่อเร็ว ๆ นี้เขาได้วาดภาพผู้หญิงเป็นส่วนใหญ่ มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์พยายามที่จะได้รับผลที่ดีที่สุดด้วยวิธีง่ายๆ
ชอบสี แต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อให้ได้ความประทับใจที่ดีที่สุด ไม่กลัวที่จะทดลองเทคนิคใหม่ๆ เมื่อเร็ว ๆ นี้เขาได้รับความนิยมในต่างประเทศมากขึ้นเรื่อย ๆ โดยเฉพาะในสหราชอาณาจักรซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการขายผลงานซึ่งสามารถพบได้ในคอลเล็กชั่นส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจในจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังแจ๊ส. ปัจจุบันอาศัยและทำงานใน Katowice
Warren Chang
Warren Chang เป็นศิลปินอเมริกันร่วมสมัย เกิดในปี 2500 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาระดับเกียรตินิยมอันดับสองจาก Art Center College of Design ในเมืองแพซาดีนาในปี 2524 ด้วยปริญญาศิลปศาสตรบัณฑิตสาขาวิจิตรศิลป์ ในอีกสองทศวรรษข้างหน้า เขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับบริษัทต่างๆ ในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนที่จะเริ่มอาชีพการเป็นศิลปินมืออาชีพในปี 2552
ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาสามารถแบ่งออกเป็นสองประเภทหลัก: ภาพวาดภายในชีวประวัติและภาพวาดที่วาดภาพคนทำงาน ความสนใจในการวาดภาพสไตล์นี้มีรากฐานมาจากผลงานของ Jan Vermeer จิตรกรสมัยศตวรรษที่ 16 และขยายไปถึงวัตถุ ภาพเหมือนตนเอง รูปภาพของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน สตูดิโอ ห้องเรียน และการตกแต่งภายในบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และอารมณ์ในภาพวาดที่เหมือนจริงผ่านการปรับแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง
ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนไปใช้ทัศนศิลป์แบบดั้งเดิม ในช่วง 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพเขียนสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียงคนเดียวใน 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน วอร์เรนอาศัยอยู่ในเมืองมอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา เขายังสอน (รู้จักกันในนามครูที่มีความสามารถ) ที่สถาบันศิลปะซานฟรานซิสโก
ออเรลิโอ บรูนี
ออเรลิโอ บรูนี เป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่แบลร์ 15 ตุลาคม 2498 สำเร็จการศึกษาระดับปริญญาด้านภาพทิวทัศน์จากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเองในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนพื้นฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอุมเบรีย
ภาพวาดในยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิสถิตยศาสตร์ แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มให้ความสำคัญกับความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์เชิงโคลงสั้น ๆ ซึ่งตอกย้ำการผสมผสานนี้ด้วยความซับซ้อนอันวิจิตรงดงามและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่มีชีวิตและไม่มีชีวิตจะได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะเหมือนจริงมากเกินไป แต่ในขณะเดียวกันวัตถุเหล่านี้ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบ และความอุดมสมบูรณ์ คือจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งหล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี
อเล็กซานเดอร์ บาลอส
Alkasandr Balos เป็นศิลปินชาวโปแลนด์ร่วมสมัยที่เชี่ยวชาญด้านภาพเขียนสีน้ำมัน เกิดในปี 1970 ในเมือง Gliwice ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกาในเมือง Shasta รัฐแคลิฟอร์เนีย
เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาศึกษาศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นตั้งแต่อายุยังน้อย กิจกรรมศิลปะจึงได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากพ่อแม่ทั้งสอง ในปี 1989 เมื่ออายุได้สิบแปดปี บาลอสออกจากโปแลนด์เพื่อไปสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูประจำโรงเรียนและศิลปินนอกเวลา Cathy Gaggliardi ได้สนับสนุนให้ Alcasander เข้าเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนไปยังมหาวิทยาลัย Milwaukee Wisconsin ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ด้านปรัชญา Harry Rosin
หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีในปี 2538 บาลอสก็ย้ายไปชิคาโกเพื่อศึกษาที่โรงเรียนวิจิตรศิลป์ ซึ่งมีวิธีการตามผลงานของจ๊าค-หลุยส์ เดวิด ภาพเหมือนจริงและภาพเหมือนประกอบขึ้นจากงานส่วนใหญ่ของ Balos ในยุค 90 และต้นทศวรรษ 2000 วันนี้ Balos ใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นคุณลักษณะและข้อบกพร่องของการดำรงอยู่ของมนุษย์ โดยไม่ต้องเสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ
องค์ประกอบของภาพวาดของเขามีจุดประสงค์เพื่อให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระจากนั้นผืนผ้าใบจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปีพ.ศ. 2548 ศิลปินได้ย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ ตั้งแต่นั้นมา ขอบเขตงานของเขาได้ขยายกว้างขึ้นอย่างมาก และขณะนี้ได้รวมวิธีการวาดภาพที่เสรีมากขึ้น รวมทั้งนามธรรมและรูปแบบมัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการเป็นภาพวาด
พระอลิสสา
Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เธอเกิดในปี 2520 ที่ริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ เธอเริ่มสนใจการวาดภาพเมื่อตอนที่เธอยังเป็นเด็ก เธอเข้าเรียนที่ The New School ในนิวยอร์กและมหาวิทยาลัย Montclair State และจบการศึกษาจากวิทยาลัยบอสตันในปี 2542 ด้วยปริญญาตรี ในเวลาเดียวกัน เธอศึกษาการวาดภาพที่ Lorenzo Medici Academy ในเมืองฟลอเรนซ์
จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อภายใต้โครงการปริญญาโทที่ New York Academy of Art ใน Department of Figurative Art ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 เธอบรรยายสั้น ๆ ที่มหาวิทยาลัยและสถาบันการศึกษาทั่วประเทศ และสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy College of Art
“การใช้ฟิลเตอร์ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ฉันบิดเบือนร่างกายมนุษย์ ตัวกรองเหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ของการออกแบบที่เป็นนามธรรม โดยมีเกาะสีต่างๆ มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์
ภาพวาดของฉันเปลี่ยนรูปลักษณ์สมัยใหม่ของท่าและท่าทางการอาบน้ำของผู้หญิงที่เป็นที่ยอมรับแล้ว พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันถูกกดทับกับกระจกของหน้าต่างห้องอาบน้ำ ทำให้ร่างกายของพวกเขาบิดเบี้ยว โดยตระหนักว่าด้วยเหตุนี้พวกมันจึงส่งผลต่อการมองผู้หญิงที่เปลือยเปล่าของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ ชั้นสีหนาผสมกันเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อดูใกล้ ๆ คุณสมบัติทางกายภาพที่น่าทึ่งของสีน้ำมันก็ปรากฏชัด โดยการทดลองกับชั้นของสีและสี ฉันพบช่วงเวลาที่ลายเส้นนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น
เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งในทันทีและถึงกับหมกมุ่นอยู่กับมัน และรู้สึกว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุด ฉัน "ยอมรับ" ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและแยกแยะตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ภาพวาดแทนตัวและนามธรรมมาบรรจบกัน หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำ”
อันโตนิโอ ฟิเนลลี
ศิลปินชาวอิตาลี - ตัวจับเวลา” – อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างกรุงโรมและกัมโปบัสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ
ภาพวาดดินสอ " ผู้เฝ้ากาลเวลา” อันโตนิโอ ฟิเนลลีส่งเราไปในการเดินทางชั่วนิรันดร์ผ่านโลกภายในของมนุษย์ชั่วขณะและการวิเคราะห์อย่างเข้มงวดเกี่ยวกับโลกนี้ที่เกี่ยวข้องกับมัน องค์ประกอบหลักคือการผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่เกิดบนผิวหนัง
ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย ทุกเพศ และทุกสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกถึงกาลเวลา และศิลปินก็หวังที่จะพบหลักฐานของความโหดเหี้ยมของกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอกำหนดผลงานของเขาด้วยชื่อทั่วไปว่า "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขา เขาไม่เพียงแต่วาดภาพบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้พิจารณาถึงผลลัพธ์ที่แท้จริงของกาลเวลาภายในตัวบุคคล
ฟลามิเนีย คาร์โลนี
Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี ลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในกรุงโรมสิบสองปี สามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส ได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลป์จาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรด้านการฟื้นฟูงานศิลปะแบบพิเศษ ก่อนพบว่าเธอมีความต้องการและอุทิศตนเพื่อการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักสี นักออกแบบ และนักแสดง
ความหลงใหลในการวาดภาพของ Flaminia เกิดขึ้นตั้งแต่ยังเป็นเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมันเพราะเธอชอบ “coiffer la pate” และชอบเล่นกับวัสดุนี้ด้วย เธอได้เรียนรู้เทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flamininia ได้รับแรงบันดาลใจจากปรมาจารย์ด้านการวาดภาพ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand ตลอดจนการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ: สตรีทอาร์ต ความสมจริงแบบจีน สถิตยศาสตร์ และความสมจริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปินคนโปรดของเธอคือคาราวัจโจ ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังบำบัดของศิลปะ
เดนิส เชอร์นอฟ
Denis Chernov เป็นศิลปินชาวยูเครนมากความสามารถ เกิดในปี 1978 ในเมือง Sambir ภูมิภาค Lviv ประเทศยูเครน หลังจากสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยศิลปะคาร์คอฟในปี 2541 เขาพักที่คาร์คอฟซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ นอกจากนี้ เขายังศึกษาที่สถาบันการออกแบบและศิลปะแห่งรัฐคาร์คอฟ ภาควิชากราฟิก ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2547
เขามีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการศิลปะเป็นประจำในขณะนี้มีมากกว่าหกสิบคนทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานของเดนิส เชอร์นอฟส่วนใหญ่ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชั่นส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางชิ้นถูกขายที่คริสตี้ส์
เดนิสทำงานในเทคนิคกราฟิกและการวาดภาพที่หลากหลาย ภาพวาดดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดที่เขาโปรดปราน รายการหัวข้อของภาพวาดดินสอของเขานั้นมีความหลากหลายมาก เขาวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย การจัดประเภท ภาพประกอบหนังสือ การสร้างวรรณกรรมและประวัติศาสตร์ และความเพ้อฝัน
กลางศตวรรษที่ 19 ภูมิทัศน์กลายเป็นแนวจิตรกรรมอเมริกันที่โดดเด่น ศิลปินหลายคนในสมัยนั้นรวมตัวกันในกลุ่ม Hudson River School ซึ่งรวมถึงจิตรกรภูมิทัศน์มากกว่า 50 คนจากสองชั่วอายุคน
ถือเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ชาวอเมริกันที่มีชื่อเสียงที่สุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Thomas Cole (1801-1848),
เกิดในอังกฤษและย้ายไปอเมริกาเมื่ออายุ 17 ปีกับพ่อแม่ของเขา เขาเรียนวาดภาพกับศิลปินเร่ร่อน เรียนด้วยตัวเอง เดินทางไปต่างประเทศบ่อยมาก ไปอังกฤษและอิตาลี
แต่เขาถือว่าธรรมชาติแบบอเมริกันงดงามกว่าแบบยุโรปมาก
สิ่งที่ใกล้เคียงที่สุดกับนิสัยของโคลคือเพื่อนของเขา Asher Duran(พ.ศ. 2339-2429) ซึ่งเริ่มต้นจากการเป็นศิลปินกราฟิก
แต่หลังจากเดินทางกับเพื่อนผ่านภูเขาของอเมริกา เขาก็เริ่มสนใจภูมิทัศน์ ดึงเอาธรรมชาติมามากมาย
ศิลปินวาดภาพนี้ในความทรงจำของเพื่อนที่เสียชีวิตในการประมูลในปี 2550 ได้รับเงิน 35 ล้านดอลลาร์สำหรับมัน
หนึ่งในบุคคลสำคัญในโรงเรียนฮัดสันริเวอร์คือ โบสถ์เฟรเดอริค เอ็ดวินเมื่ออายุได้ 18 ปีก็กลายเป็นนักเรียนของโคล
จากฤดูใบไม้ผลิถึงฤดูใบไม้ร่วงเขาเดินทางไปทั่วประเทศและทั่วโลก
อย่างแรก อยู่คนเดียว แล้วจากนั้นก็ไปกับครอบครัว มักจะเดินเท้า เขาวาดภาพร่าง และในฤดูหนาว เขาวาดภาพขนาดใหญ่ที่สว่างสดใสและขายได้สำเร็จ
อัลเบิร์ต เบียร์สตัดท์(พ.ศ. 2373-2545) เดินทางไปทั่วประเทศและยุโรปอย่างเต็มใจทาสีเทือกเขาแอลป์ แต่ความรักที่แท้จริงของเขาคือเทือกเขาร็อกกี
ไวลด์เวสต์, อินเดียนแดง.
เขาสามารถถ่ายทอดความรักนี้ลงบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ของเขา โดยใช้เอฟเฟกต์แสงและเงาอย่างชำนาญ
Thomas Moran(พ.ศ. 2379-2469) ซึ่งอพยพมาจากพ่อแม่ของเขาจากอังกฤษตั้งแต่ยังเป็นเด็ก ทำงานเป็นช่างแกะสลักไม้ฝึกหัดเมื่อตอนเป็นวัยรุ่น เริ่มทาสีภูมิทัศน์ตั้งแต่เนิ่นๆ
ในขณะที่เรียนอยู่ที่อังกฤษ เขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากงานของ William Turner ความสามารถในการเติมแสงบนผืนผ้าใบของเขา
โมแรนวาดภาพทิวทัศน์ของอังกฤษ ทิวทัศน์ของเมืองเวนิส
แต่งานส่วนใหญ่ของเขาอุทิศให้กับ Wild West และเทือกเขาร็อกกีอันเป็นที่รัก การมีส่วนร่วมของเขาในการสำรวจวิจัยไปยังสถานที่เหล่านี้และภาพวาดของเขามีส่วนทำให้การเปลี่ยนแปลงของเยลโลว์สโตนเป็นอุทยานแห่งชาติ
จอห์น เฟรเดอริค เคนเซตต์(1816-1872) ตัวแทนของ "Luminism" * ในจิตรกรรมภูมิทัศน์อเมริกัน "Hudson River School" เขาได้รับการศึกษาด้านศิลปะครั้งแรกจากพ่อของเขา ทำงานในเวิร์คช็อปการแกะสลักของเขา แต่ฝันถึงการวาดภาพทิวทัศน์
เขาไปอังกฤษแล้วไปฝรั่งเศสชื่นชมการวาดภาพทิวทัศน์ของชาวดัตช์และอังกฤษเดินทางไปอิตาลี
เมื่อกลับมาที่อเมริกา ยังคงวาดภาพทิวทัศน์ที่สงบ เต็มไปด้วยแสงบริสุทธิ์ และดำเนินการอย่างวิจิตรงดงาม Kensett กลายเป็นที่นิยมในหมู่นักสะสม ความสำเร็จ และความมั่งคั่ง
จอห์น เอฟ. ฟรานซิส(1808 -1906) จิตรกรที่เรียนรู้ด้วยตนเองซึ่งเริ่มต้นจากการเป็นจิตรกรภาพเหมือน เป็นที่รู้จักจากภาพนิ่งของเขา
มันเป็นภาพวาดที่ปลุกให้เขาสนใจในรายละเอียดเล็ก ๆ น้อย ๆ ที่เขาพัฒนาได้สำเร็จในงานของเขา
ในขณะนั้นชีวิตยังคงเป็นที่นิยม ภาพวาดของฟรานซิสเป็นที่ต้องการของเขา เขากลายเป็นศิลปินชั้นนำในประเภทภาพนิ่ง "โต๊ะ" ซึ่งแสดงภาพผลไม้ ถั่ว ชีส บิสกิต และผลิตภัณฑ์อื่นๆ
มาร์ติน จอห์นสัน เฮด(พ.ศ. 2362-2447) เกิดในครอบครัวของเจ้าของร้าน เริ่มด้วยการเป็นจิตรกร รักษาความสัมพันธ์ฉันมิตรกับศิลปินของโรงเรียนฮัดสันริเวอร์และวาดภาพท้องทะเลแสนโรแมนติก
เดินทางไปทั่วยุโรป เดินทางไปตามชายฝั่งอเมริกา หลังจากการเดินทางไปเขตร้อน ธีมหลักของงานของเขาคือภูมิทัศน์ของฟลอริดา
นกเขตร้อน (มีภาพวาดเฉพาะนกฮัมมิ่งเบิร์ดประมาณ 40 ภาพ) และดอกไม้ โดยเฉพาะแมกโนเลีย
เขาไม่ได้กลายเป็นศิลปินที่เป็นที่รู้จักและมีชื่อเสียงในช่วงชีวิตของเขา แต่วันนี้ผลงานของเขาสามารถพบได้ในพิพิธภัณฑ์ใหญ่ ๆ และบางครั้งแม้แต่ในโรงรถและตลาดนัด
Thomas Eakins(พ.ศ. 2487-2459) หนึ่งในผู้ก่อตั้งขบวนการเสมือนจริง จิตรกร กราฟิค ประติมากร ช่างภาพ อาจารย์
คนแรกที่หันมามองภาพชีวิตคนเมืองในอเมริกา เขาได้รับการศึกษาในฟิลาเดลเฟียดำเนินการต่อในปารีสเดินทางไปทั่วยุโรปชื่นชมผลงานของอาจารย์นักสัจนิยมชาวสเปน Velazquez และ Ribera ผลของแสงและเงาโดย Rembrandt
เขาเรียนรู้ที่จะพรรณนาถึงร่างกายที่เปลือยเปล่าที่กำลังเคลื่อนไหว ซึ่งเป็นเรื่องราวจากการกระทำที่เกิดขึ้น เพื่อเปรียบเทียบการตกแต่งภายในที่มืดในภาพบุคคลกับแสงเข้มข้นที่พุ่งไปที่ใบหน้าและรูปร่าง
ในช่วงชีวิตของเขา Eakins ไม่ได้รับการยอมรับมากนัก แต่ต่อมาลูกหลานก็ชื่นชมสไตล์ที่สมจริงของเขา
วินสโลว์ โฮเมอร์(พ.ศ. 2381-2453) จิตรกรและช่างแกะสลักภูมิทัศน์ชาวอเมริกันผู้โดดเด่นที่ทำงานในรูปแบบสมจริง
เขาได้รับการศึกษาด้านศิลปะเบื้องต้นจากแม่ของเขา ซึ่งเป็นผู้วาดภาพสีน้ำที่มีความสามารถ และได้รับอุปนิสัยที่เข้ากับคนเข้าสังคมที่มีความมุ่งมั่นและอารมณ์ขันจากเธอ อาชีพของเขาเริ่มต้นด้วยกราฟิกทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบมา 20 ปีในช่วงสงครามกลางเมืองเขาสร้างภาพร่างและภาพวาดเกี่ยวกับสงครามและผลที่ตามมาบนพื้นฐานของการที่เขาสร้างภาพเขียนในภายหลัง
หลังสงครามได้ไม่นาน โฮเมอร์ไปปารีสที่ซึ่งเขายังคงวาดภาพภูมิทัศน์และฉากชีวิตในเมือง ผลงานของเขาอยู่ใกล้กับโรงเรียนบาร์บิซอน แม้ว่าเขาจะใช้การเล่นแสงในภาพวาดของเขาอย่างแข็งขันซึ่งเป็นลักษณะของอิมเพรสชันนิสต์ แต่ก็ไม่มีหลักฐานว่ามีอิทธิพลต่องานของเขา เมื่อถึงเวลานั้นเขาได้พัฒนาสไตล์อิสระของเขาเองแล้ว
เขาเป็นที่รู้จักมากที่สุดจากภาพวาดเกี่ยวกับทะเล
ภาพจากชีวิตในชนบทและจากการเดินทางไปอังกฤษ เขานำภาพวาดที่เล่าถึงชีวิตของหมู่บ้านชาวประมง ทะเล และภาพสีน้ำ
เขาเดินทางไปทั่วสหรัฐอเมริกาและอเมริกากลาง วาดภาพภูมิประเทศเขตร้อนและเต็มไปด้วยหิมะ เด็ก และสัตว์ต่างๆ เป็นที่เชื่อกันว่าโฮเมอร์เป็นหนึ่งในรุ่นของศิลปินที่สร้างโรงเรียนศิลปะอเมริกันของตัวเอง
เจมส์ วิสต์เลอร์(พ.ศ. 2377-2546) เกิดในตระกูลวิศวกรที่มีชื่อเสียง
ตอนอายุแปดขวบ เขาย้ายไปอยู่กับพ่อแม่ที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งพ่อของเขาได้รับเชิญให้ทำงานในแผนกรถไฟ ที่นั่น เด็กหนุ่มวิสต์เลอร์เริ่มเรียนการวาดภาพแบบส่วนตัวเป็นครั้งแรก และเมื่ออายุได้ 11 ขวบ เขาก็เข้าสู่สถาบันศิลปะแห่งจักรวรรดิ บางครั้งเขาอาศัยอยู่ที่ลอนดอนกับแม่ ศึกษาศิลปะ วาดและสะสมหนังสือเกี่ยวกับการวาดภาพต่อไป
หลังจากการตายของพ่อของเขาจากอหิวาตกโรค ครอบครัวของวิสต์เลอร์กลับไปอเมริกา อาศัยอยู่อย่างสุภาพ และเขาเข้าเรียนที่วิทยาลัยการทหารที่เวสต์พอยต์ แต่ทั้งร่างกาย ภายนอก และจิตใจ เขาไม่พร้อมสำหรับอาชีพทหารและถูกไล่ออกจากโรงเรียน จากนั้นเขาก็ตัดสินใจอย่างแน่วแน่ว่าศิลปะจะเป็นอนาคตของเขา เริ่มสร้างงานแกะสลัก ไปปารีสและไม่เคยกลับไปบ้านเกิดของเขาอีก ที่นั่น Whistler เช่าสตูดิโอในย่าน Latin Quarter ใช้ชีวิตแบบโบฮีเมียน สูบบุหรี่และดื่มหนัก แต่ยังวาดภาพโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์เพื่อหารายได้ เรียนศิลปะ บูชา Courbet และ Corot ชื่นชมกราฟิกของญี่ปุ่นและ ศิลปะตะวันออกโดยทั่วไป
หลังจากย้ายไปลอนดอนและเข้าร่วมนิทรรศการได้สำเร็จ ในไม่ช้า Whistler ก็สร้างชื่อให้ตัวเองไม่เพียงแค่ในฐานะศิลปินเท่านั้น แต่ยังได้รู้จักเพื่อนมากมายในหมู่ศิลปินและนักเขียนด้วยปัญญา ความสามารถในการแต่งตัว และความเอื้ออาทรของเขา เขาเดินทางบ่อยมากเพื่อศึกษางานของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่และวาดภาพ ตั้งแต่ปี 2412 เขาเริ่มเซ็นชื่อบนภาพวาดของเขาด้วยพระปรมาภิไธยย่อ - ผีเสื้อประกอบด้วยชื่อย่อของเขา
สีโปรดของเขาคือสีเทา สีดำ และสีน้ำตาล วิสต์เลอร์เทศนาเรื่อง "ศิลปะเพื่อเห็นแก่ศิลปะ" บริสุทธิ์ ปราศจากความคิด ดึงดูดความรู้สึกทางศิลปะมากกว่าอารมณ์ และมักให้ชื่อเพลงแก่ภาพวาดของเขา
เป็นที่เชื่อกันว่าเขาใกล้เคียงกับอิมเพรสชั่นนิสม์ในแง่ของอารมณ์ในภาพวาดของเขา แต่ไม่ใช่ในแง่ของสีและเอฟเฟกต์แสง
ในสไลด์โชว์ที่เสนอ คุณสามารถดูภาพวาดเพิ่มเติมโดยศิลปินที่กล่าวถึงทั้งหมด
ในที่สุด ฉันก็มาถึงหัวข้อที่ฉันชอบ - "อิมเพรสชันนิสม์" แต่ก็เป็นอีกครั้ง ยังมีต่อ.
*ลูมินิซิม- ทิศทางในการวาดภาพทิวทัศน์แบบอเมริกัน โดยมีลักษณะความอิ่มตัวของแสง การใช้มุมมองทางอากาศ และการปกปิดลายเส้นที่มองเห็นได้ (
"หนังสือทำให้ฉันมีความรู้สึกเป็นส่วนตัวและพึงพอใจอย่างสร้างสรรค์ เมื่อฉันทำงานเกี่ยวกับหนังสือ ฉันหวังว่าโทรศัพท์จะไม่ดัง ความพึงพอใจของฉันมาจากการพิมพ์จริงบนกระดาษ"
Pinkney Jerry นักวาดภาพประกอบหนังสือเด็กชาวอเมริกัน เกิดเมื่อวันที่ 22 ธันวาคม พ.ศ. 2482 ที่เมืองเยอรมันทาวน์ ในโรงเรียนมัธยมศึกษาตอนปลาย ความรักและความสามารถในการวาดรูปของเขาเป็นที่สังเกตโดยนักเขียนการ์ตูน John Liney ผู้ซึ่งสนับสนุนให้เขามีอาชีพเป็นศิลปิน หลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียนอาชีวศึกษาดอบบินส์ พิงค์นีย์ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนเพื่อไปศึกษาที่วิทยาลัยศิลปะฟิลาเดลเฟีย ต่อมาเขาย้ายไปบอสตันซึ่งเขาทำงานด้านการออกแบบและภาพประกอบ ในที่สุดก็เปิดสตูดิโอของตัวเองที่เจอร์รี พิงค์นีย์ สตูดิโอ และต่อมาก็ย้ายไปนิวยอร์ก Pinkney Jerry ยังคงใช้ชีวิตและทำงานในนิวยอร์ก ในช่วงหลายปีที่เขาทำงานสร้างสรรค์ เขาสอนสัมมนาที่มหาวิทยาลัย โรงเรียนสอนศิลปะทั่วประเทศ
“ฉันต้องการแสดงให้เห็นว่าศิลปินแอฟริกันอเมริกันสามารถทำอะไรในประเทศนี้ในระดับประเทศในด้านทัศนศิลป์ ฉันต้องการเป็นแบบอย่างที่ดีสำหรับครอบครัวของฉันและสำหรับชาวแอฟริกันอเมริกันคนอื่นๆ”
